美國塗鴉藝術家UDON在台首展！從街頭文化走入當代藝術空間，解密招牌創作符號「鬼面」

美國街頭藝術家UDON首次在台個展《THE BYE PRODUCT》近期於複合式選品空間LIGHTWELL登場，除了最具代表性的「鬼面」角色外，更完整呈現UDON數十年來橫跨街頭文化、潮流音樂的創作軌跡，以及對於在地文化場景的號召力與影響力。

《THE BYE PRODUCT》由結合時尚選品與藝術展演的品牌LIGHTWELL、推動街頭藝術與當代潮流文化跨域融合的Melting Part共同舉辦。UDON除了是塗鴉藝術家外，也從年輕就深入潮流音樂和滑板文化，遊走於不同領域的街頭文化，與Melting Part從現場音樂表演為出發點、融入多元藝術創作的核心理念不謀而合，讓跨領域的文化和藝術在此發生。

UDON：神秘塗鴉傳奇人物

擁有亞洲和美國血統的UDON來自舊金山，是全球塗鴉文化的重要推手之一。定居台灣後，UDON展開尋根與文化之旅，他之於台北的街景如空氣之於遼闊的田野、寂靜之於空蕩的房間——絕對必要、無處不在，卻又無跡可尋。

在UDON的作品上，時常都可以看見手寫風格的「UDON」和代表日文烏龍麵的麵碗；另外，身穿連帽衫，並始終掛著困惑表情的「鬼面」（Ghostface）則是UDON最重要的創作符號，如同Jean-Michel Basquiat之於皇冠、Keith Haring和舞者，或是Dali Salvador的融化時鐘，是一個與藝術家緊緊連結的符號。UDON認為：「在我們必須正視生與死、到來與離去的現實世界中，鬼魂成為了人性和靈性的象徵，它提供了一個機會，讓我們從一種超然的、超越現世的狀態來觀察人類的行為和文化。」25年來，UDON藉由塗鴉從街頭走到空間，將全部的感官沉浸在這個文化中，到達自己從未想過可以去的地方。

從街頭走入空間，一探UDON數十年創作軌跡

本次《THE BYE PRODUCT》個展，呈現UDON遊走街頭所製成的「產品」（product）、「副產品」（byproduct），以及歷程的過往故事（bygone）。從街頭簽名、不同材質上的塗鴉、書法、人物設計，到貫穿藝術家的核心視覺「鬼面」，展覽將帶領觀眾一睹UDON創作背後的軌跡。

《THE BYE PRODUCT》大多數展品的媒材，都是那些被認為無用的物品或物質，街頭所產出的附屬品（byproduct）。2樓展間以塗鴉在不同媒材上的「鬼面」為主，包含畫布、窗框、紙板、門牌、榻榻米坐墊等；3樓則是分成兩部分，後方空間再現UDON的創作日常，包含噴槍、立可白、彩色筆，還有充滿紀念價值的標示牌、照片、音響等；前方空間則是一座由55個噴漆罐組成的裝置藝術，每個罐子都經由公車輪胎碾壓、塗鴉而成。

UDON表示：「我想我之所以想進入當代藝術界，是因為我的作品一直以來都是在不應該出現的地方出現。這次展覽對我和觀眾來說都是一個挑戰，要挑戰所謂『當代藝術』的定義。」

除此之外，《THE BYE PRODUCT》展覽期間也將舉辦一系列講座與活動，藉著客座藝術家、OIT（國際街頭文化組織）與NOD TOWN（台灣Beat文化交流組織）的視角，探索在地文化場景，並深入分享、討論以及體驗UDON的無限創造力。

《THE BYE PRODUCT》

展期｜2024/4/13–6/23
地點｜LIGHTWELL中山旗艦店（台北市中山區中山北路二段20巷6-1號）
開放時間｜週二至週日12:00~ 20:00（週一公休）
購票連結｜https://lihi2.com/wtHmK

⬬ libo Cafe衛星展區
展期｜2024/4/13–6/23
地址｜台北市中山區中山北路二段42巷12號
開放時間｜週一至週四07:30–18:30、週五09:00–17:30、週六09:00–18:00、週日09:45–18:00


