走出自己的藝術之路 陳錦芳╳侯幸君

「我們家有九個兄弟，卻窮到沒有半塊田。」今年邁入八十歲的陳錦芳回憶。他排行居中，從小便好讀書。高中保送台南一中；大學保送台大。成績好到足以進醫學院的他，卻選擇進外文系。「我已經打定主意要去法國，所以外文得先弄好才行。」初中二年級，讀了梵谷傳記，大受感動，此後陳錦芳的志願唯畫家一途。他拿著蠟筆、盯著鏡子，不厭其煩的畫了一張又一張自畫像。進了大學殿堂，他更是畫得如火如荼。「我在台大，大概一半以上的時間都在畫畫！」大學畢業當完兵，適巧法國政府提供兩名留法獎學金名額。在那個一趟台北到巴黎的機票相當於中學老師八個月薪水的年代，六百人報考，陳錦芳摘下了那三百分之一的機會。窮得只剩畫畫熱情的陳錦芳，揣著借來的一百塊美金，踏上了他夢想的巴黎土地。除了巴黎大學，他還唸了巴黎藝術學院。「剛去的頭兩年，沒有時間畫畫，但我每個周末都會去看畫展，有值得學的，我就寫感想寄回台灣。」在全世界最棒的人文薈萃之都，陳錦芳拿到了巴黎大學的博士。他鑽研藝術史，深知史上留名的唯二條件：若非個人風格強烈如夏卡爾、米勒；就必須自創畫派。

「所以，」他說，難掩得意，「我就開創了一個⋯⋯新印象派。」

他一心想要整合古今中外，對自小生長在台灣的陳錦芳而言，這念頭再自然不過。「我們有大陸文化的根、有日本經驗，也有歐美的新潮衝擊⋯⋯不就是一直在整合古今中外嗎？」他的博士論文寫「中國書法與當代繪畫」，長達六百頁，法國教授通篇只改了一個字。論文中藉古援今、旁徵博引，洋洋灑灑的將中國書法一路寫進了外國人的心裡。

在那個什麼都是蓽路藍縷的時代，陳錦芳不斷開創先鋒。比如他翻譯《小王子》，將這本聖修伯里的傳世名著，按著法文，一句句直譯，引進台灣。問他為什麼會動此念？博士說，「那麼簡單的故事，有著那麼純淨的思想；卻又包含了豐富的人生哲理。」「如果能讓台灣人讀到，而且是小朋友也可以讀，就能讓這思想深植於心。」

成功背後的推手

那一年，她十五歲，在報章上第一次讀到陳錦芳暢談法國見聞，從此成為死忠粉絲；剪貼、做眉批，逐篇收藏必附「陳錦芳寄自巴黎」字樣的文章。只是她一直以為陳錦芳是女性，未料他竟是台大外文畢業、公費留法的窮小子。十一年後，芳齡二十六的侯幸君，結束了八年教書生涯，自費到巴黎大學留學。行李箱裡只放了兩本書，作者都是陳錦芳。二十八歲那年，侯幸君成了陳太太。

侯幸君是非常稱職的賢內助；然而逾四十年來，她為丈夫所做的一切經紀、規劃，乃至理財⋯運籌帷幄之深之廣，早已遠遠超過普世妻子煩心柴米油鹽的能耐。「直到現在，我們在美國到底有多少房產，除了真正在住的那個家以外，其他的，博士根本不清楚。」聽到太太這樣講，陳錦芳一旁猛點頭，笑瞇瞇的加一句：「我從來不管。」

從一篇文章開始，陳錦芳打開了侯幸君熱愛文藝的眼；而在進入對方的生命之後，侯幸君則為丈夫鋪設了四通八達的藝術之路。對於另一半的豐功偉業，侯幸君如數家珍：年代、事由、人名⋯倒背如流就像那是自己頭上的冠冕。

