被法國媒體喻為「一根驕傲高舉的中指，對著世界的崩壞」、「真正屬於21世紀的嶄新舞作」，法國編舞團體 (LA)HORDE 由 Marine Brutti、Jonathan Debrouwer 與 Arthur Harel 組成，2019年起接任馬賽國立芭蕾舞團藝術總監，此次於2025 Camping Asia 帶來《崩世光景》（Room With A View），構築出一個既像白色立方體、又彷彿廢墟與未來之間的空間，邀請觀眾直視世界各種光怪陸離。首度來台的 Jonathan、Arthur，以及隨著舞團返國的台灣舞者嚴龍賜，與我們暢談他們如何在崩解失序的時代中，聚集、呼吸，並共同前行。

➣本文選自La Vie 2026／1月號《一場朝聖的旅行》，更多精彩內容請點此

《崩世光景》誕生於 2020 年，那是一個全球共同經歷斷裂與不安的時間點。這件作品並非描述單一事件，而是試圖捕捉一種集體狀態： 世界正在崩塌， 但人們仍試圖在混亂中找到光的方向。

Jonathan 描述，「你可以看到一群人從各自的位置出發，慢慢走向同一個方向。」Arthur 則表示：「我們並不是要給出一個明確的答案，而是邀請觀眾感受『一起行動』本身的力量。」

對 (LA)HORDE 而言，群體不是壓抑個體的結構，而是讓個體得以被看見的場域，有人衝在最前方，也有人退到邊緣；有人承擔重量，有人短暫失衡⋯⋯，這些不穩定的關係，構成了作品最真實的情感核心。

肢體革命，讓差異並存

熟悉表演藝術的觀眾也許有察覺，當代舞蹈中，身體除了是個體的展示，也可以作為政治、社會與情感的承載容器。《崩世光景》共18位舞者未被整齊編排，
他們來自多個國家，在舞台上奔跑、跌落、支撐彼此，形成既混亂又高度凝聚的運動狀態。

「差異本身就是一種禮物。」Arthur 指出，不同性別與文化背景的舞者，對同個動作、主題，往往有完全不同的理解，「我們不追求動作完全一致，也不要求舞者複製一樣的情緒。」

音樂在《崩世光景》中亦扮演極其關鍵的角色，電子音樂製作人 Rone 以電子節拍雕塑音場地景，他與 (LA)HORDE 反覆調整節奏和密度。Arthur 回憶，一開始的音樂版本過於飽滿、接近夜店或俱樂部的強烈質感，但他們很快意識到，舞者需要空間。Jonathan表示，「音樂塑造了群體的時間感與呼吸的力量，但我們需要讓身體有呼吸的地方，讓光、舞台與陰影也能進入。」於是音樂被削減、拉開、留白，最終成為一種既推動集體、又允許停頓的節奏結構。

舞蹈，集體之凝視

表演開場，「大理石採石場」兀自矗立在舞台上，房間裡躁動的身體隨之失神跳動，觀眾看到青春的挫敗、哀傷與憂鬱，恍惚與痛苦，《崩世光景》同時存在關於和平、性別、慾望、集體、恐懼與希望的線索，觀眾只需要一起經歷。Arthur 笑稱：「我們從來不擔心觀眾是否『看懂』，那不是我們的工作。」作品一旦完成，它便不再屬於創作者，而是屬於觀眾的經驗。

Jonathan 進一步說明，「我們關心的是情感是否被觸動，而非訊息是否被正確解碼。」《崩世光景》不試圖說教，有人在其中看到革命與希望，有人感受到焦慮與失序；有人被集體能量震撼，也有人注意到個體在群體中的孤獨—這些都是作品所允許、甚至歡迎的觀看方式。

打開感知，你我都有舞動的能力

Camping Asia 致力於「讓任何人都能進入舞蹈」，正與 (LA)HORDE 的教育理念高度契合，「技術固然重要，但它不是唯一路徑。」Jonathan 和 Arthur 認為，「一個跳躍、一個滑行，都必須與作品的提問有所關聯。沒有意識的技巧才會成為問題。」

在 YouTube、網路自學盛行的時代，「我們更相信『傳承』（transmission），而不是單一系統的訓練。」Arthur 還提及，「我們與香奈兒共享一種『House』的概念—照顧創作者、重視技藝和集體關係。」無論是高級時裝或舞蹈創作，本質上都仰賴長時間的身體勞動與無限耐心。

