引領思潮！紐約MoMA擁有全球博物館第一個建築與設計部門！

無庸置疑地，位在紐約曼哈頓精華地段，創立於1929 年的美國現代藝術館（Museum of Modern Art :MoMA，後簡稱MoMA）是國際間最具指標地位的博物館，其一向充滿開創性的前瞻思維，可由1932 年即設立全世界博物館第一個建築與設計部門的創舉獲得印證！在引領時代設計思潮的背後，建築與設計首席策展人Martino Stierli更向La Vie 透露，多元的研究計畫、嚴謹的策展規劃，才是關鍵之道。

館內分為建築與設計、繪畫、電影、媒體與表演藝術、繪畫與雕塑、攝影、以及印刷與繪本，共七大策展部門。全世界博物館第一個建築與設計部門，就是由MoMA 於1932 年首創，可以見得其創新的前瞻視野！

建築和設計部門擁有超過2 萬8 千多件藏品，從18 世紀末美術工藝運動，乃至於美國現代主義蓬勃發展時期，包括路德維希．密斯．凡德羅（LudwigMies van der Rohe）和法蘭克．洛伊．萊特（Frank Lloyd Wright）兩位大師級建築師檔案庫，都在館藏之列。特別值得一提的是，MoMA 建築與設計部門對於設計的定義並不僅限於傳統設計物件，而是隨著社會與時代的變革持續拓展新的觀點。例如，2012 年宣布將小精靈（Pac Man, 1980）、俄羅斯方塊（Tetris, 1984）、模擬市民（The Sims,2000）等14 款電玩納入館藏，透過包括行為、美學、空間及時間等多方面的篩選評估，彰顯出電玩遊戲程式設計的時代意涵。此外，去年夏天，此部門更宣布收藏了全球第一面彩虹旗，用以標誌1978 年在舊金山同志大遊行中飄揚、展現同志爭取公民權的歷史文化價值。

 專訪 MoMA 建築與設計首席策展人 Martino Stierli

Q1 . 請與我們介紹一下建築與設計部門吧！

Ａ：MoMA 的建築與設計部門成立於1932 年，與全世界同類型的藝術博物館相比，可以說是歷史悠久。在結合了攝影及影像部門下，我們就像是MoMA 首位館長AlfredH. Barr Jr. 信念的化身，闡述這些媒介如何成為現代藝術史的基石，呈現MoMA 對現代性的普遍理解。我們的任務是延續這個傳統，以看待畫作、雕塑及視覺藝術的態度，同等對待現代建築與設計，並確保作品與其背景脈絡，能透過有意義的方式被閱聽眾所認識。

Q2 . 研究工作是博物館很重要的一環，可以請你分享目前主要的方向嗎？這些研究又如何應用在博物館中呢？

Ａ：我們所舉辦的主要展覽，全都是長期研究的心血，時程橫跨數年，團隊更是包含了研究者與策展者，這是非常重要的核心。例如2015 年的主要展覽《Latin America in Construction: Architecture 1955–1980》、或即將開放法蘭克．洛伊．萊特的特展，都是這一類研究的實際成果。附屬展覽類目也是如此，目的是展示建築與設計的狀態及特定主題的新學術研究。與此同時，博物館也維持著廣泛的研究行動框架，舉例來說，當前的C-MAP（Contemporary and Modern Art Perspectives）企劃讓策展者可以跳脫傳統西方世界的準則，熟悉其他地區的現代藝術與建築。現階段，C-MAP 的三大對象為：拉丁美洲、東歐和南亞。與這些區域相關或實地進行的多元研究活動，可以提升我們對全球現代藝術與建築的了解，孕育下一個展覽的誕生。

Q3 . MoMA 的建築與設計類展覽一向十分精彩，請和我們分享一下這些展覽的策劃過程吧！

Ａ：首先，策展人必須提出一個點子，將其發展成一個企劃，並在全博物館展覽委員會的面前報告，以爭取眾人的首肯。展覽主題除了受策展者興趣主導外，也受每一個策展部門需求而定，而博物館身為整體呈現者，必須根據當代對近期藝術家與建築作品的理解，來平衡展覽排程。一般而言，從最初的想法發展到實際的館內展覽，往往需要耗費數年的時間。

Q4 . 隨著數位科技的盛行，你認為博物館要如何突破實體空間的限制，並且延伸博物館的影響力呢？

Ａ：我並不認為數位科技是「真實」體驗的替代方案。所謂的真實，是指在博物館內展示實體物件。相反地，我認為數位是提升博物館旅客體驗的工具。舉例來說，數位工具能提供許多展覽物件的背景知識與資訊、點出展覽或博物館館藏中的某件作品、或利用擴增（Augmented）及虛擬實境（Virtual Reality）來疊加眼前物件的內涵。在我們進行訪問交談的此刻，這些工具也正經歷著各種完善與普及化，我期待在不久的將來，它們能成為所有博物館的標準配備！

