訪客請出招！主動探索知識的數位博物館時代！

庫柏休伊特設計博物館（Cooper Hewitt, Smithsonian Design Museum）是美國唯一專注設計歷史和當代設計的博物館。強調主動探索知識的力量，在此訪客是創造博物館體驗的積極參與者。

身為世界上最大博物館群史密森尼學會（Smithsonian Institution）的重要成員，庫柏休伊特設計博物館（Cooper Hewitt,Smithsonian Design Museum）是美國唯一專注設計歷史和當代設計的博物館。由企業大亨Peter Cooper 的孫女們於1897 年創立，其淵源可以追溯到紐約頗富盛名的藝術設計學校Cooper Union當時收藏裝飾藝術的博物館。

雖然歷史悠久，但在2014 年重整開幕後，21 萬件館藏中，已經有高達9 成全部數位化，館長Caroline Baumann 很開心地與我們分享，「這次大規模館藏數位化計畫，在博物館界可以說是空前絕後。整整耗時18 個月後，我們終於能將博物館推到全世界的眼前。」相較於每檔展覽7 百多件的實體展示物，可以探索的範圍更不受限。

不只如此，庫柏休伊特設計博物館的互動體驗設計更是博物館界的創舉！進入展館後，每人都會拿到館方提供的「科技互動筆（the pen）」以及個人密碼，只要在整棟博物館中看到有興趣的展物，都可以用互動筆輕觸感應標示，就能立即記錄存取館藏相關資訊，即使走出博物館也能在個人智慧裝置上繼續探索旅程！

強調主動探索知識的力量，在庫柏休伊特裡，訪客是創造博物館體驗的積極參與者。在推出後大受歡迎的「沉浸式體驗空間（Immersion Room）」中—訪客可以動手設計壁紙、或探索全美國最豐富的壁紙館藏。也能在數位互動桌上，透過科技互動筆將剛剛在展覽中看到的設計，重現在桌面觸控螢幕上，透過系統進一步聯想發掘其他精采館藏。此外，館方官網也是極具影響力的設計教育資源平台，提供知名設計師的訪談影片、課程計畫、線上刊物、甚至還有可以下載的字形設計。

面對數位化時代，館長Caroline Baumann很期待互動科技能與博物館碰撞出新體驗，她語帶肯定地表示，「數位改變了一切。過去，博物館只能片段地展示自己，現在卻能毫無保留地公開一切。數位化浪潮正是博物館的未來！」

Ｑ＆Ａ／專訪

庫柏休伊特設計博物館 館長 Caroline Baumann

Ｑ１．請與我們分享庫柏休伊特設計博物館的定位和任務吧！

作為美國唯一一座專注於歷史與當代設計的設計博物館，庫柏休伊特就像一位大總管，收藏著全世界最多元且全面的設計展品。我們透過設計來教育、啟發人們，並給予人們力量。館內共收藏了20 萬件、時代橫跨三千年的作品，也是我們組織呈現專題展覽、具影響力的教育計畫、以及供世界各地（從堪薩斯的托皮卡到台北台灣）都可使用的豐富數位館藏體驗的核心架構。

Ｑ２．請與我們分享２至３個，您認為近年來最具代表性的展覽吧！

《TOOLS：EXTENDING OUR REACH》是2014 年重新開放後的第一檔大展，不只動員庫柏休伊特本館，還跨學門連結了史密森尼學會旗下11 間博物館和研究中心。從一早醒來到就寢，我們都在使用「工具」，為了克服人類身體的限度，各式的工具因而被設計出來。工具就是人類的延伸。展覽出的設計物件非常多元，從185 萬年前的石器，到同步傳輸回地球的太陽表面數據資料，每件展品都訴說著一個獨特的設計故事！

《ENERGIZING THE EVERYDAY：GIFTS FROM THE GEORGER. KRAVIS II COLLECTION》，這個展覽很生動地傳達為什麼好的設計對人們而言，是如此珍貴，同時也向了不起的收藏家George R. Kravis 的慷慨，致上謝意。這些所謂的「日常」物件，兼具美麗與實用性。透過這些收藏，我們能看到設計提升並改變日常生活的可能。

