LV出版全新《Louis Vuitton Travel Books》遊記系列

路易威登繼大受歡迎的《路易威登旅遊指南》，2013年五月出版全新《路易威登遊記系列》(Louis Vuitton Travel Books)，以嶄新角度結合傳統旅遊札記及旅遊繪本兩者的特色，首批四本旅遊叢書包括：Daniel Arsham著《Easter Island》、Natsko Seki著 《London》、Chéri Samba著《Paris》及Jean -Philippe Delhomme著《New York》。

《路易威登遊記系列》充滿睿智及深刻體驗，將讀者引領至真實及虛擬的旅程體驗中；著名或充滿才華的新銳藝術家細訴他們曾遊歷的城市及國家的經驗，介紹當地特色建築及光影，呈現當地人生活面貌。《路易威登遊記系列》是有二十年歷史、紀錄多位插畫家及水彩畫家都市旅程體驗的《Carnets de Voyage》(旅遊繪本系列)的延續，並注入全新旅遊觀點，探索遙遠荒蕪大地以至動感大都市的五光十色，透過作者的角度，展現作者在不熟悉的環境探索不同文化的歷程。
 

剛果藝術家Chéri Samba穿梭巴黎、美國藝術Daniel Arsham探索神秘復活島、年輕日本插畫師Natsko Seki漫遊倫敦、法國藝術家Jean -Philippe Delhomme縱橫紐約；每位作者置身陌生之地，以敏銳觀察發掘奇新妙趣，從中得到不少啟發，輔以敘事、情深、嘲諷或生動的筆觸各見特色。

《路易威登遊記系列》超越一般札記及繪本的框框，展現當今藝壇的豐富創作元素：各位藝術家來自不同國家，在旅途中自由選擇其創作媒介，如素描，圖畫，拼貼、當代藝術、插圖、卡通或動漫等不同形式，表達其旅途中的所思所想。部份原創作品已為路易威登購入，加入品牌的當代藝術藏品之中，令其藏品更豐富，觀點更多元化。
 

《路易威登遊記系列》每年都會推出新作，繼首批四冊，品牌將會推出日本動漫藝術家Jiro Taniguchi的威尼斯遊記，以及義大利漫畫家Lorenzo Mattotti的越南遊記。《路易威登遊記系列》限量發行，每本獨立編號連作者簽署，於指定路易威登專門店發售。

2013年5月起，各位藝術家的專訪將會上載louisvuitton.com網站
 

藝術家介紹：
Daniel Arsham：《Easter Island》
美籍藝術家Daniel Arsham於1980年出生，早於孩童時期已有建構城市、奇幻建築及未來風景的夢想，後來於紐約Cooper Union藝術建築及工程學院攻讀，不同學科訓練令他探索多元化創作素材。他的水粉畫作運用了插畫工具及城市規劃技術，Mylar薄膜及水彩等素材，著重透視構圖，營造微妙的光感效果。他的黑水粉畫，以灰及黑色建構想像中的天地起源，處處是荒蕪的廢墟及孤島，一片孤寂….

Natsko Seki：《 London》
Natsko Seki的藝術世界充滿繽紛的圖像：例如Paul Rand的圖形設計，Saul Bass的電影片頭設計，以至六七十年代英國及美國平面設計師的作品。2001年，Natsko Seki年方二十四，她離開日本到倫敦修讀平面設計，開啟了她的創作天地：她重新發掘形狀及顏色的意義，以及手繪與電腦設計線條之間的微妙差別，並領悟自己對插圖及動畫的興趣大於平面設計，奠定其未來創作路向。

 