Q5 . 以 MoMA 建築與設計部門來說，對於取得新館藏有哪些策略或方向呢？

A：在討論MoMA取得藏品的方式時，我想可以區分為策略與執行層面。在策略方面，我們取得展品的方向基本上是以重現歷史藏品為主，並以更具包容性的態度，針對地域、性別及種族，擴大藏品多元性，以呈現當代藝術與建築的時空脈絡。在執行層面，如有機會，我們會試著填補館藏的不足。有時候，我們也會罕見地獲得整批的文檔，如同近期本館與哥倫比亞大學（ColumbiaUniversity）一起獲得了法蘭克．洛伊．萊特的文物。儘管未來此類獲取展品的事件依舊可能發生，但此種能讓我們以改革之姿重新概念化整體館藏的例子，還是屬於罕見且例外的情況。

Must know | 迎向2019年 MoMA 的擴建大計

繼2000 年MoMA PS1 開幕，瞬間成為高人氣的紐約市當代藝術教育推廣新據點後，MoMA 在今年1 月宣布斥資4.4 億美元，將整體博物館面積擴大30%，目前建築和設計展覽的三個展覽空間正在進行改裝。不過這項增建計畫才宣布不久，就因為一篇來自Archpaper 網站的報導宣稱：「翻新後的MoMA 將會順應當前流行的跨部門展示，關閉建築與設計的永久展區」，而引起軒然大波。MoMA 建築與設計首席策展人MartinoStierli 立即具函澄清，設計和建築部門當然會繼續運轉，尤其2017 年是美國建築大師萊特150 週年紀念，將特別規劃紀念特展。此外，增建後的空間仍將會作為以館藏為主的展覽廳。

Text / 翁浩源、方敘潔

Interview / 方敘潔

Photo / MoMA

更多內容請見《 La Vie 》雜誌10月號

身為義大利品牌Max Mara旗下國際獎項「Max Mara女性藝術獎（Max Mara Art Prize for Women）」最新出爐的第10屆優勝得主，印尼藝術家Dian Suci將緊接展開為期6個月的義大利巡迴駐村計畫，後攜完成作品回鄉舉辦個展。隨本篇認識這位以工藝探問父權體制等多重社會議題的單親媽媽藝術家、其身分與創作願景關聯性的複雜脈絡，並綜觀Max Mara女性藝術獎設獎宗旨和未來系統性發展目標。

旨在支持與推廣全球女性藝術家，創立於2005年、至今兩年一度舉辦（除第8屆2019-2022年因疫情延展為3年）的Max Mara女性藝術獎，近期方由Max Mara品牌、藝術獎策展人暨評審團主席Cecilia Alemani，偕同義大利當代藝術館Collezione Maramotti及首個巡迴展合作夥伴印尼努桑塔拉現當代藝術博物館（Museum MACAN）正式宣布2025-2027年度優勝者為印尼藝術家Dian Suci。

Dian Suci除能獨得Collezione Maramotti針對她向評審團提出之計畫量身訂製的6個月駐村機會，還可挾此經歷於2027年夏季回返印尼雅加達，進駐努桑塔拉現當代藝術博物館舉行個展，再於同年秋季移師坐落義大利北部城市雷焦艾米利亞（Reggio Emilia）的Collezione Maramotti展出，作品且為該館所收藏。

5位印尼出身入圍者，由策展人X藝術家共同評選最終得主

適逢第61屆威尼斯國際美術雙年展開幕，第10屆Max Mara女性藝術獎日前甫在策展人暨評審團主席Cecilia Alemani領銜（註）下，自同屬評審團一員的Collezione Maramotti館長Sara Piccinini、努桑塔拉現當代藝術博物館館長Venus Lau，以及Max Mara與Collezione Maramotti家族代表Elia Maramotti手中揭曉得獎名單：Dian Suci與Betty Adii、Dzikra Afifah、Ipeh Nur、Mira Rizki共5位藝術家於決選中競逐優勝榮譽，最終從中脫穎而出。

註：評審團成員除策展人Cecilia Alemani和兩位藝術館館長Sara Piccinini、Venus Lau外，尚包括另名策展人Amanda Ariawan、另名藝廊經營者Megan Arlin，以及藝術家Melati Suryodarmo和收藏家Evelyn Halim。

