邁向東南亞：藝廊經營的下一個10年想像？專訪伊日藝術計劃總監黃禹銘

在全球藝術市場於疫後逐漸降溫之際，東南亞卻展現出截然不同的成長軌跡——新加坡憑藉國際藝博與拍賣市場持續展現影響力，泰國雙年展與私人美術館相繼崛起，印尼也因年輕藏家與活躍的生態備受矚目。走入第2個10年的伊日藝術計劃，選擇在此時將版圖擴展至雅加達，設立首個海外空間「YIRI Jakarta」，為藝廊的國際化布局描繪出更踏實的藍圖。

「其實我覺得伊日的使命一直很浪漫，浪漫到甚至有些不切實際。」回顧伊日藝術計劃這10年多來的歷程，總監黃禹銘笑著說道。今年6月，伊日藝術計劃將版圖正式擴展至雅加達，設立首個海外空間「YIRI Jakarta」，為其國際布局開啟新的篇章。事實上，這個海外據點的構想早在黃禹銘心中萌芽已久——10年前，伊日曾同時在北中南3地經營畫廊，卻仍深感難以為新生代藝術家提供足夠的舞台，因而舉辦「台北藝術自由日」，並推動「台灣藝術家世界巡弋計劃」，每年帶領藝術家參與海外博覽會。隨著跨國交流的累積，藝廊的「國際化」也逐漸成了他們賦予自己的使命。

從歐洲到東亞，海外據點的探索與猶疑

最初，黃禹銘其實把目光投向歐洲，將巴黎視為開拓海外據點的首選之地。「許多人覺得我們的藝術風格跟傳統商業畫廊不像，某種程度上來說，這也反映出我們挑選的作品並不是那麼符合台灣市場的眼光；反而在歐洲，我們總能遇到很棒的天使藏家。」他指出，當地收藏氛圍單純，多以個人品味與喜好為主，不像台灣往往會先詢問藝術家的年齡、師承背景與交易紀錄，幾乎以這3項條件來決定是否收藏。儘管如此，當他們真正投入研究時，才發現龐大的執行成本與複雜的制度，都是當時難以跨越的現實門檻，也讓這段浪漫的想像只能暫時擱下。

同時，隨著藝廊成長、參加國際展會的經驗累積，黃禹銘也開始將目光轉回東亞。「讓我感觸很深的是，在當今國際藝博體系裡，最具指標性的莫過於巴塞爾（Art Basel）與斐列茲（Frieze）兩大展會，但那些對我來說終究代表的是西方品味；要參展並不難，只要迎合他們的期待就好，可是我們也不禁開始思考：一定要把自己變成他們想要的樣子嗎？」在他眼裡，亞洲擁有獨特的歷史與美學背景，而台灣位於東亞中心，更提醒他應當回到這個脈絡之中，深度探索東亞藝術的根基。於是，一幅以東亞為核心的國際化藍圖，逐步在他心中成形。

疫情前，黃禹銘曾多次前往上海考察，甚至已看好合適的空間。語言與文化的相近、當地博覽會不俗的銷售成績，都讓上海顯得極具潛力，最終卻因疫情爆發而畫下休止符；同時，由於伊日藝術計劃長期代理多位日本藝術家，東京自然也被視為重要的潛在據點。然而他指出，日本當代藝術市場其實面臨著藏家不足的結構性困境——當地住宅空間普遍有限，使得收藏傾向於小尺幅作品或器物，再加上「好作品應該屬於公共財」的文化觀念，讓多數人選擇走進美術館，而非將作品帶回家。這樣的收藏習慣，導致藝術家的產出與市場需求失衡，也讓他們對於是否落地日本抱持謹慎態度；相較之下，韓國雖然市場能量雄厚，但排他性強烈，要讓當地藏家真正接受台灣藝術家的作品，也並非易事。而就在這些猶疑與觀望之間，印尼這個選項意外地浮現了。

在雅加達，感受燃起的藝術能量

自2022年起，伊日藝術計劃連續3年參展雅加達藝博（Art Jakarta），在一次次嘗試與調整中，逐步累積對當地市場的理解。第1年，他們帶去的幾乎都是台灣藝術家的作品，就像撞上一道無形的結界，銷售並不理想，但現場觀眾對藝術的熱情，卻讓黃禹銘留下深刻印象。「我參加過那麼多博覽會，只要在展場走一圈，就能感受到市場的買氣，而印尼市場確實是蓬勃的。」於是第3年，他們除了引入台灣藝術家，也攜手代理的海外藝術家與當地藝術家共同展出，作品不僅獲得印尼藏家的青睞，更售出至泰國、馬來西亞、新加坡與香港的收藏家手中。這份跨境迴響讓他真切地意識到，雅加達早已不只是印尼的商業與文化中心，更有潛力成為東南亞的藝術樞紐。

