無庸置疑地，位在紐約曼哈頓精華地段，創立於1929 年的美國現代藝術館（Museum of Modern Art :MoMA，後簡稱MoMA）是國際間最具指標地位的博物館，其一向充滿開創性的前瞻思維，可由1932 年即設立全世界博物館第一個建築與設計部門的創舉獲得印證！在引領時代設計思潮的背後，建築與設計首席策展人Martino Stierli更向La Vie 透露，多元的研究計畫、嚴謹的策展規劃，才是關鍵之道。

館內分為建築與設計、繪畫、電影、媒體與表演藝術、繪畫與雕塑、攝影、以及印刷與繪本，共七大策展部門。全世界博物館第一個建築與設計部門，就是由MoMA 於1932 年首創，可以見得其創新的前瞻視野！

建築和設計部門擁有超過2 萬8 千多件藏品，從18 世紀末美術工藝運動，乃至於美國現代主義蓬勃發展時期，包括路德維希．密斯．凡德羅（LudwigMies van der Rohe）和法蘭克．洛伊．萊特（Frank Lloyd Wright）兩位大師級建築師檔案庫，都在館藏之列。特別值得一提的是，MoMA 建築與設計部門對於設計的定義並不僅限於傳統設計物件，而是隨著社會與時代的變革持續拓展新的觀點。例如，2012 年宣布將小精靈（Pac Man, 1980）、俄羅斯方塊（Tetris, 1984）、模擬市民（The Sims,2000）等14 款電玩納入館藏，透過包括行為、美學、空間及時間等多方面的篩選評估，彰顯出電玩遊戲程式設計的時代意涵。此外，去年夏天，此部門更宣布收藏了全球第一面彩虹旗，用以標誌1978 年在舊金山同志大遊行中飄揚、展現同志爭取公民權的歷史文化價值。

 專訪 MoMA 建築與設計首席策展人 Martino Stierli

Q1 . 請與我們介紹一下建築與設計部門吧！

Ａ：MoMA 的建築與設計部門成立於1932 年，與全世界同類型的藝術博物館相比，可以說是歷史悠久。在結合了攝影及影像部門下，我們就像是MoMA 首位館長AlfredH. Barr Jr. 信念的化身，闡述這些媒介如何成為現代藝術史的基石，呈現MoMA 對現代性的普遍理解。我們的任務是延續這個傳統，以看待畫作、雕塑及視覺藝術的態度，同等對待現代建築與設計，並確保作品與其背景脈絡，能透過有意義的方式被閱聽眾所認識。

Q2 . 研究工作是博物館很重要的一環，可以請你分享目前主要的方向嗎？這些研究又如何應用在博物館中呢？

Ａ：我們所舉辦的主要展覽，全都是長期研究的心血，時程橫跨數年，團隊更是包含了研究者與策展者，這是非常重要的核心。例如2015 年的主要展覽《Latin America in Construction: Architecture 1955–1980》、或即將開放法蘭克．洛伊．萊特的特展，都是這一類研究的實際成果。附屬展覽類目也是如此，目的是展示建築與設計的狀態及特定主題的新學術研究。與此同時，博物館也維持著廣泛的研究行動框架，舉例來說，當前的C-MAP（Contemporary and Modern Art Perspectives）企劃讓策展者可以跳脫傳統西方世界的準則，熟悉其他地區的現代藝術與建築。現階段，C-MAP 的三大對象為：拉丁美洲、東歐和南亞。與這些區域相關或實地進行的多元研究活動，可以提升我們對全球現代藝術與建築的了解，孕育下一個展覽的誕生。

Q3 . MoMA 的建築與設計類展覽一向十分精彩，請和我們分享一下這些展覽的策劃過程吧！

Ａ：首先，策展人必須提出一個點子，將其發展成一個企劃，並在全博物館展覽委員會的面前報告，以爭取眾人的首肯。展覽主題除了受策展者興趣主導外，也受每一個策展部門需求而定，而博物館身為整體呈現者，必須根據當代對近期藝術家與建築作品的理解，來平衡展覽排程。一般而言，從最初的想法發展到實際的館內展覽，往往需要耗費數年的時間。

