首獎：一段孤寂的蛻變

「拍攝這段時間我刻意把自己與外界隔絕起來，幾乎是獨自一個人生活，後期因為做得太徹底，本以為心無所住，此刻卻反倒成為最孤獨之人。」王湘靈說。

作為一位未固定發表影像的新銳，卻以十二幅攝影作品摘下今年台北美術獎首獎，實教人意外。王湘靈過去長期耕耘古典音樂，並主攻長笛，但2014年轉至紐約國際攝影中心進修，隨即奪得捷克Photo Annual Award第一名，如今又獲國內給予新銳藝術家的最高殊榮；她的成功看似迅速，卻奠基於背後長久對「生活」的深度思考。

某種程度上，與古典音樂對話的孩子是孤獨的。在台灣不覺得，卻於遠赴紐約攻讀演奏碩士時鮮明地浮出水面。她回憶，以前喜歡逛街，參加派對，睡前一定和朋友講電話，這些事情如今看來卻是對孤獨的恐懼。因為攝影一直是興趣，且比起古典樂擁有更寬廣的表現幅度，於是她花費一年的時間製作〈質變〉（Metamorphosis），以紐約夜晚的枯木、堆滿落葉的草地為景，暗示人所處的孤絕狀態，後來甚至自己當起演員，手捧空白的畫框現身鏡頭中。

「在東方社會，『孤獨』像一個負面詞彙。我們用各種方式掩飾不安，像我現在都習慣吃很暖的食物，咖哩飯，燉飯，而不喜歡吃酸的，也是一種尋求安全感的方式。」

然而在國外，一個人被迫獨處，使她重新回顧這段從害怕，最後進入一種深沉地、與自我對話的階段。一幅幅深闇的畫面不是哀傷，而是思緒的逐漸落定。「這是為什麼我希望能在大廳展出，因為這裡有自然光。」讓乍看陰暗的作品，攤在明亮敞開的空間中，一如抵達更為清明的狀態；她認為孤獨不是純粹單一的境界，而是會隨時間、年紀改變，開拓不同層次，慢慢能從中挖掘出未曾體悟的事物。

「每個人有各自喜歡的樣態，不一定要和別人一樣，這樣並沒有什麼不好。」她說。

更多精采作品及觀點

評審團代表袁廣鳴表示，首獎未必代表絕對值上的最傑出，有時反而意味更接近平均值的概念，暗示投件數量創下新高的2015台北美術獎，在激烈競爭中，有不少不能忽視的精采創作脫穎而出。

賴宗昀充滿巧思的〈I比死更冷之換換i〉（iMachines：Refurbish Your Apples），用自製機器快速損耗iPad的螢幕開關鈕，讓其符合保固期內「更換新機」的條件，反諷資本主義講究消費、創造慾望的運作模式。莊志維擷取去年至日本駐村時，與花藝師相遇的經驗，其作〈轉生樹〉（Reborn Tree）將一株盛開植物以無數絲線拉扯，營造遠處觀來隨風搖曳的假像，突顯人類對生命看似美麗、實則殘酷控制的本質。彭奕軒於白板繪滿繁複的風景，卻邀觀眾戴上白色手套，塗改內容，完成同時擁有記錄與消除雙重特性的〈非永久性的標記〉（Impermanent Marks）。徐叡平以髮為弦，〈當幻肢又痛了起來：情歌對唱〉（The Phantom Limb in Pain：Karaoke Duet）由能藉利刃奏出中華民國國歌的複合裝置，與阿嬤演唱「地下國歌」〈望春風〉組成，上一代本省與外省情結始終未解，既然解不了，她說，不如就對唱首情歌吧！離開展場前，林泰州的〈我身體就是空汙監測站〉（My Body is an Air Quality Monitoring Station）再度吸引目光，將手繪圖與民眾抗議石化工業汙染的影像結合，帶出充滿憂傷的抗爭事件。

