入住奈良Airbnb設計木屋「吉野杉之家」！串聯鄉村林業、村民工藝替偏鄉找回在地價值

橫跨全球192個國家的民宿平台Airbnb，與以林木產業著名的奈良縣吉野町合作，在2016年原研哉主持的House Vision展中，發表了由建築師長谷川豪操刀設計，結合在地木工職人技術及良質杉木的「吉野杉之家」(吉野杉の家)。有著俐落線條的兩層樓木造建築在展覽後拆解、運回吉野町重組，並由當地組織自主營運，成為兼具住宿功能及促進交流的場域，建構出一個讓旅客能深度瞭解當地、並展現傳統產業及人文特色的平台，成為振興地方的契機。

Airbnb除了媒合供宿主及寄宿者，近年也一直希望藉由住宿模式的多樣化與在地化，讓旅客瞭解當地並增加旅遊經驗的深度。為求更積極的作為，Airbnb創設了Samara部門，希望運用其豐富的社群連結經驗，從空間等硬體設計，到服務、經營體制等軟體的建構，都能結合不同領域的專業，創造以社群為主體，同時深化人與人之間的交流羈絆、強化經濟效益、和解決社會問題的可能模式。

他們首先聚焦已開發國家的共同課題：人口高齡化和地方人口流失，造成傳統產業斷後而併發的經濟蕭條現象。而要解決這些問題，居民的自覺及作為是不可或缺的關鍵。這類課題在長壽大國日本尤其深刻，因此以日本作為第一波試驗的舞台。

資源技術兼具 只欠發聲平台催化的良木美地

自500年前的室町時代以來，吉野出產的林木即是城樓、佛寺愛用的頂級建材。採用「密植」手法養林，先以高密度間距培植樹木，頻繁地進行修枝並逐年砍伐減少密度，使最後收成的樹幹木芯渾圓，年輪間隙窄且均勻，質地堅硬。木紋甚至不帶節點，還散發些許赤紅，被視為日本杉木中的高級品。由於香氣清而不膩，亦被視為製作釀酒樽的良材。林業延伸出的釀造業、木材加工業、木造建築業等技術也代代相傳至今。

建築師長谷川豪曾表示，將自然資源和以其衍伸出的傳統工法都保留下來的區域很少見，而這正是吉野町的獨特魅力。加上這裡的吉野山是賞櫻名勝，觀光資源可謂相當豐富。然而極富潛力的吉野町，卻因人口及產業結構的改變漸漸沒落，旅客行經此地也沒有深入認識的管道。因此，Airbnb選定與吉野町攜手合作，促成這次的吉野杉之家計畫。

閃亮登場後返鄉落地生根

「吉野杉之家」在去年House Vision展中於東京首度亮相。建築師長谷川豪使用吉野開採而來的高品質杉檜，參考當地造屋工法，由當地木材建築職人打造。從設計發想到施工的每一個階段，都納入吉野町的傳統產業。展後拆解成7輛貨櫃車運回吉野町重組，地點特別挑選在吉野川旁，因為這裡是昔日原木順流而下時，作為林材品管停靠站的河段，鎮守著吉野杉名揚天下的起點，也象徵邁向未來與世界旅人接軌的出發點。

房屋為線條簡樸的兩層樓木造建築。二樓為正三角柱空間的「朝日之屋」、「夕陽之屋」兩間客房，沒有過多的設計，將亮點留給兩側窗外的美景。天花板的鑲嵌式照明透過0.3mm的極薄杉片散發溫暖的光線；吊掛式的懸空樓梯、杉木發出的微香，處處都是絕妙的木工技法。一樓是整面落地窗的橫長居廳空間。開放性廊緣設計將周邊的景致盡收眼底，是住客的休憩之所，也是居民的活動交流場地。

長谷川豪表示：「特別採取昔日日本家屋的質樸設計，不只能和吉野的街道風景融合，也讓外國旅客可以實際體驗到日本居所的魅力。」以此使旅客藉由住宿，增加對當地生活文化的認識。

在地社群自主摸索獨自的營運模式

除了硬體全面採用當地材料，在軟體模式的建構上也立下兩個方針。一是以在地團體為營運主體，二是其住宿收益回饋當地，做為資產保存之用。Airbnb是這次計畫的發起兼投資者，訂房系統也是透過其廣布全球的社群平台進行，然而在營運上，完全交由在地組織「Re:吉野共居會」（Re:吉野と暮らす会）主導。

在開幕儀式時，Airbnb社會創新統籌負責人卡麥隆‧辛克萊（Cameron Sinclair）表示：「吉野杉之家並不是Airbnb意圖呈現的理想家居模式，而是由在地社群主導的地方活化試驗計畫。」他也期待這個計劃進一步找到和在地產業連結的可能。目前收益高達97%回饋給地方文化遺產保存之用，讓沒有實際參與的民眾也能受惠，形成優良的永續循環。