Jean -Philippe Delhomme：《 New York》
巴黎畫家兼插畫師Jean -Philippe Delhomme以插圖呈現日常生活及時尚世界，別具獨特慧眼睿智。他喜愛到世界各地旅遊，以畫作捕捉當代文化的精髓及諷刺。Jean -Philippe Delhomme於1959年出生，曾於巴黎École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs修讀，並很快便投身廣告及媒體插圖創作，客戶包括Barneys百貨公司、《GQ》、《Vogue》、《Los Angeles Times》及《The New Yorker》等報刊。他沉迷於以印刷圖像作為創作元素，以及時現時隱，難以捉摸的詩意；他的彩色構圖包含不同技術手法，表現出愉快氣氛，但他始終較鍾情於水粉彩創作。

Chéri Samba ：《PARIS》
Chéri Samba原名Samba wa Mbimba Nzinga，1956年出生於剛果民主共和國，自幼已愛畫圖，無論是以棍子畫沙或者在學校課本上塗畫，都見他藝根早種。他的繪畫天分為朋友所賞識，得到為朋友仿製漫畫及為本地足球隊設計標誌的機會。1972年他到首都金沙薩(Kinshasa)發展，以畫廣告招牌為生；當時Apuza、Lomabaku 及 Mbuta Masunda 幾間工作室的畫家是街頭招牌創作的翹楚，Chéri Samba擔任其助手，從中磨練繪字及大型插畫技術。

資料圖片來自 路易威登 台灣區

CHANEL 2026 秋冬系列由 Matthieu Blazy 延續與 Gabrielle Chanel 的跨時空對話，從「毛毛蟲與蝴蝶」意象出發，重新拆解經典套裝、低腰輪廓與斜紋軟呢，並透過 Lurex 金銀絲、矽膠、薄紗與珠飾工藝，在務實與幻想之間重新思考香奈兒式自由。

CHANEL仍在變動之中？

繼3月於巴黎大皇宮首度亮相，CHANEL 2026秋冬系列近日上市，也讓人得以近距離觀看 Matthieu Blazy 如何處理這個百年時裝屋最熟悉的設計語彙。從重新調整比例的斜紋軟呢套裝、1920年代低腰輪廓，到Lurex金銀絲、矽膠、薄紗與珠飾交織出的材質變化，許多在伸展台上首先以輪廓留下印象的造型，近看更能發現藏在結構與工藝中的細節。

這也是 Matthieu Blazy 加入 CHANEL 後的第二個高級成衣系列，本季延續他與 Gabrielle Chanel 的跨時空對話，從「毛毛蟲與蝴蝶」的比喻展開：一端是貼近日常生活的務實與安定，一端則是屬於夜晚的輕盈與幻想。兩種看似相反的狀態，共同構成他眼中的CHANEL。

未完待續的「施工現場」

回到今年3月的巴黎大秀，巴黎大皇宮（Grand Palais）內架起巨型起重機，紅、黃、藍色結構懸於空間之中，映照著帶有虹彩光澤的伸展台，彷彿是仍在施工、等待下一步發生的現場。這份「未完成感」也呼應 Matthieu Blazy 進入 CHANEL 後的工作方式。

斜紋軟呢套裝、山茶花、鍊帶、菱格紋等，CHANEL 擁有一套幾乎不需標誌就能被辨認的視覺語言。Matthieu 這一季沒有迴避這些經典，而是從輪廓、材質與比例著手，逐一檢視它們放在今天還能如何發展，即使已有百年歷史，CHANEL 依然是一棟持續施工的建築。

由白晝緩緩走入夜晚

Gabrielle Chanel 曾將時尚比作白日裡的毛毛蟲與夜晚旋舞的蝴蝶：「我既要有沉穩落地的裙擺，也要有隨風飛揚的裙角。」Matthieu 則曾用「悖論」形容 CHANEL。在他眼中，CHANEL可以務實，也可以充滿幻想；可以理性，同時保有誘惑力。看似相反的性格，其實從 Gabrielle Chanel 的年代便已存在。她從男裝與勞動者服飾汲取靈感，讓女性時裝擁有更符合生活的機能，另一方面也深知珠寶、晚裝與精緻工藝如何改變一個人的姿態。

