2025大阪世博閉幕前必訪！Chaumet藝術展登入法國館：3大展區以和紙玩轉光影之美，從古董珠寶回溯與日本200年淵源

時序來到9月，意味著大阪世博已然進入倒數階段。接下來準備啟程的各位，將能親賞「法國館」開幕之初LVMH集團即預告於展期最末壓軸登場的珠寶藝術展《自然之美的頌歌》。乘麥穗、三色堇、羽翼3大象徵，讓我們一同回顧18世紀至今Chaumet與日本的深厚淵源，綜覽品牌何以發揚雙方在「自然」靈感上的共通性、捕捉其中靈動之美，進而開創多系列非凡作品。

2025大阪世博法國館會合LVMH集團旗下大牌Louis Vuitton、Dior、Celine及Chaumet共築夢幻空間，始終屹立此次世博會最熱門海外展館之列。且除常設展日日為各國旅客備足豐富內容外，個別品牌的快閃特展亦不失為一大看頭；由Celine特展於開幕時打頭陣，如今全展期邁近尾聲，精彩收束則將落於奢華珠寶品牌Chaumet即日起至2025年10月13日閉幕前帶來的《自然之美的頌歌（An Ode to Living Nature）》特展。

展覽與母集團LVMH合作，以獨到方式詮釋「愛之讚歌」大題，再度呼應法國館所欲傳達「各種形式之愛」的整體氛圍，同時兼展Chaumet與地主日本之間有形、無形的牽繫。一切可追溯至品牌創始人尼鐸（Marie-Étienne Nitot）245年前所確立的「自然主義珠寶商」定位——受其啟發，Chaumet選擇對日本的熱愛、對精湛工藝的熱愛，當然還選擇了對大自然萬物多樣性的熱愛。承前述脈絡，《自然之美的頌歌》亦擷取之於品牌而言別富意義的自然元素為節奏，向大自然獻上頌歌。

《自然之美的頌歌》3大展區簡介

可謂一首關於生命和律動的頌歌，此次特展通過結合當代和古董珠寶作品的沉浸式體驗，深深致意被定格的自然。旅程始於探索Chaumet歷史、其自然主義特色，以及與日本長年來的多重連結。循「自然」為共同主線，第二個空間展示隨風搖曳的麥穗、三色堇、羽翼3個Chaumet世家標誌性主題。最後，拿破崙親選的皇室象徵「蜜蜂」，將陪伴觀者直抵終點；Bee de Chaumet系列經典的蜂巢圖騰亦被以和紙無限延展，既玩轉光影之美，更致敬日本傳統工藝。

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3階段回顧Chaumet與日本逾200年歷史故事

▍18世紀末至19世紀上半葉：瑪麗皇后的漆器收藏

自創立初期，Chaumet便與日本保持著特殊關係，這一淵源在世家檔案中不斷被提及。故事打18世紀末寫起，法國君主制覆滅後，品牌創始人尼鐸受命清點最後一位皇后瑪麗安東尼（Marie-Antoinette）的日本漆器和中國瓷器收藏。隨後跨入19世紀浪漫主義時期，Chaumet在接任尼鐸之子的品牌總監弗森（Jean-Baptiste Fossin）帶領下，從日本極為重視的四季更迭和來自其他地區的植物物種中，發想出許多自然主義作品，雙方關係由此前推。

▍19世紀末到20世紀初：瀰漫裝飾藝術的日本主義

接續迎來歐洲美好年代、咆哮的二十年代，Chaumet擁抱了瀰漫於所有裝飾藝術中的日本主義（Japonisme），並自著名雜誌《日本藝術（Japon Artistique）》汲取靈感。眾多訪問巴黎的日本顯赫客戶也紛紛光顧芳登廣場的Chaumet旗艦店，包括購買了髮帶式頭飾的侯爵夫人前田菊子，以及20世紀初出現在客戶名冊中的皇太子裕仁。

