當代藝術聯展《質譯》揭幕：集結塩田千春、劉文瑄、徐永旭等6位藝術家，探索材質的多重轉化

2025年2月15日在双方藝廊登場的當代藝術聯展《質譯》（Material Metamorphosis），集結彼得．亨特納（Peter Gentenaar）、塩田千春（Chiharu Shiota）、橫溝美由紀（Miyuki Yokomizo）、劉文瑄、黃裕智、徐永旭等六位國內外藝術家，展覽聚焦於傳統創作媒材的轉化與延伸，探索材質與外在的對話。

6位藝術家突破對傳統材質的想像

當代藝術透過材質的轉化與創造，從繪畫、裝置到雕塑不斷延伸形式。《質譯》聯展中的藝術家們，以各自獨特的視角探索了材質、身體、空間與自然之間的關聯，展現藝術創造與觀念之間的豐富對話。 

▍劉文瑄

劉文瑄以開放自由的狀態進行創作，對「繪畫」與「繪畫性」重新認識與反思，專注於在平凡中挖掘抽象的詩意，並以細膩的物質性表現形體與媒材的可能性，體現當下的生命哲思。這次展出的作品延續了平面與空間結合的實踐，透過裁剪、折疊與黏貼等手工技術，將紙張從靜態的平面媒材轉化為結構豐富的藝術品。

作品《無聲的蜘蛛》靈感取自美國詩人華特·惠特曼的詩句，以生活中再普通不過的米粉為素材，將其細心拼接、編織成一張巨大的網，宛如蜘蛛耐心吐絲結網的過程。最終，這張網被塗上各種色彩，就像捕捉夢境的網一般，體現材質的轉化與情感的延展。

▍塩田千春

塩田千春（Chiharu Shiota）的作品以身體為核心，結合了行為藝術、身體藝術與裝置藝術。在創作過程中，塩田千春探索無形概念的意義，如記憶、創傷、死亡等，並透過這些跨越邊界的思考，試圖連結觀眾的情感，讓來自世界各地的人們都能產生共鳴。

本次展出的《State of Being》系列以層層交織的絲線構建出詩意〈Child’s Dress〉中的白色絲線包裹著一件白色洋裝，象徵純潔與開始，也暗示著結束與死亡；而〈Buddha〉則以黑色絲線環繞佛像，營造出如同記憶網絡般的靜謐空間，呈現出深刻的冥想氛圍。絲線的交織如同自然紋理，承載了時間的痕跡與生命的重量，將個體記憶轉化為宇宙性的沉思。 

▍黃裕智

黃裕智因喜愛多維造型在空間中舒展之態，突破工具與場域之限制，發展出「金屬編織」的表現手法，成為為個人創作語彙。堅硬的金屬因編織軟化身段，成為富有生命氣息之軟性雕塑，並與時間，與觀者產生多角互動之有機關係。

本次展出的作品同樣在細膩與強韌之間尋找平衡，看似柔軟輕盈的雕塑，實由金屬線多層交織而成，展現材質在剛與柔、輕與重的對話，構築出動態且充滿生機的空間氛圍。金屬在光線下微微閃爍，並隨著光影變化延伸至空間，仿若植物般自然生長，形成空間與觀者之間的有機互動，展現材質的柔韌與包容。

▍徐永旭

徐永旭強調身體與作品間的對話，以主體與身體融為一體的方式面對創作材質，藉由身體的知覺、觸覺與痛覺，透過按壓、捏塑等身體動作，賦予陶土有機的自由形態。經過不斷解構與建構，陶土表現出極為輕薄柔和的線條及形態，也形成了充滿反差的新觀點。

藝術家以絕對身體性的自發行為，轉化其生命經驗於作品中，材質經過身體性的轉移，彷彿一個生物的本能般，不斷交織與相疊，如同一種生之慾望的勃發，一種竄出與崢嶸的象徵。

▍橫溝美由紀

橫溝美由紀（Miyuki Yokomizo）擅長使用現成物製作極簡裝置，作品中往往可見時間、空間與光線的交互作用。近年來，她一直嘗試在平面畫布上結構出立體空間與裝置性，以此創造嶄新的視覺體驗。