⬬ 大王漢寶殿衛星展區
展期｜2024/4/13–6/23
地址｜台北市大同區南京西路25巷18-1號
開放時間｜週一至週六06:30–13:30（週日公休）

踏入臺北市立美術館（以下簡稱：北美館）二樓，你想要走逛展覽，卻走進了乍看習以為常的世界。從貨架上藍綠色瓶身的洗衣精到壓克力顏料打造的黃色雨衣，這些看似再日常不過的物件，在藝術家與策展人馮馨的詮釋下，重新長出了意義。

由北美館助理研究員馮馨策劃，5月1日正式推出的典藏研究展「物質世界」（Material Extensions）集結29位橫跨不同世代的藝術家，展出炭筆、油畫、壓克力、攝影、錄像、現成物、複合媒材與立體裝置等共87件作品。其中創作年份最早的作品為藝術家何德來1936年油畫作品《流逝的歲月》，在近乎一個世紀的作品跨度中，試圖勾勒物質如何深入人類的身體記憶、情感結構，甚至影響社會運作。

從典藏出發，辯證當代感知是如何形成的？

策展人馮馨坦言，她策劃的第一步並非立刻設定主題，而是看完北美館高達6,000餘件典藏作品，從原本思考的幾個方向中，找到有共鳴、可以相互對話的典藏作品，再進而從這些作品的共通點與時代性切入研究。「我先直覺地選件有感受的大約200件作品，再透過策展的研究過程梳理與精煉，讓它成為一個可能有機會擴張的敘事。」這樣的策展路徑，也讓展覽保留了感知先行的誠實。

而在梳理過程中，馮馨長期關注的主題「當代感知的形成」也逐漸浮現在她的腦海。「我對於『當代感知是如何形成的？』這件事情很感興趣。事實上，這些感知的被意識與成形可能不是即刻的，而是經歷非常多過程與堆疊。」在科技無情地為萬事萬物加速的時代裡，這種透過身體感知的過程，反而更顯得珍貴。「像是你去喝一杯咖啡，感受到前中尾韻；觸摸到質地；嗅聞到氣味⋯⋯這些經驗都會形成人們跟世界之間，一種極度感受性的連結。至今，伴隨著科技與網路發展，我們得以有許多數位虛擬體驗，但人類每天依然活在一個物質的世界。」馮馨說道。

從四大主題出發，走出一條由外而內，再回返感知的路

從這樣的概念出發，馮馨此次刻意將「物質世界」展覽設計成一條由外而內，再回返感知的敘事路徑，邀請人們從物質消費與其機制出發，延伸至物件構築的居所與城市現代化進程；接著轉向由物開展的奇想；再聚焦人與物之間的辯證關係；最後思考感知如何被物質延展與重塑。

於是，當人們走進第一展區，李明學作品《溢出的記憶》讓觀眾一進門便遭遇視覺的陷阱。只見兩座不鏽鋼層架上，不同品牌但外觀極為相似的洗衣精與各類產品整齊排列，觀眾習慣性地將它們認定為同一物，卻會在細看後，發現自己被視覺慣習所欺騙。馮馨說道，「我在策展前期便決定要以這件作品開場。它對應了大家熟悉的日常場景，希望大家看到這組作品時，有機會因為發現相似卻差異的地方而慢下來，進而體會到觀看上的樂趣。」

節拍器、衣服、光線、灰塵，如何成為影響與印證生活的物

接著到了第二展區，物件在此逐漸變形、解構，成為通往潛意識的入口。像是黃文浩《上帝與我》以機械式節拍器驅動《創世紀》中亞當與神的手，兩者永遠無法相觸，荒誕而精準地隱喻人類徒勞往復的焦慮；賴九岑《這不是瑪格利特的天堂》則在名字裡埋下玄機，讓觀眾在作品與命名的辯證中，重新審視符號與現實的距離。

此後，展覽進一步轉入更幽微的領域。第三展區中，日本藝術家日下淳一作品《超越認同》將帶有監獄粗條紋的西裝外套等30套改造服裝懸吊空中，讓人發現衣物從不只是「身外之物」，更影響人們的思考與身份認同。另一件令人印象深刻的作品則是湯雅雯的委託新作《揚起》。藝術家將家中及北美館積累的灰塵轉化為藝術裝置，當灰塵與玻璃窗外灑落的光線成為空間中的主角，日常中幾不可察的存在，彷彿也印證了生活的樣貌與時間的軌跡。

