邁向東南亞：藝廊經營的下一個10年想像？專訪伊日藝術計劃總監黃禹銘

在全球藝術市場於疫後逐漸降溫之際，東南亞卻展現出截然不同的成長軌跡——新加坡憑藉國際藝博與拍賣市場持續展現影響力，泰國雙年展與私人美術館相繼崛起，印尼也因年輕藏家與活躍的生態備受矚目。走入第2個10年的伊日藝術計劃，選擇在此時將版圖擴展至雅加達，設立首個海外空間「YIRI Jakarta」，為藝廊的國際化布局描繪出更踏實的藍圖。

「其實我覺得伊日的使命一直很浪漫，浪漫到甚至有些不切實際。」回顧伊日藝術計劃這10年多來的歷程，總監黃禹銘笑著說道。今年6月，伊日藝術計劃將版圖正式擴展至雅加達，設立首個海外空間「YIRI Jakarta」，為其國際布局開啟新的篇章。事實上，這個海外據點的構想早在黃禹銘心中萌芽已久——10年前，伊日曾同時在北中南3地經營畫廊，卻仍深感難以為新生代藝術家提供足夠的舞台，因而舉辦「台北藝術自由日」，並推動「台灣藝術家世界巡弋計劃」，每年帶領藝術家參與海外博覽會。隨著跨國交流的累積，藝廊的「國際化」也逐漸成了他們賦予自己的使命。

從歐洲到東亞，海外據點的探索與猶疑

最初，黃禹銘其實把目光投向歐洲，將巴黎視為開拓海外據點的首選之地。「許多人覺得我們的藝術風格跟傳統商業畫廊不像，某種程度上來說，這也反映出我們挑選的作品並不是那麼符合台灣市場的眼光；反而在歐洲，我們總能遇到很棒的天使藏家。」他指出，當地收藏氛圍單純，多以個人品味與喜好為主，不像台灣往往會先詢問藝術家的年齡、師承背景與交易紀錄，幾乎以這3項條件來決定是否收藏。儘管如此，當他們真正投入研究時，才發現龐大的執行成本與複雜的制度，都是當時難以跨越的現實門檻，也讓這段浪漫的想像只能暫時擱下。

同時，隨著藝廊成長、參加國際展會的經驗累積，黃禹銘也開始將目光轉回東亞。「讓我感觸很深的是，在當今國際藝博體系裡，最具指標性的莫過於巴塞爾（Art Basel）與斐列茲（Frieze）兩大展會，但那些對我來說終究代表的是西方品味；要參展並不難，只要迎合他們的期待就好，可是我們也不禁開始思考：一定要把自己變成他們想要的樣子嗎？」在他眼裡，亞洲擁有獨特的歷史與美學背景，而台灣位於東亞中心，更提醒他應當回到這個脈絡之中，深度探索東亞藝術的根基。於是，一幅以東亞為核心的國際化藍圖，逐步在他心中成形。

疫情前，黃禹銘曾多次前往上海考察，甚至已看好合適的空間。語言與文化的相近、當地博覽會不俗的銷售成績，都讓上海顯得極具潛力，最終卻因疫情爆發而畫下休止符；同時，由於伊日藝術計劃長期代理多位日本藝術家，東京自然也被視為重要的潛在據點。然而他指出，日本當代藝術市場其實面臨著藏家不足的結構性困境——當地住宅空間普遍有限，使得收藏傾向於小尺幅作品或器物，再加上「好作品應該屬於公共財」的文化觀念，讓多數人選擇走進美術館，而非將作品帶回家。這樣的收藏習慣，導致藝術家的產出與市場需求失衡，也讓他們對於是否落地日本抱持謹慎態度；相較之下，韓國雖然市場能量雄厚，但排他性強烈，要讓當地藏家真正接受台灣藝術家的作品，也並非易事。而就在這些猶疑與觀望之間，印尼這個選項意外地浮現了。

在雅加達，感受燃起的藝術能量

自2022年起，伊日藝術計劃連續3年參展雅加達藝博（Art Jakarta），在一次次嘗試與調整中，逐步累積對當地市場的理解。第1年，他們帶去的幾乎都是台灣藝術家的作品，就像撞上一道無形的結界，銷售並不理想，但現場觀眾對藝術的熱情，卻讓黃禹銘留下深刻印象。「我參加過那麼多博覽會，只要在展場走一圈，就能感受到市場的買氣，而印尼市場確實是蓬勃的。」於是第3年，他們除了引入台灣藝術家，也攜手代理的海外藝術家與當地藝術家共同展出，作品不僅獲得印尼藏家的青睞，更售出至泰國、馬來西亞、新加坡與香港的收藏家手中。這份跨境迴響讓他真切地意識到，雅加達早已不只是印尼的商業與文化中心，更有潛力成為東南亞的藝術樞紐。