陳錦芳善良、活潑、滿腦袋對世界的熱情。侯幸君苦笑：「人家說『枕邊細語』，我們的內容從來沒有愛不愛；他永遠只跟我談世界、談藝術，不然就是文化觀。」

她說他們甚至沒有一起逛過超市，生產時先生也不在身邊。尋常夫妻的尋常人生，到了陳錦芳的婚姻裡似乎只得重新組合上色。他滔滔不絕的對妻子講著大道理，侯幸君則想辦法在這些理想中爬梳出實踐的可能。

以創作創造話題

早在1984 年，他們在紐約就已經有了自己的畫廊，無日或斷的展出陳錦芳的畫作。1986 年，自由女神一百周年紀念，陳錦芳創作了「自由女神百幅連作」。其中大放異彩的〈City Gleaners〉，他將米勒名作〈拾穗〉中的農婦與代表美國精神的自由女神結合。雕像的基座換成了巨大的可口可樂，農婦俯身撿拾的是飲料空罐；甚至有位農婦手提「I Love New York」的塑膠袋。後方是高更畫作裡的大溪地女郎，正困頓在髒亂狹小的紐約沙灘上曬太陽，襯著背景兩棟雄偉的世貿雙塔，一幅色彩瑰麗的畫作竟是寓意深遠、百感雜陳。這幅畫在一夕間讓陳錦芳聲名大噪，侯幸君回憶，第一版五千張的海報，眨眼便賣個精光。連紐約流浪漢都在畫廊外指著畫作叫：「啊！就是那幅；上電視的那幅！」

不僅如此，這畫後來被選進了美國的美術教科書，成為教育典籍裡的範本。侯幸君深諳藝術家絕不能與窮困劃上等號，加上向來認同丈夫的理念與才情，所以她不遺餘力經營陳錦芳，讓他的觸角伸到最遠。「拿紐約的畫廊來說吧，」侯幸君舉例，「一般藝廊，如果旗下有二十四個藝術家，那麼每個人平均要等兩年才能展出一次⋯⋯而我們的藝術中心，卻是每天都在展出陳錦芳的作品。只要有新作，就能立刻上架。」一個熱衷創作、一個努力將創作變成累積名氣與財富的根基。有了錢，就能畫更多畫、實踐更多理想、影響更多人。就像陳錦芳說的：「有思想才有行動；有行動才有結果。」陳錦芳的名氣遍及歐、亞、美，始終在為他動腦佈局的妻子實在功不可沒。

畫作豔麗，為別人帶來陽光

「有一次，有個台灣人要買一百本博士的《新文藝復興》，我以為是書店，便致電過去，」侯幸君說，「結果對方竟只是私人讀者。」那人在電話中表示，本來生病住院，人生灰黯無光。行將出院前去高雄文化中心看陳錦芳畫展，看完出來竟覺病好了大半。他說，那些瑰麗璀燦的色彩，讓原本晦澀的生命透出光亮。他立刻辦了出院，並且拿起畫筆，開始畫畫。

陳錦芳的畫作，的確鮮麗；的確過目難忘。畫家對人類與世界的熱愛，在色塊與線條間織就一張溫暖的網，從他十四歲初初在畫紙上落下蠟筆痕跡的那一刻，迤邐至今，未曾褪色。

如今陳錦芳的影響力不只侷限於藝術，甚且連研究社會學的，也不能不涉獵其畫作與理論。侯幸君說，不久前有天清晨七點多，她在紐約接到一通法國打來的電話，操著西班牙口音的女士表示，自己學法文本來只是為了將來回墨西哥當法文老師，沒想到教授卻指定她寫陳錦芳的〈City Gleaners〉。

陳錦芳的影響已蔚然成風，遍及世界。

陳錦芳、侯幸君 PROFILE

陳錦芳畢生致力於創作，展覽，寫作，推動新文藝復興及東西文化交流。2001 年獲頒聯合國「全球寬容獎」，並榮任聯合國「文化大使」透過「為人類而藝術世界巡迴展」以推動藝術教育及「愛、寬容、和平之文化」的建立。近在台灣成立陳錦芳文化藝術基金會及陳錦芳美術館，落葉歸根。致力於推動台灣的新文藝復興。

