不只在日本，拉麵文化在台灣也非常盛行，不過喜愛吃拉麵的你，對於「拉麵碗」的了解有多少呢？

日本設計美術館21_21 DESIGN SIGHT將於2025年3月推出《拉麵碗的藝術》展覽，由設計師佐藤卓（Taku Satoh）和作家橋本麻里（Mari Hashimoto）共同策展，是兩人自2012年起以日本瓷器「美濃燒」為主題的眾多計畫之一。

「美濃燒」指的是在岐阜縣東濃地區（多治見市、土岐市和瑞浪市等地）生產的陶器，款式多元、風格各異，高達90%的日本拉麵碗產自該地區。看似平凡的拉麵碗，背後卻透出跨時代、跨文化的背景，而《拉麵碗的藝術》將透過不同角度觀察這一日常物件，傳遞美濃燒逾1300年的悠久歷史。

鮮少被討論的「拉麵碗」

作為日本的常民美食，拉麵不僅僅是忙碌時匆匆飽腹的食物，也可以在悠閒假日愜意地來上一碗。無論是旅行時、緊急救濟時刻都能享用拉麵，甚至還曾被帶上太空！

食器有各式各樣的材質和形狀，從陶瓷、漆器、金屬到玻璃等，不過日本拉麵店最常使用的拉麵碗，其規格卻幾乎一樣。在這麼一個簡單平凡的容器中，盛載著多種風味、口感的拉麵，其蘊含的迷人細節，也豐富了人們對於拉麵的感受。然而，拉麵碗本身的品質，相對於湯、麵條、配料等卻很少被討論到，這也成為《拉麵碗的藝術》展覽的契機。

以「設計解剖學」拆解食器

《拉麵碗的藝術》運用「設計解剖學」的方法來觀看拉麵與拉麵碗，從多個設計視角拆解、評估，並為觀眾簡介拉麵的歷史與文化，與介紹東濃地區的自然環境。

展覽邀請到眾多當代陶藝家、創作者參與，將展出40件來自「藝術家拉麵碗」系列的原創作品，包含拉麵碗與湯勺等，其中10組為首度公開的作品。除此之外，也將展出三組由建築師和設計師共同打造的「拉麵攤位」，讓觀眾感受不一樣的展覽氛圍！

2026米蘭－科爾蒂納冬季奧運將於明年2月6日至2月22日登場，近期於發表會上公開獎牌設計。如兩個半圓結合為一的獎牌，象徵著每位奧運與帕運運動員的旅程，以及那些一路陪伴他們的所有人。該獎牌由義大利國家印刷局與造幣廠（Istituto Poligrafico e Zecca dello Stato，簡稱IPZS）設計製作。

兩種不同質地，象徵幕前幕後的團結精神

2026米蘭冬奧獎牌的設計簡潔，以「兩半合而為一」為視覺意象，象徵米蘭與科爾蒂納兩座城市，以奧運精神彼此相連，也傳遞出對於團隊情感與團結世界的追求。

本屆賽事的品牌識別總監Raffaella Paniè表示：「我們以義大利人的奮鬥與熱情為靈感，設計出一枚『回歸本質』的獎牌。其表面的兩種不同質地，象徵奧運與帕運的故事不僅由運動員書寫，也因教練、隊友、家人與粉絲的參與而完整。」

義大利設計工藝的極致展現

2026米蘭冬奧獎牌由IPZS製作，獎牌兼具優雅設計與永續概念，採用無毒、可回收的環保塗層，並使用100%可再生能源進行生產。這些獎牌結合傳統工藝與當代技術，體現了義大利設計的優良品質，更凸顯出運動員作為賽事核心的理念。

兩位傳奇選手為獎牌設計揭幕

獎牌揭曉儀式由兩位義大利體壇傳奇領銜：曾奪下1金1銀奧運獎牌的游泳選手Federica Pellegrini，以及在帕運拿下14面獎牌，縱橫田徑、越野滑雪等項目的Francesca Porcellato。

而儀式主持人、義大利威尼托大區首長Luca Zaia表示：「這枚獎牌訴說每位運動員為達終點所付出的努力與堅持；同時，它也向那些在幕後默默付出的組織者、志工、技術人員、工匠，以及其他不可或缺的角色致敬。」他也補充：「2026米蘭冬奧是不僅僅促進體育與娛樂發展，更關乎義大利的基礎建設、觀光、宣傳與就業機會。獎牌只是個起點，我們已經看到夢想開始實現。」

作為攝影師，每天的工作就是背著相機與腳架，穿梭在不同活動或忙碌著商業拍攝，開始做陶後，他決定從臺北搬到臺南，與巷弄裡的陶藝工作室當鄰居。工作節奏與心情也大幅轉變。一切都發生地很自然，只是因為「喜歡做陶時進入心流的狀態」，人生也開出一條自己未曾想過的路徑。

高壓高速的工作模式

出生於1989年的簡子鑫，退伍後即從事影像工作，拍攝平面或動態的人物、空間和商品，這十二年來以商業攝影為主。他描述為服務客戶需求，通常必須在一兩小時內高效率地進行人與人間的溝通及拍攝工作，高壓下得緊湊地處理多件事。