擁有2.7億人口的印尼，不僅是東南亞最大的經濟體，也是區域內收藏風氣最早萌芽的國家。黃禹銘指出，這樣的累積使印尼擁有東南亞數量最多、層次最完整的收藏群體。近年來，新生代藏家更透過學習型團體快速成長，他們熱衷於交流、公開分享，甚至共同舉辦展覽，與台灣相對低調的收藏文化形成鮮明對比；另一方面，印尼龐大的人口基數不僅催生了豐富的創作能量，藝術家之間也展現出強大的互助精神，成熟創作者經常將資源回饋給年輕一代，形成非商業性的循環力量。「因此對我來說，在印尼設立空間，不只是把台灣藝術家和我們代理的藝術家帶進東南亞的窗口，也是一個能與當地優秀藝術家相遇的連結。」他補充道。

Hel10²，第 2 個 10 年

而真正促成伊日落腳雅加達的契機，來自雅加達藝博總監提出的「Jakarta Art Hub」藝術聚落計畫。該計畫旨在透過邀請多間海外藝廊進駐，推動印尼藝術市場與國際接軌；聚落選址於門騰（Menteng），這片被稱為「蛋黃中的蛋黃區」地段，周邊匯聚大使館、大型購物中心與捷運站，卻與香港H Queen's的精品氛圍，或台灣由資深藏家主導的畫廊景象截然不同，聚集的多為30～40歲的年輕經營者。「雖然有些青澀，卻帶著屬於年輕的樣子，這樣的氛圍反而更吸引我，也更接近我對藝術的想像。」於是去年底，黃禹銘決定帶領伊日正式進駐Jakarta Art Hub，並於今年6月底舉辦開幕展《Hel10²》，完成國際布局中的第一塊東南亞拼圖。

「雖然雅加達的藏家數量龐大，但與台灣相比，所得水準與藝術品價格還是有落差。」黃禹銘坦言，不少人建議他初期應以展出當地藝術家的作品為主，才能符合市場期待。然而，他與團隊卻有著不同的堅持，希望在邁出第一步之前，先讓大家明白「伊日是誰」。於是，開幕展《Hel10²》最終仍選擇由10位台灣藝術家與10位海外藝術家的作品組成，展現藝廊一貫的視野與姿態。「其實我們也不斷在學習、思考畫廊與藏家的關係：是單純提供藏家喜歡的作品，還是應該勇敢走在前面？就像服裝品牌，是要跟著流行走，還是要創造流行？——我想，我們選擇了後者。」

回顧伊日藝術計劃的第1個10年，他們透過大量參加博覽會爭取國際曝光，把握每一次被看見的機會；如今邁入第2個10年，黃禹銘更希望放慢腳步，專注於空間營運與精準布局。對他而言，博覽會雖能瞬間聚光，卻不足以建立深度連結，唯有長期經營海外據點，才能讓對話與關係真正生根。「畫廊在藝術市場中的任務，應該是發掘好的藝術家，並努力為他們尋找合適的收藏者。如此一來，藝術家才能不斷創作出好的作品，這個循環也才有辦法生生不息。」在伊日的世界裡，浪漫並非遙不可及的想像，而是一步步踏實走出的路徑。

｜BIZ IDEA｜

「台灣」X「在地」的展出策略
若僅展出台灣藝術家作品，往往難以在陌生國家的藝博中融入當地社群。伊日選擇透過策展，讓台灣與當地藝術家共同展出，不僅能拉近與觀眾的距離，也創造更多交流可能。

「展出」與「銷售」的平衡
黃禹銘認為，畫廊一方面應提供藝術家足夠的曝光機會，讓他們持續累積創作，另一方面也應不斷尋找合適的收藏者，藝術市場才能形成健康循環，而不是僅仰賴政府補助。

從藝術到風土的雙重輸出
《Hel10²》展場裡準備了鳳梨酥與薄荷烏龍茶，展現伊日輸出的不僅是藝術，更是台灣的文化與生活方式，希望藉此在國際舞台上開啟更多合作可能。

