訪客請出招！主動探索知識的數位博物館時代！

庫柏休伊特設計博物館（Cooper Hewitt, Smithsonian Design Museum）是美國唯一專注設計歷史和當代設計的博物館。強調主動探索知識的力量，在此訪客是創造博物館體驗的積極參與者。

身為世界上最大博物館群史密森尼學會（Smithsonian Institution）的重要成員，庫柏休伊特設計博物館（Cooper Hewitt,Smithsonian Design Museum）是美國唯一專注設計歷史和當代設計的博物館。由企業大亨Peter Cooper 的孫女們於1897 年創立，其淵源可以追溯到紐約頗富盛名的藝術設計學校Cooper Union當時收藏裝飾藝術的博物館。

雖然歷史悠久，但在2014 年重整開幕後，21 萬件館藏中，已經有高達9 成全部數位化，館長Caroline Baumann 很開心地與我們分享，「這次大規模館藏數位化計畫，在博物館界可以說是空前絕後。整整耗時18 個月後，我們終於能將博物館推到全世界的眼前。」相較於每檔展覽7 百多件的實體展示物，可以探索的範圍更不受限。

不只如此，庫柏休伊特設計博物館的互動體驗設計更是博物館界的創舉！進入展館後，每人都會拿到館方提供的「科技互動筆（the pen）」以及個人密碼，只要在整棟博物館中看到有興趣的展物，都可以用互動筆輕觸感應標示，就能立即記錄存取館藏相關資訊，即使走出博物館也能在個人智慧裝置上繼續探索旅程！

強調主動探索知識的力量，在庫柏休伊特裡，訪客是創造博物館體驗的積極參與者。在推出後大受歡迎的「沉浸式體驗空間（Immersion Room）」中—訪客可以動手設計壁紙、或探索全美國最豐富的壁紙館藏。也能在數位互動桌上，透過科技互動筆將剛剛在展覽中看到的設計，重現在桌面觸控螢幕上，透過系統進一步聯想發掘其他精采館藏。此外，館方官網也是極具影響力的設計教育資源平台，提供知名設計師的訪談影片、課程計畫、線上刊物、甚至還有可以下載的字形設計。

面對數位化時代，館長Caroline Baumann很期待互動科技能與博物館碰撞出新體驗，她語帶肯定地表示，「數位改變了一切。過去，博物館只能片段地展示自己，現在卻能毫無保留地公開一切。數位化浪潮正是博物館的未來！」

Ｑ＆Ａ／專訪

庫柏休伊特設計博物館 館長 Caroline Baumann

Ｑ１．請與我們分享庫柏休伊特設計博物館的定位和任務吧！

作為美國唯一一座專注於歷史與當代設計的設計博物館，庫柏休伊特就像一位大總管，收藏著全世界最多元且全面的設計展品。我們透過設計來教育、啟發人們，並給予人們力量。館內共收藏了20 萬件、時代橫跨三千年的作品，也是我們組織呈現專題展覽、具影響力的教育計畫、以及供世界各地（從堪薩斯的托皮卡到台北台灣）都可使用的豐富數位館藏體驗的核心架構。

Ｑ２．請與我們分享２至３個，您認為近年來最具代表性的展覽吧！

《TOOLS：EXTENDING OUR REACH》是2014 年重新開放後的第一檔大展，不只動員庫柏休伊特本館，還跨學門連結了史密森尼學會旗下11 間博物館和研究中心。從一早醒來到就寢，我們都在使用「工具」，為了克服人類身體的限度，各式的工具因而被設計出來。工具就是人類的延伸。展覽出的設計物件非常多元，從185 萬年前的石器，到同步傳輸回地球的太陽表面數據資料，每件展品都訴說著一個獨特的設計故事！

《ENERGIZING THE EVERYDAY：GIFTS FROM THE GEORGER. KRAVIS II COLLECTION》，這個展覽很生動地傳達為什麼好的設計對人們而言，是如此珍貴，同時也向了不起的收藏家George R. Kravis 的慷慨，致上謝意。這些所謂的「日常」物件，兼具美麗與實用性。透過這些收藏，我們能看到設計提升並改變日常生活的可能。

更近期的展覽《BY THE PEOPLE：DESIGNING A BETTER AMERICA》則企圖激起實踐主義，期待透過設計，為美國人形塑一個更公平且平等的社會。針對庫伯休伊特所舉辦的激勵人心系列第三作，我們著重於人道主義的設計，《BY THE PEOPLE》探索了美國各地總計六十項合作性設計，觀看其如何鼓勵大眾以實際行動來振興社區，提高機會。

