日本藝術家長尾洋（Nagao Yoh）台灣個展《Amalgam》，即日起至3月2日於台北藝廊奇想會登場。長尾洋對哲學、人類學、民族學深感興趣，創作以拼貼技術為核心，結合繪畫、壁畫等形式，藉藝術展現人類文化與文明的延續，同時反映出我們的過去、現在與未來，藉此傳達「我們是未來的原住民」理念。

拼貼古老祭儀、自然世界，留住正在消失的事物

長尾洋的創作媒材，經常是日常生活中尋常的事物，他將來自哲學、人類學、民間故事、傳統裝飾等的靈感，融合古老祭典與習俗中的象徵性圖案，藉拼貼轉譯為當代藝術作品，當中不僅蘊含對傳統、自然與生物的再詮釋，也企圖引導觀者反思傳承、消失及未來將遺留下的事物，進而重新審視這些被忽視的價值與意義。

創作理念與手法上，長尾洋受到普普藝術大家Andy Warhol、Roy Lichtenstein、田名網敬一，及野獸派創始人之一馬諦斯（Henri Matisse）等人影響。若延伸至作品的精神層面，長尾洋提到自己在研究世界各地歷史與文化時，特別關注那些已消失或正在消失的傳統元素，這點深受「現代人類學之父」克勞德·李維史陀（Claude Lévi-Strauss）啟發。

拼貼是「原始又現代的創作技法」

為何以拼貼為主要創作手法？長尾洋這麼說：「在這個資訊爆炸的時代，我希望用一種既原始又現代的創作技法來表達我們的生活。」創作時，他特別重視拼貼素材的精確剪裁，並在創造視覺焦點的同時，保持結構及色彩的整體平衡，力求作品在被遠、近距離觀賞時能帶來不同的感官體驗。

《Amalgam》收束藝術家十年創作軌跡

長尾洋本次在台個展《Amalgam》，傳達了多種元素混合的意象，除了展出最新的拼貼作品，也網羅過去十年來的代表作：

《Snake》以寓意破壞與重生的蛇為主體，反映當今世界所處的轉折時代；

《Birdman》將人類擬態為鳥或半獸人的形象，靈感來自全球各地對生物能力的崇拜與儀式；

《Flame》以亞洲風格的火焰為主題，融合佛教美學與現代素材，探討傳統價值在現代經濟社會中的地位；

《Compound 1, 2》則展示了藝術家擴展表現範圍的努力，其不再局限於單一圖案，而是以整個畫面布局多重元素，呈現出新的創作挑戰。

長尾洋個展《Amalgam》

展期｜2025.02.07－03.02

地點｜奇想會（台北市大安區安和路一段21巷7號）

時間｜13:00－20:00，每週二公休

門票｜低消一杯飲品

位於米蘭的 Prada 基金會（Fondazione Prada）向來是全球藝術愛好者的朝聖之地，即日起至11月9日，由當代最具影響力的藝術家之一 Mona Hatoum，在園區內由舊酒精蒸餾廠改造的儲槽空間，帶來了全新展覽計畫，從懸浮半空的玻璃網、鋪滿地面的紅色世界地圖，到會傾斜顫動的巨型金屬格架，亦是一場關於身體、疆界、秩序與不安的沉浸式展覽。

將工業遺址化為感知劇場

當世界局勢持續震盪，藝術是否還能提供一種重新理解現實的方法？

在米蘭Prada基金會的Mona Hatoum個展《Over, Under and In Between》中，答案似乎是一場必須以身體經過、以感官承受的空間提問。這項為Cisterna空間量身構思的場域特定計畫，透過裝置作品，圍繞「網」、「地圖」與「格網」三個核心意象展開，回應的是我們這個時代的動盪，以及人類存在本身的脆弱。

Cisterna空間前身是蒸餾廠儲槽所在的工業建築，帶有鮮明的垂直尺度與粗獷結構。Hatoum並未把它視為中性的展示場地，而是將三個展間轉化為感知逐步推進的場域，觀者在穿越作品的過程中，被一步步帶進不穩、壓迫、懸置與失衡的心理狀態。這也是Hatoum近年創作中始終鮮明的特質，她擅長把極簡而克制的形式，轉化為帶有危險感與身體壓力的存在。

1952年生於貝魯特、出身巴勒斯坦家庭的Mona Hatoum，長期以身體、位移、邊界、監控與權力結構等主題聞名。她的作品總帶著一種少見的張力，看似極簡，實際上卻從不只是形式問題，而是關於人如何被世界規訓、包覆、切分與觀看。

庇護與束縛，從「網」開始

展覽的第一個空間，由新作《Web》揭開序幕。這件作品以手工吹製的透明玻璃球與金屬線組成一張高懸半空的巨大網狀結構，像蜘蛛網，也像某種脆弱卻難以逃離的宇宙圖景。對Hatoum而言，「網」從來不只是單一象徵，它既可能是壓迫、困陷與束縛的羅網，也可能暗示庇護、親密與彼此相連的關係。正因如此，這件作品最迷人的地方，不在於材料的精巧，而在於它讓人同時感受到兩種相反的情緒，一方面被其透明、輕盈與微光吸引，另一方面又不自覺地意識到，自己正站在一種可能逐步收緊的結構之下。

