首創「以藝術家為核心」 締造全球藝博會新紀錄
藝術不僅是文化，更是教育推廣，絕對不能只侷限在商業利益。「以藝術家為核心」是台北新藝術博覽會首創的新概念，打破全球藝博會以畫廊為主的慣例，讓藝術家成為主角，展現配置、設計都以藝術家及其作品為中心，因此每一展位就是一位藝術家的個展，打造出亞洲首屈一指的國際藝術展會：2011年的首屆展會一鳴驚人，藝術家成交率89.66%，直逼全球頂級巴塞爾博覽會；第二屆藝術家成交率高達91.18%，再創新高，法國頂尖藝術家Psaqua等人作品更是銷售一空；2013年吸引更多藏家現身，許多藝術家作品在VIP之夜即被全數收藏；2014年更以93.21%藝術家成交率，打破全球藝博會紀錄！

藝博會本身即是「龐大的藝術品」
藝術總監李善單教授將整個藝博會視為一件藝術品，參展藝術家與其作品，甚至前來觀展的每一位藏家及愛藝者，都參與了這件龐大的藝術創作。為了建立展會高品質，展場中的每一件作品都是藝術總監親自審核挑選，絕不談「人情」，只為呈現出一場「最好」的藝術博覽會！以此堅持，台北新藝術博覽會而能成為藝術界與收藏家熱烈關注的焦點，躋身全亞洲最具指標性的藝博會之一，並在買家的心目中建立起「絕對品牌」。

「有藝術‧很幸福」 62國278位藝術家共創幸福感
除了評選標準嚴格，藝博會堅持每屆汰換新血，以高達六成的名額，讓更多具有潛力、作品水準一流的新面孔參展，以保證每一屆展會的藝術品，都能令人眼睛為之一亮。大會每年更以不同主題，讓台北藝術博覽會展現新風貌，今年大會主題為「有藝術‧很幸福」，嚴選來自全球62國、278位藝術家，展覽作品高達2,000件，藝術形式豐富、媒材多元，且各具地方特色及文化內涵，一次呈現當代藝術的不同面向，為愛藝者營造出驚艷又驚喜的幸福感。

2015台北新藝術博覽會在藝術總監李善單策畫之下，規畫出各具特色的十大展區： 

大會策展區A.R.T. Curatorial

大會主題精神  空中花園

呼應今年大會主題「有藝術‧很幸福」，本區現場將以「空中花園」裝置藝術詮釋令人驚喜的幸福感，以極具造型之美的拱頂與雕花柱，讓觀者身處其中，欣賞來自全球的藝術佳作。

國際大師會藝

展出由藝術總監李善單選自全球、特殊創意之頂尖藝術家作品，例如：以「精鋼銲接技術」備受矚目的Jordi Diez Fernandez，既是巴塞爾藝博會常客，也應邀為西班牙國寶精品Loewe製作精鋼雕塑；擁有量子物理學背景的德國雕塑家Julian Voss-Andreae，運用金屬為素材，以直覺結合傳統雕塑與尖端科學，傳達歌詠自然的藝術內涵；跨足插畫、肖像畫和雕塑的國際知名波蘭藝術家Piotr Lesniak，人像作品維妙維肖且用色大膽，猶如紙鈔的特殊線條和紋路，更是獨樹一幟；備受國際媒體推崇的法國數位影象藝術家Gregoire A. Meyer，以飛濺的水滴、碎玻璃或金屬光澤構築出前衛人像作品，並曾榮獲「黃金星藝術獎‧數位藝術獎」及自2011年起連續三年勇奪「國際攝影獎」；年初剛獲得「2015倫敦雙年展一等獎」的俄羅斯藝術家Denis Mikhaylov，擅長以古典題材及當代思維，展現另類幽默，藏家遍布歐美，全球知名藝評家Michael P. Mezzatesta也有收藏他的作品。

西班牙專區

來自畢卡索故鄉的西班牙ROSA藝術集團率領旗下傑出藝術家參展，包括：專注於紋理、光線及色彩表現的Luis Fernández Hebrero；以精素描打底，再塗布底漆和厚重油彩，創造豐富質感和緊湊紋理的Alicia Grau；側重大自然，作品強調和諧、均衡與和平的Tore Hogsdvet；發自藝術家靈魂深處，創造完美的Enric Aromí；集畫家、建築師、攝影家與設計師於一身，以超寫實風格聞名的Martín Ballesteros以及Miguel Peidro、Felix Mas等人，展現西班牙當代藝術風格。

