當代藝術聯展《質譯》揭幕：集結塩田千春、劉文瑄、徐永旭等6位藝術家，探索材質的多重轉化

2025年2月15日在双方藝廊登場的當代藝術聯展《質譯》（Material Metamorphosis），集結彼得．亨特納（Peter Gentenaar）、塩田千春（Chiharu Shiota）、橫溝美由紀（Miyuki Yokomizo）、劉文瑄、黃裕智、徐永旭等六位國內外藝術家，展覽聚焦於傳統創作媒材的轉化與延伸，探索材質與外在的對話。

6位藝術家突破對傳統材質的想像

當代藝術透過材質的轉化與創造，從繪畫、裝置到雕塑不斷延伸形式。《質譯》聯展中的藝術家們，以各自獨特的視角探索了材質、身體、空間與自然之間的關聯，展現藝術創造與觀念之間的豐富對話。 

▍劉文瑄

劉文瑄以開放自由的狀態進行創作，對「繪畫」與「繪畫性」重新認識與反思，專注於在平凡中挖掘抽象的詩意，並以細膩的物質性表現形體與媒材的可能性，體現當下的生命哲思。這次展出的作品延續了平面與空間結合的實踐，透過裁剪、折疊與黏貼等手工技術，將紙張從靜態的平面媒材轉化為結構豐富的藝術品。

作品《無聲的蜘蛛》靈感取自美國詩人華特·惠特曼的詩句，以生活中再普通不過的米粉為素材，將其細心拼接、編織成一張巨大的網，宛如蜘蛛耐心吐絲結網的過程。最終，這張網被塗上各種色彩，就像捕捉夢境的網一般，體現材質的轉化與情感的延展。

▍塩田千春

塩田千春（Chiharu Shiota）的作品以身體為核心，結合了行為藝術、身體藝術與裝置藝術。在創作過程中，塩田千春探索無形概念的意義，如記憶、創傷、死亡等，並透過這些跨越邊界的思考，試圖連結觀眾的情感，讓來自世界各地的人們都能產生共鳴。

本次展出的《State of Being》系列以層層交織的絲線構建出詩意〈Child’s Dress〉中的白色絲線包裹著一件白色洋裝，象徵純潔與開始，也暗示著結束與死亡；而〈Buddha〉則以黑色絲線環繞佛像，營造出如同記憶網絡般的靜謐空間，呈現出深刻的冥想氛圍。絲線的交織如同自然紋理，承載了時間的痕跡與生命的重量，將個體記憶轉化為宇宙性的沉思。 

▍黃裕智

黃裕智因喜愛多維造型在空間中舒展之態，突破工具與場域之限制，發展出「金屬編織」的表現手法，成為為個人創作語彙。堅硬的金屬因編織軟化身段，成為富有生命氣息之軟性雕塑，並與時間，與觀者產生多角互動之有機關係。

本次展出的作品同樣在細膩與強韌之間尋找平衡，看似柔軟輕盈的雕塑，實由金屬線多層交織而成，展現材質在剛與柔、輕與重的對話，構築出動態且充滿生機的空間氛圍。金屬在光線下微微閃爍，並隨著光影變化延伸至空間，仿若植物般自然生長，形成空間與觀者之間的有機互動，展現材質的柔韌與包容。

▍徐永旭

徐永旭強調身體與作品間的對話，以主體與身體融為一體的方式面對創作材質，藉由身體的知覺、觸覺與痛覺，透過按壓、捏塑等身體動作，賦予陶土有機的自由形態。經過不斷解構與建構，陶土表現出極為輕薄柔和的線條及形態，也形成了充滿反差的新觀點。

藝術家以絕對身體性的自發行為，轉化其生命經驗於作品中，材質經過身體性的轉移，彷彿一個生物的本能般，不斷交織與相疊，如同一種生之慾望的勃發，一種竄出與崢嶸的象徵。

▍橫溝美由紀

橫溝美由紀（Miyuki Yokomizo）擅長使用現成物製作極簡裝置，作品中往往可見時間、空間與光線的交互作用。近年來，她一直嘗試在平面畫布上結構出立體空間與裝置性，以此創造嶄新的視覺體驗。

透過雕塑化的繪畫手法，橫溝美由紀結合自然元素與藝術行為，展現出介於偶然與可控之間的張力。她在畫布上設置螺絲釘與細繩，將顏料以彈射的方式覆蓋，形成富有雕塑深度與光影流動的視覺效果，模糊了繪畫與雕塑的界限。

▍彼得．亨特納

彼得．亨特納（Peter Gentenaar）專注於植物纖維的自然特性，如麻、棉花和亞麻等。他研發出專門用來製作紙纖維的機器「Peter beater」，透過擊打纖維釋放出微小的纖維絲，當這些纖維絲在水中懸浮，並逐漸沉澱後，形成一張天然的紙張。