是藝術家也是單親媽媽

——Dian Suci從自身經驗出發，用工藝談父權等多重議題

1985年出生於印尼克布門，Dian Suci現居日惹工作生活。憑藉對空間構圖的極高敏銳度，她擅用繪畫、錄像、雕塑、裝置等多種媒材；其交織家庭敘事與國家權力的作品，從身為單親媽媽的日常經驗出發，申論法西斯主義、威權主義、資本主義及父權體制和女性政治家庭化議題。此次奪得Max Mara女性藝術獎的創作計畫《Crafting Spirit: Cultural Dialogues in Heritage and Practice》欲透過印尼與義大利的比較研究，探討宗教工藝傳統與資本主義系統碰撞後產生的影響；而後並預計以祭祀物件與富宗教意象的手工製作為核心，調查信仰究竟在當代文化情境裡遭到何等剝削——然即便身處充斥不公與壓迫的體系，靈性是否能、或言該怎麼樣能作為一種文化韌性延續下去？

Dian Suci將工藝視為「活的檔案庫」，不僅見證國家的傳統與記憶，甚是文化、社會與經濟轉型的寫照。其願景深植印尼文化，延伸靈性概念自純粹的宗教領域，至人類藉由基於身體的細緻重複動作，為難以言表之物賦予意義的維度。《Crafting Spirit》系列新作意在重新追溯信仰、關懷與儀式感如何體現於身體姿態與體力勞動上，進而叩問信仰與工藝的交織態勢，尤其受利潤與全球化力量侵蝕下，神聖性如何轉化為具體的物質存在。

依循特定領域專家指導，她將透過研究、實地考察與工作室創作，摸索在大量生產與商品化進程中，淌於雙手與材料間那股靜謐的精神流動；亦將與宗教團體、大學教授、工匠及其他藝術家展開對話，由他們引導她深化研究，乃至助她掌握打造全新作品所需的技術能力。

4階段駐村計畫巡迴義大利城市

第1階段駐村計畫預定前往有「義大利綠色心臟」之稱的翁布里亞大區內城市阿西西，在被公認承載方濟各精神（Franciscanism）的聖城，體驗當地僧侶生活方式，同時審視宗教信仰及其商業化發展間存在的矛盾。第2階段則至羅馬參與聖彼得大教堂（St Peter's Basilica）的特別彌撒，針對其中的象徵意義與隱含寓意進行分析。第3階段轉而安排在普利亞大區雷契省首府雷契，經由專為她設計的培訓計畫，深度沉浸紙漿藝術歷史。最後階段將落腳佛羅倫斯，琢磨「蛋彩畫（Egg Tempera）」技術演變，兼習古老手工編織技能，從而擴展該技能在教會背景下的應用知識。

Dian Suci說明自身創作計畫《Crafting Spirit》發想自女性工匠的生活故事和勞動中所蘊含的身體記憶，「她們的工作往往徘徊在虔誠奉獻與維持生計當中。」對於此次獲獎她榮幸地說，「這份肯定為我提供擴展研究的契機，讓我在印尼與義大利之間尋求對話，且向那些將精神性封存於創造者體內的傳統與儀式學習。我帶著感激之心接下這個機會，承諾將傾聽、鑽研，並轉化這些際遇為藝術形式，致敬人類勞動的親密性和文化延續的深度。」

搭建通往世界的橋樑，巡迴首展落地雅加達首座當代藝術館

繼過去20年來與倫敦白教堂美術館（Whitechapel Gallery）的成功合作後，2025-2027年度起Max Mara女性藝術獎將轉為巡迴形式以拓展地理版圖；本屆率先攜手成立於2017年的印尼首座當代藝術博物館努桑塔拉現當代藝術博物館，開啟嶄新篇章，此後每兩年登陸世界各地不同城市。革新後的首屆獎項邀來紐約公共藝術計畫High Line Art總監暨首席策展人Cecilia Alemani，由其沿襲Max Mara品牌精神，為每屆獎項指定不同國家與機構為焦點，通過更系統化且具結構性的方式，支持新銳及中生代女性藝術家的創作發展。

作為當地重要文化機構，努桑塔拉現當代藝術博物館致力藉由展覽與互動式公共計畫，呈現在地及國際跨領域藝術家創作。Museum MACAN館長Venus Lau對外表示，在Max Mara女性藝術獎首次於亞洲和印尼亮相之際，能與品牌及義大利當代藝術館Collezione Maramotti合作，館方深感榮幸。「作為國際藝術界放大女性聲音的領先平台，此獎項在形塑當代藝術論述及拓展女性藝術家發展機會等面向上扮演關鍵角色，我們自豪能參與這項倡議，促進跨越本屆活動框架的文化交流。此獎項提供為期6個月的義大利藝術環境駐村計畫，讓獲獎者得以進行深度研究、拓展人脈網絡，並發展在地尚未普及的工作方式；其影響力不僅在獲選藝術家（身上），更將強化印尼整體藝術生態系對女性藝術家的支持，激發關乎視角的全新對談，將印尼女性藝術家的創作實踐置於更平等的全球對話之中。」