經典綜合

藝術總監李善單以「超越人類極限」概念，為大會特別創作跨越時空的作品──「掌握乾坤」系列，藝術家創意將億萬年化石與當代雕塑結合，蛻變成為全球唯一、博物館級的典藏品。八大畫廊、威廉藝術、懂得藝術、串藝術、尚畫廊及名傳畫廊，則推出旗下藝術家精選最新作品；寶勝畫廊首推近年受到重量級藏家力挺的女子創作三人組瑪馨玲。

另外更特別規劃作品備受青睞的中國藝術家：劉玖通、隋江勝、宋永華、裴連志、常鐵中、蕭鵬、邊建等人作品。

國際當代藝術  International Contemporary Art 

國際參展藝術家包涵21位，其中Alfonso Cuñado擅於運用抹刀和色彩，以動態透視的角度與型態，讓畫作如變幻無窮的萬花筒，歷屆參展作品都全被收藏；Carlo Mirabasso的創作呈現精緻的和諧感，令人聯想到義大利超現實大師 Giorgio de Chirico；Ricardo Celma 風格深受古典派影響，意念上則展現當代思維，充分表達現代與古典文藝衝突下的弦外之音；Alex Alemany作品融合寫實與奇幻，充滿故事性；Alexis Alemany的畫作中，光影、色彩及夢境缺一不可；山本雄基，擅長捕捉色彩和光影變化，以不同大小的圓堆疊出別具深意與內涵的作品；中村圭吾的作品在具象中，將古典繪畫之美與現代藝術共存。

紐約當代藝術基金  New York Contemporary Art Fund　

長期關注、有計畫培養具潛力當代藝術家的紐約當代藝術基金，致力促使藝術家發展繪畫、攝影、裝置及複合媒材等各種當代藝術表現新型態，展現多元面貌。三度參展的Peter H. Harskamp和Richard Young，作品均極受台灣藏家喜愛，前者有「荷蘭畢卡索」之稱，善於運用幾何技巧，賦予人物或動物展現不凡生命力；後者來自英國皇家藝術學院，熱愛光影變化，並細膩描繪出舞者的優雅，展現力與美。以動物為題材的法國藝術家Thibault Jandot，如街頭塗鴉的粗獷中，卻帶有學院風的精細筆觸。Alex Bertaina善於拆解和加重影像濃淡，反射出主體的律動與明亮感，讓筆下風景如夢似幻。Hasan Kirdi擅以寫實手法描繪生活即景，在靜謐中給人深刻印象。

中國當代藝術  China Contemporary Art

嚴選功底深厚、發想新奇、創新有力且深具收藏潛力的大陸藝術家，包括散子、陳二夫、陳利、李憲召、邱勝賢、張玉瀛、木西、趙津毅、熊天祥等人，其中散子畫中超凡脫俗的境界，呈現出天地之自然與萬物之陳新，觀者產生強烈共鳴；邱勝賢是中國古典與當代時尚代表藝術家，善於將東方古典與現代時尚相融合；木西被譽為當今中國最具潛力的新銳女畫家之一，畫作融合中國傳統畫筆意與西方構圖觀念，唯美中帶有詩意；兼具浪漫與寫實的熊天祥，對火車情有獨鍾，作品在懷舊的氛圍中，帶領觀者穿越時空，展現詩歌般的意境；趙津毅的作品反映了自身成長的歷程，灰色的基調象徵著年少時的不如意與挫折，自己則隱身為畫中的小藍人，幽默又精采。

新水墨　Contemporary Ink Painting

「新水墨」是當代藝術新亮點，也是目前最夯的藝術進行式！本屆參展藝術家有：廖美蘭、李良、林象元、沙清華、魏奕辰及黃中泰等人。其中廖美蘭作品極富哲學與文學思維，每一次展覽的作品，都是其生命能量爆發；李良的水墨融合中西，在保留傳統的用筆、用墨與皴擦手法之餘，在構圖與景物安排上，又猶如西方風景畫般空靈；沙清華的作品或超現實、或展現藝術家的心靈風景，被評為「實中藏虛、虛中隱實且意境深遠」；林象元運用噴皺、渲染等技法，保留中國傳統水墨與藝術精髓，且掌握當代精神，型塑出個人創作風格，並曾受邀至巴黎羅浮宮展出；魏奕辰畫風清新、簡潔淡雅，帶有中國文人的古樸風格，並融入當代元素，極具時代性。