從2016年12月開幕至今，營運組織已推出各種企劃，包括與在地林木產業合作的工廠參訪之旅、做為學童的校外教學據點、提供在地酒藏舉辦試飲會……等。成員也輪流進駐，與外來訪客實際接觸，不僅擁有對外發聲的場所，也刺激思考並再一次認識故鄉的特色。特別是成員不乏林業伐材職人或木工師傅，他們對傳產文化和建築工法了解甚深，每個人都有說不完的精彩故事，也讓每一次的相遇充滿驚喜。

如同一直以來扮演媒合平台的角色一樣，Airbnb成功串連建築師、地方傳統產業、在地職人等異業領域，提供了軟硬體平台，讓地方組織（供宿者）和外來旅客（寄宿者）自由碰撞火花，進而活絡當地，開啟了一個兼具創意與美感的雙贏模式。

 Info│吉野杉之家 

地址：日本奈良縣吉野郡吉野町飯貝624

Airbnb「Yoshino Cedar House」

https://www.yoshinocedarhouse.jp/

Text / 高綺韓

圖片提供 / Airbnb PR事務局

【更多精彩內容請見《LaVie》2017年9月號】

日系眼鏡品牌JINS與英國海澤維克工作室（Heatherwick Studio）跨界聯名，透過「以人為本」的設計理念，將常以直線輪廓示人的眼鏡，轉化成有如水波流動般的曲線，並從大自然各種液態景緻中汲取6大色彩，打造出獨具特色的設計眼鏡！

向來被稱作設計鬼才的海澤維克（Thomas Heatherwick），作品橫跨多個領域，從建築、都市規劃、產品與家具設計、時尚精品等，都能看見他充滿玩心又具實驗性的設計風格。如今，他首度進軍眼鏡市場，攜手日系品牌JINS，推出「JINS × Heatherwick Studio」 聯名眼鏡系列（JINS流動美學系列）。

以Liquid為靈感，打造流動曲線、揉合大自然色彩的設計眼鏡

若你對海澤維克的作品不陌生，那一定能想得到這款聯名眼鏡顯然不會走傳統路線，而是符合他一直以來秉持嶄新、原創，以及符合人本的特色。本次「JINS × Heatherwick Studio」以「Liquid」為核心概念，靈感源自水面波紋與大自然起伏蕩漾流動姿態 。

相較於傳統眼鏡多以工業製品的精準與對稱為設計基礎，海澤維克工作室將液體流動的柔軟瞬間轉化為鏡框線條，透過不對稱的輪廓、如水波般起伏的鏡腳細節，讓眼鏡不再只是修飾臉型的配件，而是一件能自然貼合臉部，襯托配戴者個性的日常物件。

海澤維克工作室執行合夥人Stuart Wood表示：「眼鏡訴說著配戴者的自我，是極為私人又親近的存在。然而現今的鏡框設計往往過於單一，難以貼近個人的獨特個性。比起冰冷的工業製品，我們更追求宛如受自然之力洗禮、自然形塑而成的『有機形態』。」 而每當戴上它時，配戴者都能遇見更有質感、更特別的自己。

在款式設計上，「JINS × Heatherwick Studio」共推出樹脂膠框與鈦金屬鏡框兩大類型。樹脂膠框款以具份量感的框型呈現液體般的流動曲線，包含Grey Mist水面晨霧、Amber Stone琥珀、Stream Fern水生植物與Obsidian Black黑曜石等色彩，分別呼應薄霧浮於水面、琥珀樹脂的溫潤深度、清澈溪流下的水生植物，以及火山岩與深邃溪谷的沉靜光澤。

鈦金屬款則以更輕盈俐落的線條展現另一種液態質感，包括Polished Titanium亮面拋光鈦金屬與 Brushed Titanium霧面髮絲鈦金屬，前者如波光粼粼的水面或熔融金屬般映照光影，後者則透過細緻拉絲處理，呈現如微波蕩漾的水面。 

「JINS × Heatherwick Studio」已於5月14日正式上市，若想體驗戴上設計大師操刀的眼鏡是什麼感受，也不妨親自走進門市試戴。

資料來源｜JINS

黎巴嫩建築師Lina Ghotmeh，近年躍升為全球最受矚目的建築師之一，《時代》雜誌不僅將她選入2025年「次世代百大影響力人物」（TIME100 Next），更是該榜單當年唯一入選的建築師；全球最大規模文化翻新案之一的大英博物館西側展廳群（Western Range），也由她拿下國際競圖。她親身分享，如何透過「未來考古學」（Archaeology of the Future），從研究、材料探索與田野調查出發，與建築的過去和未來展開對話。