擁有2.7億人口的印尼，不僅是東南亞最大的經濟體，也是區域內收藏風氣最早萌芽的國家。黃禹銘指出，這樣的累積使印尼擁有東南亞數量最多、層次最完整的收藏群體。近年來，新生代藏家更透過學習型團體快速成長，他們熱衷於交流、公開分享，甚至共同舉辦展覽，與台灣相對低調的收藏文化形成鮮明對比；另一方面，印尼龐大的人口基數不僅催生了豐富的創作能量，藝術家之間也展現出強大的互助精神，成熟創作者經常將資源回饋給年輕一代，形成非商業性的循環力量。「因此對我來說，在印尼設立空間，不只是把台灣藝術家和我們代理的藝術家帶進東南亞的窗口，也是一個能與當地優秀藝術家相遇的連結。」他補充道。

Hel10²，第 2 個 10 年

而真正促成伊日落腳雅加達的契機，來自雅加達藝博總監提出的「Jakarta Art Hub」藝術聚落計畫。該計畫旨在透過邀請多間海外藝廊進駐，推動印尼藝術市場與國際接軌；聚落選址於門騰（Menteng），這片被稱為「蛋黃中的蛋黃區」地段，周邊匯聚大使館、大型購物中心與捷運站，卻與香港H Queen's的精品氛圍，或台灣由資深藏家主導的畫廊景象截然不同，聚集的多為30～40歲的年輕經營者。「雖然有些青澀，卻帶著屬於年輕的樣子，這樣的氛圍反而更吸引我，也更接近我對藝術的想像。」於是去年底，黃禹銘決定帶領伊日正式進駐Jakarta Art Hub，並於今年6月底舉辦開幕展《Hel10²》，完成國際布局中的第一塊東南亞拼圖。

「雖然雅加達的藏家數量龐大，但與台灣相比，所得水準與藝術品價格還是有落差。」黃禹銘坦言，不少人建議他初期應以展出當地藝術家的作品為主，才能符合市場期待。然而，他與團隊卻有著不同的堅持，希望在邁出第一步之前，先讓大家明白「伊日是誰」。於是，開幕展《Hel10²》最終仍選擇由10位台灣藝術家與10位海外藝術家的作品組成，展現藝廊一貫的視野與姿態。「其實我們也不斷在學習、思考畫廊與藏家的關係：是單純提供藏家喜歡的作品，還是應該勇敢走在前面？就像服裝品牌，是要跟著流行走，還是要創造流行？——我想，我們選擇了後者。」

回顧伊日藝術計劃的第1個10年，他們透過大量參加博覽會爭取國際曝光，把握每一次被看見的機會；如今邁入第2個10年，黃禹銘更希望放慢腳步，專注於空間營運與精準布局。對他而言，博覽會雖能瞬間聚光，卻不足以建立深度連結，唯有長期經營海外據點，才能讓對話與關係真正生根。「畫廊在藝術市場中的任務，應該是發掘好的藝術家，並努力為他們尋找合適的收藏者。如此一來，藝術家才能不斷創作出好的作品，這個循環也才有辦法生生不息。」在伊日的世界裡，浪漫並非遙不可及的想像，而是一步步踏實走出的路徑。

｜BIZ IDEA｜

「台灣」X「在地」的展出策略
若僅展出台灣藝術家作品，往往難以在陌生國家的藝博中融入當地社群。伊日選擇透過策展，讓台灣與當地藝術家共同展出，不僅能拉近與觀眾的距離，也創造更多交流可能。

「展出」與「銷售」的平衡
黃禹銘認為，畫廊一方面應提供藝術家足夠的曝光機會，讓他們持續累積創作，另一方面也應不斷尋找合適的收藏者，藝術市場才能形成健康循環，而不是僅仰賴政府補助。

從藝術到風土的雙重輸出
《Hel10²》展場裡準備了鳳梨酥與薄荷烏龍茶，展現伊日輸出的不僅是藝術，更是台灣的文化與生活方式，希望藉此在國際舞台上開啟更多合作可能。

｜BIZ NUMBER｜

38,000＋人次
2024年雅加達藝博共吸引38,368名觀眾，並集結來自印尼、馬來西亞、新加坡、泰國、菲律賓、越南、中國、韓國、日本、台灣、俄羅斯與澳洲等73間藝廊參與，展現印尼藝術市場逐漸壯大的能量與東亞國家的關注度。