侯幸君是紐約市少數的成功的亞裔女性，並在當代藝術界久負盛名。擅長藝術文化活動的策劃與執行。她出版過不少書籍、海報、藝術衍生之商品及限量版畫分銷到歐、亞、美洲。她以藝術創業，將來希望在台灣、大陸進而推動至全球的「以愛為宗的新文藝復興」。

Text / 吳知惠  攝影 / 王漢順  via / 陳錦芳文化藝術基金會

【完整內容請見《LaVie》2015年06月號】

身為義大利品牌Max Mara旗下國際獎項「Max Mara女性藝術獎（Max Mara Art Prize for Women）」最新出爐的第10屆優勝得主，印尼藝術家Dian Suci將緊接展開為期6個月的義大利巡迴駐村計畫，後攜完成作品回鄉舉辦個展。隨本篇認識這位以工藝探問父權體制等多重社會議題的單親媽媽藝術家、其身分與創作願景關聯性的複雜脈絡，並綜觀Max Mara女性藝術獎設獎宗旨和未來系統性發展目標。

旨在支持與推廣全球女性藝術家，創立於2005年、至今兩年一度舉辦（除第8屆2019-2022年因疫情延展為3年）的Max Mara女性藝術獎，近期方由Max Mara品牌、藝術獎策展人暨評審團主席Cecilia Alemani，偕同義大利當代藝術館Collezione Maramotti及首個巡迴展合作夥伴印尼努桑塔拉現當代藝術博物館（Museum MACAN）正式宣布2025-2027年度優勝者為印尼藝術家Dian Suci。

Dian Suci除能獨得Collezione Maramotti針對她向評審團提出之計畫量身訂製的6個月駐村機會，還可挾此經歷於2027年夏季回返印尼雅加達，進駐努桑塔拉現當代藝術博物館舉行個展，再於同年秋季移師坐落義大利北部城市雷焦艾米利亞（Reggio Emilia）的Collezione Maramotti展出，作品且為該館所收藏。

5位印尼出身入圍者，由策展人X藝術家共同評選最終得主

適逢第61屆威尼斯國際美術雙年展開幕，第10屆Max Mara女性藝術獎日前甫在策展人暨評審團主席Cecilia Alemani領銜（註）下，自同屬評審團一員的Collezione Maramotti館長Sara Piccinini、努桑塔拉現當代藝術博物館館長Venus Lau，以及Max Mara與Collezione Maramotti家族代表Elia Maramotti手中揭曉得獎名單：Dian Suci與Betty Adii、Dzikra Afifah、Ipeh Nur、Mira Rizki共5位藝術家於決選中競逐優勝榮譽，最終從中脫穎而出。

註：評審團成員除策展人Cecilia Alemani和兩位藝術館館長Sara Piccinini、Venus Lau外，尚包括另名策展人Amanda Ariawan、另名藝廊經營者Megan Arlin，以及藝術家Melati Suryodarmo和收藏家Evelyn Halim。

是藝術家也是單親媽媽

——Dian Suci從自身經驗出發，用工藝談父權等多重議題

1985年出生於印尼克布門，Dian Suci現居日惹工作生活。憑藉對空間構圖的極高敏銳度，她擅用繪畫、錄像、雕塑、裝置等多種媒材；其交織家庭敘事與國家權力的作品，從身為單親媽媽的日常經驗出發，申論法西斯主義、威權主義、資本主義及父權體制和女性政治家庭化議題。此次奪得Max Mara女性藝術獎的創作計畫《Crafting Spirit: Cultural Dialogues in Heritage and Practice》欲透過印尼與義大利的比較研究，探討宗教工藝傳統與資本主義系統碰撞後產生的影響；而後並預計以祭祀物件與富宗教意象的手工製作為核心，調查信仰究竟在當代文化情境裡遭到何等剝削——然即便身處充斥不公與壓迫的體系，靈性是否能、或言該怎麼樣能作為一種文化韌性延續下去？

Dian Suci將工藝視為「活的檔案庫」，不僅見證國家的傳統與記憶，甚是文化、社會與經濟轉型的寫照。其願景深植印尼文化，延伸靈性概念自純粹的宗教領域，至人類藉由基於身體的細緻重複動作，為難以言表之物賦予意義的維度。《Crafting Spirit》系列新作意在重新追溯信仰、關懷與儀式感如何體現於身體姿態與體力勞動上，進而叩問信仰與工藝的交織態勢，尤其受利潤與全球化力量侵蝕下，神聖性如何轉化為具體的物質存在。