｜BIZ NUMBER｜

38,000＋人次
2024年雅加達藝博共吸引38,368名觀眾，並集結來自印尼、馬來西亞、新加坡、泰國、菲律賓、越南、中國、韓國、日本、台灣、俄羅斯與澳洲等73間藝廊參與，展現印尼藝術市場逐漸壯大的能量與東亞國家的關注度。

14間
Jakarta Art Hub目前已聚集來自印尼、新加坡、馬來西亞、日本、韓國與台灣的14間藝廊，今年預計將再新增3～4間藝廊進駐，透過產業群聚效應，期望加速推動印尼藝術市場的國際化。

6X6
2026年YIRI Jakarta將啟動6位台灣藝術家搭配6位印尼策展人的展覽計畫，以「對話」與「連結」為核心，建立跨經驗的雙向深度交流。

_{文｜葉欣昀　圖片提供｜伊日藝術計劃}

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勤美術館2026冬季特展《After the Rain》，特別邀請由Alexander Groves與Azusa Murakami組成的設計團隊Studio Swine與藝術組合A.A.Murakami，在亞洲首度舉辦完整創作展。展出涵蓋6大系列代表作品，帶領觀眾從海洋、森林、城市與身體等不同尺度，重新思考自然與人類文明之間的關係。

Studio Swine × A.A.Murakami亞洲首度展覽

相識於倫敦皇家藝術學院的Azusa Murakami（村上梓）與Alexander Groves，原分別具備建築與藝術背景，自2011年起以Studio Swine展開合作。對他們而言，設計與藝術是探索世界的兩種視角，因而於2020年另成立當代藝術品牌 A.A.Murakami。Studio Swine從廢棄物、工業工藝與永續材料切入，作品獲紐約現代藝術博物館（MoMA）、龐畢度中心與香港 M+ 等機構永久典藏；A.A.Murakami則融合藝術、科學與科技，運用「瞬時藝術（Ephemeral Tech）」創造超現實的感官體驗。

6公尺高泡泡樹在台中綻放

本展藝術家Alexander Groves表示：「第一次走進勤美術館，看到挑高的中央空間，就覺得這裡彷彿一直在等待〈New Spring〉。這件作品會依場域調整尺度，這次也特別為勤美術館重新生長。這次展覽也是設計工作室Studio Swine與藝術實踐A.A. Murakami首次同場展出：前者從設計出發，以實驗與理性解決問題；後者運用科技而不是數位，讓人能直接感受的形態創造當下的『瞬時藝術』。水、空氣、霧與光只是媒介，我們真正想討論的是『存在』，讓觀眾在作品前見證事物的誕生與消逝。」

6大系列作品Ｘ6種重新感受自然的方式

從海洋到城市：重新發現被遺忘的材料：〈Sea Chair〉、 〈Can City〉

Studio Swine 長期關注材料、製造、消費文化與環境之間的關係，透過設計研究與實驗，讓被忽略的資源重新進入創作系統。Studio Swine 的設計起點〈Sea Chair〉汲取傳統航海者就地取材的生活智慧，延續海上製作與手工工藝的精神，與當地漁民合作，將漁網中撈獲的海洋塑膠重新熔融、塑形，轉化為兼具工藝價值與生活功能的椅凳。

〈Can City〉則將目光轉向巴西聖保羅城市街頭，透過回收鋁罐及現地熔鑄技術，將日常生活中隨手丟棄的材料轉化為新的物件，呈現城市廢棄物如何成為另一種生產資源。

從身體到森林：探索自然資源的另一種可能 〈Hair Highway〉、〈A Thousand Layers of Stomach〉、〈Fordlandia〉

〈Hair Highway〉深入山東人髮交易市場，以人類頭髮為創作材料，呼應歷史上絲路的貿易與文化交流，將頭髮視為當代另一種流動的珍貴材料，透過加工與設計轉化為兼具美學與工藝價值的物件，重新思考身體、材料、文化與消費之間的關係。

〈A Thousand Layers of Stomach〉則從自然生物的結構與紋理出發，透過程式編碼與探索貝殼紋路形成，讓觀眾看見自然本身所蘊含的幾何設計智慧。

