爆紅台灣味模型再現高雄內惟藝術中心！專訪張立人《Re:戰鬥之城》：像打電玩二周目般開啟隱藏結局

2024 年，曾在北師美術館矗立的那座充滿懷舊台灣味、爆紅引發排隊觀展人潮的「戰鬥之城」模型，再次於高雄內惟藝術中心拔地而起。那時，張立人已在《戰鬥之城：終》告別與他糾纏 14 年的三部曲計畫。然而在今夏新展《Re：戰鬥之城》，他重製起第一部〈台灣之光〉，對話自己未竟的遺憾。

➣本文選自La Vie 2026／7月號《台灣宵夜誌》，更多精彩內容請點此

2022 年台南學甲工作室租約到期後，「戰鬥之城」模型暫時撤到了朋友倉庫，如今大部分時候都典藏在台電基金會的倉庫之中。「這座城市很難得能再被建造起來，基本上都是藉著有展覽的機會把它搭好，再補拍一些畫面。」張立人說，《戰鬥之城：終》在 2024 年展出的那段時間，許多週一休館日他都泡在好不容易搭起的場景之中，用現在的技術重拍覺得不完美的第一部。

這次《Re：戰鬥之城》便播放著全新的第一部〈台灣之光（二周目）〉。他才剪完第一集，至於有沒有要補拍畫面，他邊剪邊想。重製跟當初已經有了很大不同。「就是比較釋懷的心情，你已經知道要做什麼，不會再有太多的未知或不安了。」他補充，「『終』像是說這作品跟我生命糾纏的那段時間已經結束了。現在繼續做這件事，已經不再像之前被困在裡面的感覺，等於說你已經走完一輪了，現在只是要把遊戲裡剩下的結局開完。」就像現在許多電玩鼓勵玩家打出一般結局後，透過角色累積的記憶與能力，再玩幾輪（周目）便能找出更多結局與彩蛋。但還有什麼，是他非打出不可的？

補完最初未竟的遺憾

回顧起來，第一部〈台灣之光〉5 集片長共約 20 幾分鐘，對比第二部的 40 幾分鐘整整少了將近一半內容。早在 2010 年，張立人便已構想出三部曲的架構，當時分鏡沒畫好、拍得零碎，在淡水、永和，到 2014 年後搬進台南學甲工廠的遷徙歷程中，他慢慢地摸索方法。

回憶起來，「最主要還是經驗的差異，那時會想快速先拍出來看看，所以為了趕時間，在畫分鏡時就把很多規劃好的支線刪掉了。」比如說，志強後來為什麼消失沉淪、士官長與阿美檯面下的間諜行動等等，這些背景與配角當初因技術與現實條件來不及交代，或只能草草帶過。「原本規劃同時間有其他角色也在行動，這些角色的行動在一周目的時候都被簡化了，所以缺少了那種很多人的命運糾結在一起的感覺。」

把這些脈絡交代清楚，整個故事的詮釋便多了不一樣的層次。這次展場中，他增加了一些機車、車輛附屬配件，以及專為拍攝二周目新增的模型，比如坦克車與重做的航空母艦（當初沒能留下）。展櫃設計成馬路的樣子，擺放著各式車輛。那些軍用車正要出發迎戰外星人，私家車則在逃難途中倉皇而行；白天望出內惟藝術中心的大面落地窗，剛好與窗外的馬路相映成趣。

生活沒有童話結局

談起整個三部曲，張立人解釋：「那時候就在想：故事裡的這些角色，他們承受苦難的意義是什麼。」第一部〈台灣之光〉之中，媒體將主角志強塑造成末日威脅，他被迫成為沒能阻止任何事情的英雄，而渴望出頭的小學好友阿榮受「神祕老人」蠱惑，引爆核災「台灣之光」。

於是，第二部〈經濟奇蹟〉中，JJ 集團接管了災後台灣，管控著被稱為「經濟動物」的人民，其他則流放荒野成為「鄉下人」；淪為經濟動物的志強嘗試解放信仰「先知」而偽裝身分、成為世界首富之一的阿美，被生化人貝克上校阻攔；被改造為核能源體「台灣之子」的阿榮開始失控成為輻射巨人毀壞城市，志強不顧一切衝進光中緊緊將他擁住。這一刻，阿榮回憶起昔日與志強、小明的校園歲月—他不過想有點出息罷了。