展覽資訊 | 2015 A.R.T台北新藝術博覽會
2015. 5.8~5.9        12：00～20：00 
2015. 5.10             11：00～19：00
2015. 5.11             12：00～20：00
展覽地點：台北世貿三館 (台北市松壽路6號)
主辦單位：社團法人 台灣國際當代藝術家協會

圖文資料提供 / A.R.T台北新藝術博覽會

沐浴玻璃穹頂透進的日光當中，被壯麗的歷史壁畫環繞，眼觀水景、耳聽陶瓷撞擊的清脆聲響，自顧自墜入白日夢——這樣的夢幻體驗，現正於「巴黎證券交易所（Bourse de Commerce）」發生。法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot在這座私人美術館帶來大型裝置作品《clinamen》，將長期試驗的創作媒材「聲音」交織水景，邀觀者慢下腳步細細聆聽並感受場域，投入一場冥想。

壯麗穹頂下的藝術實驗場

自18世紀以來，巴黎證券交易所建築曾作為穀物貿易、期貨交易的據點，現則是「皮諾私人美術館（Pinault Collection）」的所在地。2017年，建築迎來由貿易場所轉生為藝文場館的大規模改造，日本建築大師安藤忠雄將其標誌性的清水模，與建築本身的富麗巴洛克式風格結合，揉古典和現代美學於一地。而館內的穹頂大廳，自開幕以來即是藝術家的實驗場，過去韓國藝術家金守子（Kim Soo-ja）曾在地面鋪上巨型鏡面，邀訪客漫步鏡上，以嶄新視角觀看建築。

水鏡映照天空，瓷碗碰撞成流動樂章

這次在皮諾私人美術館總監Emma Lavigne親自策劃下，法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot帶來沈浸式裝置《clinamen》，這件作品延續他慣常的創作語彙，遊走在聲響、雕塑及表演的交界。在大廳正中央，藝術家設置了一座直徑達18公尺的巨大水池，藉這面「水鏡」映照穹頂外的巴黎藍天。水面上散落大大小小的瓷碗，它們隨水波緩緩漂移，當偶遇相撞時，便會發生清脆聲響，此起彼落的碰撞聲譜出流動樂章。

聲音自有生命

對Céleste Boursier-Mougenot來說，聲音是一種「有生命的材料」。音樂創作者將聲響「編排」成音樂，可他卻長期試驗將聲響「脫離人為控制」，讓其跳脫傳統音樂的框架，轉化為一套能自我調節、具有生命的有機系統，不需人為干預，自隨時間不斷變化。而巴黎證券交易所版本的《clinamen》，可說是這場藝術實驗的集大成之作。

至今規模最大的《clinamen》

過去《clinamen》曾於墨爾本維多利亞國立美術館（National Gallery of Victoria）、龐畢度中心梅斯分館（Centre Pompidou-Metz）展出，來到巴黎後，作品以空前的巨大規模呈現，其水池面積達到過去最大尺度的兩倍。龐大尺度並非盲目的追求，而是藝術家對巴黎證券交易所建築的回應。Céleste Boursier-Mougenot表示，每一座展場都像一個「模具」，他將自身裝置技術與美學灌注其中，孵化出每個場域專屬的限地版本。

慢下腳步，感受「不確定」的詩意

《clinamen》一名源自伊比鳩魯學派（Epicureanism）的哲學思想，其主張原子會產生隨機、不可預測的偏移運動。Céleste Boursier-Mougenot認為《clinamen》的運作邏輯巧妙對應此學說，它不僅關注水、瓷碗及聲響本身的「運動」，也探索著事件發生、物件排列（即水波推動瓷碗導致碰撞出聲）的千萬種可能。在無數可能中，觀眾無法預測將遇見哪一種，也難以預想瓷碗碰撞的音色，這種「不確定」成就的詩意正是體驗的核心。

也正因《clinamen》難以預測，觀眾僅能駐足、等待那份僅存於當下的體驗。在資訊爆炸、節奏極快的世界，Céleste Boursier-Mougenot邀人們慢下來，在靜止與流動、沈默與聲響、秩序與混沌，及水色和天光交織之間，暫時成為作品的一部分，悉心傾聽、墜入一回冥想或一場白日夢，暫離喧鬧世界。

資料來源｜Bourse de Commerce

臺北表演藝術中心串連藍盒子、大劇院的「超級大劇場」首度開放！首場演出迎來波蘭導演盧卡斯・塔沃柯夫斯基（Łukasz Twarkowski）作品《共和國》（Respublika），結合劇場、派對、社群實驗與空間遊牧，透過一場長達6小時的狂歡派對，質疑週休二日、朝九晚五等當代社會視為理所當然的生活模式，並邀觀眾打破場體制設限，沈浸體驗銳舞（Rave）文化，從中思索參與、工作、自由的可能。