〈Fordlandia〉延伸 Studio Swine 對自然資源與工業文明的關注，回望美國汽車霸主亨利福特（Henry Ford）於亞馬遜雨林建立橡膠種植城市的歷史，透過影像、研究與硬化橡膠家具作品，全球首度完整公開呈現人類試圖控制自然、建立工業秩序的過程，以及其中所隱含的矛盾與守護森林的永續思考。

從微小泡泡到新生：想像自然的未來〈New Spring〉

A.A.Murakami 的〈New Spring〉以日本櫻花盛開與飄落的自然意象為靈感，呼應「物哀」所蘊含的生命短暫與美麗易逝。藝術家以「膜」作為創作的起點，比喻為包覆與承載物質的細胞膜。透過科技與「瞬時藝術（Ephemeral Tech）」實驗，這層薄膜進一步生成高達6公尺、不斷飄浮、變化與消逝的含霧泡泡，自勤美術館 B1 挑空空間緩緩生長。在轉瞬即逝的感官體驗中，作品讓觀眾重新感受生命的生成、時間的流動，以及自然循環的詩意。自2017年於米蘭國際家具展發表以來，〈New Spring〉於全球各地展出，包含巴黎大皇宮、邁阿密設計展、首爾Paradise City Art Gallery等地，並於2025年在東京森美術館展出同系列的〈The Moon Underwater〉。

《After the Rain》
展出藝術家｜Studio Swine × A.A.Murakami
展覽期間｜2026 年 11 月 14 日（六）至 2027 年 3 月 1 日（一）
展出地點｜勤美術館 CMP INSPIRATION（403 台中市西區館前路 79 號）
購票請點此

_{資料提供｜勤美術館、文字整理｜Adela Cheng}

歷史課本上所寫的「西班牙人登陸基隆和平島」，至今已過4個世紀。基隆美術館為此推出年度特展《瓶中船》，呼應「基隆四百年」的主軸命題——「流動的港口，世界的基隆」。展覽邀集台灣與來自西班牙、日本、香港、澳門等地共29組藝術家，以館藏與地方典藏為基礎，讓當代創作與歷史檔案、港口現場跨越時空彼此對話，重新想像基隆作為一座世界港口的樣貌。

雙重視角映照：台灣、西班牙雙策展人共同策劃

《瓶中船》由出身基隆港的獨立策展人張文豪策劃，並邀請西班牙馬德里康普頓斯大學（Universidad Complutense de Madrid）藝術史系博士研究員羅貝托・阿爾瓦烏（Roberto Alvau）共同參與，由品度藝術（PRNDL.art）擔任策展團隊。一位從城市內部回望家鄉，一位來自400年前將基隆寫入地圖的國度、且長期聚焦臺灣及東亞當代藝術，兩種觀看位置在展覽中相互映照。

港口，持續流動的文化現場

早在西班牙人抵達之前，原住民族與沿海居民便循著山海與潮汐生活，並透過海洋與外部世界往來。1626年，西班牙人登陸和平島，使基隆成為臺灣首座接入大航海網絡的城市，也開啟城市持續面向世界的歷史。本展不試圖以單一時間線重述400年歷史，而是將港口視為持續流動的文化現場——船隻與人群在此抵達、離開，物質、技術、語言與文化也在往返之間留下痕跡。

瓶中船：用縮小的技藝換取全知的視野

聽來浪漫的展覽名稱，源自船員在漫長航程中所製作的「瓶中船」。被海包圍的日子裡，船員們把廣闊而未知的海面縮進方寸之間，以縮小換取安定。「在瓶中船內，人們彷彿擁有全知的視野，恐懼與未知得以暫時驅散，時間在雕琢的過程中被磨去，渴望抵達的彼方也逐漸浮出海面——那是一種以縮小換取安定的技藝。」策展人張文豪於展覽論述寫道。

策展團隊品度藝術將瓶中船視為回望歷史的隱喻：人們對歷史的理解，如同凝視瓶中的微縮世界，看似完整，實則不斷經歷折射與再製。因此，展覽不追求單一線性的城市史，而是讓典藏作品與當代創作重新對話，集結繪畫、影像、版畫、裝置、表演、纖維等多樣媒材，觸及航行與遷徙、殖民與戰爭、產業與城市發展，也關注市場、信仰、飲食、音樂與日常生活，讓宏觀歷史與個人記憶彼此交疊，重新安放每個人在城市中的位置。