Ｑ３．庫柏休伊特博物館的展覽策劃方式、和重視的策展主軸是如何呢？

我們每一項展覽的策劃與組織，都至少從展覽正式開放前兩年或甚至更久前就開始了。一般來說，策展團隊會發展出一個主題，並提出一份應納入的項目清單。以今年夏天，我們剛展出的三年展《BEAUTY》來說，策展人選擇著重於美學的創新，他們不僅拜訪了國內外設計工作室，也尋求國際策展顧問團隊的意見，透過重新思考「美」的概念，對近年設計新作和設計師進行檢視。

我們很強調透過策展創造以設計為主的積極對話，並強化歷史連續性。我們取得並呈現作品的方式較著重於「設計過程」，所以我們會蒐集並展示畫稿、草圖、原型與影片，突顯並紀錄一件作品從概念化到完成的路程。透過描述一項設計的故事，鼓勵人們找出更貼近個人層面的作品意義！

Ｑ４．在挑選館藏時，有哪些策略呢？可以和我們分享一些你推薦的特色館藏嗎？

聖地亞哥． 卡拉特拉瓦（Santiago Calatrava）為新世貿中心轉運站設計之時，所留下的草圖。該建築已成為廿一世紀最具代表性的標誌，其鋼筋處與白色骨幹，誘發人們對鴿子翅膀的聯想──在別具深意的場所內置放此一世界性的和平象徵。

來自奈及利亞的美麗絲織品──豪薩袍（Hausa Robe），製作於十九世紀末，袍子上的手工刺繡圖案體現穿戴者的伊斯蘭信仰。

來自知名建築師大衛．阿加葉（David Adjaye） 的椅子， 成為華盛頓收藏之一。其設計讓人聯想到近期剛開幕的國立非裔美國人歷史與文化國家博物館（National Museum of African American History and Culture）。

Text / 翁浩源、方敘潔

訪問 / 方敘潔

Photo / Cooper Hewitt, Smithsonian Design Museum

#本文內容出自《 Lavie 》雜誌10月號

身為義大利品牌Max Mara旗下國際獎項「Max Mara女性藝術獎（Max Mara Art Prize for Women）」最新出爐的第10屆優勝得主，印尼藝術家Dian Suci將緊接展開為期6個月的義大利巡迴駐村計畫，後攜完成作品回鄉舉辦個展。隨本篇認識這位以工藝探問父權體制等多重社會議題的單親媽媽藝術家、其身分與創作願景關聯性的複雜脈絡，並綜觀Max Mara女性藝術獎設獎宗旨和未來系統性發展目標。

旨在支持與推廣全球女性藝術家，創立於2005年、至今兩年一度舉辦（除第8屆2019-2022年因疫情延展為3年）的Max Mara女性藝術獎，近期方由Max Mara品牌、藝術獎策展人暨評審團主席Cecilia Alemani，偕同義大利當代藝術館Collezione Maramotti及首個巡迴展合作夥伴印尼努桑塔拉現當代藝術博物館（Museum MACAN）正式宣布2025-2027年度優勝者為印尼藝術家Dian Suci。

Dian Suci除能獨得Collezione Maramotti針對她向評審團提出之計畫量身訂製的6個月駐村機會，還可挾此經歷於2027年夏季回返印尼雅加達，進駐努桑塔拉現當代藝術博物館舉行個展，再於同年秋季移師坐落義大利北部城市雷焦艾米利亞（Reggio Emilia）的Collezione Maramotti展出，作品且為該館所收藏。

5位印尼出身入圍者，由策展人X藝術家共同評選最終得主

適逢第61屆威尼斯國際美術雙年展開幕，第10屆Max Mara女性藝術獎日前甫在策展人暨評審團主席Cecilia Alemani領銜（註）下，自同屬評審團一員的Collezione Maramotti館長Sara Piccinini、努桑塔拉現當代藝術博物館館長Venus Lau，以及Max Mara與Collezione Maramotti家族代表Elia Maramotti手中揭曉得獎名單：Dian Suci與Betty Adii、Dzikra Afifah、Ipeh Nur、Mira Rizki共5位藝術家於決選中競逐優勝榮譽，最終從中脫穎而出。

註：評審團成員除策展人Cecilia Alemani和兩位藝術館館長Sara Piccinini、Venus Lau外，尚包括另名策展人Amanda Ariawan、另名藝廊經營者Megan Arlin，以及藝術家Melati Suryodarmo和收藏家Evelyn Halim。

