我們藉由攝影、透過觀景窗捕捉世界，一張張照片不只凝結生活脈動於一瞬，更顯影了每個人觀看世界的方式。但你是否曾想過，我們每一次拍攝，究竟是單純仰賴自身直覺和經驗，亦或被觀景窗設計影響的結果？

攝影師李雨軒在與各式相機相處的過程中，發現其觀景窗的大小、亮度、對焦方式等，都悄悄影響著攝影者的觀看姿態。在好奇心驅使之下，他展開「拍攝觀景窗」的創作旅程，將這些「觀看的入口」視為影像的主角，而非單純的機械空腔，再現「機器所看到的世界」。即日起至10/26，李雨軒於一嶼ISland發表個展《Viewfinder》，集結10組經典相機的內部構造影像，邀請觀者一同墜入光影、器械與記憶交織之境，思考觀看及攝影的本質。

實驗攝影，擁抱意外

自人生第一台底片相機起，李雨軒即被觀景窗所吸引——透明卻隱藏力量的界面、微弱亮度、鏡頭反射與對焦機制的細節，成為他後續創作的起點。「實驗性」是李雨軒作品的一大關鍵字，他曾以顯微鏡對焦底片、鏡頭反置、焦段設定為無限遠，也將彩色底片沖洗成黑白，每一次實驗都是對視覺感受的新探索。失焦等偶然的「意外」，是他創作中極為迷人的元素。

走進展場，與觀景窗「雙向凝視」

此次《Viewfinder》展覽現場，共展示了10台經典老相機的觀景窗及內部構造，透過微距拍攝、逆光與底片質感等技術細節，呈現一個個極小卻深邃的影像世界。每一件作品都像一扇微型窗口，凝聚光線、記憶與時光的痕跡，觀者不只是觀看影像，也在當下一同進入作品所創造的空間，重新思考「觀看」與「被觀看」的微妙關係——當你透過相機觀景窗觀察世界時，這些機械似乎也正在回望著你。

觀景窗裡藏了什麼？

為微觀並拍攝觀景窗，李雨軒深入研究微距攝影，期間他逐漸理解鏡頭「放大倍率」的奧妙，「每一次倍率的提升，帶來的畫面衝擊像是進入了一個無法觸及的觀看維度。」至此觀景窗內部不再只是輔助工具，而像是一個平時被我們所忽略的隱性空間。

他也談及拍攝過程中的挑戰：「顯微鏡對光線與對焦技術要求很高，拍攝過程中必須長時間在強光下作業，並小心地調整焦距，每一個微小的移動都可能讓畫面完全失焦。這是一場對技術與耐性的考驗。」實驗到最後，他為了能拍攝到觀景窗後方，特別設計一個轉接裝置，將微距鏡頭延伸至另一台相機，讓兩台相機互相拍攝。像這樣相機對著相機的拍攝模式，對他來說隱喻了人與人之間觀看與被觀看的關係，也呼應著《Viewfinder》欲傳達的「雙向凝視」主題，不妨到展覽現場細品領會。

李雨軒攝影個展《Viewfinder》

展期｜2025.09.19－10.26

地點｜一嶼ISland（台北市大安區青田街6巷10號）

臺中市立美術館（以下簡稱中美館）開館首展「萬物的邀約」將於2025年12月13日開幕。展覽由中美館策展團隊，攜手臺灣策展人周伶芝、美國策展人艾蕾娜．克萊爾．費爾德曼（Alaina Claire Feldman），以及羅馬尼亞旅居南韓策展人安卡．繆雷．金（Anca Mihuleţ-Kim）共同策劃，呈現來自全球20國超過70組藝術家的作品，涵蓋錄像、繪畫、雕塑、裝置、檔案、藝術家書籍等多樣媒材形式，其中更包含24件委託創作與現地製作。展覽期間將搭配系列演出、工作坊與座談，在跨世代及跨文化間，開啟一場關於人與環境關係的探索。

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在城市治理中回應萬物共生的可能

此次策展團隊表示，開館展「萬物的邀約」考究區域地理與歷史脈絡，策展概念回應中央公園地景與水湳機場的轉型歷程，在城市治理與地方記憶之間，藉由藝術實踐，開啟對人與萬物、自然與都市關係的深層省思。

展覽圍繞著五個相互交織的子題：「畫一道海岸線 How to Draw a Coastline？」從自然出發，藝術家以多元媒介描繪自然，呈現地理、感知與存在的練習，同時探問自然的變動與治理意義；「幻生的寓言 Recalling Fables」 透過寓言與神話的創作，藝術家解構人／非人關係，反思殖民史與自然書寫的跨時空辯證；「摺疊的風景Folds and Flows」以「摺疊」的哲學概念討論空間、時間與身份的非線性結構，揭示歷史、記憶與經驗的多重交織；「擾動的記憶The Troubling of Natural Histories」檢視自然史與個人、集體經驗的交錯，重新思考人與自然的關係；「萬物初聲When the World Begins to Speak」藉由個人與集體敘事，藝術家編織面向未來的對話空間，探討共存與修復的可能。

