蘇富比今年最高價作品 塞‧湯伯利的黑板塗鴉

11月12日，美國藝術家塞‧湯伯利（Cy Twombly）的代表作《無題，紐約市》（Untitled, New York City），在紐約蘇富比（Sotheby's）戰後與當代藝術拍賣會上，以7050萬美元（約23.124億台幣）拍出，是蘇富比今年拍出價格最高的畫作。

《無題，紐約市》同時也打破塞‧湯伯利的歷史拍賣紀錄。去年紐約佳士得拍賣會，塞‧湯伯利《無題》（Untitled），以6960萬美元（約22.8288億台幣）拍出，兩幅畫價格相差900萬美元（約2.952億台幣）。 

《無題，紐約市》與《無題》風格類似，背景全灰，上頭繪有白色的連續圈圈，筆觸率性、潦草，看起來像孩子的塗鴉，被稱為「黑板」（Blackboard）系列作品。但《無題，紐約市》的連續圈圈共有六行，《無題》只有四行，最後一行的尺寸偏大。 

國際藝術網Artnet指出，從2011年起，「黑板」系列畫作的成交價都超過1500萬美元（約4.92億台幣），而今年拍出的「黑板」系列畫作，皆突破3000萬美元（約9.84億台幣），三年來價格漲幅超過兩倍。 

畫風前衛大膽 筆觸隨興潦草 

「每條線都有它們個人歷史的經驗，不需要多加說明。」─塞‧湯伯利 

美國藝術家塞‧湯伯利，早期的創作風格狂野大膽，筆觸急促潦草、塗抹隨興，積極嘗試滴畫技法（drip），也經常拼貼不同的元素，畫作題材多來自希臘神話、羅馬帝國的故事，突破傳統題材的表現手法。

不過，塞‧湯伯利前衛的畫風在當時沒有受到人們歡迎。1964年，紐約里昂‧卡斯得里藝廊（Leo Castelli Gallery）曾為他舉辦個展，展出9幅「Discourses on Commodus」系列畫作，被藝術家唐納德•賈德（Donald Judd）批評為「畫作只有幾滴顏料、水濺的痕跡，與偶爾出現的鉛筆線條，這樣的畫沒有任何東西存在。」 

但塞‧湯伯利沒有因此氣餒，依然嘗試新的繪畫風格。1966年至1973年間，塞‧湯伯利開始創作「黑板」系列作品，他請朋友來回移動灰色畫布，自己則坐在朋友的肩膀上，依據他對紐約的感受，繪製流動、連續的白色線條。 

《無題，紐約市》灰色的背景、潦草的連續圈圈，令人感受到紐約高聳的摩天大樓，人潮擁擠、吵鬧的街道，潛藏在都市角落的暴力，以及人們緊張、混亂的生活步調。 

1980年代起，塞‧湯伯利開始走紅，常受邀到英、法、美國重要美術館舉辦個展，而他隨興奔放的筆觸、像孩子塗鴉的畫風也影響當時許多年輕的藝術家，包含美國街頭藝術家尚米榭．巴斯奇亞（Jean-Michel Basquiat）、德國藝術家安塞姆．基佛（Anselm Kiefer）、義大利藝術家克雷門第（Francesco Clemente）等人。

Text / 非池中藝術網

Photo / Artnet、Pictify、Guardian、Matthew Reeves、Art Market Monitor

由藝術總監顏伯駿統籌創意與視覺方向，臺北時裝週SS27從80多年歷史的紅磚建築出發，讓當代時尚與城市文化展開新的對話。從姿態、光線、色彩與服裝，重新思考身體如何成為時尚與文化的載體。

邁入第9年的臺北時裝週，持續從時尚產業、創作與文化之間尋找新的可能。上半年AW26以回歸品牌、導入多元展演形式與強化產業輔導資源為方向，支持臺灣時尚品牌提升產製品質、拓展大眾市場。本季SS27則將於10月15日至18日首度移師空總國家文化基地，延續對當代時尚多元樣貌的探索。

取自空總國家文化基地紅磚建築的鮮明色彩，並轉化為影像中流動的紅色光譜，SS27系列視覺回到時尚最原初的載體——身體，透過光影、色彩與服裝探索身體；同時從傳統伸展台延伸至形象展演與風格展，集結13組品牌發表最新系列、53家設計師品牌參與展售，讓時裝週不只是展示創意的舞台，更成為連結產業與市場的平台。

從身體出發，看見時尚的不同輪廓

由藝術總監顏伯駿統籌創意與視覺方向，攜手攝影師周墨、造型師Poga完成的SS27主視覺，將身體視為持續變化的創作載體。服裝改變身體原有的比例與線條，身體則賦予服裝新的姿態與情緒；一次轉身、一個動作，都可能產生不同的視覺感受。

