「伊日藝術計劃 YIRI ARTS」即日起至2025年8月30日同步呈獻《寧好！》、《Summoner of Birds》、《草木浮影》、《框選、路徑》4檔全新個展。從本文綜覽完整展覽內容，一併認識4位台灣藝術家及其作品所關照大至當代社會、小至個人感知的各層面議題。

伊日藝術計劃以「日常美術館」為藍圖，透過文學、電影、生態環境等貼近生活的策展切角，致力梳理並開拓當代藝術發展可能。除經營藝廊、選品店、獨立書店等場域外，亦執行系統展演、代理海內外藝術家參與國際博覽會，並主辦「台北藝術自由日（Taipei Free Art Fair）」廣納各地策展人和創作者，打造與日常共生共存的藝術環境。今年8月，團隊推出台灣藝術家寧文、周晏旭、林冠吟、吳權恩個展，引領觀眾走進氛圍迥異的現場，與形式多元、各具獨特語彙的新銳創作有所互動和交流。

伊日藝術計劃8月特展：《寧好！》

新媒體藝術家寧文將新媒體作為「性別決定系統（sex-determination system）」的實驗場域，透過自我肉身扮演與不同AI模型之間的交替對話，在去中心化網絡架構下，操演出新的性別、身體與身分樣態。

#01 拆解數位時代的性別模板

不同於當今多視AI為影像創作的工具，《寧好！》展出作品可見寧文反其道而行，先拍攝了一系列以身體為核心的自拍半動態肖像（cinemagraph），再將其輸入AI系統，藉此觀察機器如何反向拆解圖像、生成指令，進而產出文本。他觸碰並測試AI系統的禁忌規範、文化偏見、語言邏輯、政治正確性乃至誤讀機制，質疑機器如何理解身體、性別、角色、動作與構圖背後的文化意義。

#02 生成新酷兒身體

以自小對性向與性別流動的經驗為起點，藝術家回望自身在保守社會脈絡中被壓抑的歷程。在Web2.0時期，寧文曾利用匿名語音與影像互動嘗試塑造各種數位身分，卻總被主流平台歸類為雜訊，因而進一步想像：若Web3.0中，身分的構成不再受制於中心化監控，是否能生成一種新的「酷兒身體」？作品〈D2305〉便於區塊鏈上構築新的原生身體，以迷因式短影音為肉身承載、私鑰為基因序號，作出Web3.0原住民；這些分身存在於永無止境的循環影像（boomerang loop）裡，彷彿一場持續變形與再生的輪迴儀式。

#03 置身「性階級制度」

創作過程中，寧文記錄下圍繞「新媒體、身體與慾望」主題的觀察與思考，包括元宇宙中的思想垃圾、自媒體時代的情慾資本、科技奇點（technological singularity）、鏈上種族分類、微工經濟下的性暴力重構，以及AI道德規範中的限制與漏洞。藝術家如置身蓋兒魯賓（Gayle S. Rubin）論述之「性階級制度」中的多重角色扮演者，不斷游移於各種過渡狀態，續寫非穩定性的身體政治敘事。

藝術家｜寧文

創作領域涵蓋攝影、虛擬實境、沉浸式劇場、現場藝術、加密藝術等。最初以「參與式藝術」擾動性階級、解構禁忌文本，近期則透過新媒體操演不同身分，在超越肉身限制後，顯影出性別、身體與媒體間的關係；並探究後人類條件下，身體如何在數位結構與科技語言中重構自我與他者的界線。其作品曾獲金穗獎、藝術自由日首獎、美國VR新視角獎等海內外獎項肯定，亦曾登上柏林影展、舊金山影展等國際盛事展出。