嚴龍賜：被允許衝撞，是自我療癒的開始

嚴龍賜最早會接觸舞蹈，不是命中注定的天啟，是因為學校才藝練習可以在午休時間進行。看似輕巧的起點，後來一路延伸成他跨越台北、荷蘭、歐洲自由接案生活，再抵達法國馬賽的路。如今，他成為 (LA)HORDE 所領導的馬賽國立芭蕾舞團新加入的台灣舞者，並在《崩世光景》中登台。

母親是阿美族的嚴龍賜，真正被「身分」這件事觸動，是在參與布拉瑞揚舞團作品《勇者》及《拉歌》的過程。那段經驗給了他很大的力量，不只是讓他確定「我想繼續跳舞」，也讓他開始追問：我是原住民嗎？我的文化是什麼？多年後，他也學會用更鬆的方式回答自己，「身分不是考核，而是慢慢長出來的自我理解。」

某天深夜，他的 Instagram 收到私訊，對方正是 (LA)HORDE 團隊，邀請他參與舞者徵選，當時他十分訝異，「我好像沒有那麼酷可以加入他們？」自2024年加入後，他密集參與多個計畫。這次《崩世光景》中，段落動作強烈直接，如暴力與衝突，排練時，他常被觸動，甚至會不自覺掉眼淚，「那是一種身體把過往經驗翻出來的反應」，他心疼生命裡發生過的事，也心疼那些曾被忽略的感受，並在其中找到被治癒、被釋放的出口。

在外界的想像中，國際舞團常被貼上菁英、高壓、競爭的標籤，但嚴龍賜卻在 (LA)HORDE 這個大家庭裡感受到「愛」，舞者彼此支持、互相包容，也願意給彼此空間。他至今最難忘的，是一位 48 歲的日本資深女舞者在排練《崩世光景》時，一邊強烈拍擊自己一邊望向他，彷彿用身體鼓勵他：「勇敢一點，沒關係！」強大的能量傳遞，把「不要怕」直接撞進他的身體。

嚴龍賜想起亞洲人在表達上往往相較安靜、克制，而當有人用這麼直接的方式提醒你「可以更放開、更為自己對抗」，那一刻，他感受到自己在集體中被看見、被允許。

「台北的高密度建築、自然景觀、城市與山林的交錯，讓我們想到《崩世光景》中介於文明與崩解之間的狀態。」

訪談最後，Jonathan 與 Arthur 不忘強調：「這個世界充滿噪音、資訊超載與集體焦慮，能夠花1個小時，與大家一起靜靜地看向同個方向，本身已是極其珍貴的事。」《崩世光景》不斷叩問：在崩塌的時代，我們是否還願意一起走？而 (LA)HORDE 的答案，始終寫在那些奔跑、跌倒、再次站起來的身體之中。

若珠寶是以光線述說形體之美，舞蹈則讓身體本身成為光的流動。Van Cleef & Arpels 梵克雅寶自20 世紀初便與編舞藝術保持深厚連結，舞蹈早已是世家靈魂的一部分。2025 年秋天，「Dance Reflections by Van Cleef & Arpels」首次來到韓國首爾，攜手首爾國際表演藝術節（SPAF），描繪出一幅當代舞蹈的世界地圖。

「舞蹈是一種視覺藝術，也是我們都擁有的語言，身體本身，就是最普遍的創造媒介。」現任 Van Cleef & Arpels 舞蹈與文化項目經理，Serge Laurent 的藝術旅程始於法國羅浮宮學院，他回憶道：「我學的是藝術史，著迷於藝術家如何在各個文明中創造出屬於時代的形象。」起初，他擔任視覺藝術領域的策展助理，後來轉向表演藝術，意識到藝術不應被形式分隔，音樂、舞蹈、燈光、服裝、影像，皆能構成完整的美學語言。

從這個角度出發，他將舞蹈視為「總體藝術」：它能容納所有藝術形式的能量，並以最直接、最人性的方式展現創造力。正因如此，當他加入 Van Cleef & Arpels 時，「Dance Reflections」也成為他理想中的文化實踐場域：一個連結歷史與當代、傳承與創新的橋梁。