最後來到第四展區，李傑的全新委託製作《People hate you for a reason》成為本次壓軸作品。在此，藝術家巧妙利用了展間自然光，結合流行音樂、聲響與筆觸式影像投射，隨著觀眾的移動生成多重媒介交錯的觀看經驗。馮馨感性地分享，李傑作品中透過文字、影像、聲音所營造出的強烈氛圍性，「看完可能沒有辦法馬上講出什麼，但會在心中留下感受，需要時間消化。」

在展覽之間，找到物質與感知的對話方式

值得一提的是，「物質世界」並非單獨存在於北美館中。馮馨坦言，身為館內策展人，她從一開始便意識到同期展覽之間潛在的對話可能：「人的感受不單僅面對當下、單一的事情，而是可能有非常多事情同時湧入，相互影響與感受。」也因此，她建議觀眾同步觀賞地下樓正在展出的「超現實主義：對話中的世界」與一樓的「共感：存在的節奏」。前者在潛意識、符號與日常物件的變形想像上隱隱呼應；後者則邀請觀眾從共感與同理心出發，從自然、技術與行動實踐的角度，探索人、非人、物質相互連結、影響與共生的關係。三檔展覽橫跨不同樓層，各自獨立，卻在觀眾的移動之間，交織出彼此對話、互相補足的關係。

最後，馮馨也期待觀眾透過更長的時間，細細體驗展覽箇中趣味：「觀眾第一次觀看許多作品時，未必會留意到作品間的對話性。我希望大家可以慢下腳步，多相信自己看到的事情，多連結自己的生活。」而當我們在繁忙時空中緩下心緒，重新相信雙眼所見，或許便能在物質與感知的路徑中，再次找到自己與世界的關係。

Info：臺北市立美術館「物質世界」
Date：即日起～08.16
Add：北美館2A、2B展覽室

_{文 | 郭慧  圖片提供 | 臺北市立美術館提供}

遊阿姆斯特丹必訪的荷蘭國家博物館（Rijksmuseum），2026年秋天將迎來一座嶄新的戶外雕塑公園，邀藝術迷將穿梭綠意之間，飽覽賈科梅蒂（Alberto Giacometti）、考爾德（Alexander Calder）等雕塑大師的經典作品！

濃縮荷蘭800年藝術精華

作為荷蘭最具代表性的藝文機構，荷蘭國家博物館（Rijksmuseum）展示了荷蘭近800年來的歷史和藝術精華，館藏中上千幅荷蘭黃金時代的繪畫作品，吸引不少藝術迷不遠千里來此朝聖，其中又以林布蘭《夜巡》、維梅爾《倒牛奶的女僕》最具代表性，堪稱鎮館之寶。與館內珍藏畫作相映，每年在博物館花園舉辦的年度雕塑展同樣精彩。

專為20世紀雕塑藝術而生的公園

自2013年重新向大眾開放以來，荷蘭國家博物館每年持續於花園舉辦盛大的雕塑展，其由唐吉訶德私人基金會（Don Quixote Foundation）捐款支持，讓展覽得以免費開放觀眾入場參觀，近距離感受雕塑藝術的雄偉與細膩。

如今，唐吉訶德基金會更進一步捐贈6,000歐元，支持博物館打造一座全新的雕塑公園，園區將聚焦於20世紀以來的雕塑作品，常態展出賈科梅蒂（Alberto Giacometti）、考爾德（Alexander Calder）、路易絲·布爾喬亞（Louise Bourgeois）、尚·阿爾普（Jean Arp）、亨利·摩爾（Henry Moore）等大師之作，另搭配輪替式特展呈現現代雕塑的多重內涵。

Foster + Partners操刀設計，重現阿姆斯特丹學派建築之美

這座全新的雕塑公園，取基金會之名命名為「唐吉訶德展亭與花園（Don Quixote Pavilion and Garden at the Rijksmuseum）」，由英國知名建築事務所Foster + Partners規劃整體場域。園區將串聯3座展亭和鄰近的Carel Willinkplantsoen公園，為城市添一片藝術綠地。

值得一提的是，這3座展亭過去並未對外開放，其建築採阿姆斯特丹學派風格建造，以紅磚為主要材料，藉精湛的砌磚技術賦予建築充滿動態感的有機造型，體現20世紀初期盛行於荷蘭的表現主義藝術與設計思潮。Foster + Partners將對既有建築進行改造，考量採光、動線等配置，讓整體空間更適合藝術展演，為訪客打造一處能同時欣賞雕塑大作和荷蘭經典建築之美的藝術場域。