透過雕塑化的繪畫手法，橫溝美由紀結合自然元素與藝術行為，展現出介於偶然與可控之間的張力。她在畫布上設置螺絲釘與細繩，將顏料以彈射的方式覆蓋，形成富有雕塑深度與光影流動的視覺效果，模糊了繪畫與雕塑的界限。

▍彼得．亨特納

彼得．亨特納（Peter Gentenaar）專注於植物纖維的自然特性，如麻、棉花和亞麻等。他研發出專門用來製作紙纖維的機器「Peter beater」，透過擊打纖維釋放出微小的纖維絲，當這些纖維絲在水中懸浮，並逐漸沉澱後，形成一張天然的紙張。

不同於傳統紙張的平整處理，亨特納讓材料保持其原有的植物纖維記憶，允許紙張纖維自然捲曲。他運用這樣的特性，以紙雕作品豐富的褶皺與紋理，模擬模擬自然界的地形與流水，突破了紙漿作為靜態媒材的限制，賦予其強烈的動態與生命感。 

《質譯》

展覽日期｜2025.02.15–2025.04.05
開放時間｜週二至週六12:00–18:00
展覽地點｜双方藝廊Double Square Gallery（台北市中山區北安路770巷28號）

上海當代藝術博物館現正呈獻與香奈兒文化基金聯合策動的「新文化製作人」現場展覽《從邊緣開始收集》。從本文率先了解該專案實踐內容，並接續走進位於館內3樓的嘉柏麗香奈兒空間，一探17組參展藝術家及團隊、31件多媒材作品蘊含巧思。

由上海當代藝術博物館（Power Station of Art, PSA）與香奈兒文化基金（CHANEL Culture Fund）攜手執行的「新文化製作人」專案，即日起至2026年10月8日選址館內3樓、方於2025年11月底正式向大眾開放的嘉柏麗香奈兒空間（Espace Gabrielle Chanel）設計中心（psD），帶來第四季「文本與藝術」主題大展《從邊緣開始收集》。繼前三季對手工藝、建築與劇場等不同領域的關注，本季展覽內容探索廣義而具體的文本，何以作為創作語言和思考模型，啟發當代藝術及多元文化實踐中的突破性敘事表達。

前情提要：「新文化製作人」主要在做什麼？

全案由上海當代藝術博物館與香奈兒文化基金於2021年共同發起，旨在為具有文化視野的探索者、創作者、實踐者、堅守者提供全方位展示舞台。第一季聚焦「手藝再興」主題，藉於2022年11月5日至2023年2月5日舉辦的雙展《狂人之丘》與《回到未來：穿越時代的屏障》，引起各界對中國手藝當下境遇與再興可能性的熱議。第二季面向「活性建築」主題，於2023年7月15日至10月8日以單展《影之道》探討中國南方的「陰影」，如何憑其複雜性與連續性不斷拓展建築空間的不穩定邊界、活化中國文化深厚的內在能量。第三季定調「劇場」主題，於2025年7月12日至10月8日構建一座持續發生的寫意劇場《正午、荒原、息流、瓦捨、廢墟、劇場》，從而消解戲劇、表演與展覽的傳統邊界。

>> 延伸閱讀：香奈兒當代藝術圖書館上海揭幕！坂本一成操刀「Espace Gabrielle Chanel」：5萬冊跨域館藏，更設劇場及設計中心

本季則著眼「文本與藝術」主題，再以單展《從邊緣開始收集》溯游新聞報導與虛構文學間，並經跨學科的創作實踐開展一場關乎文本性的當代藝術探究。兩位新一屆新文化製作人李雅倫、錢夢妮，遂從上述兩種文本出發，詮釋文本與藝術、個體與世界的關係。在她們看來，新聞、文學、影像、建築乃至更廣義當代藝術創作，皆可憑藉敏銳感知，從生活邊緣收集脆弱、柔軟和詼諧，也同時由不同角度反映或抵抗某種隱形的結構性暴力；如果將散落的「不可言說」與「不被言說」之物蒐集起來，便能連接自我與世界，正如透過閱讀新聞跳出資訊繭房、透過閱讀文學脫出個人經驗。