2026秋冬系列將這兩面放在同條時間軸上，前段造型較為沉穩，隨著系列推進，質地愈來愈輕，色彩與光澤逐漸浮現，服裝也由白晝慢慢走進夜晚。

腰線下移　打破拘謹

備受矚目的，也包括 CHANEL 經典套裝中，熟悉的比例開始移動。Matthieu 讓造型從1920、1930年代流轉至1950、1960年代，再回到當下。大幅下移的腰線，腰帶落至臀部甚至更低的位置，上半身因此被刻意拉長，讓人想起1920年代盛行的 drop-waist 低腰洋裝。

從針織、長版上衣，到裙裝與套裝，低腰線搭配鬆弛剪裁後，也改變了傳統 CHANEL 套裝較端正的身體輪廓。斜紋軟呢圈圈紗被做成工裝襯衫，壓實處理的斜紋軟呢化為帶有男性氣息的布勞森外套，羅紋針織及1920年代風格的真絲針織更軟化原有結構。

探索材質　工藝賦予輕盈

本季除了經典斜紋軟呢，也加入合成纖維、Lurex 金銀絲、矽膠與天然薄紗。不同纖維彼此混合，使人熟悉的 tweed 表面出現透明、虹彩與閃爍效果，有些乍看仍保留傳統斜紋軟呢的紋理，靠近後才發現材質構成已經完全不同。這種「眼睛以為看到的材質，觸摸後卻是另一回事」的趣味性，也是 Matthieu 作品中相當迷人的部分。

CHANEL 同時為系列研發新的珠飾工藝，使細密珠飾加入針織套裝後，仍能保持輕盈與活動性。看似繁複、帶有重量的服裝，實際穿上身卻能自由移動；工藝的存在不只是增加華麗程度，也改變衣服與身體之間的關係。

包款迎來全新進化

後半場便逐漸進入蝴蝶的世界，大衣與禮服開始出現如絲緞般流動的虹彩，長度由及膝延伸至曳地；剪裁保持簡潔，表面卻隨著光線與身體動作產生細微變化。華麗並沒有帶來厚重感，長裙和外套反而隨步伐自然擺動。

「蝴蝶」存在於衣服的重量、動態與光澤中——人開始移動，蝴蝶才真正出現。包款則留下更多 Gabrielle Chanel 的個人記憶，米色麂皮口蓋包上的菱格紋，可追溯至她巴黎寓所中的沙發；系列另有鎖扣包，以及覆上虹彩琺瑯光澤的石榴晚宴包。歷史細節從室內家具、個人生活與品牌檔案被取出，再換成新的尺度與材質。

百年前，Gabrielle Chanel 曾從當時女性衣櫥以外的世界尋找材料與靈感；到了 Matthieu Blazy 手中，品牌自身歷史成為一座可以再次進入的素材庫。因此，巴黎秀場那幾座仍在工作的起重機，揭示CHANEL還沒有「完成」，最新版本仍在建造之中。

愛馬仕高雄漢神專門店迎來全新面貌，1996年進駐高雄至今，30年後由巴黎建築事務所RDAI重新操刀，以高雄港為設計線索，將磚砌建築、潮汐、貨櫃與港灣夕照轉化為材質、動線及色彩。從橡木貨櫃樓梯到海洋藍漸變夕陽橘的地毯，一覽店內值得細看的設計巧思。

1996年設立至今，這處品牌在高雄的重要據點經歷擴建與改裝，如今橫跨1樓與地下1樓，由長年與愛馬仕合作的巴黎建築事務所RDAI操刀，以高雄港灣風貌與城市建築為線索，重新構築空間。

沒有直接搬入船舶、浪花等具象港都符號，RDAI反而從城市中抽取磚牆、貨櫃、海水與夕照等元素，轉化為材料、動線和色彩。港口意象因此不只存在於視覺裝飾，而散落在兩層空間的行走經驗中。