是藝術家也是單親媽媽

——Dian Suci從自身經驗出發，用工藝談父權等多重議題

1985年出生於印尼克布門，Dian Suci現居日惹工作生活。憑藉對空間構圖的極高敏銳度，她擅用繪畫、錄像、雕塑、裝置等多種媒材；其交織家庭敘事與國家權力的作品，從身為單親媽媽的日常經驗出發，申論法西斯主義、威權主義、資本主義及父權體制和女性政治家庭化議題。此次奪得Max Mara女性藝術獎的創作計畫《Crafting Spirit: Cultural Dialogues in Heritage and Practice》欲透過印尼與義大利的比較研究，探討宗教工藝傳統與資本主義系統碰撞後產生的影響；而後並預計以祭祀物件與富宗教意象的手工製作為核心，調查信仰究竟在當代文化情境裡遭到何等剝削——然即便身處充斥不公與壓迫的體系，靈性是否能、或言該怎麼樣能作為一種文化韌性延續下去？

Dian Suci將工藝視為「活的檔案庫」，不僅見證國家的傳統與記憶，甚是文化、社會與經濟轉型的寫照。其願景深植印尼文化，延伸靈性概念自純粹的宗教領域，至人類藉由基於身體的細緻重複動作，為難以言表之物賦予意義的維度。《Crafting Spirit》系列新作意在重新追溯信仰、關懷與儀式感如何體現於身體姿態與體力勞動上，進而叩問信仰與工藝的交織態勢，尤其受利潤與全球化力量侵蝕下，神聖性如何轉化為具體的物質存在。

依循特定領域專家指導，她將透過研究、實地考察與工作室創作，摸索在大量生產與商品化進程中，淌於雙手與材料間那股靜謐的精神流動；亦將與宗教團體、大學教授、工匠及其他藝術家展開對話，由他們引導她深化研究，乃至助她掌握打造全新作品所需的技術能力。

4階段駐村計畫巡迴義大利城市

第1階段駐村計畫預定前往有「義大利綠色心臟」之稱的翁布里亞大區內城市阿西西，在被公認承載方濟各精神（Franciscanism）的聖城，體驗當地僧侶生活方式，同時審視宗教信仰及其商業化發展間存在的矛盾。第2階段則至羅馬參與聖彼得大教堂（St Peter's Basilica）的特別彌撒，針對其中的象徵意義與隱含寓意進行分析。第3階段轉而安排在普利亞大區雷契省首府雷契，經由專為她設計的培訓計畫，深度沉浸紙漿藝術歷史。最後階段將落腳佛羅倫斯，琢磨「蛋彩畫（Egg Tempera）」技術演變，兼習古老手工編織技能，從而擴展該技能在教會背景下的應用知識。

Dian Suci說明自身創作計畫《Crafting Spirit》發想自女性工匠的生活故事和勞動中所蘊含的身體記憶，「她們的工作往往徘徊在虔誠奉獻與維持生計當中。」對於此次獲獎她榮幸地說，「這份肯定為我提供擴展研究的契機，讓我在印尼與義大利之間尋求對話，且向那些將精神性封存於創造者體內的傳統與儀式學習。我帶著感激之心接下這個機會，承諾將傾聽、鑽研，並轉化這些際遇為藝術形式，致敬人類勞動的親密性和文化延續的深度。」

搭建通往世界的橋樑，巡迴首展落地雅加達首座當代藝術館

繼過去20年來與倫敦白教堂美術館（Whitechapel Gallery）的成功合作後，2025-2027年度起Max Mara女性藝術獎將轉為巡迴形式以拓展地理版圖；本屆率先攜手成立於2017年的印尼首座當代藝術博物館努桑塔拉現當代藝術博物館，開啟嶄新篇章，此後每兩年登陸世界各地不同城市。革新後的首屆獎項邀來紐約公共藝術計畫High Line Art總監暨首席策展人Cecilia Alemani，由其沿襲Max Mara品牌精神，為每屆獎項指定不同國家與機構為焦點，通過更系統化且具結構性的方式，支持新銳及中生代女性藝術家的創作發展。

作為當地重要文化機構，努桑塔拉現當代藝術博物館致力藉由展覽與互動式公共計畫，呈現在地及國際跨領域藝術家創作。Museum MACAN館長Venus Lau對外表示，在Max Mara女性藝術獎首次於亞洲和印尼亮相之際，能與品牌及義大利當代藝術館Collezione Maramotti合作，館方深感榮幸。「作為國際藝術界放大女性聲音的領先平台，此獎項在形塑當代藝術論述及拓展女性藝術家發展機會等面向上扮演關鍵角色，我們自豪能參與這項倡議，促進跨越本屆活動框架的文化交流。此獎項提供為期6個月的義大利藝術環境駐村計畫，讓獲獎者得以進行深度研究、拓展人脈網絡，並發展在地尚未普及的工作方式；其影響力不僅在獲選藝術家（身上），更將強化印尼整體藝術生態系對女性藝術家的支持，激發關乎視角的全新對談，將印尼女性藝術家的創作實踐置於更平等的全球對話之中。」

