2016不可錯過的展覽：到惠特尼看美國藝術百年史

Gertrude Vanderbilt Whitney 曾說過：「美術館慣於等待藝術家獲得世界認可時，才決定收藏該藝術家作品，而惠特尼美術館要做的完全相反。」這樣的收藏策略持續至今，縱使惠特尼美術館或是兩年一度舉辦的《惠特尼雙年展》總是備受爭議，但他們依然不走安全的路，除了持續收藏美國藝術家的知名作品，也不斷發掘新星。

惠特尼美術館現有面積擴增為原展館的兩倍，樓高 9 層。過往受限於展場面積而無法長久展出的典藏系列，在 6 樓及 7 樓有了自己的家；5樓更擁有全紐約最大的無落柱展示空間，策展人可依需求靈活配置空間；1 樓則是惠特尼美術館送給大眾的另一個禮物，無須付費就可近距離與藝術說話，如館長 Adam D. Weinberg 所言：「藝術應該是接近生活，而非與世界隔離。」

2016 年不可錯過的展覽

STUART DAVIS ｜ IN FULL SWING ｜ 2016.06.10—2016.09.25

DAVID WOJNAROWICZ ｜ 2016 年秋天—2017 年冬天

● 6、7樓：The Whitney’s Collection

在20世紀之前，以歐洲藝術為主流的年代，美國藝術家始終位於藝術的邊陲。直至20世紀初被評論家戲稱為「垃圾桶派」的八人畫派崛起，才逐漸走出美國的現代藝術之路，而之後的抽象表現主義、普普藝術、偶發藝術更讓美國站上世界藝術的鎂光燈。

於六樓及七樓展出的《The Whitney's Collection》典藏展，集結400位藝術家的600件作品，梳理了從1900年至今的百年美國藝術發展史，以11個篇章呈現。其中不可錯過的是Edward Hopper 及Edward Ruscha 的作品，影響垃圾桶派甚深的Edward Hopper，總在看似平凡的角落場景中飄浮著淡淡的孤寂感，無須用力卻極為深刻；而曾在2013年被《時代》雜誌選為世界最具影響力百人的Edward Ruscha，則以明亮色調衝突的力道，表現出普普藝術對於資本主義的擁抱。《 Date／展出中 》

● 5樓：Frank Stella : A Retrospective

Frank Stella可說是目前最重要的美國極簡主義（Minimal Art）畫家，發跡於1960年代的極簡畫派，認為曲線及運動形式等任何會引起情緒反應的作品，都是廉價的表現，因而追尋純粹的幾何及靜止。在〈Die Fahne hoch!〉（高舉旗幟）中，他在黑色釉面油漆繪製的大片圖面上，描上對稱精細的線條，消融了形象。此次展出他近60年來的百件作品，風格各異，也是近20年後，美國再次為他舉辦的重要回顧展。《 Date／即日起∼2016.02.07 》

● 1樓：Jared Madere

惠特尼美術館一樓的John R. Eckel Jr. Foundation Gallery 是無須收費的美術館空間，邀請大眾一同發掘藝術所激盪出的思考角度。目前展出的是新生代藝術家Jared Madere 個展，這也是他的首次個展，Madere 運用混凝土、LED 等各式不同材料，運用雕塑手法打造這座大型裝置作品，等待觀者各自詮釋。《 Date／即日起∼2016.01.03 》

Text / 彭永翔 

Photo / Ed Lederman、Nic Lehoux、Timothy Schenck

via / Renzo Piano Building Workshop、Whitney Museum of American Ar

擅長以回收材料發展創意設計的META Design，在科教館打造一座「2055未來小屋」，設想資源匱乏、氣候極端化、高端科技並存的2055年生活景況。場景交織META善用廢棄資源重構的物件，及與之形成對比的絢爛霓虹、數位螢幕，加入AI和機器人普及的未來想像，透過具「衝突美感」的賽博龐克（Cyberpunk）情景，具象化了未來人類仰賴先進科技，對既有資源進行極致利用的生存現狀。

預演極端時代的生存邏輯

META與科教館想像的2055年，生活不全然只有先進科技，而是呈現賽博龐克概念中「高端科技與低端生活」並存的極端景象。秉持「以既有資源滿足未來需求」的理念， META不僅透過「2055未來小屋」想像未來，更利用當下的廢棄資源，透過資源再生與升級再造，預演未來的生存邏輯。

3公噸廢棄資源構築未來世界

構築「2055未來小屋」的過程中，META總共運用了3公噸的廢棄資源，其中包含台電退役電箱、來自工地的營建廢棄物，以及從資源回收廠取回的民生廢棄物等等。帶有歲月痕跡的木料與金屬設備，與冷冽的霓虹、滿佈程式碼的數位監控螢幕，形成鮮明對比，隱喻著2055未來世界的生活景況——人類仰賴先進科技，將手邊資源做最極致的運用。

3大主題探討AI資源應用、未來建築的可能

META也以團隊目前的工作型態為基礎，加入未來AI科技、機器人普及化的想像，為小屋規劃3大核心主題內容，以下分別看向各區：

「城市採礦」聚焦AI智慧調度與資源監控，靈感來自META收集廢棄材料的日常，延伸想像未來人類與機器人協作，透過AI中控系統進行即時指揮、掌握資源脈動，實現高效化材料回收及運籌的工作狀況。