典藏與新作交會，宏觀歷史與個人記憶交疊

展覽現場，多件委託新作和典藏作品展開對話。周代焌《疊景》以「繪畫回應繪畫」為方法，與楊成愿《航行與時間》、李義弘《跳石海岸》、洪瑞麟《礦工》與蘇秋東《基隆驛前》展開交錯閱讀。典藏中的圖像、筆觸與觀看方式，經由拆解與轉譯，重新組織為整體空間語彙。

藝術團體太認真《致 那些無法開花結果的》與蘇秋東《昔日顏家花園》並置展出，從蘇秋東筆下的顏家「陋園」出發，以相傳於西班牙殖民時期引入基隆的金露花，重構歷史照片中已無法辨識的庭園。

邱承宏《未完成的紀念碑》與張庭甄《一片視圖，一片試圖》同樣從地方史料出發，2件新作皆以1934年鮫島臺器贈予基隆公會堂，其後下落不明的《女神像》為線索。前者以和平島諸聖教堂遺址的礦物與碎片，雕出女神消失後留下的空隙；後者以珠簾網點讓女神輪廓在觀者移動至特定位置時重新聚合，並將美術館的透視軸線延伸為環繞地球的大圓弧線。

從不同時代觀看、理解與記憶基隆

同一片港灣、山城與街區，在不同時代裡被反覆觀看、描繪與重新組織，也因此被賦予截然不同的記憶與造型。基隆的地景跨越時間的維度，成為藝術家共同傾注心神的對象：倪蔣懷長年以寫生觀看基隆，用水彩紀錄港灣、坡地、河岸等城市風景；蘇秋東的油畫，留下1930年代基隆車站前的圓環和顏家「陋園」；鄭桑溪用攝影凝結1950年代的基隆光景，從港口、軍事設施到迎神陣頭；李欽賢以「史記」為題，採拼貼式構圖串連基隆車站不同時期的建築、火車、地圖與航線；蔣瑞坑、洪瑞麟描繪港都的勞動身影和礦業現場；劉麗玉以拙樸筆觸保存唸歌、市場、染布與魚市的常民記憶。

有人用畫筆和顏料紀錄基隆印象，也有人藉複合式媒材組構裝置，讓城市記憶變得立體。生長於基隆的李承亮以退役船艦拆解後的鋼板、船窗與錨鏈組構《巡護黃頭鷺一號》，讓田寮溪畔常見的黃頭鷺，成為穿越不同時間尺度的港口見證者。

日本藝術家柳幸典《Kongo 1_100》以1923年載著皇太子裕仁抵達基隆的軍艦「金剛」為線索，將這艘船艦縮小為模型、包裝盒與組裝說明圖，透過尺度與媒介的轉換，使帝國、殖民與軍事象徵進入另一種觀看關係。

走入基隆田調現場的創作

本次委託製作讓藝術家走入基隆，從地景、產業、聲音、物質與地方記憶之中，提出新的觀點。加藤翼於槓子寮砲台拍攝，邀請在地音樂人以繩索相互牽連、共同合奏，繩索既是連結也是牽制，交織的聲音則讓這些複雜關係，在曾經面向海洋的軍事空間中再次被聽見。

西條茜以近似船體與生物形態的中空陶器，由多位表演者吹氣共鳴，在內部交會並形成聲音，而作品下方的木製結構取自船台形式，使陶器呈現停泊狀態。

康雅筑《未凝固的海》以自製木製行李箱為核心，延伸出染成鏽色與灰藍的麻繩漁網、橡膠織物與家庭照片，把和平島的童年記憶與東南亞的橡膠田野編織在一起。羅玉梅《解體》邀請和平島得義堂第九組北管軒社分散於展場各處演奏，並與清末北洋水師「定遠號」訊號鐘的錄音交會，讓地方信仰與近代東亞海權史在聲音中並置。

艾格妮絲・埃松蒂《西班牙殖民盛宴》源自她在暖東峽谷旁拉波波村學習藍染的駐村經驗，以民眾共創的藍曬探問食物與布料如何承載記憶。趙永寧《美食之都是基隆》則循著居民提供的飲食地圖，與市民共同用餐、交談，從「吃」重新認識基隆。

基隆美術館年度特展《瓶中船》

展期｜即日起至2027.01.24

資料提供｜基隆美術館  攝影｜嘟嚕影像工作室  文字整理｜Izzie Pang