▍20世紀下半葉至21世紀今日：開展跨文化對話的盛大展覽

時間快轉到1970、80年代，Chaumet仍傾心探索日本主題，並依舊對遙遠而豐饒的植物群著迷，這無疑促成了1977年令人驚豔的銀杏項鍊和珠寶設計大師René Morin的鍔系列誕生。

2018年，Chaumet在東京的三菱一號館美術館舉辦《Les Mondes de Chaumet：1780 年以來的珠寶藝術》展覽。珍貴展品包括拿破崙皇帝約於1804-1805年間委託尼鐸製作、現為梵蒂岡聖彼得大教堂珍寶館所收藏的教皇庇護七世（Pope Pius VII）著名冠冕；由聖座特別出借、Chaumet頂級珠寶工坊加以修復展出。同年，Chaumet推出獨具裝飾藝術風格的高級珠寶膠囊系列Les Mondes de Chaumet，其一項鍊作品Chant du Printemps正是基於日本櫻花和傳統民家房屋意象創作而成。

2025年，跨文化對話透過《The Art of Colour》展覽持續延伸，Chaumet不僅藉該活動與當地主要的當代藝術畫廊建立合作關係，亦精心挑選當地藝術家作品，聯繫起色彩、工藝和日本文化，使之與頂級珠寶作品巧妙共鳴。場景設計方面同樣帶入充滿活力的色彩和光影互動，多面向綻放世家迷人光芒。

如今，Chaumet對大阪世博的投入，和最後在法國館呈獻的藝術展《自然之美的頌歌》，皆實踐品牌對日本的承諾及其國際影響力，同時再次向自然在日本文化與精神中無可替代的核心位置致上崇高敬意。

同場加映：在日發展半世紀，再闢都內高檔地段新店鋪

最初立足法國之時，Chaumet便憑前瞻視野積極開拓全球市場，成為最早一批走向國際的頂級珠寶品牌。且早在1974年即以先驅之姿在日本拓展業務，從1983年與三越百貨簽署首份合約，確保珠寶作品得以璀璨亮相日本全國各地；1990年代初開設首家直營店，於專屬空間內構建獨特的品牌世界；乃至目前於整個日本列島包括東京、大阪、神戶、福岡等地已擁有10多家精品店，並選址東京銀座和表參道開設最新店鋪。

Chaumet《自然之美的頌歌》特展

• 時間：即日起至2025年10月13日9:00-21:00
• 地點：大阪世博共創賦能區（Empowering Zone）法國館

東港的海風混合著鹽味與香火氣息，每三年一科的東港迎王平安祭典，讓這座海口小鎮成為南臺灣最具代表性的民俗現場之一。當王船在夜色中點燃，火光映照海岸，人們透過送王儀式寄託消災祈福、送煞除厄的心願，也延續著長久以來的王爺信仰文化。

多數人未必知道，最終化為灰燼的王船，其實蘊含著木工造船、彩繪與雕刻工藝。當地的屏東縣王船文化館，便像是一座收藏地方記憶的船艙，將原本存在於祭典中的文化與技藝保存下來。

航向地方記憶的文化之船

文化館建築以王船為概念，流線型外觀如同船隻破浪前行，牆面大小不一的圓孔，如浪花飛濺，而建築最大的孔洞，則被設計在象徵王船「龍目」的位置。整體建築將迎王祭典的意象融入細節中，曾榮獲2026年義大利A'Design Award 金獎、2025年倫敦設計大獎金獎等多項國內外建築設計獎項。

財團法人屏東縣文化基金會駐館專員梁芝茗表示，許多人因為名稱，以為館內只介紹王船，但其實文化館更核心的主題，在於整體王爺信仰文化。「王船是王爺信仰中的一環，像祭典、科儀、文物與工藝，皆為文化館保存與研究的範圍。」她說。

文化館的成立，源自於對文化斷層的關注。製作東港王船的司阜們，本身以木造漁船工藝為業，參與王船建造，是基於信仰投入的無酬奉獻。王船完成後最終焚化，也讓這門工藝長期處於「完成即消失」的循環之中。