到了以漫畫呈現的第三部〈福爾摩沙〉，高等人類移民太空、或許沒了肉體，而「沒有價值」的人則被遺棄在失落的地球上，受到「血肉至尊」統治。張立人本就沒打算拍出這虛構的太空未來，翻閱書頁之間，也仿若穿梭在宏大宇宙之中，地球上那些轉瞬存在、太短的意識與時間。

「如果你把對世界或時間的想像拉到宇宙尺度，便會覺得一些執著或糾纏顯得很虛無。」他更關心那些地球遺民，某種程度上的「魯蛇」，就像被時局拽著走的志強與阿榮，或第二部那些鄉下人。「第三部的一個層面，就是在講歷史的重複好像螺旋那樣，似曾相識但又不太一樣的事情會一直發生。」

張立人也留下了開放式的結局：第一部二周目中，補入不同配角的時間線增加了懸念—最終按下按鈕的人到底是誰？第二部到底是真正的和解，或只是一個被創造出來的自我安慰？到了第三部，最後貝克上校打敗至尊、認出阿姆斯壯飄蕩的意識，但那真的是他的靈魂，或只是 AI 偽造的人格？他倒沒想為事情所謂好與壞下定義。

「這本來就不是一個童話故事。有點像是跟人活著一樣，你以為達到某個目標生活就很順利了？但就不是這樣。你會一直重複遇到很多問題，命運會再給你更多的考驗，就像某種輪迴，不是說到了什麼地方，從此之後就不用努力了。」

展開藝術遊戲 N 周目

14 年間，張立人也曾迷茫過。2024 年在北師美術館 3 樓播放的錄像〈明日里〉（2017），便呈現他在學甲工廠中的思索呢喃。他也在錄像〈昨日之夢〉（2024）之中，訴說著自己的記憶、人生與創作，回想起來彷彿夢一樣。究竟是什麼，促使他耗費那麼長時間，堅持自己獨立一人完成整個計畫？「因為你會有很多好奇、想要探索的東西，想要知道這東西做出來會是什麼樣子。你會想要知道自己可以跳多高，自己的手可以摸到哪邊。」

他也坦言，過程中也會有辛苦、不想面對的時候。當初第一部先做出來， 「一方面心裡會想趕快把作品完成，回歸某種『正常』生活；另一方面就是有一些影響我滿深的人，我想能夠在他們還在的時候，讓他們看到這作品。」

他覺得創作可能不算是種理想的生活方式，對身邊的人可能沒太大意義，甚至占據了相處的時間。「我一直覺得自己是滿任性而自私地在做這些東西。所以說，我覺得這不是一種理想，它其實更多的是一些對人生的感嘆或遺憾。」不過，他還是忍不住重回藝術這場遊戲，開始下一周目。他形容這過程「回到過去，也回到未來。」

張立人

1983 年生於台中，畢業於國立臺南藝術大學造形研究所。創作以錄像與動畫為主，憑藉 2023 年北師美術館「作夢計畫」獲選的《戰鬥之城．終》奪得第 23 屆台新藝術獎年度大獎。

《RE：戰鬥之城》
展覽日期︱2026.6.6 - 2026.10.26
展覽地點︱內惟藝術中心（高雄市鼓山區馬卡道路329號）
藝術家︱張立人
展覽策劃︱劉依盈
展覽執行︱鄭亞萍
指導單位︱經濟部、文化部、高雄市政府
共同主辦︱台灣電力公司、高雄市政府文化局
承辦單位︱台電公共藝術、高雄市立美術館

＊線上預約觀展｜https://www.accupass.com/organizer/detail/2604030438287185861370
　（觀展人潮眾多，建議提前預約）

《戰鬥之城》錄像作品放映時刻表（作品名稱/放映時間）

第一部〈台灣之光〉｜11:00、12:30、14:00、15:30、17:00、18:30 ​ 
第二部〈經濟奇蹟〉｜11:30、13:00、14:30、16:00、17:30、19:00 ​ 
第一部〈台灣之光（二周目）｜12:20、13:50、15:20、16:50、18:20、19:50

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_{文｜吳哲夫　攝影｜吳哲夫　圖片提供｜內惟藝術中心、張立人}