不懈培育創意多樣性

自創設以來，Max Mara女性藝術獎始終保有鮮明特色與核心目標，如今再闢國際行動範疇、觸及相異文化版圖，以期豐富獎項傳承，持續成為推動女性藝術家獲得真正平等的重要力量，無疑更為新一代藝術家提供靈感與正向榜樣。

2026.06.12更新：英國藝術家大衛·霍克尼（David Hockney）於6月11日在家中安詳離世，享壽88歲。這位最具影響力且備受愛戴的藝術家，同時也是1960年代普普藝術運動的領軍人物之一。2018年，他的一幅泳池系列畫作在拍賣會上以將近7,000萬英鎊的價格成交，創下了當時在世藝術家的最高拍賣紀錄。

池畔迷情的藝術創作

明媚的加州陽光，波光粼粼的泳池，在遠方翠綠的青山襯托下，一位俊秀的青年站在池畔⋯⋯這是英國藝術大師大衛霍克尼David Hockney的知名作品《藝術家肖像畫：游泳池畔的兩個人》（Portrait of an artist：pool with two figures，1972），以描繪肖像、泳池與同志情慾出名的他，雖已超過八十歲，卻未曾停下創作的腳步。

事實上，Hockney早期的作品並非如中後期般色彩鮮豔，而是充滿叛逆與抽象主義的視覺風格，對自己同志身分的宣揚，以及爭取世界認同的渴望，而在同志尚未合法的時空背景下，更應證Hockney作為藝術家的熱情與不凡傲骨。

David Hockney的故鄉位於英國東北約克郡，在那裡，與怡人的加州不同，陽光是生活的奢侈品。在1964年Hockney親自踏上美國國土前，對加州的印象完全來自傳播媒體，尤其是他所蒐集的《身體影像畫報》，也因此，美國成為性與自由的代名詞，並成為驅動他出走的動力。

初登上加州的Hockney，這片乘載他無數憧憬與情感投射的夢想之地，很快就深深滲透他的骨髓，從其作畫風格的變化便可發現──明亮的陽光也一併照進他的畫作中。受此影響，Hockney對同性愛侶的情感，也絲毫不遮掩地搬上檯面，成就至今仍廣受歡迎的一系列泳池畫作：《Peter getting out of Nicks pool, 1966》、《A Bigger Splash,1967》等。

而繼《藝術家肖像畫：游泳池畔的兩個人》在2018年於紐約佳士得拍賣以9030萬美元（約新台幣27.4億）天價成交，一度成為史上最貴的在世藝術家。Hockney另一代表作《水花》（Splash ）則成為2020倫敦蘇富比當代藝術晚拍上，以2311萬英鎊（近9億台幣）高價成交，成為其作品第三高拍賣價的作品 。

其風格鮮明的創作，多年來也深深影響各界，像是金獎電影《樂來越愛你》（La La Land）裡眾人歡唱標舞的泳池橋段，其靈感便是汲取自盛名的泳池系列創作，陽光、藍天和派對，這些洛杉磯追夢之人每天所會遇見的場景，在導演達米恩查澤雷（Damien Chazelle）與美術指導大衛沃思科（David Wasco）調理下，將象徵享樂主義的泳池派對，活靈活現地藉由大銀幕重現，至於為什麼情有獨鍾泳池？「泳池派對是洛杉磯的代名詞。」大衛沃思科說道。

除了廣為人知的泳池畫作品外，肖像畫一直是Hockney主要的創作主題，對象從自己、雙親到友人，透過其溫潤鮮豔的色調呈現，或隨興雜揉的筆觸，都精準地具現了畫中人物的情感與個性，效果甚至更勝攝影一籌。

談到攝影，不可不提Hockney於1980年代開始的攝影拼貼創作，運用嶄新媒材再次詮釋作畫的不同面向。他堅稱，攝影於反映現實永遠不及繪畫，人們以為按下快門的瞬間便捕捉了真實，然而卻忽略時間的流動與情緒的作用，因此，透過後續的藝術再造，將照片昇華成畫作，才更貼近人們所感受的現實。

David Hockney對新媒材的嘗試並未止於攝影，近年來他更跨足電繪領域，用iPad持續創作，挑戰實體畫布無法呈現的手法與效果。即使邁入高齡，他對藝術的熱情只會持續增加，並且持續至倒下的一刻為止。

原文刊載於2018-08-23