更近期的展覽《BY THE PEOPLE：DESIGNING A BETTER AMERICA》則企圖激起實踐主義，期待透過設計，為美國人形塑一個更公平且平等的社會。針對庫伯休伊特所舉辦的激勵人心系列第三作，我們著重於人道主義的設計，《BY THE PEOPLE》探索了美國各地總計六十項合作性設計，觀看其如何鼓勵大眾以實際行動來振興社區，提高機會。

Ｑ３．庫柏休伊特博物館的展覽策劃方式、和重視的策展主軸是如何呢？

我們每一項展覽的策劃與組織，都至少從展覽正式開放前兩年或甚至更久前就開始了。一般來說，策展團隊會發展出一個主題，並提出一份應納入的項目清單。以今年夏天，我們剛展出的三年展《BEAUTY》來說，策展人選擇著重於美學的創新，他們不僅拜訪了國內外設計工作室，也尋求國際策展顧問團隊的意見，透過重新思考「美」的概念，對近年設計新作和設計師進行檢視。

我們很強調透過策展創造以設計為主的積極對話，並強化歷史連續性。我們取得並呈現作品的方式較著重於「設計過程」，所以我們會蒐集並展示畫稿、草圖、原型與影片，突顯並紀錄一件作品從概念化到完成的路程。透過描述一項設計的故事，鼓勵人們找出更貼近個人層面的作品意義！

Ｑ４．在挑選館藏時，有哪些策略呢？可以和我們分享一些你推薦的特色館藏嗎？

聖地亞哥． 卡拉特拉瓦（Santiago Calatrava）為新世貿中心轉運站設計之時，所留下的草圖。該建築已成為廿一世紀最具代表性的標誌，其鋼筋處與白色骨幹，誘發人們對鴿子翅膀的聯想──在別具深意的場所內置放此一世界性的和平象徵。

來自奈及利亞的美麗絲織品──豪薩袍（Hausa Robe），製作於十九世紀末，袍子上的手工刺繡圖案體現穿戴者的伊斯蘭信仰。

來自知名建築師大衛．阿加葉（David Adjaye） 的椅子， 成為華盛頓收藏之一。其設計讓人聯想到近期剛開幕的國立非裔美國人歷史與文化國家博物館（National Museum of African American History and Culture）。

Text / 翁浩源、方敘潔

訪問 / 方敘潔

Photo / Cooper Hewitt, Smithsonian Design Museum

#本文內容出自《 Lavie 》雜誌10月號

有些藝術作品不居於白盒子內，而是在街道上釋放鮮活能量。在台中，從戲院、飯店、舞廳到公園，皆可見王水河的藝術蹤跡，他是作品橫跨平面設計、雕塑、繪畫、室內裝潢等領域的藝術家，也是見證台中走向現代摩登都會的重要創作者。想知道他的創作如何在台中城市景觀、文化記憶裡穿針引線？就到臺中市立美術館（中美館）特展《搖擺阿哥哥－時代跨域者王水河》一探究竟！

從繪製電影看板開始的藝術生涯

王水河的藝術天份，從國小時便逐漸展露，他不僅在美術比賽中屢獲佳績，更受聘至一家電影看板店工作，憑藉細緻的繪畫技法，在14歲就被稱「師傅」，藝術生涯也由此展開。電影看板為王水河開啟了斜槓創作生涯，他的新穎風格受業者青睞，逐漸從燈具、家具設計，拓展至整體室內設計與建築規劃，展現全才創造力。1960年代，台中地區許多酒家、夜總會、咖啡廳慕名而來，委託他做美術設計。