首爾新篇章　

第6屆Dance Reflections by Van Cleef & Arpels舞蹈藝術節，於2025年10月16日∼11月8日於首爾多個場館聯袂呈獻一場國際舞蹈藝術盛宴。Serge Laurent提到，這次合作並非偶然，而是經3年深耕後的成果。「我們與SPAF建立了長期夥伴關係，彼此對藝術方向與策展理念都有高度信任。」他指出，Dance Reflections的節目選擇並非由單一中心主導，而是建立在雙方共同推動創作交流的成果，涵蓋全球17個國家、70多個合作夥伴與舞團，每年支持約30件新創作品。

「我認為策展是一種對話的藝術。當對話建立在信任之上，對的選擇就能自然發生。」他笑著補充，像是在舞台敘述邊緣文化社群故事的藝術家Sung Im Her，其參演便是經由 SPAF 推薦而促成的。

在差異中，身體、聲音與城市共鳴

延續2020年創立以來的理念， 「創作（Creation）、傳承（Transmission）、教育（Education）這3個價值對世家與舞蹈都同樣重要。在每一屆藝術節，我們都希望透過新的創作與經典作品並置，讓觀眾看見舞蹈的歷史深度與現代延續。」因此，今年的舞蹈藝術節不僅呈現像中國編舞家陶冶（Tao Ye） 的極簡作品，也邀來法國編舞團體(LA)HORDE以《Room With A View》探索集體與科技的關係。從靜默到爆發，這兩種身體語言象徵著當代舞蹈的多重樣貌，源於不同文化、卻共通於情感的節奏。

另外，包括波蘭藝術家 Ola Maciejewska 的歷史重演、南非編舞家 Robyn Orlin 的政治劇場，這些多樣的身體語法，皆共構了 Dance Reflections 的核心精神，「陶冶的作品關於靜止與克制；(LA)HORDE 的作品關於群體與能量。他們來自不同的文化背景，但都揭示了身體的力量與脆弱。」

「對我而言，策展的樂趣在於讓觀眾從這些差異之間找到共鳴。」他特別欣賞亞洲觀眾的敏銳與好奇，「在首爾，觀眾對舞蹈的接受度極高，創作者也越來越勇於挑戰既有結構。」

凝視後，身體成為理解的途徑

今年的舞蹈藝術節同時涵蓋書寫當代舞蹈歷史的經典之作，同時也舉辦多個為專業舞者及舞蹈迷而設的工作坊與大師班，致力於推廣舞蹈教育與對話。Serge Laurent與我們分享，這些活動不只是舞者之間的技術交流，更是一種讓公眾「透過身體去理解藝術」的方式。他認為，當觀眾親自參與、感受舞者在現場的節奏與呼吸，舞蹈不再是抽象的觀賞經驗，而是一種共感的藝術實踐，「理解身體，也是在理解自己。」

我們好奇，若他認為當代舞蹈最迷人的地方在於差異，那麼未來的當代舞蹈會是什麼樣貌？會有更多跨界共創嗎？

「科技正逐漸進入舞蹈，而這不會削弱它的純粹，反而開啟新的詩意。舞蹈的力量在於它能獨立存在，也能吸收其他藝術的語言。」無論是陶冶與劇場、服裝設計師的合作，或是(LA)HORDE與影像、數位文化的結合，他都視為當代舞蹈的自然演進。未來的舞蹈將不再被場域或形式局限，而是在人與科技、虛擬與現實之間展開新的編舞語法—一種屬於21世紀的「身體敘事」。

不僅是藝術計畫，更是文化使命

1941年，Van Cleef & Arpels推出首款Dancer胸針，凝鑄成珍貴珠寶的舞伶身穿芭蕾舞裙，姿態靈動而嫵媚，優雅演繹單腳尖平衡、踢腿和交織等經典舞姿。1940年代末，克勞德．雅寶與著名編舞家喬治．巴蘭欽結緣，進一步拓展世家在舞蹈藝術方面的創作天地。1967年，2人對寶石的熱愛造就由巴蘭欽編寫的芭蕾舞劇《珠寶》，這齣3幕芭蕾舞劇在當時堪稱現代鉅作。

讓舞蹈，持續反映世界

「我們希望回饋一種啟發我們的藝術，讓美的力量回到社會，讓藝術在世界各地重新生根。」舞蹈不但是世家永恆的靈感源泉，更生動詮釋了其他藝術形式的牽絆。在談到亞洲時，Serge Laurent 特別提到台灣—他眼中「文化能量極為豐富的地方」。「台灣擁有美麗的劇場、優秀的策展人與藝術家，以及熱情的觀眾。」