有些藝術作品不居於白盒子內，而是在街道上釋放鮮活能量。在台中，從戲院、飯店、舞廳到公園，皆可見王水河的藝術蹤跡，他是作品橫跨平面設計、雕塑、繪畫、室內裝潢等領域的藝術家，也是見證台中走向現代摩登都會的重要創作者。想知道他的創作如何在台中城市景觀、文化記憶裡穿針引線？就到臺中市立美術館（中美館）特展《搖擺阿哥哥－時代跨域者王水河》一探究竟！

從繪製電影看板開始的藝術生涯

王水河的藝術天份，從國小時便逐漸展露，他不僅在美術比賽中屢獲佳績，更受聘至一家電影看板店工作，憑藉細緻的繪畫技法，在14歲就被稱「師傅」，藝術生涯也由此展開。電影看板為王水河開啟了斜槓創作生涯，他的新穎風格受業者青睞，逐漸從燈具、家具設計，拓展至整體室內設計與建築規劃，展現全才創造力。1960年代，台中地區許多酒家、夜總會、咖啡廳慕名而來，委託他做美術設計。

定義1960年代台中式摩登的「王水河風格」

王水河的建築作品多具摩登現代感，俐落的幾何直線、曲角造型、立面裝飾符號、帶韻律感的橫飾帶……共織鮮明的「王水河風格」，這也成了台中城市景觀的重要組成，一代台中人心中的共同記憶。操刀建築與室內設計的同時，王水河也未停止對美術的追尋，仍持續創作雕塑與繪畫。尤值得一提的是，他的設計與藝術創作彼此高度關聯，比如一套字體會出現在招牌與建築外觀，亦或浮雕裝飾會貫穿室內空間與公共場域，體現他對「視覺整體性」的執著。

展覽必賞王水河代表作「南夜舞廳」

作為《搖擺阿哥哥》展覽一大亮點，「南夜舞廳」（前身為南夜咖啡室）無疑是體現王水河跨域整合能力的代表作。在此，他結合舞廳中表演、跳舞、社交等多項功能，巧妙將自身裝飾語彙融入現代主義風格之中，並融入夏威夷風情，以椰子樹、夏威夷草裙舞女郎構成熱帶海島意象，搭配渦旋曲線、幾何造型、鏡面裝飾、女體浮雕等，營造充滿律動感的華麗現代氛圍。

南夜舞廳迷人之處，在於王水河對「全方位設計」的極致追求。他憑藉深厚的繪畫與雕塑功力，彈性運用各種建築與設計語彙，將舞廳打造為一座「巨大且具功能性的立體雕塑」。隨著空間在1962年擴建為4層樓的複合式娛樂地標，由內而外統一的視覺意象，也使南夜舞廳成為當時最前衛的設計典範，並奠定王水河的流行指標地位。當時台中著名的一福堂、聖林、小夜曲等咖啡室，乃至南台灣的眾多摩登空間，皆出自他手。

中美館突破以往策展視角，以「跨域」展現王水河創作能量

中美館自成立開始，便持續推動台灣中部藝術家研究及檔案建置，本次王水河檔案研究歷時1年多，除了將近千件的文獻資料數位化外，研究團隊也進一步匯集500餘件老照片與報紙資料，並針對王水河的長子，也是最了解其生平的已故建築師——王文芳先生，完成9次深入訪談與資料整理。透過這些文獻、影像與口述資料，中美館細緻爬梳王水河的創作歷程，以及中部地區文化發展中，城市變化和日常生活的生成軌跡。

過去，王水河曾在台中的文化中心舉辦多次以藝術作品為主的個展，此次中美館打破過往多聚焦其藝術創作的策展框架，首度從其「跨域創作能量」出發，全面梳理他的藝術和設計歷程，展現他對台灣戰後摩登城市地景與美學的深遠影響。

重返60年代台中的流金歲月：珍貴文物、VR體驗共織展覽

王水河的作品和台中的摩登文化浪潮同步前進，展名以「阿哥哥」為名，這是1960年代台灣對西洋流行音樂、舞蹈與歌舞表演文化風潮的通稱。在當時美軍駐台、唱片及大眾媒體傳播等影響之下，歐美夜總會、俱樂部及Go-Go dance文化逐漸進入臺灣，激發那個年代人們追求摩登的強烈渴望。