定義1960年代台中式摩登的「王水河風格」

王水河的建築作品多具摩登現代感，俐落的幾何直線、曲角造型、立面裝飾符號、帶韻律感的橫飾帶……共織鮮明的「王水河風格」，這也成了台中城市景觀的重要組成，一代台中人心中的共同記憶。操刀建築與室內設計的同時，王水河也未停止對美術的追尋，仍持續創作雕塑與繪畫。尤值得一提的是，他的設計與藝術創作彼此高度關聯，比如一套字體會出現在招牌與建築外觀，亦或浮雕裝飾會貫穿室內空間與公共場域，體現他對「視覺整體性」的執著。

展覽必賞王水河代表作「南夜舞廳」

作為《搖擺阿哥哥》展覽一大亮點，「南夜舞廳」（前身為南夜咖啡室）無疑是體現王水河跨域整合能力的代表作。在此，他結合舞廳中表演、跳舞、社交等多項功能，巧妙將自身裝飾語彙融入現代主義風格之中，並融入夏威夷風情，以椰子樹、夏威夷草裙舞女郎構成熱帶海島意象，搭配渦旋曲線、幾何造型、鏡面裝飾、女體浮雕等，營造充滿律動感的華麗現代氛圍。

南夜舞廳迷人之處，在於王水河對「全方位設計」的極致追求。他憑藉深厚的繪畫與雕塑功力，彈性運用各種建築與設計語彙，將舞廳打造為一座「巨大且具功能性的立體雕塑」。隨著空間在1962年擴建為4層樓的複合式娛樂地標，由內而外統一的視覺意象，也使南夜舞廳成為當時最前衛的設計典範，並奠定王水河的流行指標地位。當時台中著名的一福堂、聖林、小夜曲等咖啡室，乃至南台灣的眾多摩登空間，皆出自他手。

中美館突破以往策展視角，以「跨域」展現王水河創作能量

中美館自成立開始，便持續推動台灣中部藝術家研究及檔案建置，本次王水河檔案研究歷時1年多，除了將近千件的文獻資料數位化外，研究團隊也進一步匯集500餘件老照片與報紙資料，並針對王水河的長子，也是最了解其生平的已故建築師——王文芳先生，完成9次深入訪談與資料整理。透過這些文獻、影像與口述資料，中美館細緻爬梳王水河的創作歷程，以及中部地區文化發展中，城市變化和日常生活的生成軌跡。

過去，王水河曾在台中的文化中心舉辦多次以藝術作品為主的個展，此次中美館打破過往多聚焦其藝術創作的策展框架，首度從其「跨域創作能量」出發，全面梳理他的藝術和設計歷程，展現他對台灣戰後摩登城市地景與美學的深遠影響。

重返60年代台中的流金歲月：珍貴文物、VR體驗共織展覽

王水河的作品和台中的摩登文化浪潮同步前進，展名以「阿哥哥」為名，這是1960年代台灣對西洋流行音樂、舞蹈與歌舞表演文化風潮的通稱。在當時美軍駐台、唱片及大眾媒體傳播等影響之下，歐美夜總會、俱樂部及Go-Go dance文化逐漸進入臺灣，激發那個年代人們追求摩登的強烈渴望。

《搖擺阿哥哥》展覽涵蓋5個子題，完整呈現王水河橫跨多元領域的精彩作品：從商業視覺設計的字體研發，到純藝術領域的雕塑與繪畫創作；也包羅整合家具、燈具、壁飾的室內設計，到遍及全台的建築規劃。現場亦同時展出藝術家的生活物件，呈現其對於造型與美學的執著，如何延伸至日常生活。

為了讓王水河身處的流金歲月走出歷史文獻，本展特別攜手新媒體藝術家楊子慕，透過比對歷史圖像、文獻與口述資料，以數位建模技術重建虛擬影像，讓觀眾可以使用VR互動裝置體驗，在展場中感受南夜舞廳的華麗現場。展區更將同步陳列復刻燈具與椅件，並首度公開王水河的設計手稿。虛實交錯間，這座細緻重現的南夜舞廳，不僅體現了何謂「王水河美學」，更喚醒珍貴的地方記憶。