他表示，Dance Reflections 每年都持續支持作品在台灣的呈現，並期待未來能與台灣的舞者與機構展開更深入合作。對他而言，Dance Reflections 不僅是巡迴的藝術節，更是一張不斷延展的文化網路，將不同地域、語言與身體連結起來。「當我們在不同城市呈現同樣的作品時，最迷人的地方在於—每個地方都賦予它新的生命。」

讓舞蹈，持續反映世界

陸續在倫敦、洛杉磯、香港、紐約等地舉辦舞蹈藝術節，第6屆 Dance Reflections by Van Cleef & Arpels 舞蹈藝術節，除了闡述梵克雅寶與編舞藝術之間的深厚淵源，也鼓勵普羅大眾更了解這個藝術表達領域。在這個由科技、速度與碎片構成的時代，Serge Laurent 仍選擇以「身體」作為策展的起點。「舞蹈讓我們重新意識到自己與世界的關係。它提醒我們，美的核心，不是形式，而是人性。」

崩解中尋找群體的身體語言——專訪《崩世光景》(LA)HORDE

Q1
作品以「大理石採石場」為舞台，這個場景意象是如何誕生的？《崩世光景》（Room With A View）的創作核心提問是什麼？

(LA)HORDE：
「大理石採石場」的構想，源自我們與合作夥伴 Julien Peissel 的多次討論。我們希望打造一個具有雙重狀態的場景，它既可以是一座仍在運作的採石場，也可能是一處被狂歡派對（rave）佔據的廢墟。

採石場象徵人類對土地的開採與剝削，同時也指向一種矛盾的奢華：大理石這種曾被用於藝術傑作的高貴材料，如今更多被消費於權力與炫耀之中。從這個矛盾出發，我們逐步發展出一個既巨大又脆弱的空間，迫使觀眾直面自身所處的位置。這裡成為一處「對峙的地景」——舞者在其中穿梭於暴力與求生之間，同時也經歷照顧、混亂、愛、感官親密與群體共存。

Q2
《崩世光景》是一場你們的編舞與 Rone 電子音樂之間的對話。聲音與身體之間的關係是如何被建立的？是音樂引導動作，還是動作形塑聲景？

(LA)HORDE：
在《崩世光景》中，聲音與身體之間是一場持續的對話。當 Rone 創作專輯《Room With A View》時，我們也同步在排練室中建構舞作的肢體語彙。聲音與動作並行發展，回應的是同一組情感與政治性的提問。Rone 的音樂提供了一個不斷變動的聲景地貌，讓身體、群眾、混亂與聲音得以進駐其中。在排練過程中，我們不斷試驗節奏如何斷裂、轉向、干擾，或將群體推向疲憊、恍惚與抵抗的狀態。我們想創造一個共享的環境：聲音與身體彼此塑形，最終形成一個共振、完整的世界。

Q3
作品回應「當災難逼近時，人類身體的轉變」。在當代全球脈絡下，這個主題對你們而言具有哪些哲學或政治意義？

(LA)HORDE：
對我們而言，這是一個關於觀察當代社會壓力、父權結構、地緣政治緊張，以及生態崩壞，如何形塑我們的身體狀態與集體行為。2019 年我們進入馬賽國立芭蕾舞團時，便邀請整個團隊一同參與《崩世光景》的創作，讓排練室成為一個共享、討論這些議題的身體空間。我們確實想直面世界的暴力，但同時也必須為光與喜悅保留空間，是喜悅讓身體得以持續投入，並保有集體轉化的可能。

Q4
你們提出「後網路時代舞蹈（Post-Internet Dance）」的概念，回應數位文化如何重塑感知與身體行為。這個概念如何實際轉化為你們的創作方法與舞者的動作語彙？

(LA)HORDE：
「後網路時代舞蹈」是為了描述當代動作如何源自線上流通——舞者透過網路學習、分享、轉化舞蹈形式，早已超越地理疆界。在進入馬賽國立芭蕾舞團之前，我們長期與自學型社群合作，這些社群的舞蹈實踐正是在網路中演化而來，這讓我們意識到舞蹈是一個被數位文化影響的過程，而非固定風格。在《崩世光景》中，我們將這種方法帶入創作，分享來自全球的抗議影像、生態崩壞畫面、集體儀式與網路素材，這些都反映了當代身體所承受的張力。最終，這些素材成為與芭蕾舞團舞者共同建構的動作基礎。對我們而言，「後網路時代舞蹈」是一種吸收數位流動，並將其轉化為全新、共享身體語言的編舞方式。