走進現場：裝填31件展品的「載物袋」，邀觀者思考主客體關係

展覽採美國作家娥蘇拉勒瑰恩（Ursula Le Guin）筆下的「載物袋」形式組織作品——拒絕宏大敘事的統領，轉而積攢日常碎片，藉以和觀眾共同思考敘事主體與客體之間的權力關係。特別為本展搭建的木質環形展架，圍合成一個具褶皺、形如載物袋的橢圓空間，將原來設計中心的白立方一分為內裡和邊緣兩部分。展架內側牆面選用柔軟的毛氈包裹，並裝填31件來自當代藝術、建築及文學等領域的作品。整體布展則始於邊緣，以散置手法在展架外圍牆面分別呈現一篇深度新聞報導與一篇小說的文本。各參展作品的創作方法且與新聞報導和虛構文學的敘事方式互有隱蔽呼應：一邊從現實世界選取素材，再現、分析、改編；一邊從主觀感受出發，流露、抒發、表達。

精彩展品一覽

▍劉任

展覽入口處，劉任利用草紙形塑的立體作品《關鍵時刻》和平面作品《2個單詞》，分別再現生活物件和新聞詞彙，揭露個體面對現實困境時的出神狀態。

▍楊露子

楊露子從文字、圖表、裝置（下圖為裝置）3個層次展開對記憶和意識的探索，記錄自己兒時曾策劃、執行並放棄專案項目的過程。

▍唐藝窈

唐藝窈拍攝工廠廢墟內餘下的生活用品，在裝置《庇護，停留》中使用廢舊建築板材與彎折的鐵片，捕捉被遺落的日常痕跡。

▍孫海霆

孫海霆藉類型學（Typology）式的鏡頭收集北京最常見的住宅板樓，審視同質化日常景觀中的個體生活。

▍張子彥

張子彥的《渡》、《掃》，經由影像聚焦聚光燈外的建築清潔和維護工作。

▍張可睿

張可睿的《敷面膜的人也是複製人》系列畫作超越現實語境，每張畫都可被視作通向一篇小說的入口。

▍李文嘉

李文嘉的《唱歌的杯子》同樣在展場中造出異境，NPC（非玩家角色）通過影像裝置提出問題，討論個體如何跳脫心理上的沉湎和孤寂。

▍鍾雲舒

鍾雲舒的雕塑將字母、詞語、符號、日用品、現成品串聯重組，再藉元素間的張力質疑既定的秩序與邊界。

▍鍾笛鳴

鍾笛鳴將裝置作品設定在「需要遠眺」或「費力才能看到」的狀態，與鄭源（另位參展藝術家）的影像中幾乎沒有交流但又同處一室的友人們共享相似精神面貌。

▍任莉莉、劉符潔

任莉莉的《落日如灼傷》、劉符潔的《通道》和《樹蔭間透過光的果實》，各採紫銅板、鋼和鋁為材，為日常生活中被遺忘的瞬間和不起眼的物件構建新敘事。

▍沙丘研究所

文化小組沙丘研究所的「沙丘辭典」計畫，以收集、編寫詞條為切角，提供專業術語一種既基於個人、卻又富開放性的重新闡釋。

▍方書君工作室、一介建築

方書君工作室和一介建築的建築實踐項目均圍繞建築師身處的場域展開，透過微型改造和社區行動，介入城市或鄉村的公共生活，以進一步連結社會。

展期內，一系列公共活動預計圍繞「文本與藝術」雙主線展開。開幕圓桌匯集對文本有深刻個人經驗的藝術家、電影人、建築師、寫作者，共同探討文本轉化為藝術形式的多重路徑。特別對話則以小說《刀痕》為引，叩問虛構文學在面對複雜社會矛盾時所激發的共鳴。與此同時，兩位策展人李雅倫、錢夢妮與參展藝術家亦將持續帶來多元教育活動，引領觀者「從邊緣開始收集」，深入藝術創作與文本實踐的第一現場，打撈那些被忽視的聲音與記憶。

上海當代藝術博物館X香奈兒文化基金《從邊緣開始收集》

• 時間：即日起至2026年10月8日11:00-19:00（18:00停止入場），週一休館
• 地點：上海當代藝術博物館嘉柏麗香奈兒空間（上海市黃浦區苗江路678號3樓）

