不只在日本，拉麵文化在台灣也非常盛行，不過喜愛吃拉麵的你，對於「拉麵碗」的了解有多少呢？

日本設計美術館21_21 DESIGN SIGHT將於2025年3月推出《拉麵碗的藝術》展覽，由設計師佐藤卓（Taku Satoh）和作家橋本麻里（Mari Hashimoto）共同策展，是兩人自2012年起以日本瓷器「美濃燒」為主題的眾多計畫之一。

「美濃燒」指的是在岐阜縣東濃地區（多治見市、土岐市和瑞浪市等地）生產的陶器，款式多元、風格各異，高達90%的日本拉麵碗產自該地區。看似平凡的拉麵碗，背後卻透出跨時代、跨文化的背景，而《拉麵碗的藝術》將透過不同角度觀察這一日常物件，傳遞美濃燒逾1300年的悠久歷史。

鮮少被討論的「拉麵碗」

作為日本的常民美食，拉麵不僅僅是忙碌時匆匆飽腹的食物，也可以在悠閒假日愜意地來上一碗。無論是旅行時、緊急救濟時刻都能享用拉麵，甚至還曾被帶上太空！

食器有各式各樣的材質和形狀，從陶瓷、漆器、金屬到玻璃等，不過日本拉麵店最常使用的拉麵碗，其規格卻幾乎一樣。在這麼一個簡單平凡的容器中，盛載著多種風味、口感的拉麵，其蘊含的迷人細節，也豐富了人們對於拉麵的感受。然而，拉麵碗本身的品質，相對於湯、麵條、配料等卻很少被討論到，這也成為《拉麵碗的藝術》展覽的契機。

以「設計解剖學」拆解食器

《拉麵碗的藝術》運用「設計解剖學」的方法來觀看拉麵與拉麵碗，從多個設計視角拆解、評估，並為觀眾簡介拉麵的歷史與文化，與介紹東濃地區的自然環境。

展覽邀請到眾多當代陶藝家、創作者參與，將展出40件來自「藝術家拉麵碗」系列的原創作品，包含拉麵碗與湯勺等，其中10組為首度公開的作品。除此之外，也將展出三組由建築師和設計師共同打造的「拉麵攤位」，讓觀眾感受不一樣的展覽氛圍！

當城市不斷更新、技術持續推進，人們對「好設計」的期待也層層提高，不只講究美感與實用性，更得以精準洞察真正解決問題。近期公佈的2025臺北設計獎工業設計類得獎作品，便讓人看見設計師如何從一件家具、一套檢傷系統、一件可DIY的樂器、一個可折疊的餐袋出發，讓好設計成為理想生活的方法。

定義空間、創造樂趣、拯救生命，看見工業設計的多種可能性

今年評審陣容延續臺北設計獎一貫的國際視野，邀請國內外設計巨擘，精選出最值得矚目的傑作。其中獲得金獎及WDO特別獎雙項大獎肯定的作品，是由無氏製作為臺北市立美術館打造的「溝通的開始Typing..._臺北市立美術館休憩空間規劃」。作品聚焦北美館三樓的3C藝想迴廊，無氏製作從「坐具」切入，將家具視為觀眾與空間之間的連結，以一系列「無個性、矩陣型模組」回應北美館建築師高而潘的井字語彙。不同模組更能以五金配件自由連結，延伸成凳子、長椅、床的多元姿態，支援坐、靠、躺等多元使用方式；可拆卸的椅背、邊桌搭配梣木與金屬等則兼具耐用度、維護性與溫潤質感，讓家具引導觀眾停留、思考與交流，也重新定義公共空間。

至於銀獎則由斯洛維尼亞設計師Anže Sekelj與Staš Vrenko設計的「HEX row」奪得。兩位設計師希望打造一個能作為教育工具，也能用於專業創作的電子樂器，於是以電晶體作為可變電阻，讓訊號路徑具備更多細緻調控空間，且所有零件都能更換，易於組裝與維修，也讓使用者從DIY過程中獲得創作與探索的雙重樂趣。

銅獎作品「ResQ 大量傷患救援檢傷分級系統」則由國立高雄科技大學學生邱愉淨、黃柏翰、危珈妤共同設計。三人發現，大量災害現場講求分秒必爭，得在極短時間內判斷傷勢輕重。為此，《ResQ 大量傷患救援檢傷分級系統》的傷票可隨患者狀況變更顏色，並搭配定位功能，協助後端醫療團隊快速找到重傷患者，雲端系統則同步記錄簡要病歷，讓前後端資訊有效傳遞，在有限時間裡搶救最多寶貴生命。