➣本文選自La Vie 2026／4月號《貓的居家空間指南》，更多精彩內容請點此

曾經，Lina Ghotmeh立志成為考古學家。成長於黎巴嫩內戰末尾的貝魯特，戰後市中心四處進行著大規模考古挖掘，腓尼基、羅馬、鄂圖曼等不同文明的斷層，就這樣赤裸攤開在她眼前。「那是一座被破壊與重建一層層刻印的『開放考古現場』，激起了我對考古學的興趣，也讓我開始把每一塊基地都視為被環境塑造、由故事層疊堆積而成的『古羊皮重寫書卷』（palimpsest）。」然而，她不只想發掘過去，更著迷於以建築定義未來的力量。貝魯特美國大學（American University of Beirut，AUB）跨學科的環境讓她自由探索；她日後所謂「未來考古學」的概念，也在此緩慢成形——一讓建築既錨定於當地環境與歷史痕跡之上，又能清晰指向未來願景。

「我把建築理解為一種傾聽：傾聽土地、傾聽歷史，傾聽那些看不見的敘事。」

畢業後，她前往法國巴黎深造。其後，她受邀任職於Ateliers Jean Nouvel，被派駐倫敦與Nouvel / Foster + Partners合作Walbrook Square大型開發案，共事的皆是世界頂尖團隊。「那是充滿啟發的時期，讓我更加確信『作夢』的重要性，以及不斷拓展建築邊界的必要。」然而，她也意識到這並非自己想走的路。

建築無法抹平創痕，但給予力量

2005年，愛沙尼亞國家博物館（2006～2016）的競圖公告令Lina Ghotmeh眼睛一亮，內心湧起一股強烈想要參與的衝動。她回憶道：「那時愛沙尼亞剛加入歐盟，帶著動盪的歷史記憶，這在很多層面上都跟我自己的成長經驗產生了共鳴，而基地本身也留有那段歷史的痕跡。」她深受吸引，邀請當時的兩位同事田根剛與Dan Dorell一起投件。3人暢想將建物延伸至Tartu的前蘇聯軍用跑道上，使一段複雜的民族歷史轉化為向未來升起的斜坡，大膽的設計贏下了博物館競圖。那一年是2006年，她才26歲，便決心與夥伴創立合夥事務所「DGT.」（Dorell Ghotmeh Tane / Architects）。

歷經漫長的10年，愛沙尼亞國家博物館在2016年正式完工。3人也決定各自獨立，Lina Ghotmeh隨即在巴黎成立了同名事務所Lina Ghotmeh－Architecture（LG－A）。她的下一個計畫集合住宅「Stone Garden」（2011～2020）帶她回到了貝魯特。施工末尾，2020年貝魯特港口發生驚世大爆炸，建物倖存下來，也在當年順利完工。無論戰爭或意外，都是巨大的破壞力量，她坦言：

「建築無法抹除創傷，但它能給予尊嚴與延續感，給人一個得以共同喘息的空間。它也能成為一種媒介，讓情感透過實體的形式被訴說出來。」

Lina Ghotmeh擁抱起貝魯特的廢墟記憶與集體創痛。「這個計畫不是要掩蓋傷痕，而是去吸收它們，將記憶轉化為實體。」粗糙的大地色混凝土外牆由工匠手工刻畫出波紋，如同農人在一片垂直的土地上耕作，也引人聯想起這國家多舛的命運；其上雕鑿出巨大的窗口，回應著曾烙印 在城市肌膚上的彈孔，使建築通透迎向外界，也成了居民種植植物的窗台與生活所在。「公共性，本身就出自於大方的姿態。立面、門檻、花園、陰影，每一處細節都可以成為與人連結的方式。在脆弱的處境裡，建築必須謹慎，甚至近乎靜默，卻又不能置身事外。」她認為，住宅不該是私密、孤立的存在，空間有責任與周遭公共環境對話，訴說自身的歷史與存在，並成為城市的一份子。

慢下來，由手工材質重探萬物的聯繫

在這個追求速成的時代，Lina Ghotmeh反而注重勞力密集的手工藝。她不諱言自己對材質的迷戀，「我深受那些承載著場所、時間與自然的材質吸引，那些會老化、會呼吸、會記錄下人手觸摸過的痕跡的材質。」如同她的事務所參考諾曼第地區的製磚傳統，培訓當地匠人以50萬塊手工磚親手砌起愛馬仕皮革工坊「Precise Acts」（2019～2023）。「當我們花時間去建造，同時也在培養對環境的自覺、關懷與情感。這些，在今日都是我們迫切需要的。」這不僅讓作品深深紮根於地方文史之上，整個建造過程也訴說著建築最根本的精神：協力製造，一起把東西蓋起來。