《搖擺阿哥哥》展覽涵蓋5個子題，完整呈現王水河橫跨多元領域的精彩作品：從商業視覺設計的字體研發，到純藝術領域的雕塑與繪畫創作；也包羅整合家具、燈具、壁飾的室內設計，到遍及全台的建築規劃。現場亦同時展出藝術家的生活物件，呈現其對於造型與美學的執著，如何延伸至日常生活。

為了讓王水河身處的流金歲月走出歷史文獻，本展特別攜手新媒體藝術家楊子慕，透過比對歷史圖像、文獻與口述資料，以數位建模技術重建虛擬影像，讓觀眾可以使用VR互動裝置體驗，在展場中感受南夜舞廳的華麗現場。展區更將同步陳列復刻燈具與椅件，並首度公開王水河的設計手稿。虛實交錯間，這座細緻重現的南夜舞廳，不僅體現了何謂「王水河美學」，更喚醒珍貴的地方記憶。

《搖擺阿哥哥－時代跨域者王水河》

展期｜2026.08.29－10.25

展場｜臺中市立美術館 展覽室D、E

地址｜臺中市西屯區中科路2201號

門票｜免費參觀

開放時間｜每週二至日 9:00－17:00／週六9:00－20:00／國定假日照常開放

現正於台北展出的「波特羅特展」，為拉丁美洲藝術家費爾南多・波特羅（Fernando Botero）首度在台舉辦的大型展覽。而本次展覽由波特羅基金會代表，同時也是波特羅的女兒Lina Botero策劃，她也親自與我們分享波特羅的藝術生涯故事，以及那些關於父親的回憶。

對「體積」充滿迷戀

1932年出生於哥倫比亞麥德林的波特羅，直到2023年離世前4天，仍持續在創作，一生對藝術充滿了熱愛。而貫穿波特羅作品核心的，是他對「體積（volume）」的迷戀，但他總說，自己對體積的著迷是與生俱來，且他從未真正理解這份執著究竟從何而來。

1952年，是波特羅人生中的重要轉折，當時他憑藉著獎金來到歐洲，進入皇家聖費爾南多美術學院學習繪畫。然而波特羅很快意識到，與其坐在教室裡，不如把時間花在臨摹大師的作品上。此後，他幾乎每天都前往普拉多美術館（Museo del Prado）臨摹Velázquez、Tintoretto、Titian等大師的畫作，這段經歷也對他的藝術養成至關重要。

某天，波特羅偶然看到書上有著Piero della Francesca的壁畫作品，那一刻，他深深意識到，藝術遠比自己想像的更加崇高。而這也促使波特羅前往佛羅倫斯，深入研究義大利文藝復興時期的作品。

藝術必先深植於本土

在歐洲待了兩三年，由於旅費耗盡，23歲的波特羅回到哥倫比亞，與妻子結婚後，兩人隨即前往墨西哥生活。Lina提到，當時的墨西哥是拉丁美洲藝術發展的重鎮，也是許多年輕藝術家心中的「朝聖之地」。彼時，多數拉丁美洲藝術家仍描繪與歐洲印象派畫家相似的風景，但墨西哥藝術家率先將目光轉向自己的文化根源，開始描繪這片土地的事物。這也讓年僅24歲的波特羅重新思考創作方向，並奠定了他一生遵循的信念——「藝術若要真正具有普世性，首先必須根植於在地（For art to be truly universal, it must first be local.）」。

在那之後，波特羅的創作核心便建立在自己童年與青少年時期的回憶之上。Lina說明，「在本次展覽中的『拉丁美洲』展區，可以看到那些存在於我父親記憶中的人物，後來都成了他作品中的主角；街道景象與日常生活的場景，也被他以個人風格轉化為屬於自己的世界。」

形塑獨特的「波特羅風格」

Lina補充，每一位藝術家在創作初期，都會受到許多不同事物的影響，也會不斷嘗試各種可能、直到找到真正屬於自己的藝術語言。而在墨西哥時期，也發生了一件對波特羅極為重要的事。某天深夜，他獨自在工作室畫一把曼陀林（mandolin），他先是畫出非常飽滿的外輪廓，接著畫了一個非常小的音孔。在那瞬間，他發覺曼陀林彷彿被放大許多，同時意識到，自己似乎發現了某種對未來創作極為重要的方向。而這是過去的藝術養分與創作經驗累積下來的結果，並逐漸形塑出我們今日所認識的波特羅風格。