由三萬顆紅色玻璃球構成、隨時可能失衡的世界地圖

中央展間中的《Map (red)》則把視角拉向全球尺度。作品由超過三萬顆半透明紅色玻璃球鋪陳於地面，形成一幅僅保留陸塊輪廓的世界地圖。沒有清楚的國界，也沒有固定的基底，每一顆玻璃球都處在可被擾動的位置上，使整件作品呈現出一種鬆動、危險、隨時可能失衡的狀態。

Hatoum選擇以Gall-Peters投影製作這幅地圖，透露其觀看立場。這幅作品不只是對世界的描繪，也是一個關於權力如何塑造世界認知的提醒。當地圖不再是穩固的知識圖像，而是由無數脆弱的玻璃球組成時，觀者面對的便不只是地理概念，而是整個世界秩序本身的可變與不安。

如呼吸的建築，也像顫動的身體

第三個空間中的《all of a quiver》，則可說是整場展覽最具身體感的一刻。這件大型動態裝置由九層開放式立方結構堆疊而成，像建築鷹架，也像一副被抽空外殼的骨架。它在機械裝置驅動下緩慢傾斜、下沉、顫動，再重新站回直立狀態。整個過程並不劇烈，卻讓人清楚感受到所謂的穩定，其實只是一種暫時維持的平衡。

這件作品也凸顯Hatoum一貫的方法，她擷取立方、格網、模組與重複等極簡語彙，卻不讓它停留在理性而抽象的層次，而是讓結構本身帶上近乎疲憊、搖晃、脆弱的人體感。觀看它時，彷彿不是在看一件雕塑，而是在看一種時代狀態的縮影。

世界不曾穩固，我們都活在某種不安中？

為了讓觀者能更深入了解作品背後的脈絡，Prada 基金會同步出版了《Quaderni》系列專書，邀請地理學者、建築師與心理學家共同撰文，從多元視角剖析 Hatoum 的創作世界 。

在 Mona Hatoum 的視角下，世界不再是堅實、可控的，而是一個充滿動態變數的感官空間。《Over, Under and In Between》所提示的，也許不是如何找到穩定，而是如何承認，人始終活在上方、下方，以及所有尚未被命名的中間地帶。

Mona Hatoum《Over, Under and In Between》
地點：Fondazione Prada, Milan, Cisterna
展期：即日起至11月9日

「圓滾滾藝術家」費爾南多．波特羅（Fernando Botero）特展，即將於6月首度在台展出！《圓潤的魔法 波特羅特展》將帶人們一覽其油畫、素描、水彩與立體雕塑，完整呈現波特羅的人生藝術歷程。

圓滾滾是他的金字招牌

你或許不記得他的全名，但一定對他畫筆下的圓滾滾人事物留下深刻印象。來自哥倫比亞的藝術大師費爾南多．波特羅（Fernando Botero），以獨特的「膨脹美學」聞名世界、顛覆人們對「美」的既定印象，也讓他成為當代最具特色與影響力的藝術家之一。

出生於哥倫比亞麥德林的波特羅，年輕時遠赴歐洲，在西班牙大師的作品與義大利文藝復興的洗禮下，奠定其藝術基礎；故鄉拉丁美洲那鮮豔飽滿的街頭色彩與豐富的文化底蘊，也是他創作中不可或缺的靈感養分。

獨樹一格的「圓滾滾」美學

然而，真正改變他風格的是，年輕時畫的一把曼陀林琴，當時他靈機一動刻意將琴身中央的圓孔縮小，使樂器看來像是向外膨脹，也促使他重新思考比例與體積之間的關係。透過對靜物的反覆練習與試驗，他打破了傳統認知的界限，創造出獨特的藝術表現，而波特羅式的「圓滾滾」美學也就此誕生。

集結118件的圓滾滾作品

圓潤飽滿的創作風格，貫穿波特羅的作品，從人物、靜物、動物到宗教題材等，都可見其獨特的幽默感。而在這次的《圓潤的魔法 波特羅特展》中，集結高達118件的圓滾滾作品，展品包含涵蓋油畫、素描、水彩與立體雕塑，呈現出波特羅不同時期的創作脈絡與風格作品。

感受畫筆下的視覺驚喜

這次也透過「拉丁美洲風情」、「靜物系列」、「鬥牛與馬戲團」、「經典致敬與宗教題材」、「多樣媒材與立體雕塑」等展區，帶領人們深入這些作品的魅力。比如在宗教主題中的修女與神父，藉由誇張造型與幽默筆觸，把對神職人員的諷刺藏在圓潤龐大的身軀裡；向藝術大師致敬的系列作品，將西洋經典畫作結合他獨特的風格，創造出視覺驚喜。

運用「體積」形塑作品的個性

波特羅作品中豐盈飽滿的輪廓、濃郁鮮明的色彩或是戲劇性的構圖，展現出他如何運用「體積」來塑造出個性、幽默與情感。他曾說過，「我畫的不是胖，而是對體積的讚美！」若仔細觀察，也不難發現這些圓潤療癒的作品背後的每個線條、手勢與表情，都是經過深思熟慮。

另外，目前波特羅特展於新加坡「IMBA」展出中，之後將登陸台灣，展場呈現方式也會有所不同，若你已經先於新加坡觀賞過，不妨也好好期待台北場帶來的全新觀展體驗。

預售票將於4月22日開賣，預售單人票400元、預售雙人票780元、謝哲青講座套票999元。完整票價資訊請見下圖，或至udn售票網查詢。

《圓潤的魔法 波特羅特展》
展覽日期：2026.6.19-10.11
展覽地點：國立中正紀念堂1展廳