不懈培育創意多樣性

自創設以來，Max Mara女性藝術獎始終保有鮮明特色與核心目標，如今再闢國際行動範疇、觸及相異文化版圖，以期豐富獎項傳承，持續成為推動女性藝術家獲得真正平等的重要力量，無疑更為新一代藝術家提供靈感與正向榜樣。

2026.06.12更新：英國藝術家大衛·霍克尼（David Hockney）於6月11日在家中安詳離世，享壽88歲。這位最具影響力且備受愛戴的藝術家，同時也是1960年代普普藝術運動的領軍人物之一。2018年，他的一幅泳池系列畫作在拍賣會上以將近7,000萬英鎊的價格成交，創下了當時在世藝術家的最高拍賣紀錄。

池畔迷情的藝術創作

明媚的加州陽光，波光粼粼的泳池，在遠方翠綠的青山襯托下，一位俊秀的青年站在池畔⋯⋯這是英國藝術大師大衛霍克尼David Hockney的知名作品《藝術家肖像畫：游泳池畔的兩個人》（Portrait of an artist：pool with two figures，1972），以描繪肖像、泳池與同志情慾出名的他，雖已超過八十歲，卻未曾停下創作的腳步。

事實上，Hockney早期的作品並非如中後期般色彩鮮豔，而是充滿叛逆與抽象主義的視覺風格，對自己同志身分的宣揚，以及爭取世界認同的渴望，而在同志尚未合法的時空背景下，更應證Hockney作為藝術家的熱情與不凡傲骨。

David Hockney的故鄉位於英國東北約克郡，在那裡，與怡人的加州不同，陽光是生活的奢侈品。在1964年Hockney親自踏上美國國土前，對加州的印象完全來自傳播媒體，尤其是他所蒐集的《身體影像畫報》，也因此，美國成為性與自由的代名詞，並成為驅動他出走的動力。

初登上加州的Hockney，這片乘載他無數憧憬與情感投射的夢想之地，很快就深深滲透他的骨髓，從其作畫風格的變化便可發現──明亮的陽光也一併照進他的畫作中。受此影響，Hockney對同性愛侶的情感，也絲毫不遮掩地搬上檯面，成就至今仍廣受歡迎的一系列泳池畫作：《Peter getting out of Nicks pool, 1966》、《A Bigger Splash,1967》等。

而繼《藝術家肖像畫：游泳池畔的兩個人》在2018年於紐約佳士得拍賣以9030萬美元（約新台幣27.4億）天價成交，一度成為史上最貴的在世藝術家。Hockney另一代表作《水花》（Splash ）則成為2020倫敦蘇富比當代藝術晚拍上，以2311萬英鎊（近9億台幣）高價成交，成為其作品第三高拍賣價的作品 。

其風格鮮明的創作，多年來也深深影響各界，像是金獎電影《樂來越愛你》（La La Land）裡眾人歡唱標舞的泳池橋段，其靈感便是汲取自盛名的泳池系列創作，陽光、藍天和派對，這些洛杉磯追夢之人每天所會遇見的場景，在導演達米恩查澤雷（Damien Chazelle）與美術指導大衛沃思科（David Wasco）調理下，將象徵享樂主義的泳池派對，活靈活現地藉由大銀幕重現，至於為什麼情有獨鍾泳池？「泳池派對是洛杉磯的代名詞。」大衛沃思科說道。

除了廣為人知的泳池畫作品外，肖像畫一直是Hockney主要的創作主題，對象從自己、雙親到友人，透過其溫潤鮮豔的色調呈現，或隨興雜揉的筆觸，都精準地具現了畫中人物的情感與個性，效果甚至更勝攝影一籌。

談到攝影，不可不提Hockney於1980年代開始的攝影拼貼創作，運用嶄新媒材再次詮釋作畫的不同面向。他堅稱，攝影於反映現實永遠不及繪畫，人們以為按下快門的瞬間便捕捉了真實，然而卻忽略時間的流動與情緒的作用，因此，透過後續的藝術再造，將照片昇華成畫作，才更貼近人們所感受的現實。

David Hockney對新媒材的嘗試並未止於攝影，近年來他更跨足電繪領域，用iPad持續創作，挑戰實體畫布無法呈現的手法與效果。即使邁入高齡，他對藝術的熱情只會持續增加，並且持續至倒下的一刻為止。

原文刊載於2018-08-23