依循特定領域專家指導，她將透過研究、實地考察與工作室創作，摸索在大量生產與商品化進程中，淌於雙手與材料間那股靜謐的精神流動；亦將與宗教團體、大學教授、工匠及其他藝術家展開對話，由他們引導她深化研究，乃至助她掌握打造全新作品所需的技術能力。

4階段駐村計畫巡迴義大利城市

第1階段駐村計畫預定前往有「義大利綠色心臟」之稱的翁布里亞大區內城市阿西西，在被公認承載方濟各精神（Franciscanism）的聖城，體驗當地僧侶生活方式，同時審視宗教信仰及其商業化發展間存在的矛盾。第2階段則至羅馬參與聖彼得大教堂（St Peter's Basilica）的特別彌撒，針對其中的象徵意義與隱含寓意進行分析。第3階段轉而安排在普利亞大區雷契省首府雷契，經由專為她設計的培訓計畫，深度沉浸紙漿藝術歷史。最後階段將落腳佛羅倫斯，琢磨「蛋彩畫（Egg Tempera）」技術演變，兼習古老手工編織技能，從而擴展該技能在教會背景下的應用知識。

Dian Suci說明自身創作計畫《Crafting Spirit》發想自女性工匠的生活故事和勞動中所蘊含的身體記憶，「她們的工作往往徘徊在虔誠奉獻與維持生計當中。」對於此次獲獎她榮幸地說，「這份肯定為我提供擴展研究的契機，讓我在印尼與義大利之間尋求對話，且向那些將精神性封存於創造者體內的傳統與儀式學習。我帶著感激之心接下這個機會，承諾將傾聽、鑽研，並轉化這些際遇為藝術形式，致敬人類勞動的親密性和文化延續的深度。」

搭建通往世界的橋樑，巡迴首展落地雅加達首座當代藝術館

繼過去20年來與倫敦白教堂美術館（Whitechapel Gallery）的成功合作後，2025-2027年度起Max Mara女性藝術獎將轉為巡迴形式以拓展地理版圖；本屆率先攜手成立於2017年的印尼首座當代藝術博物館努桑塔拉現當代藝術博物館，開啟嶄新篇章，此後每兩年登陸世界各地不同城市。革新後的首屆獎項邀來紐約公共藝術計畫High Line Art總監暨首席策展人Cecilia Alemani，由其沿襲Max Mara品牌精神，為每屆獎項指定不同國家與機構為焦點，通過更系統化且具結構性的方式，支持新銳及中生代女性藝術家的創作發展。

作為當地重要文化機構，努桑塔拉現當代藝術博物館致力藉由展覽與互動式公共計畫，呈現在地及國際跨領域藝術家創作。Museum MACAN館長Venus Lau對外表示，在Max Mara女性藝術獎首次於亞洲和印尼亮相之際，能與品牌及義大利當代藝術館Collezione Maramotti合作，館方深感榮幸。「作為國際藝術界放大女性聲音的領先平台，此獎項在形塑當代藝術論述及拓展女性藝術家發展機會等面向上扮演關鍵角色，我們自豪能參與這項倡議，促進跨越本屆活動框架的文化交流。此獎項提供為期6個月的義大利藝術環境駐村計畫，讓獲獎者得以進行深度研究、拓展人脈網絡，並發展在地尚未普及的工作方式；其影響力不僅在獲選藝術家（身上），更將強化印尼整體藝術生態系對女性藝術家的支持，激發關乎視角的全新對談，將印尼女性藝術家的創作實踐置於更平等的全球對話之中。」

不懈培育創意多樣性

自創設以來，Max Mara女性藝術獎始終保有鮮明特色與核心目標，如今再闢國際行動範疇、觸及相異文化版圖，以期豐富獎項傳承，持續成為推動女性藝術家獲得真正平等的重要力量，無疑更為新一代藝術家提供靈感與正向榜樣。