現代漁船材質大多以玻璃纖維為主流，木造漁船的需求大幅減少，造船師也隨著年齡增長逐漸凋零，也讓以木造技術為基礎的王船工藝，面臨傳承斷層的挑戰。因此文化館透過典藏、展示與系統化整理，希望建立一套能延續工藝知識與技術的保存機制。

從海洋信仰到在地文化

文化館展區共分四層，展覽動線也像是一段逐漸深入地方文化的旅程。進入大廳，抬頭可見一比一打造的典藏王船，巨大船艉凌空伸出，氣勢磅礡。參觀路徑自《生命的長河》沉浸式劇場展開，透過三百六十度環形投影，重現東港迎王祭典的神聖與浩大，讓觀眾彷彿置身其中。

一樓展覽也介紹送王船如何與「和瘟去厄」觀念相關，以及所衍生出的道教科儀、陣頭演藝與工藝技術，還有王爺信仰如何隨著移民傳播至東南亞與臺灣。

來到二樓，則深入探討東南亞王船文化的對照，展現王爺信仰的跨地域性。此外，二樓展區也概述全臺重要的王爺信仰祭典，包括西港刈香、南鯤鯓代天府五府千歲進香期、東港迎王平安祭典等，並展示法器、糊紙神像與陣頭文物。

三樓進一步深入屏東地區，包括東港、南州與小琉球等地迎送王祭典與科儀的差異；到了四樓，則聚焦東港東隆宮迎王祭典，完整呈現送王儀式與添載文物。梁芝茗提到，館方希望觀眾看見的，不只是單一祭典，而是信仰如何深深交織於地方生活之中。

真正能航行大海的王船

文化館最重要的典藏，是由東隆宮王船組司阜打造的一比一實木王船。王船是代天巡狩的千歲爺巡行人間時所乘坐的神船，承載著消災祈福與送煞除厄的信仰意義。因此對東港人而言，王船不光是祭典中的象徵物，更是一種信仰寄託。

東港王船的船型參考傳統福船，長度約十四公尺，設有前、中、後三支桅桿，也配備錨、舵與櫓等完整航行結構。雖然屬於祭祀用途，但仍具備實際航行能力。

船體內部空間也比照真實船隻規劃，包括五王艙、水手艙、廚房與牲畜艙等配置，甚至連火砲、刀槍與生活物資皆完整呈現，使王船在信仰與造船技術之間形成獨特交會。

走近細看，更能感受工藝細節的密度。船頭雙龍護珠氣勢莊嚴，船身兩側繪有黑鮪魚、蟳與鰻魚等東港代表性漁獲，象徵地方漁業與對豐收的祈願；船上人物木雕與微型家具亦栩栩如生，構築出一座縮小卻完整的海上世界。

館內保留司阜當時現地現造的手繪設計圖，而從設計圖到實體船身的轉化過程，也讓觀眾得以看見，王船工藝並非單一技藝，而是結合造船結構、彩繪與雕刻的綜合性工藝。

工藝在時間中持續變動

梁芝茗並不強調東港王船「完全遵照古法」，她形容它更接近一艘「中式仿古帆船」，是司阜們參考東隆宮珍藏的百年小型王船，再結合自身造船經驗與想像，一步步發展而成的成果。換句話說，王船本身就是一種持續演變的工藝。梁芝茗說，在當代的討論中，重點已不再是「是否完全復刻傳統」，而是工藝如何在新的條件下被延續與轉化。

在這樣的基礎上，地方開始出現不同的思考方向。有人提出木造與玻璃纖維結合的複合材質，也有人思考與遊艇產業合作，引入現代船舶技術，作為王船製作的輔助方式。

梁芝茗認為，真正仍在延續的工藝，本來就不可能停留在單一形式。「大家會一起討論下一艘王船該怎麼做，引進新的思維，而不是一味守舊。」也正是在這樣的過程中，傳統工藝不再只是被保存的對象，而是持續與當代生活對話與實踐。

工藝季讓傳統走進生活

2026臺灣工藝季期間，王船文化館推出一系列工藝課程，包括漆線雕、神明冠冕串珠藝術與木雕體驗等，讓原本多見於宗教祭典與匠師手中的技藝，被轉化為可親身參與的手作經驗。