本季視覺創作將「觀看身體」作為重要命題，延續臺北時裝週近年持續強調的開放性與多元性，不同品牌、創作者與文化背景在同一平台匯聚。空總紅磚建築的鮮明色彩轉化為影像中的紅色光譜，讓光線穿梭於建築、身體與服裝之間，展現臺灣時尚具彈性與流動性的面貌。

13組品牌，從伸展台到沉浸式展演

SS27共規劃5場Runway與8場Presentation，13家品牌將以不同形式呈現最新系列。Daniel Wong、GIOIA PAN、INFDARK、INMORIES及JENN LEE將透過伸展台走秀，完整呈現服裝系列與品牌世界觀；AISH、CHARINYEH、Claudia Wang、JUST IN XX、oqLiq、Story Wear、WEITZUYUAN及Yentity則以形象展演登場，結合空間、影像、裝置與表演，打造更具故事性的觀看體驗。從伸展台到空間展演，服裝成為觀眾進入品牌創作語境的入口，也呈現臺灣時尚在設計、文化、科技與生活之間的多元樣貌。

除了品牌發表，本季首度推出「風格展」，於10月15日至18日在文化空總古蹟大樓1樓登場。集結53家具備品牌發展潛力的設計師品牌，分為當代生活、時尚客訂、風格配飾與時尚櫥窗四大類別，並導入自主策展方式，讓品牌依照自身定位規劃展示方式，呈現產品、風格與創作理念。

展期也開放一般民眾自由參觀與購買，相較於過去以產業交流為主的時裝週，SS27進一步加入B2C模式，讓觀眾看秀之餘，也能直接認識品牌、選購設計。同時，本季上線買家洽商與媒合系統，讓品牌與專業買家提前預約洽談，並與CLA Fashion Platform合作推出線上選購專區，從實體展會延伸至數位市場，讓臺灣設計進一步被看見、選擇。

打造更完整的時尚平台

延續AW26啟動的轉型方向，臺北時裝週SS27除了聚焦於服裝發表，也持續透過品牌培育、跨域合作與國際交流，支持臺灣設計走向更大的市場。當時尚進入文化基地，臺北時裝週逐漸成為串聯創作、文化與市場的平台；同時，也帶著全新的觀看方式：身體可以移動、服裝可以改變、文化可以混合，而時尚也始終在不同創作能量的交會之間尋找新的形狀。

臺北時裝週 Taipei Fashion Week SS27

展期｜2026.10.15～10.18

地點｜空總國家文化基地

以花蓮港口部落為基地的「Makotaay藝術季」，2026年以「海在想什麼？」為主題，結合地景藝術、音樂展演、部落微型影展、美食與手作市集，以及「夠帶種」帶來的表演藝術體驗，帶領每個來到石梯坪海岸的人們感受山海、欣賞藝術、抒展肢體，並在過程中體會港口部落與海共生的智慧，潛心聆聽海的心聲。

打開家園為生態藝術村

港口部落歷經30多年的土地抗爭，在2020年陸續收復部落傳統領域後，決定將家園以藝術展演的形式開放給所有人——這正是「Makotaay生態藝術村」誕生的緣由。6年來，已有超過80位藝術家在此駐村，把他們在這裡聽見的浪聲、踩過的礁岩、學會的算浪與撒網，轉譯成一件又一件的藝術作品。

到石梯坪領會海究竟在想什麼？

2026年中秋滿月下，「Makotaay藝術季」於石梯坪正式開幕。本屆主題「海在想什麼？」源自港口部落已故頭目Lekal Makor（勒加馬庫）常說的一句話：「我每天早上看著海，在想，今天的海在想什麼？」藝術季將這個提問交給今年來到Makotaay的每一個人。

有別於以往，今年Makotaay首次納入地景藝術與「夠帶種」帶來的表演藝術體驗。展演現場由3件大型地景作品先行，帶領訪客從作品感受藝術家焊鐵的火花、敲打木頭的聲響，再與海風、潮汐、日月星辰展開對話；接著隨夠帶種引領，以身體作為媒介打開五感，走入自然，成為自然。

除3件大型地景藝術之外，另有許多精彩藝術作品散落於石梯坪各處，其由9位駐村藝術家在港口部落地主的帶領之下，在部落住上15天，與族人交流、共同生活，並將這段經驗轉化為藝術創作，當中蘊藏著港口部落長久以來與海洋共生的生活哲學。

重現石梯港「Mihoyo」珍貴儀式

開幕當天的「Mihoyo」儀式也展現了海洋民族的珍貴傳統。當日來自全台各地的無動力船隻陸續駛入石梯港，重現曾盛行於1960至1990年代之間的「交換漁貨」儀式。策展團隊邀請從各地來訪的船友與陸地上的部落族人、藝術家們交換禮物，象徵海島民族之間的情誼交流。