2026.06.12更新：英國藝術家大衛·霍克尼（David Hockney）於6月11日在家中安詳離世，享壽88歲。這位最具影響力且備受愛戴的藝術家，同時也是1960年代普普藝術運動的領軍人物之一。2018年，他的一幅泳池系列畫作在拍賣會上以將近7,000萬英鎊的價格成交，創下了當時在世藝術家的最高拍賣紀錄。

池畔迷情的藝術創作

明媚的加州陽光，波光粼粼的泳池，在遠方翠綠的青山襯托下，一位俊秀的青年站在池畔⋯⋯這是英國藝術大師大衛霍克尼David Hockney的知名作品《藝術家肖像畫：游泳池畔的兩個人》（Portrait of an artist：pool with two figures，1972），以描繪肖像、泳池與同志情慾出名的他，雖已超過八十歲，卻未曾停下創作的腳步。

事實上，Hockney早期的作品並非如中後期般色彩鮮豔，而是充滿叛逆與抽象主義的視覺風格，對自己同志身分的宣揚，以及爭取世界認同的渴望，而在同志尚未合法的時空背景下，更應證Hockney作為藝術家的熱情與不凡傲骨。

David Hockney的故鄉位於英國東北約克郡，在那裡，與怡人的加州不同，陽光是生活的奢侈品。在1964年Hockney親自踏上美國國土前，對加州的印象完全來自傳播媒體，尤其是他所蒐集的《身體影像畫報》，也因此，美國成為性與自由的代名詞，並成為驅動他出走的動力。

初登上加州的Hockney，這片乘載他無數憧憬與情感投射的夢想之地，很快就深深滲透他的骨髓，從其作畫風格的變化便可發現──明亮的陽光也一併照進他的畫作中。受此影響，Hockney對同性愛侶的情感，也絲毫不遮掩地搬上檯面，成就至今仍廣受歡迎的一系列泳池畫作：《Peter getting out of Nicks pool, 1966》、《A Bigger Splash,1967》等。

而繼《藝術家肖像畫：游泳池畔的兩個人》在2018年於紐約佳士得拍賣以9030萬美元（約新台幣27.4億）天價成交，一度成為史上最貴的在世藝術家。Hockney另一代表作《水花》（Splash ）則成為2020倫敦蘇富比當代藝術晚拍上，以2311萬英鎊（近9億台幣）高價成交，成為其作品第三高拍賣價的作品 。

其風格鮮明的創作，多年來也深深影響各界，像是金獎電影《樂來越愛你》（La La Land）裡眾人歡唱標舞的泳池橋段，其靈感便是汲取自盛名的泳池系列創作，陽光、藍天和派對，這些洛杉磯追夢之人每天所會遇見的場景，在導演達米恩查澤雷（Damien Chazelle）與美術指導大衛沃思科（David Wasco）調理下，將象徵享樂主義的泳池派對，活靈活現地藉由大銀幕重現，至於為什麼情有獨鍾泳池？「泳池派對是洛杉磯的代名詞。」大衛沃思科說道。

除了廣為人知的泳池畫作品外，肖像畫一直是Hockney主要的創作主題，對象從自己、雙親到友人，透過其溫潤鮮豔的色調呈現，或隨興雜揉的筆觸，都精準地具現了畫中人物的情感與個性，效果甚至更勝攝影一籌。

談到攝影，不可不提Hockney於1980年代開始的攝影拼貼創作，運用嶄新媒材再次詮釋作畫的不同面向。他堅稱，攝影於反映現實永遠不及繪畫，人們以為按下快門的瞬間便捕捉了真實，然而卻忽略時間的流動與情緒的作用，因此，透過後續的藝術再造，將照片昇華成畫作，才更貼近人們所感受的現實。

David Hockney對新媒材的嘗試並未止於攝影，近年來他更跨足電繪領域，用iPad持續創作，挑戰實體畫布無法呈現的手法與效果。即使邁入高齡，他對藝術的熱情只會持續增加，並且持續至倒下的一刻為止。

原文刊載於2018-08-23