^{資料提供｜上海當代藝術博物館          文字整理｜Ning Chi}

同場呈獻平面繪畫與立體裝置，橫溝美由紀個展《地景—行履無跡》現正於台北双方藝廊迎各方觀者入內摸索時間軌跡。如展名「行履無跡」所示，藝術家透過彈灑顏料構築的織物般作品，引眾穿梭有形與無形，捕捉肉眼未見的事物。本篇邀你認識這位曾於台北國際藝術村駐村的日本藝術家，進而隨其創作潛進「平面上的立體世界」。

坐落中山區北安路巷弄的台北双方藝廊（Double Square Gallery）即日起至2026年8月8日推出日本藝術家橫溝美由紀（Miyuki Yokomizo）個展《地景—行履無跡》。作為双方藝廊與該位藝術家的二度合作，全展鋪排橫溝美由紀10餘件繪畫與空間裝置作品；藉其擅長的線性語彙，帶領觀者在有形與無形的交界，尋溯記憶與時間中的微弱軌跡。

\ 先聽聽藝術家本人現身說法 /

▶ 總覽藝術家橫溝美由紀發跡脈絡

橫溝美由紀1968年生於日本東京，1994年自多摩美術大學雕塑系畢業取得藝術學士學位，隨後並獲日本文化廳「新進藝術家海外研修制度」獎助前往海外深造。1990年代起，始於日本國內外發表極簡主義裝置藝術，多運用塑膠等人造日常物件，強調時間、空間與光影的交互作用。2005年曾任京都國際藝術研究中心研究員。2001至2017年間陸續於包括台北國際藝術村在內的全球多座城市藝術機構展開駐村行動。這幾年來愈以構建嶄新的創作景觀和視覺體驗為目標，致力結合裝置藝術與平面作品，在畫布上重新詮釋、更甚於想像立體空間及其裝置性。作品現受羽田國際機場、日本國際交流基金會、關西醫科大學附屬醫院，以及京都四季酒店、麗思卡爾頓酒店等世界級酒店典藏。

過去遍及日本各地的展覽足跡包括1998年水戶藝術館《criterium 37》和埼玉縣立近代美術館《塑膠時代：藝術與設計》、2002年東京都現代美術館《傾斜的房子》、2003年DIC川村紀念美術館《被盜取的自然》，以及由日本國際交流基金會主辦、於2004至2019年間進行世界巡迴的《通往未來的路：日本新世代藝術展》。近期重要展出紀錄則有2021年Pola Museum Annex《風景：越過柔軟的地平線》、2023年Artizon美術館《抽象：抽象繪畫的起源與演變，從塞尚、野獸派、立體派至今》等。

▶ 近賞台北個展《地景—行履無跡》多彩作品

紮實的雕塑背景促使橫溝美由紀習慣打破二維限制，視畫布為立體空間。本次展出的繪畫作品主要透過將沾有油畫顏料的細繩拉伸於畫布上，再以指尖撥動細繩，讓顏料在畫面中彈射一道道印記。無數縱橫疊置的線條勾勒出織物般肌理，誘發觀者深刻感知密度與力量的積累。除平面作品，藝術家亦跳脫畫布，採銀箔與碳纖維管製作立體裝置，直接以整座空間為背景，延伸出可觸碰的線條，呼應展覽主題所示之「追逐並找尋看不見的軌跡」旨意。

找尋記憶痕跡與時間碎片

展名「地景—行履無跡」為橫溝美由紀提出的創作概念。對她來說，地景（Landscape）並非眼前的風景或視野，而是多重觀點交織下的思考過程。據其自述提及，在無數次穿梭往返的旅程中，心中總交織著對未知土地的期待。她遂嘗試經由自身作品爬梳過往航線，進而找到記憶和時間中的微弱痕跡與碎片——正是這些難以捉摸、不可觸及、肉眼「未見」的事物，吸引著她持續創作。

橫溝美由紀個展《地景—行履無跡》

• 時間：即日起至2026年8月8日，週二至六12:00-18:00
• 地點：双方藝廊（台北市中山區北安路770巷30號）

>> 更多資訊可至双方藝廊官方網站、官方IG查看。