「材料倉庫」透過數據化倉儲的場景，探討如何透過AI影像辨識，搭配大數據分析，為材質建立「數位履歷」，讓團隊得以從琳瑯滿目的回收材料中，精準找到所需素材。

「未來建設」顧名思義想像了未來建築的可能，包含生命週期的擴延，及量體本身如何再利用。META把都市中的閒置建築結構，視為立體化、堆疊化的土地，實踐「在房子裡蓋房子」的概念，在既有大樓骨架中打破空間隔閡，讓過剩的住宅與商辦轉化為學校、工廠或綜合機能聚落，這不僅能延長建築的生命週期，更大幅降低了營建過程中的隱含碳。

讓昨日的廢棄物，成為明日城市的基石

META始終相信：「創作的終點不在於物件的完成，而是在於社會意識的覺醒。」透過這座設於科教館的「2055未來小屋」，團隊試圖將抽象的「永續發展目標（SDGs）」轉化為可觸碰、可感知的場景，並期望小屋能成為一個教育起點，鼓勵新一代的創作者與公民，在日常生活中實踐「資源採礦」，從資源的消費者進一步蛻變為城市生態的構築者。

META「2055未來小屋」

展場｜台北科教館6樓《回到未來》常設展內

地址｜台北市士林區士商路189號

2021年，塵封近半世紀的黃土水雕塑作品《甘露水》，終於重見天日，在北師美術館「光──臺灣文化的啟蒙與自覺」展覽中與大眾相見，其後更巡迴至高美館、南美館、國美館等各地展出，讓更多觀眾能親眼見證「台灣維納斯」風華，窺探她優雅身姿後的時代故事。

北師美術館「光」展落幕5年後，紀錄長片《甘露水》即將於2026年5月15日上映，邀觀眾以影像為窗口，追溯《甘露水》百年間從創作、流離失所到再現的完整軌跡。紀錄片影像書、電影原聲帶也將同步推出，透過影像、文字、音樂的多重轉譯，擴延這件「國寶」的當代意義，也讓一段曾中斷的藝術歷史，得以被再次看見和理解。

「台灣維納斯」的驕傲與多舛身世

百年前，雕塑家黃土水隻身遠行，在大理石雕刻技術仍極為稀少的時代，以自學與堅定信念完成等身作品《甘露水》。這件被譽為「台灣維納斯」的美作，是台灣第一座裸體雕像，刻畫一名面容充滿自信的女子，她將雙手輕放於身後蚌殼之上，頭微微仰起、姿態挺直，神情舒緩而堅強。

《甘露水》不僅帶有黃土水對當時社會的期盼與想像——大步向前、向上進展、自信無畏，更在尚未建立「藝術」概念的台灣社會中，開闢出一條全新的道路，許多年輕創作者因而受到感召，踏上各自的藝術之路。

然而，《甘露水》曾在歷史動盪中一度消失，長達近半世紀未曾出現在公共視野，直到2021年北師美術館籌辦「光」展覽時，在總策畫林曼麗與策展研究團隊的努力之下，才得以重現於世人眼前。

《甘露水》紀錄長片5/15上映

在《甘露水》重新面向大眾後，北師美術館進一步提問：《甘露水》如何在當代被重新理解？由此出發，導演黃邦銓、林君昵延續「光」展的《甘露水》紀錄短片，將其拓展為長片，歷時5年於台灣、日本兩地拍攝，透過第一手訪談和歷史調查，追溯《甘露水》百年間從創作、遺失到再現的完整軌跡，全片更以膠卷影像回應雕塑大理石的質地，及其承載的時代情感。

《甘露水》紀錄片不僅入圍金馬62「最佳紀錄片」、「最佳原創電影音樂」2項大獎，更入選2026紐約現代美術館紀錄片雙週影展（MoMA Doc Fortnight），領這段台灣藝術故事走向國際。

紀錄片影像書、原聲帶同步登場

在紀錄片於5/15正式上映前，北師美術館啟動「一起踏上藝術的道路吧！《甘露水》的當代迴響」募資預購計畫，搶先開賣《甘露水》紀錄片電影交換券，並可同時預購影像書、原聲帶等周邊。

《甘露水》紀錄片影像書為黃邦銓、林君昵2位導演集結5年田野調查、歷史文獻與影像紀錄，所發展出的研究與視覺文本。

電影概念原聲帶黑膠專輯，則由聲音藝術家王榆鈞以聲音回應雕刻的節奏與精神。整體視覺由設計師何佳興統籌，以材質與形式回應黃土水所處時代的文化交會。

一場從美術館出發的文化行動

這項計畫不只是一次電影上映或出版發行，而是一場從美術館出發的文化行動。從雕塑的一斧一鑿，到影像的生成、書寫的整理與聲音的延伸，《甘露水》在不同媒介之間持續被轉譯，使這件作品不再只是歷史中的存在，而能在當代持續創造新的意義，回應著百年前黃土水的藝術精神。