在實作中，漆線不再只是神像上的裝飾，而可能成為日常器物的紋理；木雕技法也不再侷限於神轎與王船，而開始延伸至生活物件之中。對年輕世代而言，工藝不一定帶著遙遠的歷史感，它可以是一場手作課、一件作品，或是一種重新認識地方文化的入口。王船文化館所做的，正是讓這些原本可能逐漸消失的技藝，在當代被看見，也被重新使用。

這樣的延伸其實與館方的核心理念相呼應，文化並非靜態保存，而是在持續的轉化中延續生命。

梁芝茗也期待，未來王船文化館能進一步升格為博物館，成為全球華人王船信仰的重要交流基地。就像最終在火光中燃燒的王船，即使化為灰燼，它所承載的信仰與工藝，仍會在不同人的手中，被一次次重新延續。

文字 / 蔡蜜綺

攝影 / 邱家驊

一張紙，能承載多少土地的故事？在雲林斗六的「紙農書院」，蒜頭皮、稻稈、玉米梗葉，甚至颱風過後散落的枝葉，都是工藝家黃世豐眼中的珍貴素材。他將田間常見的農業剩餘物，透過蒸煮、打漿、抄紙等繁複工序，轉化為紋理與色彩各異的手工紙。那些原本被忽略的植物纖維，在他的巧手下重新組構，也讓雲林的物產、季節與風土，化作一張張獨一無二的紙上風景。

在表情豐富的手抄紙襯托下，像是一齣由植物共同演出的微型劇場，在名為「紙農書院」的空間裡登台。而這齣戲的「導演」，是工藝家黃世豐。

黃世豐與擅長染織創作的妻子先後在埔里共同成立「小滿居染織工坊」與「紙農書院」染織紙微型聚落，5 年前移居雲林。這個融合「紙」與「農」的空間，代表兩人將埔里手工造紙技術帶進農業大縣的雲林，嘗試使用農作廢棄物為原料，一場有意思的纖維實驗就此展開。

打造城裡的微型工藝角落

年輕時，黃世豐任職「天染工坊」曾與陳景林老師學習自然染色纖維工藝，於「天染花園」協助營運與天然染色教學時，曾短暫接觸手抄紙工藝，之後應紙觀光工廠工作邀約，意外地前往有「造紙小鎮」之稱的埔里。在埔里的15年間從興趣學習走到自設古法手工造紙工坊。後來他結合染、織、紙、陶四種工藝，成立「紙農書院」染織紙陶微型聚落，在寬闊的千坪空間裡打造出手創聚落，讓工藝與生活並存。

多年後移居雲林，在親友介紹下來到雲中街文創聚落。老屋木構、榻榻米與日式空間尺度，讓他一眼著迷，決定落腳於此。只是，原本遼闊的一千多坪場域，如今一下子濃縮進不到十坪的榻榻米廳室裡。

站在「押入」（壁櫥）前，黃世豐指著收納其中的材料與工具笑說，過去那些完整的體驗課程，「我現在濃縮成兩個簞笥（箱櫃）就講完了。」空間縮小了，但某種工藝的本質反而被重新淬煉出來。那些看似微小的紙纖維、植物殘片與手作痕跡，被更仔細地安放進生活裡。誰說在都市環境裡，工藝就不能存在？在黃世豐的打理之下，隱身在日治警察宿舍群的斗室，成為城市裡的迷人工藝角落。

從蒜皮到牛糞的纖維實驗

立地於雲林，置身於截然不同的環境條件裡，黃世豐依舊不改初衷，秉持因地制宜、就地取材、從零到一的精神投入創作。黃世豐說，手抄紙原本就是取自天然材料，而身為農業大縣的雲林，田間生產剩餘的農作廢棄物，在他眼中正是造紙的有趣材料。

細數著斗南的馬鈴薯、水林地瓜、莿桐蒜頭等，不同產區的農業剩餘物，依照季節提供不同的植物纖維；甚至連崙背畜牧業產生的大量牛糞、庄頭裡神明生日或遶境後產生的滿地炮仔紙，也能成為造紙材料。