寧文《寧好！》

• 時間：即日起至2025年8月30日14:00-19:00，週日、週一不開放
• 地點：伊日藝術計劃 YIRI ARTS 1F

伊日藝術計劃8月特展：《Summoner of Birds》 

#01 超現實演奏

行為藝術家周晏旭全新個展《Summoner of Birds》靈感源自童年對鳥類的想像，關注生物與人類活動空間的邊界與隔閡，同時將該意象融合荒誕元素進行創作。他穿上迷彩偽裝衣在倫敦聖詹姆士公園（St James's Park）演奏大提琴，模擬似人非人的神祕生物；周圍環繞著受飼料吸引前來的鴿子，隨其拉動弓弦時的身體擺盪而靠近與疏離，來回間構成微妙律動，藝術家並從中尋覓平衡和別有的浪漫。

#02 模擬另一種自然

周晏旭創作多依賴自然環境完成，同時也模擬如科幻小說世界般的另一種「自然」；作品結合音樂、場景與幽默意趣，由探索各種旋律、生物圈與穿著風格展開，加以鮮明的視覺語言道出人類何以在不同環境中生存。

藝術家｜周晏旭

出身台灣、現旅居英國，2023年取得倫敦藝術大學美術碩士學位，目前就讀牛津大學。作品曾於蘇格蘭皇家學院、威尼斯軍械庫等地展出，亦曾在街頭、森林與遺跡中演奏大提琴。斷斷續續的音色象徵人在各種處境下的情緒狀態與脆弱性——離開古典音樂的傳統舞台，沒有觀眾和伴奏，周晏旭將音樂表演帶入它原不屬於的場域。

周晏旭《Summoner of Birds》

• 時間：即日起至2025年8月30日14:00-19:00，週日、週一不開放
• 地點：伊日後樂園 BACK_Y 2F

伊日藝術計劃8月特展：《草木浮影》

#01 取材疫情期間的「綠意連結」

門口、陽台、階梯到屋頂的角落，有如一條自然的舞台動線。疫情期間，這些空間被重新注視，植物的光影成了日常裡最安靜也最真實的陪伴，綠意從單純的裝飾昇華為與真實世界保持連結的方式。延續此一觀看角度，雕塑藝術家林冠吟運用介於平面與立體之間的浮雕形式，描繪鹿角蕨的姿態、輪廓、質地和紋理，嗅聞其在空氣中緩慢擴散的氣息。

#02 聚焦與植物共處的微觀世界

「窗」勾描著內和外、想像與現實之間的界線。《草木浮影》部分作品即以拆下的舊窗框為載體，透過虛實框景，使浮雕植物化作情感投射的媒介；當雕塑在燈下浮現、層次深淺變化，形構出一種靜中有動的空間節奏，「光」彷彿融為作品的一部分。藝術家於是將時間拉長、感官放大，聚焦與植物共處的微觀經驗——它既是對植物存在的記錄，更是一段關於空間、時間與內心轉折的浮光掠影，供觀者在靜止中感受流動，體察自由的風。

藝術家｜林冠吟

2010年取得台北藝術大學美術創作碩士學位。他擷取當代風景，細膩捕捉植物的生長韻律，扭轉並延展根、莖、葉，賦予自然元素嶄新動態與生命力。其雕塑作品呈現如自然縮影般的盆景世界，傳遞平靜而積極的生活態度。

林冠吟《草木浮影》

• 時間：即日起至2025年8月30日14:00-19:00，週日、週一不開放
• 地點：伊日藝術計劃 YIRI ARTS B1F

伊日藝術計劃8月特展：《框選、路徑》

騎乘機車穿梭街道巷弄，兩旁景象透過安全帽面罩顯現得十分平滑，彷彿它貼著你的面罩或眼球滑過。雕塑藝術家吳權恩藉「框選」和「路徑」兩詞彙描述在路上移動時，對於建築招牌和路邊物件色彩的想像。包括交通號誌在內，這些指示牌憑醒目色彩「渴望」人們的視線關注；圓的、扁的、方的，恰似在建物和天空上框選出一塊填色，並隨身體移動的路徑，時而延長、停滯、轉彎。