《搖擺阿哥哥－時代跨域者王水河》

展期｜2026.08.29－10.25

展場｜臺中市立美術館 展覽室D、E

地址｜臺中市西屯區中科路2201號

門票｜免費參觀

開放時間｜每週二至日 9:00－17:00／週六9:00－20:00／國定假日照常開放

現正於台北展出的「波特羅特展」，為拉丁美洲藝術家費爾南多・波特羅（Fernando Botero）首度在台舉辦的大型展覽。而本次展覽由波特羅基金會代表，同時也是波特羅的女兒Lina Botero策劃，她也親自與我們分享波特羅的藝術生涯故事，以及那些關於父親的回憶。

對「體積」充滿迷戀

1932年出生於哥倫比亞麥德林的波特羅，直到2023年離世前4天，仍持續在創作，一生對藝術充滿了熱愛。而貫穿波特羅作品核心的，是他對「體積（volume）」的迷戀，但他總說，自己對體積的著迷是與生俱來，且他從未真正理解這份執著究竟從何而來。

1952年，是波特羅人生中的重要轉折，當時他憑藉著獎金來到歐洲，進入皇家聖費爾南多美術學院學習繪畫。然而波特羅很快意識到，與其坐在教室裡，不如把時間花在臨摹大師的作品上。此後，他幾乎每天都前往普拉多美術館（Museo del Prado）臨摹Velázquez、Tintoretto、Titian等大師的畫作，這段經歷也對他的藝術養成至關重要。

某天，波特羅偶然看到書上有著Piero della Francesca的壁畫作品，那一刻，他深深意識到，藝術遠比自己想像的更加崇高。而這也促使波特羅前往佛羅倫斯，深入研究義大利文藝復興時期的作品。

藝術必先深植於本土

在歐洲待了兩三年，由於旅費耗盡，23歲的波特羅回到哥倫比亞，與妻子結婚後，兩人隨即前往墨西哥生活。Lina提到，當時的墨西哥是拉丁美洲藝術發展的重鎮，也是許多年輕藝術家心中的「朝聖之地」。彼時，多數拉丁美洲藝術家仍描繪與歐洲印象派畫家相似的風景，但墨西哥藝術家率先將目光轉向自己的文化根源，開始描繪這片土地的事物。這也讓年僅24歲的波特羅重新思考創作方向，並奠定了他一生遵循的信念——「藝術若要真正具有普世性，首先必須根植於在地（For art to be truly universal, it must first be local.）」。

在那之後，波特羅的創作核心便建立在自己童年與青少年時期的回憶之上。Lina說明，「在本次展覽中的『拉丁美洲』展區，可以看到那些存在於我父親記憶中的人物，後來都成了他作品中的主角；街道景象與日常生活的場景，也被他以個人風格轉化為屬於自己的世界。」

形塑獨特的「波特羅風格」

Lina補充，每一位藝術家在創作初期，都會受到許多不同事物的影響，也會不斷嘗試各種可能、直到找到真正屬於自己的藝術語言。而在墨西哥時期，也發生了一件對波特羅極為重要的事。某天深夜，他獨自在工作室畫一把曼陀林（mandolin），他先是畫出非常飽滿的外輪廓，接著畫了一個非常小的音孔。在那瞬間，他發覺曼陀林彷彿被放大許多，同時意識到，自己似乎發現了某種對未來創作極為重要的方向。而這是過去的藝術養分與創作經驗累積下來的結果，並逐漸形塑出我們今日所認識的波特羅風格。

「風格」是藝術家信念的總和

對波特羅而言，「風格」是一位藝術家能夠為自己所處時代做出的最大貢獻，因為「風格」正是藝術家信念的總和。Lina說明，真正的風格應該在最簡單的題材中也能夠被辨認出來，比如畢卡索和塞尚或波特羅畫的橘子，是完全不一樣的。因此在這次的「靜物」展區中，更能讓人一眼辨識出波特羅的風格。事實上，很多人都會問：「波特羅為什麼總是畫胖子？」但他總回答這輩子沒畫過任何胖子。因為他的創作，其實是將感官上的感受傳遞到形式上，是對飽滿、圓潤形體所展開的探索，且不只是人物，不論是物件、水果或動物，他都以相同的手法賦予它們雕塑般的分量感。