展覽內容涵納動植物史、寓言神話、移動遷徙、語言敘事等，回應自然如何在歷史與權力結構中被形塑，又如何在調控與馴化中持續展現野性與能動性。依循策展脈絡，藝術家們進行田調調查、研究，以風景、神話、聲音與身體為線索，重新勾勒出人與萬物共生的想像圖譜。除了展場，作品也將延伸至綠美圖公共空間，探觸公共與親密、治理與創造之間的邊界，讓藝術思考融入生活肌理，開啟城市與自然關係的討論契機。

跨越文化、超越時空的藝術視野

「萬物的邀約」展覽亦展開現代與當代藝術的跨世代、跨國的對話，從膠彩畫奠基者林之助、漆藝大師王清霜、中部重要女性膠彩畫家林星華，以及抽象藝術代表趙無極、現代繪畫先驅李仲生、版畫暨雕塑家陳庭詩等前輩藝術家，到當代臺灣藝術家如吳其育、楊季涓、廖文豪等，作品交織自然風景與人文歷史的感知。來自臺灣原住民族群的藝術家亦扮演關鍵角色。Rngrang Hungul余欣蘭的作品以女性獵人的身體經驗出發，探索人與自然的和諧共存；瓦旦．塢瑪則透過系列行為表演，召喚人與自然、藝術互相交錯的關係與力量。

共構自然、歷史與感知的跨文化對話

國際參展藝術家則從各自的文化視角出發，共構一場關於自然、歷史與感知的跨文化對話。古巴裔美國藝術家安娜．曼迪耶塔（Ana Mendieta）以其標誌性的「地景身體」行為影像，探索生態與女性主義交織的感知實踐；法國導演克里斯．馬克（Chris Marker）以實驗影像探索動物與人類間的觀看與凝視；巴西藝術家瑪麗亞．特蕾莎．阿爾維斯（Maria Thereza Alves）從植物與土地出發，回應殖民歷史。展覽另一亮點為海倫．凱勒（Helen Keller）相關珍貴文獻首度於臺灣的美術館展出。作為19世紀末身障權利運動的重要推手，海倫．凱勒的思想與行動象徵對多重感知與平權發聲的肯認，也呼應「萬物的邀約」所倡導的共生精神與包容視野，為展覽注入深厚的社會與歷史意義。

此外，展覽也將對話延伸至藝術行動與教育合作。印尼「紙月亮偶劇團」（Papermoon Puppet Theatre）將與全臺第一座原住民族實驗小學臺中博屋瑪國小合作，舉辦藝術工作坊與遊行展演，推動跨文化生態敘事與社群參與。

見本生物操刀設計主視覺

而開館展主視覺由「見本生物」操刀設計，以「來自萬物的邀請函」為核心概念，融合「時間捲曲」、「痕跡」等關鍵意象。視覺透過拆解與轉譯自然與文化的符號，具備鮮明的記憶點，也象徵連結、對話與傳播，開展出多重詮釋的可能性，並延伸至各展區專屬的色彩，讓每間展場都具備獨特的精神與語彙。動態主視覺以層層堆疊的節奏，體現「萬物的邀約」的共生精神及多元價值。

《萬物的邀約》（A Call of All Beings : See you tomorrow, same time, same place）
展期：2025年12月13日至2026年4月12日
地點：臺中市立美術館（臺中市西屯區中科路2201號）
時間：週二至週日9:00-17:00、週六9:00-20:00，國定假日照常開放。
更多資訊可至中美館官方網站查詢

_{資料提供｜臺中市立美術館、文字整理｜Adela Cheng}

北美館年度壓軸鉅獻！2025台北雙年展《地平線上的低吟》匯集來自全球37座城市、橫跨一整個世紀、共72位藝術家的作品，探究「思慕」的多重意義，表述這股心緒「介於現實與期望之間」的張力。循展覽路徑，你將感受來自世界各地的思慕之情，在他人的失落和渴望之間，探索思慕之於自身的意義，從而回頭看見自己的失落與渴望。

本屆台北雙年展由Sam Bardaouil與Till Fellrath（柏林漢堡車站國家當代藝術美術館雙館長）共同策展，集結約150件展品，由北美館館藏及參展藝術家作品交織，其中包含34件全新創作及現地製作作品，涵蓋影像、表演、繪畫、雕塑和沉浸式場景。