與生活議題結合，然後向內挖掘，理出一種新的觀看世界的方式，是本屆台北美術獎的特色，也讓我們再次驚豔於創作者思考的精準及深刻。

《2015臺北美術獎》
Add｜台北市立美術館地下樓D、E、F展區
Date｜2015.12.19～2016.03.13
Web｜www.tfam.museum

Text／歐陽辰柔
via／台北市立美術館

沐浴玻璃穹頂透進的日光當中，被壯麗的歷史壁畫環繞，眼觀水景、耳聽陶瓷撞擊的清脆聲響，自顧自墜入白日夢——這樣的夢幻體驗，現正於「巴黎證券交易所（Bourse de Commerce）」發生。法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot在這座私人美術館帶來大型裝置作品《clinamen》，將長期試驗的創作媒材「聲音」交織水景，邀觀者慢下腳步細細聆聽並感受場域，投入一場冥想。

壯麗穹頂下的藝術實驗場

自18世紀以來，巴黎證券交易所建築曾作為穀物貿易、期貨交易的據點，現則是「皮諾私人美術館（Pinault Collection）」的所在地。2017年，建築迎來由貿易場所轉生為藝文場館的大規模改造，日本建築大師安藤忠雄將其標誌性的清水模，與建築本身的富麗巴洛克式風格結合，揉古典和現代美學於一地。而館內的穹頂大廳，自開幕以來即是藝術家的實驗場，過去韓國藝術家金守子（Kim Soo-ja）曾在地面鋪上巨型鏡面，邀訪客漫步鏡上，以嶄新視角觀看建築。

水鏡映照天空，瓷碗碰撞成流動樂章

這次在皮諾私人美術館總監Emma Lavigne親自策劃下，法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot帶來沈浸式裝置《clinamen》，這件作品延續他慣常的創作語彙，遊走在聲響、雕塑及表演的交界。在大廳正中央，藝術家設置了一座直徑達18公尺的巨大水池，藉這面「水鏡」映照穹頂外的巴黎藍天。水面上散落大大小小的瓷碗，它們隨水波緩緩漂移，當偶遇相撞時，便會發生清脆聲響，此起彼落的碰撞聲譜出流動樂章。

聲音自有生命

對Céleste Boursier-Mougenot來說，聲音是一種「有生命的材料」。音樂創作者將聲響「編排」成音樂，可他卻長期試驗將聲響「脫離人為控制」，讓其跳脫傳統音樂的框架，轉化為一套能自我調節、具有生命的有機系統，不需人為干預，自隨時間不斷變化。而巴黎證券交易所版本的《clinamen》，可說是這場藝術實驗的集大成之作。

至今規模最大的《clinamen》

過去《clinamen》曾於墨爾本維多利亞國立美術館（National Gallery of Victoria）、龐畢度中心梅斯分館（Centre Pompidou-Metz）展出，來到巴黎後，作品以空前的巨大規模呈現，其水池面積達到過去最大尺度的兩倍。龐大尺度並非盲目的追求，而是藝術家對巴黎證券交易所建築的回應。Céleste Boursier-Mougenot表示，每一座展場都像一個「模具」，他將自身裝置技術與美學灌注其中，孵化出每個場域專屬的限地版本。

慢下腳步，感受「不確定」的詩意

《clinamen》一名源自伊比鳩魯學派（Epicureanism）的哲學思想，其主張原子會產生隨機、不可預測的偏移運動。Céleste Boursier-Mougenot認為《clinamen》的運作邏輯巧妙對應此學說，它不僅關注水、瓷碗及聲響本身的「運動」，也探索著事件發生、物件排列（即水波推動瓷碗導致碰撞出聲）的千萬種可能。在無數可能中，觀眾無法預測將遇見哪一種，也難以預想瓷碗碰撞的音色，這種「不確定」成就的詩意正是體驗的核心。

也正因《clinamen》難以預測，觀眾僅能駐足、等待那份僅存於當下的體驗。在資訊爆炸、節奏極快的世界，Céleste Boursier-Mougenot邀人們慢下來，在靜止與流動、沈默與聲響、秩序與混沌，及水色和天光交織之間，暫時成為作品的一部分，悉心傾聽、墜入一回冥想或一場白日夢，暫離喧鬧世界。

資料來源｜Bourse de Commerce

臺北表演藝術中心串連藍盒子、大劇院的「超級大劇場」首度開放！首場演出迎來波蘭導演盧卡斯・塔沃柯夫斯基（Łukasz Twarkowski）作品《共和國》（Respublika），結合劇場、派對、社群實驗與空間遊牧，透過一場長達6小時的狂歡派對，質疑週休二日、朝九晚五等當代社會視為理所當然的生活模式，並邀觀眾打破場體制設限，沈浸體驗銳舞（Rave）文化，從中思索參與、工作、自由的可能。