真正的自由，存在狂歡的當下

《共和國》是一場橫跨建築、電子音樂、共食活動與自由行動的沉浸式社群實驗。作品場域內設有移動房屋、大廚房、桑拿房、太空艙樣貌的空間及大小舞台，邀觀眾穿梭其中自由參與、探索，不再只是觀眾席上的旁觀者。塔沃柯夫斯基表示：「我感到真正的自由，是在狂歡的當下。」這句話不僅是本作的精神核心，也傳達他對劇場形式與社群力量的重構與實驗。

復刻18世紀末短暫存在的「烏托邦」

「我想做一個實驗：如果一群人忘記工作一整年的話，會發生什麼事？」塔沃柯夫斯基這道提問，開啟了《共和國》的創作概念。作品部份創作靈感來自歷史上真實存在的「保拉瓦共和國（The Pavlov Republic）」，其誕生於18世紀末，由波蘭神父與800名農民共同創建，他們曾短暫實現自治社群的理想，擁有自己的軍隊、貨幣、學校與劇院。

儘管保拉瓦共和國未能久留，但仍為塔沃柯夫斯基與他的創作團隊提供了對理想社會、工作制度與共處模式的豐富想像。在當代社會面臨民主崩解、資本制度失衡與氣候危機的背景下，《共和國》藉此這段歷史重新思考工作與生活的界線，質疑週休二日、朝九晚五是否仍為人類最佳的生存模式。

從森林到劇場，從社會實驗到藝術實踐

2019年，塔沃柯夫斯基與演員、作曲家、DJ、服裝設計師等來自各領域的15位藝術家，一同走入立陶宛森林，在房車與移動住宅共居、一同創作，模糊了生活、工作、排練的邊界，同時設計一套社會實驗的脈絡引導成員，如每日舉辦電子音樂派對，讓「銳舞」成為新的信仰，且在實驗的終點開啟最初的提問——工作與收入對當代社會的意義是什麼？當許多人害怕沒有生產力的同時，這個在森林裡成長的「共和國」成了一種宣告：「我應得的，我需要它，剩下的都不重要。」

將森林裡的社會實驗復刻為宏大的沉浸式展演，《共和國》由3個部份組成：一開始觀眾可以在空間中遊覽、觀看，迷失在街道之中；一小時過去，表演揭幕，整場演出將不斷拆除牆壁並播放現場的影像，觀眾像是置身電影片場，能同時看到螢幕和現場正發生的事，織就多層次敘事；當牆壁逐漸被拆除，第三部份便剩下純粹的狂歡，演員和DJ將以舞蹈、音樂邀觀眾一起投入派對。

不只是配樂，Techno是反抗與療癒的象徵

電子舞曲Techno在《共和國》的演出中不僅是配樂，更是召喚與療癒的媒介。Techno誕生於1980年代的美國底特律，是這座工業城市邊緣青年反抗現實的聲音。柏林圍牆倒塌後，地下Techno派對如雨後春筍般湧現在東柏林的廢墟中，象徵自由的重新誕生。

塔沃柯夫斯基深受這段歷史啟發，對他來說，電子音樂有「昇華人性」的作用，「如果我需要建立某種暫時自治區，那就必須是銳舞。」他希望觀眾跟著同樣的節奏跳舞，成為群體，分享喜悅。因此他在《共和國》中注入了Techno的節奏與冰冷詩意，讓整場演出像是一場帶有社會意識的儀式，也是一次個人心靈的逃逸旅程。

歡迎登陸僅存在6小時的微型國度

《共和國》沒有明確的舞台和敘事框架，塔沃柯夫斯基認為整場演出更像是營造某種「共享經驗」，藉由視覺、聲音與身體交織，建立一個去疆界、反制度的藝術空間。「對我來說，劇場算得上是最官能的藝術形式之一，包含它所使用的身體、汗水、震耳欲聾的音樂，一切合而為一。」在資訊爆炸、節奏極快的時代，《共和國》提供一個讓人暫離現實、重新與人群與自我建立連結的可能。這不只是一場演出，而是一個暫存的微型國度，一個以藝術為基底、以狂歡為語言的自由實驗場。

北藝中心超級大劇場首演《共和國》

演出時間｜2025.06.04－06.07

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