此次吳權恩以壓克力板作為主要材料，將作品帶入《框選、路徑》展覽空間。觀者走進展間，也走進了作品之中。

吳權恩《框選、路徑》

• 時間：即日起至2025年8月30日14:00-19:00，週日、週一不開放
• 地點：伊日後樂園 BACK_Y 1F

在全球藝術市場於疫後逐漸降溫之際，東南亞卻展現出截然不同的成長軌跡——新加坡憑藉國際藝博與拍賣市場持續展現影響力，泰國雙年展與私人美術館相繼崛起，印尼也因年輕藏家與活躍的生態備受矚目。走入第2個10年的伊日藝術計劃，選擇在此時將版圖擴展至雅加達，設立首個海外空間「YIRI Jakarta」，為藝廊的國際化布局描繪出更踏實的藍圖。

「其實我覺得伊日的使命一直很浪漫，浪漫到甚至有些不切實際。」回顧伊日藝術計劃這10年多來的歷程，總監黃禹銘笑著說道。今年6月，伊日藝術計劃將版圖正式擴展至雅加達，設立首個海外空間「YIRI Jakarta」，為其國際布局開啟新的篇章。事實上，這個海外據點的構想早在黃禹銘心中萌芽已久——10年前，伊日曾同時在北中南3地經營畫廊，卻仍深感難以為新生代藝術家提供足夠的舞台，因而舉辦「台北藝術自由日」，並推動「台灣藝術家世界巡弋計劃」，每年帶領藝術家參與海外博覽會。隨著跨國交流的累積，藝廊的「國際化」也逐漸成了他們賦予自己的使命。

從歐洲到東亞，海外據點的探索與猶疑

最初，黃禹銘其實把目光投向歐洲，將巴黎視為開拓海外據點的首選之地。「許多人覺得我們的藝術風格跟傳統商業畫廊不像，某種程度上來說，這也反映出我們挑選的作品並不是那麼符合台灣市場的眼光；反而在歐洲，我們總能遇到很棒的天使藏家。」他指出，當地收藏氛圍單純，多以個人品味與喜好為主，不像台灣往往會先詢問藝術家的年齡、師承背景與交易紀錄，幾乎以這3項條件來決定是否收藏。儘管如此，當他們真正投入研究時，才發現龐大的執行成本與複雜的制度，都是當時難以跨越的現實門檻，也讓這段浪漫的想像只能暫時擱下。

同時，隨著藝廊成長、參加國際展會的經驗累積，黃禹銘也開始將目光轉回東亞。「讓我感觸很深的是，在當今國際藝博體系裡，最具指標性的莫過於巴塞爾（Art Basel）與斐列茲（Frieze）兩大展會，但那些對我來說終究代表的是西方品味；要參展並不難，只要迎合他們的期待就好，可是我們也不禁開始思考：一定要把自己變成他們想要的樣子嗎？」在他眼裡，亞洲擁有獨特的歷史與美學背景，而台灣位於東亞中心，更提醒他應當回到這個脈絡之中，深度探索東亞藝術的根基。於是，一幅以東亞為核心的國際化藍圖，逐步在他心中成形。

疫情前，黃禹銘曾多次前往上海考察，甚至已看好合適的空間。語言與文化的相近、當地博覽會不俗的銷售成績，都讓上海顯得極具潛力，最終卻因疫情爆發而畫下休止符；同時，由於伊日藝術計劃長期代理多位日本藝術家，東京自然也被視為重要的潛在據點。然而他指出，日本當代藝術市場其實面臨著藏家不足的結構性困境——當地住宅空間普遍有限，使得收藏傾向於小尺幅作品或器物，再加上「好作品應該屬於公共財」的文化觀念，讓多數人選擇走進美術館，而非將作品帶回家。這樣的收藏習慣，導致藝術家的產出與市場需求失衡，也讓他們對於是否落地日本抱持謹慎態度；相較之下，韓國雖然市場能量雄厚，但排他性強烈，要讓當地藏家真正接受台灣藝術家的作品，也並非易事。而就在這些猶疑與觀望之間，印尼這個選項意外地浮現了。