真正的自由，存在狂歡的當下

《共和國》是一場橫跨建築、電子音樂、共食活動與自由行動的沉浸式社群實驗。作品場域內設有移動房屋、大廚房、桑拿房、太空艙樣貌的空間及大小舞台，邀觀眾穿梭其中自由參與、探索，不再只是觀眾席上的旁觀者。塔沃柯夫斯基表示：「我感到真正的自由，是在狂歡的當下。」這句話不僅是本作的精神核心，也傳達他對劇場形式與社群力量的重構與實驗。

復刻18世紀末短暫存在的「烏托邦」

「我想做一個實驗：如果一群人忘記工作一整年的話，會發生什麼事？」塔沃柯夫斯基這道提問，開啟了《共和國》的創作概念。作品部份創作靈感來自歷史上真實存在的「保拉瓦共和國（The Pavlov Republic）」，其誕生於18世紀末，由波蘭神父與800名農民共同創建，他們曾短暫實現自治社群的理想，擁有自己的軍隊、貨幣、學校與劇院。

儘管保拉瓦共和國未能久留，但仍為塔沃柯夫斯基與他的創作團隊提供了對理想社會、工作制度與共處模式的豐富想像。在當代社會面臨民主崩解、資本制度失衡與氣候危機的背景下，《共和國》藉此這段歷史重新思考工作與生活的界線，質疑週休二日、朝九晚五是否仍為人類最佳的生存模式。

從森林到劇場，從社會實驗到藝術實踐

2019年，塔沃柯夫斯基與演員、作曲家、DJ、服裝設計師等來自各領域的15位藝術家，一同走入立陶宛森林，在房車與移動住宅共居、一同創作，模糊了生活、工作、排練的邊界，同時設計一套社會實驗的脈絡引導成員，如每日舉辦電子音樂派對，讓「銳舞」成為新的信仰，且在實驗的終點開啟最初的提問——工作與收入對當代社會的意義是什麼？當許多人害怕沒有生產力的同時，這個在森林裡成長的「共和國」成了一種宣告：「我應得的，我需要它，剩下的都不重要。」

將森林裡的社會實驗復刻為宏大的沉浸式展演，《共和國》由3個部份組成：一開始觀眾可以在空間中遊覽、觀看，迷失在街道之中；一小時過去，表演揭幕，整場演出將不斷拆除牆壁並播放現場的影像，觀眾像是置身電影片場，能同時看到螢幕和現場正發生的事，織就多層次敘事；當牆壁逐漸被拆除，第三部份便剩下純粹的狂歡，演員和DJ將以舞蹈、音樂邀觀眾一起投入派對。

不只是配樂，Techno是反抗與療癒的象徵

電子舞曲Techno在《共和國》的演出中不僅是配樂，更是召喚與療癒的媒介。Techno誕生於1980年代的美國底特律，是這座工業城市邊緣青年反抗現實的聲音。柏林圍牆倒塌後，地下Techno派對如雨後春筍般湧現在東柏林的廢墟中，象徵自由的重新誕生。

塔沃柯夫斯基深受這段歷史啟發，對他來說，電子音樂有「昇華人性」的作用，「如果我需要建立某種暫時自治區，那就必須是銳舞。」他希望觀眾跟著同樣的節奏跳舞，成為群體，分享喜悅。因此他在《共和國》中注入了Techno的節奏與冰冷詩意，讓整場演出像是一場帶有社會意識的儀式，也是一次個人心靈的逃逸旅程。

歡迎登陸僅存在6小時的微型國度

《共和國》沒有明確的舞台和敘事框架，塔沃柯夫斯基認為整場演出更像是營造某種「共享經驗」，藉由視覺、聲音與身體交織，建立一個去疆界、反制度的藝術空間。「對我來說，劇場算得上是最官能的藝術形式之一，包含它所使用的身體、汗水、震耳欲聾的音樂，一切合而為一。」在資訊爆炸、節奏極快的時代，《共和國》提供一個讓人暫離現實、重新與人群與自我建立連結的可能。這不只是一場演出，而是一個暫存的微型國度，一個以藝術為基底、以狂歡為語言的自由實驗場。

北藝中心超級大劇場首演《共和國》

演出時間｜2025.06.04－06.07

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