Q5
你們曾與長者、視障者、青少年等不同社群合作。你們如何看待舞蹈作為一種連結與抵抗的社會語言？這些經驗又如何改變了你們的藝術觀點？

(LA)HORDE：
當舞蹈揭示出一個社群內在真正被觸動的事物時，它就成為一種社會語言，可能是抵抗、歸屬的渴望、保護、生存，或純粹的慶祝。

自早期創作以來，與不同群體的合作讓我們深刻理解，每個社群都擁有自身獨特的情感邏輯與動作邏輯。在取得他們同意的前提下，我們嘗試將這些私密的動態轉譯為能夠指向更廣泛人類經驗的編舞，這些相遇深刻改變了我們的創作視角。我們學到，動作從來不是中性的——它始終受到情境、歷史與生命經驗的形塑。在馬賽國立芭蕾舞團中亦然，來自不同文化背景的舞者，將各自的感知帶入創作，提醒我們：像是「崩塌」或「韌性」這樣的概念，從來不是普遍一致的，它取決於誰在說話，以及從哪裡出發。這樣的多樣性，還在不斷重塑我們的藝術方法。

2025 Camping Asia由臺北表演藝術中心、法國國家舞蹈中心與香奈兒合作，帶來為期12天的工作坊、表演節目、論壇、各項課程與公眾計畫。其中，來自澳洲的塊動舞團演出《機神祭》，藉由賽博格人機共舞，對後工業化與都市化的人性提出質問。然而，這場未來感十足的表演，靈感為何源自過去？人類與物質的關係又如何透過肢體呈現？

➣本文選自La Vie 2026／1月號《一場朝聖的旅行》，更多精彩內容請點此

巨大金屬軌道占據舞台，隨著燈光暗下，舞者從軌道上下方強勢登場，穿戴起機械手臂，在舞動流淌出賽博格似機似獸的意識。由澳洲「塊動舞團」（Chunky Move）聯手爪哇實驗電音團體「Gabber Modus Operandi」、峇里島時尚品牌「Future Loundry」、動畫機械設計團隊「Creature Technology Co.」的跨界舞作《機神祭》（U>N>I>T>E>D），探討在技術和資訊飛快的後現代都市裡，人類、身體和物質之間仍存在何種關係。

比起未來，更感興趣的是過去

55分鐘的舞作叛逆而激烈，但有趣的是，明明主題如此「未來」，從肢體到音樂卻引人連結到過去的祭儀與社會。這個想法在演後座談得到解答，塊動舞團藝術總監Antony Hamilton說，「我其實最感興趣的是過去，並透過過去想像現在。很多人覺得這部作品充滿未來感，但其實它和未來沒有太大關係，我想告訴大家的是，如何想像一個不同於現在的當下。」

《機神祭》整體視覺源自1980～90年代科幻電影與峇里島儀式，音樂則融合印尼甘美朗（gamelan）、電子舞曲鐵克諾（techno），在重拍和吟唱間創造出另類的現代神話。

人類和工具，誰主宰了誰？

人機結合也並非完全屬於未來的題目，Antony提到，人類史上的第一個賽博格，其實就是一個人拿了一根棍子，從事攻擊、狩獵等行為。他說， 人一方面可以用意志控制工具，一方面也會被工具與環境制約，例如椅子的設計便制約了人類坐下的方式。

這也呼應到《機神祭》裡，舞者時而穿戴、時而掙脫機械手臂，肢體與機械彼此凌駕又相互牽制。Antony形容舞者和機械手臂的關係，從「外骨骼的延伸」漸漸變為「身體的一部分」； 也因為機械的限制，導致無法做出一些原本習慣的動作，進而引導舞者開發出新的肢體可能。

這是人性與科技的對立或對話？

在舞作接近尾聲時，卸下所有機械裝置的舞者和全副裝備的舞者緊緊相擁，隨後他們分離，各自走向軌道兩端。這是人性與科技的對立——也是對話，引領我們抽離此刻的社會價值與框架，重新想像現在還有哪些可能。

_{文｜張以潔
攝影｜鄭宇辰、Isabella Oliveria、Gianna Rizzo
圖片提供｜臺北表演藝術中心}