從磚砌立面開始，捕捉高雄城市質地

走近店鋪，首先映入眼簾的是貫穿外立面與室內牆面的磚砌元素，靈感取自高雄歷史建築「打狗英雄領事館」，磚牆並非平整排列，而藉由深淺錯落的立體表面製造層次。隨著光線與觀看角度變化，牆面留下不同陰影，也讓原本厚實的材質多了一層輕盈感。

品牌以此呼應高雄的歷史底蘊與在地材質特色，並讓傳統材料進入更當代的空間語彙。

以潮汐為想像，1樓動線自在流動

步入1樓，可見愛馬仕經典Faubourg馬賽克地磚與標誌性的ex-libris藏書章圖騰，品牌熟悉的視覺線索之間，加入了來自高雄港灣的想像。絲巾與時尚珠寶首先出現在暖鏽色調之中，往內則進入皮件區，流線雕刻木質牆面勾勒出較為柔和的輪廓；珠寶與腕錶專區藏於同樣以「打狗英雄領事館」作為靈感的紋理牆面之後，以光線與尺度營造較私密的鑑賞氛圍。位於中央的香氛區則以較明亮的色彩點亮空間，整個一樓藉由材質與色調的變化自然銜接，讓行走本身成為探索空間的一部分。

貨櫃化身橡木樓梯，把港口記憶藏進建築

若說全店哪項設計最直接連結高雄港，答案或許是串聯兩層空間的橡木樓梯，這座樓梯的靈感來自港口常見的「貨櫃」。

RDAI並未原樣複製貨櫃的金屬材質與工業色彩，而是抽取其量體概念，再以溫潤橡木重新詮釋。原本屬於碼頭與物流產業的城市日常，因此轉變為一項真正承擔空間機能的建築元素。這也是此次翻新中相當有趣的一筆，讓高雄港巧妙藏進人們每天上下樓時實際經過的動線裡。

將港灣風景拆解成顏色，讓一天的光線鋪在腳下

順著樓梯來到地下1樓，空間氣氛隨之轉換。這一層以海洋藍與大地色為主調，並加入天然礦物般的表面質感。女仕成衣與鞋履從入口一側展開，男仕世界則與居家及馬術系列依序延伸。

其中最具畫面感的設計，是一張量身訂製的漸層地毯，色彩從海洋色調逐步轉為夕陽橘、繡紅色，如同高雄港從白晝進入黃昏時，水面與天空隨日光改變的色階，人在空間中行走，也像跟著一天的光線，從冷色慢慢走向暖色。而天然礦物表面、柔軟地毯與家具彼此交錯，讓地下樓層在精緻之外，仍保有較原始、自然的質地。

從海岸岩石到抽象色彩，藝術作品延續自然線索

空間裡的意象也延伸至藝術作品的選擇，店內陳列Émile Hermès收藏與愛馬仕當代攝影典藏系列作品，皆由全球藝術總監Pierre-Alexis Dumas親自挑選，其中法國攝影藝術家Aurore Bagarry以鏡頭記錄英國康瓦爾海岸長年受到海水沖蝕的岩石。岩石表面的天然紋理，恰巧與店內磚牆、礦物材質產生呼應；哥倫比亞藝術家Francisce G. Pinzón的抽象畫作《Warm Grey 2》，則藉由色彩對比，補入不同於建築材料的觀看節奏……藝術品與材料、色彩以及自然景象共同構成店內氛圍。

從港口取材，重新描繪高雄

從外牆的磚、如潮汐的動線，到源自貨櫃的橡木樓梯，以及地下樓層從海洋藍走向夕陽橘的色彩，高雄港被拆解成許多細節，散落在空間之中。RDAI將港都熟悉的風貌景色、自然與光線轉譯成另一種語言，再與愛馬仕一貫的馬賽克、木作、家具及藝術收藏並置。此外，專為高雄店打造、限量6枚的Arceau Hermès Flagship琺瑯工藝限量腕錶，以及首度在台灣亮相的高爾夫球具，也成為此次漢神店重新開幕的熱議焦點。