好奇工作與生活的轉速變化得如何，他說晚點就得搭車北上工作，「現在還是有在接攝影的案子，這個月比較是80%做攝影工作，只有20%做陶，自己會期望可以慢慢地讓陶的比例愈來愈多，或者說更穩定地產出。」長年都維持高速運轉的工作節奏，讓簡子鑫的心情也覺得有點疲憊，他笑著說：「做陶恰好能進入安靜地、好好做一件事的狀態。」說起一開始不太喜歡拍商品，某幾回感受到當下只有自己和商品同在，那種進入心流的狀態，或許跟做陶有些類似。

陶的吸引

簡子鑫從大學就很喜歡陶的生活器皿，除了能夠欣賞手作的價值，也以實際行動支持：「學生時代比較窮，會好好安排錢的用途，但陶算是我少數會捨得花錢『投資』的物品；我會抱持著如果好好保存、好好使用，可以用一輩子的這種心情。」

說起如何受陶吸引，另一個學校回憶也連結著陶。簡子鑫大學唸商業設計，有回校外教學到日本去，期間的課程任務是：每個人得挑選一個限定額度內的物品，向大家介紹這個物件的故事，及為何選擇此物來分享。日本最不缺的就是美麗且富含設計概念的物件，選擇實在太多了，但簡子鑫最後選擇一只小鹿田燒的杯子，小鹿田燒是一種源自十八世紀江戶時代中期的技法，即便簡子鑫現在喜歡的風格已和當時不同，但他發現，這類日本民藝的古樸美感，在他的生活與旅行過程中，一直持續不斷地吸引著自己。

一只陶杯的提醒

現在的簡子鑫以拉坏為主，他拿出一只迷你杯，「剛開始創作時，『小』對我來講反而比較容易。」上頭有坏體尚未完全乾燥時第二次上釉的流動痕跡，成色讓整只杯子乍看有鐵鏽般質地，他解釋初期嘗試保留較多原土狀態，習慣上比較乾的釉、甚至不上釉。杯上兩種釉藥互為作用的流動性，讓他無法複製出一模一樣的陶杯，被他的陶作老師讚為極品，「現在就是放在工作室裡，當作一個提醒。」讓人忍不住一直捧玩手心轉動的陶杯，它很迷你，卻有怎麼看也看不盡的風景。

小而珍貴，承裝著他的習陶歷程及恩師的肯定，早期上釉的嘗試也與簡子鑫近期喜歡的表現有很大不同，現在的他更重視器皿在使用與清潔上的實用性，因此作品加入更多光滑面的釉色表現，但持續精進的是陶的表情，「我覺得好的陶是一個可以讓人真的看很久很久的，不是一眼就看完的東西。」

不可控與大自然

「我最近做比較多的是灰釉和粉引。」一般粉引會上一層化妝土再上透明釉，而簡子鑫做的粉引是化妝土上灰釉，構成器皿邊緣分布裂開的紋理，加上土有熟料時，修坏時會造成孔隙痕跡，再上化妝土，也容易產生裂紋，「這真的很微妙，我覺得像是一種大自然的表情。我一直覺得，器物也有自己的生命跟自我意志的感覺。」一眼看不盡的裂紋釉色流動，正是各階段的應力在土裡運作出的各種變化，「我把很多的天馬行空交給大自然去創作，這也是陶吸引我的地方。」

「我知道會裂，也懂得調整化妝土比例，但沒有辦法預期它最後會裂成怎樣，只能一直不斷地做，從過程去調整與學習。」開始做陶之後，簡子鑫也得出了一個體悟：「做陶是要從不斷失敗中，才有辦法進步的事情。」

如是也如水，實驗生活與器物的共感設計

生活在臺南的他，已構思在工作室推出陶和食物的pop-up計畫，用他做的陶盤吃上一頓早午餐，「陶在使用的時候，又會有跟單純觀看時很不一樣的狀態和風景。」一如先前我們聊著簡子鑫盤中的細微裂紋，堆疊看不盡的質感風景，而在使用當下，也能感受生活陶陪伴日常的理想樣態，不需言語地直覺感受創作者投入於器物的心思細節，如何使美感和實用性均衡一致地表達，「曾聽過一個説法，好的設計，是你會覺得像水一樣，很重要，卻又幾乎不感覺它的存在。」簡子鑫認同地說道，器物在生活裡的實用順手是基礎，不簡單的簡單，是如水的境界。

從攝影轉向陶藝創作後，簡子鑫的心逐漸從保留當下，轉向沉澱與表達。少了奔波拍攝的緊張節奏，多了與雙手、泥土相處的時間，他開始理解生活的本質與創作的初心可以如此貼近。如今的他，不再追求鏡頭下的瞬間張力，而是在一只器物的曲線與手感中，找到自己更平衡、更真實的創作方向。

文字 / 黃怜穎

攝影 / Harper Ouk