不只展示成果，更為生活方式提出了嶄新想像

另一方面，評審團推薦獎得主則是香港設計團隊Palette Code，其以「EcoDeli Meal Purse」回應現代人外食頻率提高的現象，像是三合一的HandyClip夾子方便人們邊吃飯邊看影片；寬大的開口方便取食與清潔，餐袋採用的矽膠和再生ABS材料耐高溫與低溫，適用於冰箱和微波爐；特殊折疊線和口罩收納袋更方便收納在口袋或包包裡。透過巧妙的設計，讓「EcoDeli Meal Purse」不只是一次性餐盒的替代品，更是一件實用又時尚的配件。

而在金、銀、銅、WDO特別獎以及評審團推薦獎之外，幾項贊助獎作品也展現了多元設計視角，包含榮獲遠東百貨贊助獎的作品「Tomita Grater ll」、拿下聯華神通團育秀基金會贊助獎的「青吱調CICADA'S TUNE」與「Modulet」，在在表現國內外設計師以工業設計回應社會需求的技藝；這也讓2025臺北設計獎在展示成果之餘，也為這個時代的生活方式提出再想像的可能性，更描繪出理想生活的多重路徑。

臺北市政府產業發展局廣告

_{文字 | 郭慧  圖片提供 | 臺北市政府產業發展局}

在臺灣，少見以拼布為主要創作形式的男性纖維藝術家，劉棟在三十多年前，展開了他的前衛旅程。他在中年之後投入拼布，持續至今已三十多年，題材十分多元，有過往在美國的生活風景到臺灣的夜市、街景、動物到花卉，皆從豐富的人生閱歷中取材，其中最吸睛搶眼的馬賽克系列，以彩布翻玩解析度所構成的視覺效果，成為他與現場觀者互動交流的觸媒。

遊歷多國的生命養份

劉棟是一個走遍世界的創作者，他的教學足跡遍及歐美、曾於美國多地、法、英、義、日等國展覽，作品受喬治·H·W·布希總統圖書館（George W. Bush Library）、臺中葫蘆墩文化中心等多位私人藏家典藏，並曾於2010年獲得臺中葫蘆墩文化中心編織藝術大賽首獎，2012年榮獲第八屆大墩工藝師殊榮。

在他十五六歲時，從臺灣移居巴西，待了五年，於1968年搬至美國紐約，修讀視覺藝術，曾開過多間中式餐廳、展售古董，他同時也是富含美感的花藝設計師。談起70-80年代在美國生活的那段時光，「當時紐約有很多art gallery，我常去逛，創作靈感就是要多去看別人怎麼做，紐約給我的影響很大。」長年過著三個月回臺灣陪伴父母、九個月待在美國的工作與生活，閒暇之餘在紐約學習金工、雕刻與藝術管理，「這叫做好奇，我看到什麼都想學。」劉棟笑著用臺語說，他很早就開始喜歡動手「搞工藝」（變工藝 pìnn-kang-gē），正是生活於紐約獲得的養分。

在紐約學金工，讓劉棟懂得運用石頭、珠寶拼貼馬賽克作品，80年代開始蒐藏喜歡的設計師印花布料，現從事的拼布藝術卻是他退休後才真正完整投入，且是持續最久的創作，契機源於1990年代某趟回臺，在高雄的新光三越百貨看到拼布教室，裡頭有許多漂亮的花布，但課堂上都是太太和小姐。結果劉棟商請太太報名課程，自己則在旁觀摩，回美國後開始鑽研拼布，沒想到先前蒐藏的花布自此有了舞臺，改變了他後半生的藝術生涯。

花布是顏料，熨斗為畫筆

「這些布就是我的顏料。」劉棟走向牆邊層架，介紹一捲捲來自英國的設計師印花棉布，他最常使用Philip Jacobs、Brandon Mably和Kaffe三位設計師的花布，他們同時也為國際精品品牌設計服飾圖樣。眼前有近一千捲，以顏色作分類，「不像畫家可以混色，我需要透過布料把明暗濃淡堆疊創造出來。」劉棟說起另有儲放他處，總計達五六千捲的花布資料庫，棉質與帶有光澤的蠶絲是他的唯二選擇，原因是只有天然布料耐得住熨斗高溫，堆疊熨燙黏貼布料時，不因過熱而隨布面下的熱熔膠融掉。

每塊布料在使用前，劉棟會先進行重要的準備工作：蕃薯粉入水煮滾後，用來為布料「上漿」，「除為了讓布料稍微硬挺一點，漿過還可避免布的邊緣散開、虛掉。」尤其他擅長以輪刀隨機剪裁花布自由拼貼作品，上過漿的材料讓他更能隨心自在地裁剪各種有機線條。而拼布作品最後的重點步驟，則是使用壓線機，將耐熱、耐老化的透明線細密緊實地以近百萬針縫製於上，讓數層材料更加貼合。創作的起點和收尾，皆注重費工細緻的例行節奏。