什麼是「思慕」？ 驅動我們追求難以觸及之物的內在力量

看展之前，得先釐清究竟何謂「思慕」？它是持續推動人類的一股內在力量，一股面對難以觸及和掌握的事物、卻仍不願退讓的動能；它可能是對連結的渴望，或對未知前景的嚮往；可能是個人的私密情感，也或許是集體的迫切訴求；它具備跨越國界和文化、引起共鳴的能力，既體現深植人性的慾望，也提供了解當下處境的視角。思慕一詞聽來陌生，卻是早已存於你我腦海與心中的念想。

思慕並不張揚，常是柔弱卻倔強的。《地平線的低吟》圍繞著思慕展開，不大聲宣示，而是試圖以低聲而堅定的語調談論未來。展名中的「低吟」意指那些在靜寂中仍持續的聲音、即使被抹除卻仍頑強存續的故事；「地平線」則象徵追求的標的，是已知與盼望之間的交會。兩者疊加，《地平線的低吟》暗示著最微弱的呢喃也能重新定義距離，最細微的舉動亦能改寫我們想像世界的方式。

這3件物品貫穿全展！象徵3種不同對「思慕」的詮釋

展覽從台灣錯綜複雜的歷史出發，因這片土地深知思慕的意義。策展概念源於3件出自台灣電影及文學作品的物件：侯孝賢電影《戲夢人生》（1993）中出現的「尪仔」，象徵布袋戲大師李天祿獻身於技藝的一生，體現歷經殖民統治與戰後重建的堅韌；陳映真短篇小說〈我的弟弟康雄〉（1960）中的「日記」，傳達一位自盡的年輕人，在信仰與絕望之間掙扎的聲音，反映一個世代身處信念與幻滅之間的困境；吳明益小說《單車失竊記》（2015）中的「單車」，象徵兒子尋找失蹤父親的旅程，喚起失落、傳承和歸屬感等主題。

3種截然不同對「思慕」的詮釋，在展場中交織迴響：「尪仔」代表延續性，「日記」代表內在世界，「單車」隱喻追尋。

從寓言到儀式，感受「思慕」是切身體驗

散落於北美館三層樓空間的展品，或如影像詩篇、或如恐怖寓言、或如神秘儀式、或如歷史重構，每件作品都提醒著我們思慕並非抽象無形，而是切身體驗。

以下看向幾件亮點作品：《偽飛行場》 重建一座殖民時期的誘敵機場，揭示歷史的「虛構」本質，同時探討台灣的身份認同；《我的雙眼仍在流淚》是一束宏偉、看似完美卻無香的人工花卉，反映巴勒斯坦作為生機之地，卻逐漸化為凋零的記憶；錄像裝置《愛在死亡之後》透過一段模擬恐怖片的影像，將回憶和神話融合成幽靈般的儀式，訴說悲痛將灰燼煉成黃金的故事；《小室》將脆弱的紅色玻璃球圍束在鋼籠之中，隱喻歸屬感中「保護」與「禁錮」的雙重性；《加重停頓》則利用厚重的環狀繩索構成冥想場域，邀請觀者在節奏飛快的世界裡，以「緩慢」作為抵抗的形式。

策展彩蛋：台灣20世紀老照片穿針引線

值得留意的是，來自1930至1980年代的台灣攝影作品，是貫穿展覽概念的線索，各呼應「尪仔」、「日記」與「腳踏車」所指的隱喻。像是鄧南光攝於1942年的《台北，太平町 （一） 》，紀錄了殖民時代現代化進程中的城市變遷，呼應「尪仔」所探討台灣於殖民統治下展現的韌性；徐清波在1956年拍攝的《密談》，則捕捉兩名男子傾身交談的畫面，身旁的單車猶如一道安靜的鉸鏈，既分隔、又連結，映照出「腳踏車」暗示的追尋與失落主題。

這些典藏作品的現身，不只是歷史影像的再現，更讓曾經塑造台灣文化的藝術家，得以與當下回應時代現狀的創作者產生跨世代的對話。

「我們希望傾聽那些形塑台北今日樣貌的歷史、語言和矛盾。與北美館藏品的對話，並非懷舊之舉，而是一種紮根：當深入參與在地故事時，在地便能成為關照世界的透鏡。在《地平線上的低吟》中，思慕就是那座橋樑——它始於記憶的親密之處，並延伸至地方性與普世性共享的地平線。」——策展人Sam Bardaouil及Till Fellrath

思慕是鮮活且當代共享的體驗

在現實可能隨時被抹去、或被遺忘的今日，思慕折射出新的渴求和迫切性，兩位策展人如此解讀：「無論我們望向何處，皆充滿渴望：在面臨假訊息時尋求真相，在破碎的社群中尋找歸屬，以及在分歧的時代渴求連結。雙年展中的創作並不會化解這些張力，反而是使它具象化。」走進《地平線上的低吟》展場，你將認知到思慕不再是抽象或歷史的產物，而是鮮活、迫切且當代共享的體驗。

2025台北雙年展《地平線上的低吟》

展期｜2025.11.01－2026.03.29

地點｜臺北市立美術館