「風格」是藝術家信念的總和

對波特羅而言，「風格」是一位藝術家能夠為自己所處時代做出的最大貢獻，因為「風格」正是藝術家信念的總和。Lina說明，真正的風格應該在最簡單的題材中也能夠被辨認出來，比如畢卡索和塞尚或波特羅畫的橘子，是完全不一樣的。因此在這次的「靜物」展區中，更能讓人一眼辨識出波特羅的風格。事實上，很多人都會問：「波特羅為什麼總是畫胖子？」但他總回答這輩子沒畫過任何胖子。因為他的創作，其實是將感官上的感受傳遞到形式上，是對飽滿、圓潤形體所展開的探索，且不只是人物，不論是物件、水果或動物，他都以相同的手法賦予它們雕塑般的分量感。

忠於自己的核心價值

Lina分享，1960年代波特羅在紐約時，當時的主流是抽象畫與普普藝術，他卻與趨勢背道而馳，結果沒有人注意他的作品，藝評也對他也非常嚴厲。然而，波特羅始終忠於自己的藝術信念、不盲從追求當時的潮流。直到MoMA的一位策展人看到他畫的《12歲的蒙娜麗莎》，決定讓這幅畫在MoMA展出後，才開始有人與他接觸，也讓波特羅迎來了職業生涯的轉捩點。

藝術應該是屬於每一個人

身為策展人的Lina表示，「這是我們第一次來台灣，我希望可以選擇最為顯著、最可以代表我父親70年創作歷程的主題，因此作為他的根源的『拉丁美洲』展區格外重要。」而像是「靜物」、「鬥牛」等主題，也都是構成波特羅創作的不同面向。她也提到，先前在韓國展出時，突破了近25萬的觀展人數紀錄，這也證明了不同的畫作能直接與觀者對話，同時呼應波特羅的想法「藝術應該是屬於每個人，不是只有少數菁英份子可以欣賞的。」

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幽默是走進藝術的一扇門

Lina補充，父親是個非常幽默的人。「他認為，幽默就像是一扇為觀者打開的門，讓人們得以走進藝術作品之中。他同時也把幽默當成一種工具，因為在1930到40年代的拉丁美洲有非常多獨裁者，而他會利用藝術去批判這些獨裁者、政治家或諷刺教會。」對Lina而言，看見這麼多人喜愛父親的作品，令她感到十分欣慰，也讓她更加確信，將這些作品帶給下一代是他們肩負的重大責任。「我也曾和畢卡索的後裔討論到這點，我們都認為，持續與新世代展開對話非常重要。」

不只是藝術創作，談起父親，Lina分享了許多回憶。她說，「我從小和兩個兄弟一起長大，但父親從來沒有把我當作『只是個女孩子而已』，他對我們所有人都是一視同仁的，他讓我覺得自己是個強大的女性。」

為父親策劃80歲回顧展

Lina過去曾在電視廣播界工作，之後投入室內設計領域。2012年，她受邀於墨西哥為波特羅策劃80歲生日回顧展。「和我父親共事是一件非常美妙的事，因為我們有非常緊密的關係，同時也互相信任。他相信我能把他作品所要展現出來的樣子，以及著重的重點表現出來。」

波特羅非常喜歡獨自作畫，Lina成為少數被允許進去他工作室的人。「在我父親生命的最後一年，我每天都陪他去工作室。看他作畫是一件非常神奇的事，只要待在工作室，他就像突然變回了年輕人，甚至不再需要拐杖。」

用想像力灌溉童年回憶

最後，Lina笑著說，對父親印象最深刻的，還是那些童年回憶。「我們成長過程中有著許多關於父親的美好記憶，因為當時我父親完全沒有錢，但他會用他的想像力來彌補資源上的匱乏。」她回憶，當時父母離婚後，每到星期五都會和父親共進晚餐，父親總會買最普通的罐頭番茄湯，但會特地去買玻璃眼球放進湯裡，並告訴孩子：「今天喝的是眼球湯。」年幼的他們當然深信不疑，「小時候，你會相信你父親對你說的每一件事。那真的是一段非常不可思議的時光。我的父親有說不完的精彩故事，而我最珍貴的童年回憶，也正是來自他為我們編織的那些奇妙故事。我父親留給我最好的禮物就是這些回憶。」

《圓潤的魔法 波特羅特展》
日期：2026.6.19-10.11
地點：國立中正紀念堂1展廳