拼布創造視覺魔法

紐約寫實藝術家查克·克洛斯（Chuck Close, 1940-2021）是影響劉棟深遠的繆思，克洛斯的巨幅壓克力自畫像，其實是由一格格抽象畫拼組而成，從攝影解析度概念延伸的視覺構成，啟發劉棟運用此馬賽克概念來重新呈現經典名畫，「我用不同的技法，用拼布馬賽克做出有別於原作的印象，熟悉名畫的觀眾一看會有那種surprise。」那份驚喜來自於《蒙娜麗莎的微笑》需眯眼或拉低光線讓微笑浮出，而透過手機相機縮放鏡頭更可體會觀看的趣味。

劉棟至少完成過八件《蒙娜麗莎的微笑》，擔任其藝術經紀的晴山藝術中心主理人陳仁壽說道：「我經常聽他說，雖然做同樣構圖， 但他總會一件超越一件；技法、布料組合都不一樣。」劉棟規劃好尺幅與方格大小，透過電腦稍作畫面拆解後，開始從每小格裡自由裁剪布料來拼貼完成，「但你仔細看，每一格五公分正方，用到的花紋不只一種布，老師用多種花紋修正明暗及冷暖。」陳仁壽補充著，劉棟點頭認同：「每一個格子的處理，都會影響人物的表情。」

「當我加一小塊布，很像畫家調色，也是在加深、多一個筆觸。」至於加哪塊布，劉棟常以輪刀隨性裁剪材料後，運用上了保麗龍與鐵氟龍布的牆面及大頭針來暫時固定以做確認，「我們的眼睛有調色功能，例如把紅跟黃兩塊布並排方格裡，當站至二十公尺遠，會看見方格有橘紅色的效果。」拼布的過程，得有像繪畫的直觀感性，同時得像拼圖、混色時所需的理性判斷。

細膩工藝技法，成就藝術能量

傳統拼布常見以方被、袋包作為呈現形式，劉棟以自由裁剪與重疊拼貼，從靈活的工藝技法交織所思所想，創造獨特讓色彩融合的視覺魔法，常讓人驚喜於眼前的畫面居然是來自拼布！劉棟喜愛透過旅行時拍下的照片、好友所拍攝的照片，來重組畫面靈感，「我不打草稿，所有idea靈感就在我腦袋裡。」對光影和色彩的敏銳度，凝縮了他的生活觀察與人生歷練，讓拼布跳脫工藝，成為特色鮮明的纖維藝術。

描繪芭蕾舞者的後臺風景的作品《Backstage》，人物身形因營造光影細節而創造傳統拼布做不到的立體層次感，乍看是大面積為白色的部份，其實裡頭有許多細節，是不同的花布所拼貼。另幅《Break》，運用黑色底來營造舞者休息氛圍，「光線一定要做得正確。以及需運用『羽化』的視覺感來使主體與背景融合。」劉棟設想光線進來的方向，同時留意反射的角度，好比在下過雨的《南方夜市》為高雄自強路街景，厚達五層布的拼布作品，乍看像幅顏料暈染流動的油彩畫。

技術與多元題材，受海內外藏家喜愛的創新布藝

晴山藝術中心主理人陳仁壽，受到劉棟拼布工藝技術的強度所吸引，在2020年南下拜訪，這幾年，晴山藝術帶著劉棟的作品參展海內外藝博會，「劉棟老師天生對色彩敏感，不輸一個油畫家，懂得把那麼多的花紋布料拼湊在一起。在藝術市場，創作力豐富的藝術收藏其實已不分材質，我們的藏家也都因欣賞老師的細膩技術和創造力而收藏作品。」

畫廊將拼布作品以油畫框內架的方式裱框，更顯當代感，陳仁壽補充，傳統油畫容易因年代久遠出現蜘蛛網狀裂紋，但懸掛在美國博物館的拼布作品，皆有兩三百年的歷史見證，拼布在藏品年限上擁有諸多優點。作為藝術經紀的角色，陳仁壽強調，最重要的是，透過每次機會來提醒、激勵年輕藝術家，劉棟至今每天創作十二至十六個小時的投入強度，是造就精彩藝術的關鍵態度。

「每一天都有新的點子，這樣子才會年輕！」現年七十七歲的劉棟，認為自己的藝術歷程並非依賴才華走到今天，「而是對事物無止盡的好奇心。」數十年如一日，持續精進拼布工藝技術與思維表達，「我從無數的犯錯中學習到一切，我做每一件作品，都會跟自己學到些什麼；曾經是我最弱的部分，現在已成為我的優點。」劉棟如此回應對自己一路走來的解讀，和拼布同在的後半生，解構、重組再堆疊，收入眼底的風景精彩絢爛。

文字 / 黃怜穎

攝影 / PJ Wang