在永續建築的浪潮下，低碳的木構已成為當代顯學。愛馬仕皮革工坊便採用磚木混合結構，Lina Ghotmeh也在蛇形藝廊（Serpentine Gallery）《À table》（2022～2023）及2025大阪世界博覽會巴林館，嘗試了輕量化的混合結構，提出可重複組裝的模組化設計。尤其是巴林館，結合了柳杉原木框架與輕量化外層，所有構件如今正被重新利用於在日本推行的另一個計畫。原木榫接的應用本是日本的強項，LG－A 特別回應當地傳統並發起挑戰，與在地承包商攜手突破工法。一如在Stone Garden中，他們與工匠並肩從抹灰工藝中共同研發出新工法，為立面妝點紋飾，讓匠人真正進入建築的設計過程。

「在一個痴迷於速度的時代，工藝成了一種人文的行動，是對生命的讚歌。慢下來，才能讓關懷、精準與意義真正滲入其中。」

當今，愈來愈多建築師從根植在地歷史與傳統的風土智慧中尋找突破口。對此，Lina Ghotmeh表示：「風土的智慧往往是低科技的，懂得因應氣候、善用有限的資源，卻為我們的未來提供了珍貴的啟示，但這並不代表要拒絕科技。」她補充，有意識地運用AI等科技工具，能使設計思考更為敏銳、能力更加精進。實際上，近年她也投入全新低碳、生質材料（bio- sourced materials）的開發之中。「這同時來自道德關懷與對詩意的追求。永續不是一種限制，而是發明的泉源。生質材料帶來了新的美學、新的構築方式，以及建築與自然之間重新建立的關係。」

從歷史的斷層之中，想像建築的未來

2025年，LG—A贏得備受矚目的大英博物館西側展廳群（2025～）翻新計畫，幅度涵蓋全館展廳空間1/3。這是自1820年代以來規模最大的改建，引入自然光、創造「呼吸空間」，並強化節能手段。此外，她長年研究石材，發現30～40%的石材因不夠完美而淪為廢料；貝魯特大爆炸後滿目的瓦礫與破壞痕跡，更促使她思索如何將碎石重新織入城市景觀。她結合木模組結構，將施工產生的廢石重新加工為博物館展廳新牆面，既減輕歷史建築的承重負擔、貫徹她對材料循環的一貫堅持，更隱喻博物館歷史疊層的拆解與重組。「這個空間揭示了世界的緊密相連，讓館藏彼此對話，讓故事跨越時間與地理緩緩展開。我們希望創造能夠鼓勵對話的環境，讓展覽空間激發交流，讓材質喚醒感官。」

近年，她與阿拉伯世界的合作日益深厚。她正為卡達操刀威尼斯雙年展卡達館的永久建築（2025～），延續她對石材的關注，並結合手工玻璃的運用，構築在綠園城堡展區（Giardini）的基地上如石造瀑布般從地面升起，與威尼斯從水面浮現的姿態相互映照，也象徵數千年前自海中誕生的卡達。她分享：「在整段觀展旅程中，建築將不斷轉換人的視角、開啟新的視野，最終在一座開闊的屋頂露台達到高潮。站在那裡，人們俯瞰周遭環境，與地景建立起全新的關係。」

透過「未來考古學」，Lina Ghotmeh逐層溯源歷史斷層，以此構想未來。問道她最渴望創造的建築是什麼模樣，她說：「一種開放而多元的建築，能夠包容所有的生命，帶來喜悅、促進對話，在形式與材料上富有表現力，既能引人沉思，也能讓人相互靠近。空間應當是友善的、慷慨的，讓人自由穿流其中。」她相信，那會是一座充滿生命力的建築。

Lina Ghotmeh

黎巴嫩建築師，現居巴黎。畢業於貝魯特美國大學與巴黎École Spéciale d'Architecture（ESA）。2016年創立同名事務所Lina Ghotmeh — Architecture，提倡「未來考古學 」，主張建築應是土地記憶與未來永續的深度縫合。重要作品包括愛沙尼亞國家博物館（2016）、貝魯特Stone Garden（2020）、諾曼第Hermès Workshops（2023）、倫敦蛇形藝廊《À table》（2023）、2025大阪世界博覽會巴林館（2025）等；進行中包括大英博物館（Western Range galleries）翻新計畫、威尼斯雙年展卡達館等。

更多精彩內容，請見 La Vie 2026／4月號《貓的居家空間指南》

_{文｜吳哲夫
攝影｜David Levene、Iwan Baan、Takuji Shimmura　圖片提供｜Lina Ghotmeh — Architecture}