Q4 . 隨著數位科技的盛行，你認為博物館要如何突破實體空間的限制，並且延伸博物館的影響力呢？

Ａ：我並不認為數位科技是「真實」體驗的替代方案。所謂的真實，是指在博物館內展示實體物件。相反地，我認為數位是提升博物館旅客體驗的工具。舉例來說，數位工具能提供許多展覽物件的背景知識與資訊、點出展覽或博物館館藏中的某件作品、或利用擴增（Augmented）及虛擬實境（Virtual Reality）來疊加眼前物件的內涵。在我們進行訪問交談的此刻，這些工具也正經歷著各種完善與普及化，我期待在不久的將來，它們能成為所有博物館的標準配備！

Q5 . 以 MoMA 建築與設計部門來說，對於取得新館藏有哪些策略或方向呢？

A：在討論MoMA取得藏品的方式時，我想可以區分為策略與執行層面。在策略方面，我們取得展品的方向基本上是以重現歷史藏品為主，並以更具包容性的態度，針對地域、性別及種族，擴大藏品多元性，以呈現當代藝術與建築的時空脈絡。在執行層面，如有機會，我們會試著填補館藏的不足。有時候，我們也會罕見地獲得整批的文檔，如同近期本館與哥倫比亞大學（ColumbiaUniversity）一起獲得了法蘭克．洛伊．萊特的文物。儘管未來此類獲取展品的事件依舊可能發生，但此種能讓我們以改革之姿重新概念化整體館藏的例子，還是屬於罕見且例外的情況。

Must know | 迎向2019年 MoMA 的擴建大計

繼2000 年MoMA PS1 開幕，瞬間成為高人氣的紐約市當代藝術教育推廣新據點後，MoMA 在今年1 月宣布斥資4.4 億美元，將整體博物館面積擴大30%，目前建築和設計展覽的三個展覽空間正在進行改裝。不過這項增建計畫才宣布不久，就因為一篇來自Archpaper 網站的報導宣稱：「翻新後的MoMA 將會順應當前流行的跨部門展示，關閉建築與設計的永久展區」，而引起軒然大波。MoMA 建築與設計首席策展人MartinoStierli 立即具函澄清，設計和建築部門當然會繼續運轉，尤其2017 年是美國建築大師萊特150 週年紀念，將特別規劃紀念特展。此外，增建後的空間仍將會作為以館藏為主的展覽廳。

Text / 翁浩源、方敘潔

Interview / 方敘潔

Photo / MoMA

更多內容請見《 La Vie 》雜誌10月號

「對我而言，創作不會總是有很強烈的意圖。」一開口，陳姝里如此輕描淡寫，卻正好道出她在藝術創作之路上「自然而然」轉向陶藝的關鍵。過去十餘年，她穿梭在插畫與平面設計之間，也因此在插畫界中闖出一番成績。只是，日復一日，面對形形色色的客戶需求，她漸漸無法沉浸在「純創作」的心流之中。「會去捏陶，就像是一種自然轉換的過程，因為當時的我，很需要自己的空間，不僅是實體的空間，心理也是……」

創作的起點

日光穿過半掀的調光簾透進屋內，落在工作桌上散落的色紙碎片。這些看似「無用」的東西，偶然被陳姝里收了起來，並衍生出她的創作系列：《拾獲物》（found object）。

「這些色紙碎片是剪紙過程中剩餘的材料，本來應該要被丟進垃圾桶的，但我覺得這些造型不一的圖形，其實更吸引我。於是我就把喜歡的碎片變成新的創作素材，拼貼出《組合》這系列作品。」

偶然出現的碎紙片，意外帶給陳姝里更純粹、單純的創造樂趣。平時面對繁雜的平面設計與插畫工作，容易使她陷入過度的計畫與目的性。然而在這些碎紙片面前，心思卻能回到最初的空白。「這些剪紙碎片構成的創作，我叫它們『小雕塑』。某一天，我突然有個想法，如果把這些平面的紙片，變成立體的作品，可以怎麼呈現？」