不同於傳統紙張的平整處理，亨特納讓材料保持其原有的植物纖維記憶，允許紙張纖維自然捲曲。他運用這樣的特性，以紙雕作品豐富的褶皺與紋理，模擬模擬自然界的地形與流水，突破了紙漿作為靜態媒材的限制，賦予其強烈的動態與生命感。 

《質譯》

展覽日期｜2025.02.15–2025.04.05
開放時間｜週二至週六12:00–18:00
展覽地點｜双方藝廊Double Square Gallery（台北市中山區北安路770巷28號）

今年秋天，台灣近代文藝家們將如星點匯聚成叢，閃耀東京。集結近200件台灣文學、藝術家之作的《共時的星叢：跨越邊界的藝術之眼》，將於9月於東京都現代美術館登場。

我們對「台灣文藝的起點和形成」究竟理解多少？史詩級大展《共時的星叢》集結台灣逾15家美術館、博物館典藏及珍貴私人收藏，交織文學、藝術、音樂、戲劇等面向，帶你一窺20世紀台灣的文藝視界。全展延續紀錄片《日曜日式散步者》敘事，以台灣日治時期推廣超現實主義的文學團體「風車詩社」為軸心，延展出彼時台灣文藝家將前衛思想融入創作、與國際思潮接軌的脈絡。看完展後，你對段落開頭的提問，或許會有新的觀點。

從紀錄片到展覽，回望台灣近代文藝發展

《共時的星叢》於東京展出的契機，可回溯至前十年。文化部近年著力推動「重建台灣藝術史」計畫，國立臺灣美術館（國美館）於2019年推出的展覽《共時的星叢：風車詩社與跨界域藝術時代》即是本計畫重要一環。該展發想自2015年黃亞歷導演作品、金馬53最佳紀錄片《日曜日式散步者》，以「風車詩社」為核心發展內容。

風車詩社成立於1933年，是台灣日治時期提倡超現實主義的文學社團，由台、日詩人共同組成，藉由知性精神及當時興起的現代主義風格和理念進行創作。短暫卻光燦，風車詩社猶如台灣文學史上的一抹獨特星光，它象徵著台灣在戰前與日本和世界前衛浪潮同步的文學視野，並在1970年代末引發了對於戰前台灣現代文學起源的討論。

而紀錄片《日曜日式散步者》之敘事，即是以風車詩社為主題延展。導演黃亞歷耗時3年進行田調，以詩社家屬為主要訪談對象，勾勒出詩人們的生命經驗、文藝啟蒙，及其如何將超現實主義融入創作，表達對時代的觀點。全片除點出風車詩社在當時為何特殊，也藉畫面暗喻當時文壇及社會的台、日對抗與文化衝突。

《共時的星叢》移師東京舉辦！為觀者戴上「跨域藝術之眼」

從《日曜日式散步者》出發，國美館《共時的星叢》展覽連結文學與藝術，主題從文藝家們的前衛實踐，延伸到藝術結社運動的文化反抗、美學與政治間的關係、西方思潮的在地呈現等等。藉此，展覽重新檢視風車詩社於1930年代已將超現實主義引入台灣的歷史定位，亦延展至20世紀上半葉，現代主義文藝在西方世界乃至東亞所捲起的浪潮，並試圖探討台灣文藝的「主體性」。

為何本篇要花大篇幅談《日曜日式散步者》和國美館在7年前辦的《共時的星叢》展覽？因9月將登陸東京都現代美術館的同名展覽，便是從上述作品延伸而來。移師東京，《共時的星叢》有了新的副標——「跨越邊界的藝術之眼」，全展匯集近200件藝術原作，以及多達約600件橫跨文學、音樂、戲劇的珍貴歷史文獻。豐富展品由台灣公立及民間藝文機構慷慨出借館藏，亦仰賴風車詩社成員家屬鼎力相助，因有他們悉心守護前人的創作心血，如今的我們才得以窺見上世紀台灣文藝的珍寶。

東京《共時的星叢》展覽5大亮點搶先看！

▌文學與藝術交融的策展敘事

文學與藝術在本展交融也互相補述。風車詩社作為展覽要角，其故事由臺灣文學館的珍貴史料闡述。文藝家家屬無私提供家族珍藏，如台灣「野獸派先驅」張萬傳之作《昭和五年軍官》，及水彩名家藍蔭鼎的《廟宇門神》皆是首度展出，還有文學家劉吶鷗曾使用的9.5釐米攝影機、建築師徐迺欣的手札日記，與攝影家林壽鎰、鄧南光、李火增的相關文物。現場藝術原作與珍稀家族收藏並置，立體再現百年前文藝家們的思想軌跡。