在雅加達，感受燃起的藝術能量

自2022年起，伊日藝術計劃連續3年參展雅加達藝博（Art Jakarta），在一次次嘗試與調整中，逐步累積對當地市場的理解。第1年，他們帶去的幾乎都是台灣藝術家的作品，就像撞上一道無形的結界，銷售並不理想，但現場觀眾對藝術的熱情，卻讓黃禹銘留下深刻印象。「我參加過那麼多博覽會，只要在展場走一圈，就能感受到市場的買氣，而印尼市場確實是蓬勃的。」於是第3年，他們除了引入台灣藝術家，也攜手代理的海外藝術家與當地藝術家共同展出，作品不僅獲得印尼藏家的青睞，更售出至泰國、馬來西亞、新加坡與香港的收藏家手中。這份跨境迴響讓他真切地意識到，雅加達早已不只是印尼的商業與文化中心，更有潛力成為東南亞的藝術樞紐。

擁有2.7億人口的印尼，不僅是東南亞最大的經濟體，也是區域內收藏風氣最早萌芽的國家。黃禹銘指出，這樣的累積使印尼擁有東南亞數量最多、層次最完整的收藏群體。近年來，新生代藏家更透過學習型團體快速成長，他們熱衷於交流、公開分享，甚至共同舉辦展覽，與台灣相對低調的收藏文化形成鮮明對比；另一方面，印尼龐大的人口基數不僅催生了豐富的創作能量，藝術家之間也展現出強大的互助精神，成熟創作者經常將資源回饋給年輕一代，形成非商業性的循環力量。「因此對我來說，在印尼設立空間，不只是把台灣藝術家和我們代理的藝術家帶進東南亞的窗口，也是一個能與當地優秀藝術家相遇的連結。」他補充道。

Hel10²，第 2 個 10 年

而真正促成伊日落腳雅加達的契機，來自雅加達藝博總監提出的「Jakarta Art Hub」藝術聚落計畫。該計畫旨在透過邀請多間海外藝廊進駐，推動印尼藝術市場與國際接軌；聚落選址於門騰（Menteng），這片被稱為「蛋黃中的蛋黃區」地段，周邊匯聚大使館、大型購物中心與捷運站，卻與香港H Queen's的精品氛圍，或台灣由資深藏家主導的畫廊景象截然不同，聚集的多為30～40歲的年輕經營者。「雖然有些青澀，卻帶著屬於年輕的樣子，這樣的氛圍反而更吸引我，也更接近我對藝術的想像。」於是去年底，黃禹銘決定帶領伊日正式進駐Jakarta Art Hub，並於今年6月底舉辦開幕展《Hel10²》，完成國際布局中的第一塊東南亞拼圖。

「雖然雅加達的藏家數量龐大，但與台灣相比，所得水準與藝術品價格還是有落差。」黃禹銘坦言，不少人建議他初期應以展出當地藝術家的作品為主，才能符合市場期待。然而，他與團隊卻有著不同的堅持，希望在邁出第一步之前，先讓大家明白「伊日是誰」。於是，開幕展《Hel10²》最終仍選擇由10位台灣藝術家與10位海外藝術家的作品組成，展現藝廊一貫的視野與姿態。「其實我們也不斷在學習、思考畫廊與藏家的關係：是單純提供藏家喜歡的作品，還是應該勇敢走在前面？就像服裝品牌，是要跟著流行走，還是要創造流行？——我想，我們選擇了後者。」

回顧伊日藝術計劃的第1個10年，他們透過大量參加博覽會爭取國際曝光，把握每一次被看見的機會；如今邁入第2個10年，黃禹銘更希望放慢腳步，專注於空間營運與精準布局。對他而言，博覽會雖能瞬間聚光，卻不足以建立深度連結，唯有長期經營海外據點，才能讓對話與關係真正生根。「畫廊在藝術市場中的任務，應該是發掘好的藝術家，並努力為他們尋找合適的收藏者。如此一來，藝術家才能不斷創作出好的作品，這個循環也才有辦法生生不息。」在伊日的世界裡，浪漫並非遙不可及的想像，而是一步步踏實走出的路徑。