可以說是記憶使然，陳姝里立刻想到一種既熟悉又陌生的創作手法：陶作。原來，陳姝里的舅舅是陶藝家，小時候陳姝里在過年時會去舅舅的工作室玩陶。大學也修過一學年的陶藝課，所以捏陶對陳姝里來說並不陌生。

捏陶，也是在捏塑自己的心

捏陶看似閒適，但她苦笑說自己其實沒什麼時間可以閒下來，大部分時間被工作填得密不透風。後來有了小孩，時間又被分割得零零碎碎。「以前我可以每天工作十個小時，但自從女兒出生，人生又多了一種角色和責任。生活一直處在停不下來，不斷忙碌、擔心的狀態。」

漸漸地，她感覺快被外界的人事物塞滿，內心沒有了自己的位置⋯⋯「我喜歡創作，但成為媽媽之後，時間變得很破碎，加上疫情嚴重的那年，我24小時育兒，一天也許只有30分鐘的空檔。但我還是想創作，我需要創作。我內心知道，若再不撥一點時間給自己，我會失控。」

在這個掙扎的時刻，陳姝里接觸到陶藝，摸到陶土的那一刻，她感到一股似曾相識的感覺。「我以為自己已經忘了，但觸覺帶我回到小時候，在家門口玩泥巴，把泥土捏成球。手中握著泥球，我好滿足。而捏陶的時候，我又感受到那種純粹的快樂。」

放下執念，享受不可控

對陳姝里而言，不論是紙片創作、插畫，或是後來的雕塑、捏陶，本質都相通。她喜歡組合與拼貼，就像剪紙的碎片可以重新拼出新的造型；陶土也是如此，需要一塊一塊地塑造、連結，再進窯燒製。

然而，創作不總是順利。偶爾作品會在燒製過程中出現意想不到的變化，或是不如預期。但她並不懊惱，反而樂於接受這種「不可控的成果」。「把錯誤留給媒材」是她打破完美、走向自由的一步。

一邊說，一邊拿出一樣作品。陳姝里試著把那個作品立起來，但隨即就倒下去：「這是一個立不起來的作品，我取名為《水平》。它也是我把剪紙碎片立體化的成果，本來想把陶土實心的部分挖除，讓作品平衡站起，沒想到作品還是無法站立。由垂直站立的狀態變成只能水平擺放。似乎是要我放下執念，接受它最後的狀態。」

她笑笑地繼續說：「所以這是一個失敗的作品嗎？我不這麼認為。或許對有些人來說，這是失敗品。但我卻因此看到，它有其他呈現方式。不只《水平》，我也有其他作品燒完後乍看不喜歡，但時間一久卻慢慢能夠欣賞它美的地方。」

陳姝里在大眾認知的「失敗」與「錯誤」中找到了另一種未曾想像的美。特別是當陶藝作品最後出窯時，會帶來無預期的驚喜或驚訝。她脈脈望著層架上的陶盤說道：「我好像也能更坦然面對生活中的不可控了呢！」

文字 / 洪孟樊

攝影 / 林家賢

Olafur Eliasson熱愛音樂。他認為音樂如同鏡子一樣映照出他的心情，承接並映照出他日常中忽視、未被滿足的情緒與需求。他也持續進修、閱讀，避免自己陷入知識的盲區——他永遠好奇還有什麼自己不知道的事物。在這裡，Olafur親身分享他私藏的歌單與書單。