▌映現台灣20世紀的文藝視野

指標機構與私人美術館的收藏，在展覽中交織映現了上世紀台灣的文藝視界。北美館帶來黃土水《釋迦出山》（1927）、陳夏雨《婦人頭像》（1939）等雕塑，及張才記錄1940年代城市現代化的銀鹽相紙原作，立體化了當年的時代視野。創價美術館則出借膠彩大師郭雪湖、台灣抽象藝術先驅莊世和，及雕塑大師蒲添生、楊英風等人的經典作品，展現早期台灣藝術界與國際現代主義思潮同步的足跡。

▌北美館出借台灣藝術史經典大作

全展約200件藝術原作當中，包含不少北美館典藏，如寫下台灣美術史重要篇章的李石樵畫作《田園樂》（1946），其展現戰後初期台灣農村社會的生命力與田園情懷；何德來著名的《夕陽鐘聲》（1951）則展現了藝術家對時間、命運與生命精神厚度的哲學思索，與展覽中的現代主義文學思想產生深刻共鳴。

▌串聯台日近代風景與東洋情懷

位於高雄的私人美術館——台灣50美術館，此次出借日本畫家田中善之助描繪在地風情的《台灣的廟宇》、木下靜涯彩墨佳作《淡水風景》、日本南畫大師松林桂月《墨竹》、結城素明《湍流松嶺》等，這些珍品實證了百年前台日美學在跨域思潮下的多向激盪。

▌台、日師徒百年後重逢

日籍畫家鄉原古統屏風巨作《春之庭》（1937）將於本展亮相，並與藝術家昔日的台灣學生之作一同展出，包含林阿琴《南國》（1933）與黃早早《林投》（1935），象徵著一段台、日近代藝術教育師徒情誼歷經百年後的重逢。

照亮無法被既有史觀涵蓋的多元生命實踐

作為展覽的核心人物，黃亞歷導演盼《共時的星叢》得以體現20世紀上半葉，台灣欲邁向現代化、面向世界的願望和實踐之路，他也特別提到：「日本和台灣的歷史糾纏，如今則基於共同價值而不停交流。台灣人對日本文化保持高度興趣，相對來說，日本對台灣近現代的發展並不那麼熟悉，希望這場展覽能成為人們了解和認識（這段歷程）的窗口。」

另一方面，作為《共時的星叢》得以落地日本的關鍵人物，東京都現代美術館館長岡素之為它下了個精準而詩意的註解：「這場展覽，旨在照亮那些無法被既有敘事或史觀完全涵蓋的、多元的生命實踐。」今年9月，就讓我們一起見證《共時的星叢》在東京綻放光芒。

《共時的星叢：跨越邊界的藝術之眼》

展期｜2026.09.05－12.13

展場｜東京都現代美術館 企劃展示室 1F＆3F

現正於北美館展出的暑期國際展覽「調：心境與聲景之間」，由新加坡美術館策展人許芳慈策畫，以其長期研究戰後亞洲當代藝術發展的背景，匯集13位藝術家創作，他們以聲音為媒介，探索其與環境正義、邊界政治，及情感的社會性經濟之間的互涉關係。

本展的架構汲取兩種截然不同的自然哲學：馬丁．海德格（Martin Heidegger）將「調」的描述以雲影掠過地景的瞬息意象為喻；〈莊子．外篇．天運〉提及的「至樂」則凸顯在無常世界中調節自身，進而與所有生命型態和諧共處的方式。本展藝術家從不同領域出發，運用多樣媒材探究聲響美學，展出形式涵蓋中國水墨畫卷軸、生物電極、田野錄音與對歷史上各種聲響戰爭的研究等。

展覽圍繞「聞息」、「聆水」、「聽壤」三個相互交織、而非各自獨立的命題建構聲景，共同回應如何透過水、空氣與土地等自然介質所傳遞的頻率。形塑我們聆聽以及如何共享這個世界的方式。

聆聽水體脈動與沉澱之物

「聆水」此一主題聚焦於水，關注其作為連結生命又劃分疆域的媒介，因而經常成為資源分配與衝突的焦點。塔瑞克．阿圖伊（Tarek Atoui）《十一拍聲搏》取材自阿拉伯的塔拉布（Tarab）傳統音樂，藝術家將一支滴管懸置於盛滿水的盆子上方；該盆與揚聲器相連，每滴水落下的聲響以十一拍循環重複，牽引觀眾沉浸於節奏脈動的敘事。蘇珊．舒普利（Susan Schuppli）的《聽冰》則探索極地與冰川等冰凍圈在氣候變遷下的變化，片中紀錄了融水奔流、冰層碎裂、以及地球暖化而釋放出的氣泡爆裂聲，同時安排因冰川退縮而被迫遷徙的喜馬拉雅山區居民聆聽聲響，將環境歷史轉化為人們可聽聞的記憶。