14間
Jakarta Art Hub目前已聚集來自印尼、新加坡、馬來西亞、日本、韓國與台灣的14間藝廊，今年預計將再新增3～4間藝廊進駐，透過產業群聚效應，期望加速推動印尼藝術市場的國際化。

6X6
2026年YIRI Jakarta將啟動6位台灣藝術家搭配6位印尼策展人的展覽計畫，以「對話」與「連結」為核心，建立跨經驗的雙向深度交流。

_{文｜葉欣昀　圖片提供｜伊日藝術計劃}

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專注羊毛氈創作超過13年，藝術家Oksana Pero擅長融合刺繡、縫紉與羊毛纖維，揉塑出充滿靈性的奇幻生物，並於2019年創立品牌Soulbaubles。而其全球首場個展《The Alchemy of Wool》於2026年4月11日至4月26日在台北one little planet展出，本次展覽完整呈現自2015年至今的26件精選代表作。

作品呈現「正在呼吸」的生命質感

13年前，Oksana Pero告別繁雜的都市生活，選擇在俄羅斯南部一個由森林、丘陵與果園環繞的安靜村莊紮根，自學羊毛氈，並於2019年創立品牌「Soulbaubles」。她將針氈的精確控制、濕氈的隨機塑形，以及縫紉與刺繡的技法融合在一起，讓羊毛呈現出「正在呼吸」的生命質感。創作中，她使用祖母遺留下來的古董布料與絲線，將帶著家族溫度的時光，一針一線縫進每件作品裡。

Oksana不追求強烈的視覺衝擊。她希望這些作品像一種不需要開口說話的陪伴，能讓空間變得更暖、更柔軟。如果你願意靜下來注意它們，它們會「喚醒你心裡某個你早已忘記自己還在等待的東西」。

羊毛是擁有近乎無窮無盡的靈魂的存在

Oksana認為，羊毛不只是材料，而是擁有近乎無窮無盡的靈魂（near-boundless soul）的存在。在她所創造的微觀宇宙中，涵蓋了極其多樣的生物，從大型的森靈、獅、狼、狐、刺蝟、蛾、真菌菇類，到及僅7公分的小熊等，透過她的雙手將柔軟的天然纖維化為森靈，讓牠們在苔蘚與微光構成的寧靜世界中，找到自己的位置。

找回對生活裡細小事物的溫柔

而她形容這次在台北one little planet展出，「Tiny worlds finding their place on a little planet.」像是自己作品的一場溫柔回聲，在凝視作品的過程中，找回對生活裡細小事物的溫柔。

「The kind of presence you don't have to speak to, but somehow makes the room feel warmer, softer, less alone. And perhaps - just perhaps - I hope they awaken something tender in the person who looks at them. A memory of the forest. A forgotten dream. A wish you didn't know you still carried. 」—Oksan

個展精選26件毛氈作品

這次展出精選了Oksana Pero自2015年至今，涵蓋平面的羊毛畫作、立體雕塑與結合LED的複合媒材等，共26件毛氈作品。其中〈The Moth〉系列，在她腦海中構思並等待多年，是收到one little planet邀請後首次創作的全新系列，這些生靈每一隻都在寫實與夢幻之間細細塑形，感覺是活的，卻又像剛從另一個世界飛來。她希望能透過這些溫柔，喚醒觀者心中的童心、遺忘的夢，或是對森林的某段記憶。

還原創作過程中的工作桌面與窗景

值得一提的是，《The Alchemy of Wool》展覽期間還原Oksana創作過程中最重要的工作桌面與窗景，並首次公開展示親自縫製裝幀的手稿書（Sketchbook）。這本手工裝幀的手稿，是Oksana眾多手稿書中最為珍貴的一本，累積至少5年的靈感採集，除了設計草圖、插圖，以及對森林與家鄉山巒的文字隨筆與植物。

推出聯名限定公仔

另外，展覽亮點之一，是one little planet與soulbaubles聯名推出的限定公仔〈The Lion - Vinyl〉。這也是Oksana的第一個軟膠公仔，穿著精緻的手縫針織毛衣，結合其標誌性的特徵：溫柔垂眼，走進更多藏家的生活空間，讓原本屬於纖維的「靈魂」在不同媒介中繼續跳動。

The Alchemy of Wool - Oksana Pero 個展
展期：2026 年 4 月 11 日（六）至 4 月 26 日（日），每週三至週日 13:00-19:00
地點：one little planet｜台北市大安區東豐街 13 號