忠於自己的核心價值

Lina分享，1960年代波特羅在紐約時，當時的主流是抽象畫與普普藝術，他卻與趨勢背道而馳，結果沒有人注意他的作品，藝評也對他也非常嚴厲。然而，波特羅始終忠於自己的藝術信念、不盲從追求當時的潮流。直到MoMA的一位策展人看到他畫的《12歲的蒙娜麗莎》，決定讓這幅畫在MoMA展出後，才開始有人與他接觸，也讓波特羅迎來了職業生涯的轉捩點。

藝術應該是屬於每一個人

身為策展人的Lina表示，「這是我們第一次來台灣，我希望可以選擇最為顯著、最可以代表我父親70年創作歷程的主題，因此作為他的根源的『拉丁美洲』展區格外重要。」而像是「靜物」、「鬥牛」等主題，也都是構成波特羅創作的不同面向。她也提到，先前在韓國展出時，突破了近25萬的觀展人數紀錄，這也證明了不同的畫作能直接與觀者對話，同時呼應波特羅的想法「藝術應該是屬於每個人，不是只有少數菁英份子可以欣賞的。」

延伸閱讀：《圓潤的魔法 波特羅特展》登台！集結「圓滾滾藝術家」油畫、素描、水彩與立體雕塑作品，一探獨特膨脹美學

幽默是走進藝術的一扇門

Lina補充，父親是個非常幽默的人。「他認為，幽默就像是一扇為觀者打開的門，讓人們得以走進藝術作品之中。他同時也把幽默當成一種工具，因為在1930到40年代的拉丁美洲有非常多獨裁者，而他會利用藝術去批判這些獨裁者、政治家或諷刺教會。」對Lina而言，看見這麼多人喜愛父親的作品，令她感到十分欣慰，也讓她更加確信，將這些作品帶給下一代是他們肩負的重大責任。「我也曾和畢卡索的後裔討論到這點，我們都認為，持續與新世代展開對話非常重要。」

不只是藝術創作，談起父親，Lina分享了許多回憶。她說，「我從小和兩個兄弟一起長大，但父親從來沒有把我當作『只是個女孩子而已』，他對我們所有人都是一視同仁的，他讓我覺得自己是個強大的女性。」

為父親策劃80歲回顧展

Lina過去曾在電視廣播界工作，之後投入室內設計領域。2012年，她受邀於墨西哥為波特羅策劃80歲生日回顧展。「和我父親共事是一件非常美妙的事，因為我們有非常緊密的關係，同時也互相信任。他相信我能把他作品所要展現出來的樣子，以及著重的重點表現出來。」

波特羅非常喜歡獨自作畫，Lina成為少數被允許進去他工作室的人。「在我父親生命的最後一年，我每天都陪他去工作室。看他作畫是一件非常神奇的事，只要待在工作室，他就像突然變回了年輕人，甚至不再需要拐杖。」

用想像力灌溉童年回憶

最後，Lina笑著說，對父親印象最深刻的，還是那些童年回憶。「我們成長過程中有著許多關於父親的美好記憶，因為當時我父親完全沒有錢，但他會用他的想像力來彌補資源上的匱乏。」她回憶，當時父母離婚後，每到星期五都會和父親共進晚餐，父親總會買最普通的罐頭番茄湯，但會特地去買玻璃眼球放進湯裡，並告訴孩子：「今天喝的是眼球湯。」年幼的他們當然深信不疑，「小時候，你會相信你父親對你說的每一件事。那真的是一段非常不可思議的時光。我的父親有說不完的精彩故事，而我最珍貴的童年回憶，也正是來自他為我們編織的那些奇妙故事。我父親留給我最好的禮物就是這些回憶。」

《圓潤的魔法 波特羅特展》
日期：2026.6.19-10.11
地點：國立中正紀念堂1展廳