芮娜．賽尼．卡拉特（Reena Saini Kallat）受「印巴分治」歷史的影響，其《河流的邊際打破了他們之間的寂靜》刻意使用傳遞電力用的線纜來勾勒河川的流動形貌。儘管河水經常被人類視為區隔地緣政治的邊界，但也唯有流水聲能穿透人為強加的界線，暗喻在分裂與融合中尋求對話的可能。另一件作品《合唱一號》以偵測敵機聲音的「聲學反射鏡」為原型，但將戰爭機器的轟鳴聲轉換為鳥鳴。在此雕塑中，相互敵對鄰國的國鳥一同歌唱，而牠們實際的棲息地卻跨越兩國國界，其合鳴象徵邊界消融、調諧世界的頻率，並藉此將感官聚焦於「聽壤」與其代表的土壤、森林及生命力之上。

阮純詩（Nguyen Trinh Thi）《四十七天，無聲》，承襲有別於人類中心敘事的視角，觀眾可見部落社群準備喪葬儀式的影像拼貼，並交織水滴迴音、蟋蟀、鳥鳴與鏡面裝置折散的光影，這些擷取自美國與越南戰爭電影背景音軌的聲音，回應作品名「四十七天」指涉從越南中部至電影《現代啟示錄》（Apocalypse）位於菲律賓拍攝地的步行時間。在巴古斯．潘德加（Bagus Pandega）與今津景（Kei Imazu）的《自然綠4.3創作之人造綠意》中，他們運用活體植物發出的生物訊號驅動機械臂進行繪畫，並刻意選擇大王椰子來呼應臺灣及印尼共有的熱帶景象與殖民歷史。此一描繪性的選件也與入口處袁旃的《會走路的山》等作呼應，藝術家以墨與礦物顏料在絹本上創作，反思臺灣九二一大地震後感受到的衝擊經驗，透過流動交疊的線條描繪不可視的震動，傳統山水在此被重新想像為一有機體，擁有自身迸發的生機、獨特的皴法與節奏。

細聞現實與地緣政治的頻率

策展軸線接續轉向「聞息」作為概念核心，讓聽者與感知到的聲音產生共鳴，並延伸出如「氛圍」ㄧ般的情感沉浸。例如2023年第15屆沙迦雙年展獎得主哈吉拉．瓦希德（Hajra Waheed）的作品《來自姐妹的家書（2015年11月16日）》，取材自家人間的一封私密信件，藝術家的手足在信中描述了法國因巴塔克蘭劇院襲擊進入緊急狀態的處境。畫面以「往復，來回，一切就這樣周而復始」為開端，並將人類抵抗與掙扎的文字映射於背景的天空，追溯著殖民與國家暴力如何在不同歷史、地理和世代中不斷重演。

勞倫斯．阿布．哈姆登（Lawrence Abu Hamdan）的《風之合奏》，藝術家刻意將影像投映至低音喇叭的網狀表面，捕捉了薩克斯風樂手站在「庫克」（kookh）這種傳統庇護所陽台上的即興演奏，回應以色列占領敘利亞戈蘭高地及興建31座風力發電機的領土抗爭行動。陳庭榕《我只在乎你（私語）》則以金屬、紙漿與聲音系統，擬造出僅距離廈門1.2英哩的金門北山聲牆，重新追溯鄧麗君的歌曲曾被用於心戰喊話的冷戰歷史，這些原本屬於私人情感與流行文化的歌曲，被轉化為承載意識形態與情感召喚的政治媒介，共同揭示聲音如何被納入權力運作，而聽覺也可能成為介入政治現實的形式。

楊嘉輝的《煙霧奏鳴曲》將視角投往物質性的轉化，這部錄像作品創作於藝術家駐村日本兩足院期間，透過宗教的儀式聲響與動作，凸顯煙霧既象徵冥想與精神性，也因其轉瞬即逝而顯得短暫而無常。作品中各種細微的聲音，引導觀眾從將注意力從視覺表象轉向聽覺，感受那些隱藏於可見世界背後的存在與變化。常被喻為臺灣聲響藝術先鋒的林其蔚，其創作《唸珠》的色珠本身即構成一部樂譜，透過表演者的誦唸構築出色彩比例與對比，集結成「音場」迴盪於空間中，也是一種集體狀態的聲音雕塑呈現。畫家余承堯長期浸淫於南管音樂，他筆下的的群山主峰以細密刻鑿般的皴法向上勾勒堆疊而成，令人聯想到南管曲調的單一音節。《山水》、《連山絕壑》等畫卷與林其蔚的《唸珠》和其三幅壓克力地景畫作一起展出，這些作品探索視覺與音樂性相互交融的「聯覺」，邀請觀者一起體驗感官的跨越。

調：心境與聲景之間
展期：2026.07.04-2026.09.27
地點：臺北市立美術館 三樓3A、3B展覽室
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