｜BIZ IDEA｜

「台灣」X「在地」的展出策略
若僅展出台灣藝術家作品，往往難以在陌生國家的藝博中融入當地社群。伊日選擇透過策展，讓台灣與當地藝術家共同展出，不僅能拉近與觀眾的距離，也創造更多交流可能。

「展出」與「銷售」的平衡
黃禹銘認為，畫廊一方面應提供藝術家足夠的曝光機會，讓他們持續累積創作，另一方面也應不斷尋找合適的收藏者，藝術市場才能形成健康循環，而不是僅仰賴政府補助。

從藝術到風土的雙重輸出
《Hel10²》展場裡準備了鳳梨酥與薄荷烏龍茶，展現伊日輸出的不僅是藝術，更是台灣的文化與生活方式，希望藉此在國際舞台上開啟更多合作可能。

｜BIZ NUMBER｜

38,000＋人次
2024年雅加達藝博共吸引38,368名觀眾，並集結來自印尼、馬來西亞、新加坡、泰國、菲律賓、越南、中國、韓國、日本、台灣、俄羅斯與澳洲等73間藝廊參與，展現印尼藝術市場逐漸壯大的能量與東亞國家的關注度。

14間
Jakarta Art Hub目前已聚集來自印尼、新加坡、馬來西亞、日本、韓國與台灣的14間藝廊，今年預計將再新增3～4間藝廊進駐，透過產業群聚效應，期望加速推動印尼藝術市場的國際化。

6X6
2026年YIRI Jakarta將啟動6位台灣藝術家搭配6位印尼策展人的展覽計畫，以「對話」與「連結」為核心，建立跨經驗的雙向深度交流。

_{文｜葉欣昀　圖片提供｜伊日藝術計劃}

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文心藝所全新展覽《Li Yuan Chia 李元佳》現正展出李元佳典藏作品，回望抽象藝術先驅、「東方畫會」聯合創始人生前多面向開拓的50年輝煌創作歷程；邀你從平面字畫、淺浮雕到空間裝置，全覽其畢生所築之「點的宇宙」。

臺北展覽空間「文心藝所」即日起至2026年1月18日推出已故藝術家李元佳個展，特邀獨立策展人游崴策劃，重新考察文心藝術基金會對李元佳的豐富收藏，展出橫跨1950至1990年代，他分別於臺北、波隆那、倫敦、坎布里亞郡4地留下的創作，形式囊括書法、繪畫、掛毯、淺浮雕、互動作品及攝影版畫；並同步揭開藝術家檔案文獻，領觀者發掘李元佳創作中極簡、神祕而充滿觸覺暗示的「點」，及其背後恢宏的宇宙圖式。

北美館10年前便曾循「點」的脈絡，呈獻這位臺灣人不見得熟知、事實上卻對臺灣藝術發展別具影響力的前衛藝術家回顧展——該展可謂間接促成這次文心藝所直接以藝術家之名「Li Yuan Chia 李元佳」為題重現的半世紀軌跡。李元佳1929年出生於中國廣西、1994年逝世於英國卡萊爾，不僅逾半輩子旅居東西方4座城市，其生涯不同時期的多樣化創作也尤擅運用西方媒材傳達東方哲思，因此受譽為融會中外的當代大師，同時在抽象藝術與觀念藝術領域被推向開拓者地位。

▼ 2014年臺北市立美術館所舉辦的《觀・點》李元佳回顧展

跨領域抽象創作，半世紀走過東西方4地

若將李元佳落腳臺北、波隆那、倫敦、坎布里亞郡的時點拿作「創作節點」看待，則可大略劃分4大階段。第一階段自戰後遷臺起算，他先因投入李仲生門下，確立自身突破性的繪畫語言；後又於1957年與蕭勤、霍剛、夏陽等8位皆師承李仲生的年輕畫家一齊創辦「東方畫會」，有組織地推行臺灣戰後現代繪畫運動，名留藝術史。第二階段與上一階段分界在1950、1960年代之交，李元佳自此發展出後來貫穿他眾多作品的母題「點」，整體風格走向觀念化。1960年代中緊接著開啟第三階段，繪畫對他而言不再只是圖像的載體，更成操作、切割與重構的現場，將觀者注意力從筆觸轉移至幾何構成；這一傾向延續至1960年代末，他逐步探索互動式作品，另設立個人基金會進行更宏觀的藝術實踐。直到邁向創作生涯最後25年、以1970年代為始的第四階段，李元佳終憑一己之力打造同名美術館，再誕攝影版畫類新作。