_{資料提供｜one little planet、文字整理｜Adela Cheng}

位於米蘭的 Prada 基金會（Fondazione Prada）向來是全球藝術愛好者的朝聖之地，即日起至11月9日，由當代最具影響力的藝術家之一 Mona Hatoum，在園區內由舊酒精蒸餾廠改造的儲槽空間，帶來了全新展覽計畫，從懸浮半空的玻璃網、鋪滿地面的紅色世界地圖，到會傾斜顫動的巨型金屬格架，亦是一場關於身體、疆界、秩序與不安的沉浸式展覽。

將工業遺址化為感知劇場

當世界局勢持續震盪，藝術是否還能提供一種重新理解現實的方法？

在米蘭Prada基金會的Mona Hatoum個展《Over, Under and In Between》中，答案似乎是一場必須以身體經過、以感官承受的空間提問。這項為Cisterna空間量身構思的場域特定計畫，透過裝置作品，圍繞「網」、「地圖」與「格網」三個核心意象展開，回應的是我們這個時代的動盪，以及人類存在本身的脆弱。

Cisterna空間前身是蒸餾廠儲槽所在的工業建築，帶有鮮明的垂直尺度與粗獷結構。Hatoum並未把它視為中性的展示場地，而是將三個展間轉化為感知逐步推進的場域，觀者在穿越作品的過程中，被一步步帶進不穩、壓迫、懸置與失衡的心理狀態。這也是Hatoum近年創作中始終鮮明的特質，她擅長把極簡而克制的形式，轉化為帶有危險感與身體壓力的存在。

1952年生於貝魯特、出身巴勒斯坦家庭的Mona Hatoum，長期以身體、位移、邊界、監控與權力結構等主題聞名。她的作品總帶著一種少見的張力，看似極簡，實際上卻從不只是形式問題，而是關於人如何被世界規訓、包覆、切分與觀看。

庇護與束縛，從「網」開始

展覽的第一個空間，由新作《Web》揭開序幕。這件作品以手工吹製的透明玻璃球與金屬線組成一張高懸半空的巨大網狀結構，像蜘蛛網，也像某種脆弱卻難以逃離的宇宙圖景。對Hatoum而言，「網」從來不只是單一象徵，它既可能是壓迫、困陷與束縛的羅網，也可能暗示庇護、親密與彼此相連的關係。正因如此，這件作品最迷人的地方，不在於材料的精巧，而在於它讓人同時感受到兩種相反的情緒，一方面被其透明、輕盈與微光吸引，另一方面又不自覺地意識到，自己正站在一種可能逐步收緊的結構之下。

由三萬顆紅色玻璃球構成、隨時可能失衡的世界地圖

中央展間中的《Map (red)》則把視角拉向全球尺度。作品由超過三萬顆半透明紅色玻璃球鋪陳於地面，形成一幅僅保留陸塊輪廓的世界地圖。沒有清楚的國界，也沒有固定的基底，每一顆玻璃球都處在可被擾動的位置上，使整件作品呈現出一種鬆動、危險、隨時可能失衡的狀態。

Hatoum選擇以Gall-Peters投影製作這幅地圖，透露其觀看立場。這幅作品不只是對世界的描繪，也是一個關於權力如何塑造世界認知的提醒。當地圖不再是穩固的知識圖像，而是由無數脆弱的玻璃球組成時，觀者面對的便不只是地理概念，而是整個世界秩序本身的可變與不安。

如呼吸的建築，也像顫動的身體

第三個空間中的《all of a quiver》，則可說是整場展覽最具身體感的一刻。這件大型動態裝置由九層開放式立方結構堆疊而成，像建築鷹架，也像一副被抽空外殼的骨架。它在機械裝置驅動下緩慢傾斜、下沉、顫動，再重新站回直立狀態。整個過程並不劇烈，卻讓人清楚感受到所謂的穩定，其實只是一種暫時維持的平衡。

這件作品也凸顯Hatoum一貫的方法，她擷取立方、格網、模組與重複等極簡語彙，卻不讓它停留在理性而抽象的層次，而是讓結構本身帶上近乎疲憊、搖晃、脆弱的人體感。觀看它時，彷彿不是在看一件雕塑，而是在看一種時代狀態的縮影。

世界不曾穩固，我們都活在某種不安中？

為了讓觀者能更深入了解作品背後的脈絡，Prada 基金會同步出版了《Quaderni》系列專書，邀請地理學者、建築師與心理學家共同撰文，從多元視角剖析 Hatoum 的創作世界 。

在 Mona Hatoum 的視角下，世界不再是堅實、可控的，而是一個充滿動態變數的感官空間。《Over, Under and In Between》所提示的，也許不是如何找到穩定，而是如何承認，人始終活在上方、下方，以及所有尚未被命名的中間地帶。

Mona Hatoum《Over, Under and In Between》
地點：Fondazione Prada, Milan, Cisterna
展期：即日起至11月9日