遇到颱風天，他格外忙碌。「滿目瘡痍的時候，我們全家會開車出去撿東西。」黃世豐笑說，他的後車廂長年放著鋸子與花剪，隨時準備「拾荒」。倒木、斷枝、吹落的果實，在別人眼中或許是災後廢棄物，在他眼裡卻都是可再利用的纖維素材。在探尋的過程裡，他逐漸發現雲林的創作材料俯拾即是，大量且陌生的纖維素材，異於他在埔里所接觸到的，並直接影響他的創作表現。

拾荒者眼中的紙上風景

紙農書院的一只木抽屜裡，整齊收納著一束束天然纖維：秋收後曬乾的稻稈、從麻布袋拆解抽出的麻繩、舊時蓑衣使用的棕櫚樹片，以及被剝除丟棄的茭白筍殼。

光是這幾種材料，透過不同處理方式、纖維比例與成漿結構的變化，就能組合出截然不同的紙張表情。黃世豐認為，造紙工藝的其中一個困難點是材料前端的處理。從採集時間、保存狀態，到使用什麼工具、如何熬煮，每一個環節都影響著植物最後能否成為可用的纖維。他常形容，熬煮紙漿很像料理，有些材料必須先曬乾後才能加工，有些則得趁新鮮時立即處理；而不同植物纖維，也必須依特性選擇「蒸煮」或「浸漚」等不同方式處理，要是煮得太過頭，纖維便會糜爛，便無法抄成紙。

他說：「纖維皆可造紙。」但看如何處理材料。當代手工紙使用的楮或構樹多半為海外進口，但這些材料在過去同樣是「就地取材」，只是現在願意投入前端處理的人力越來越少，許多原料仰賴外部供應。

造紙是幾千年的技術，原料跟工序其實差不多，但不同地方的物產材料，會造就紙不同的應用。」在黃世豐眼裡，紙真正迷人的地方，在於纖維被重新組構後，會顯現出材料原本未曾被看見的紋理與色彩。例如以玉米梗葉製成的信封，紙面會自然散布細微的綠色、紫色纖維痕跡，而這些顏色，在材料還沒變成紙之前，其實並不明顯。

一紙地方共好的新空間

從想像一張紙的表情出發，再回頭選擇纖維材料，利用技法的堆疊，呈現出抽象的主題。例如〈熱鬧的秋天〉，他刻意挑選能呈現豐富層次感的植物纖維，但又必須壓低色彩飽和度，讓整體維持秋天沉穩而帶有暖意的色調。

並且，他也把創作延伸至紙商品設計，成為公司行號祝福的小卡、米禮的手感包裝等等，將地方、風土與物產的線索，全濃縮在一張紙裡。

為使人們有機會靠近工藝、理解工藝，甚至親手感受工藝。黃世豐將原本繁複冗長的工藝流程，重新拆解、設計成可被體驗的課程，並搭配下午茶以及老街導覽行程，讓工藝成為一段感受地方生活的旅行。

適逢一年一度的臺灣工藝季與六五工藝節，紙農書院今年推出單人成行的「日式桌燈」與「織畫」課，降低參加的門檻，吸引許多來自外縣市的工藝愛好者報名。他認為，工藝裡大量重複的動作，會讓人慢慢沉澱下來，尤其有助於培養孩子的專注與耐性。「有些孩子不一定擅長語言表達，但透過動手操作，反而更容易找到自己的節奏與能力。」今年暑假，紙農書院也預計完成新的空間計畫，一樓將結合「庇護咖啡館」，並導入社區產品與地方選物，二樓則規劃可容納四、五十人的體驗教室，成為共享地方特色與觀光資源的生活場域。

「我不覺得手工藝會消失。」在黃世豐看來，未來越是科技化，人們反而越渴望五感經驗。他說：「某種程度上，工藝會變成一種形而上的東西。」以手虔誠而做，把自己信奉的意念貫注其中，像是一種信仰。

文字 / FunnyLi

攝影 / 王士豪