其作品單論「表面視覺」並無極大衝擊性，然從用色、圖形拼組所蘊含的深意，乃至藝術家思緒和意念上的獨特表達，卻有股彷彿能烙人腦海的精神性力量。以下逐一解析各階段創作型態與作品特徵。

▍1950年代：臺北

二戰後隨國民政府輾轉來臺，李元佳進入臺北師範學校（現臺北教育大學）就讀藝術科，同時修習於臺灣現代藝術代表人物李仲生的畫室，在其觀念啟發下，李元佳的早期創作揉合筆墨傳統和抽象表現，其中尤具書寫感的自由線條，與他同時期的書法作品有類似動勢，有時還混合甲骨文和象形文字意象，將自然萬物託寓於抽象形式；帶有音樂般律動感的開放結構，則展露來自康丁斯基、米羅等人的影響。

▍1960年代上半：波隆那

一腳踏上1960年代時間軸，李元佳已逐漸形塑出極簡抽象語彙，往往在大片留白的紙面節制地留下僅如污漬或果核般的細微墨點——這些饒富意趣的「點」，既是動作痕跡、亦為抽象觀念，承載著「一切與空無」的哲思。他也嘗試「冊頁形制」裝幀，主色選以黑、紅、金、白，象徵始與終、血與生命、高貴、純粹。1961年，移居義大利的李元佳成為歐洲前衛藝術運動團體「龐圖（Punto）」創始成員，短暫停留米蘭後，便入住設計師Dino Gavina在波隆那的家具工廠，環境的大幅轉換促使他開始以工業材料創作淺浮雕。

▍1960年代下半：倫敦

1967-1968年，李元佳受倫敦信號藝廊跨領域、實驗性及多元族裔的氣氛吸引，應其邀約前往倫敦參展，亦開始自學攝影、撰寫英詩，並將之融入創作。駐倫敦期間，他另在里森藝廊舉辦過3場備受矚目的個展，作品可見某種觸覺轉向：「點」被圓形磁鐵物件取代、展示形態出現互動性，進而躋身英國參與式藝術（Part-Art）先鋒；同時持以「玩具藝術」概念著手複數版創作（意即打造多件相同或極為相似的系列作，每件皆為「原作」；概念如編有特別序號的藝術玩具）。活躍於英國少數以非西方藝術家為核心的前衛藝術社群，李元佳確被視為一名世界主義者。

▍1970-1990年代：坎布里亞郡

1969年離開倫敦，李元佳移居北英格蘭的坎布里亞郡鄉間，作品隨之擴張為與自然環境結合的空間裝置。他且向藝術家Winifred Nicholson買下一間農舍，建成李元佳美術館（LYC Museum and Art Gallery），自1971年開館10餘年間共舉辦逾200檔展覽，並獨立出版展覽圖錄，無疑是英國北方重要的現代藝術據點。創作方面，李元佳仍持續發展具互動性與觸覺性的「宇宙點」浮雕及圖騰式繪畫。1982年結束美術館營運後，他更投入攝影版畫，為自己拍攝和沖印的黑白照片手工上彩；這些影像融匯自然主義和編導式攝影，時而以隱匿面容的方式自拍入鏡——抒情、陰鬱的晚期作品，悄然透露藝術家心境。

李元佳個展《Li Yuan Chia 李元佳》

• 時間：即日起至2026年1月18日10:30-18:30（每週二休館）
• 地點：文心藝所（台北市內湖區民權東路六段180巷10弄6號）

>> 更多資訊可至文心藝所官方臉書、官方IG了解。