➤ 延伸閱讀：深度專訪藝術家奧拉弗．埃利亞松Olafur Eliasson：世界沒有理所當然，唯有展開你的好奇心

Olafur歌單4+1：承接你的心緒

❶ 《In Waves》

Jamie xx｜2024

睽違9年，相較前張個人專輯的繽紛，這英國電音鬼才交出的作品更顯憂鬱複雜，卻眼望舞池的純真快樂。

❷ 《Lahai》

Sampha｜2023

生於西非獅子山裔移民家庭，英國非裔音樂人Sampha第2張專輯冠以祖父之名，揉合電子與靈魂樂，探索自己成為父親後的內省與溫暖。

❸ 《Enjoy the Silence》

Naima Joris｜2025

這位疫情期間因社群翻唱而備受注目的比利時爵士歌手，回歸初心重新詮釋曾療癒她的歌曲。

❹《Go》

Jónsi｜2010

這是Sigur Rós主唱Jónsi的首張個人專輯與個人的華麗冒險，夢幻假音飄盪， 在後搖與更流行的樂種間嬉玩。

同場加映：《I Hear You》

Peggie Gou｜2024

因藝術收藏而相識，Olafur為活躍柏林的韓國DJ Peggy Gou首張完整專輯《I Hear You》設計專輯封面，她穿戴的作品便是〈Psychoacoustic empathy amp〉（2023）；Olafur也執導單曲〈1+1=11〉MV，並將場景設定在他的柏林工作室，親自獻上一舞。

Olafur書單×6：餵養你的靈感

❶ 《Is a River Alive?》

Robert Macfarlane｜2025

土地是否能擁有人格權？Olafur觀察到台灣也正處理這議題，賦予河流或山脈人格權，自然界便也有了自我保護的法理基礎。

❷ 《Conflict Is Not Abuse》

Sarah Schulman｜2016

資深酷兒運動者直面當代痛點：我們太快將不適貼上受害標籤？這部挑釁之作解構二元對立思維，呼籲重新思考責任與修復。

❸《山之生》

Nan Shepherd｜1977（中譯版－新經典文化｜2019）

手稿沉睡30年後，這位蘇格蘭女作家畢生的登山札記才問世。她以詩人之眼凝視高地荒原，成為自然書寫的經典。

❹ 《The Discovery of Slowness》

Sten Nadolny｜1983

海軍傳奇在冰天雪地中尋找西北航道，天生行事緩慢卻屢建奇功，挑戰效率至上的現代迷思。

❺ 《心靈的傷，身體會記住》

Bessel van der Kolk｜2014（中譯版－大家出版｜2017 ）

這本書顛覆創傷研究的既有認知， 認為痛苦不只存在腦海，更銘刻在 身體之上，重新思考療癒的定義。

❻ 《The End of Nature》

Bill McKibben｜1989

在氣候變遷尚未被關注之時，McKibben便已提出獨立於人類之外的「自然」已不存在，我們需要重新審視與環境的關係。

奧拉弗．埃利亞松 Olafur Eliasson

冰島－丹麥藝術家，1967生於丹麥哥本哈根，工作室位於柏林。作品探索藝術與世界的廣泛連結。自1997年起，他的個展陸續於世界各大美術館展出，創作形式涵蓋裝置、繪畫、雕塑與攝影，以其挑戰感知並強調環境共創的展覽與公共裝置，在國際藝壇享有盛譽。2003年，他在倫敦泰德現代美術館的渦輪大廳創作《The weather project》，以迷霧籠罩的巨大發光「太陽」創造沉浸式體驗。2008年，他在曼哈頓與布魯克林沿岸建造了四座大型人工瀑布，呈現於《The New York City Waterfalls》計畫中。埃利亞松亦透過藝術探索氣候變遷的議題，例如2014年，他將格陵蘭冰川的碎冰帶至哥本哈根市中心，隨後2015年在巴黎、2018年於倫敦再次展出此《Ice Watch》計畫，讓路過的民眾得以親手觸摸來自格陵蘭的冰川碎片，見證冰川融化消逝的脆弱過程。2012年，創立社會企業「小太陽」（Little Sun），並持續參與其發展至2024年。2014年，他與Sebastian Behmann共同成立Studio Other Spaces，這是一間專注於藝術與建築的創作機構。

_{更多精彩內容請見 La Vie 2025/7月號《Olafur Eliasson藝術特輯》}