以往只有尊貴的皇室貴族能夠使用丹麥之花，而今依然非常稀有與珍貴，皇家哥本哈根此次難得將一套要價至少250萬的丹麥之花下午茶餐瓷組以及身價無可限量的手繪師空運來台，讓我們近距離看懂丹麥之花！

1. 什麼是丹麥之花？

顧名思義它是來自丹麥的花！大自然界的一草一木都是無比珍貴的資源，生物學家藉由研究來了解生命的奧義，對於工藝家們來說，他們可是美感細胞的起源。

1735年丹麥的「植物學之父」林奈將植物命名法公開於世，也引發丹麥開始籌畫記錄當地植物的百科全書。而此部巨著從1761年開始製作，歷時122年，終於在1883年完成，當時皇家哥本哈根瓷廠首席畫師J. C. Bayer描繪了3,240種的野生植物，並以手工彩繪加上銅版印製，這本百年級的圖鑑也成為目前丹麥之花畫師人手一冊，遵循描繪的「丹麥之花植物圖鑑」。

2.  承有皇室血脈，很珍稀！

不論繪畫、陶藝 製瓷技術在18世紀皆為丹麥皇室國力與品味的展現。國王克瑞斯欽七世委任皇家哥本哈根瓷廠製作丹麥之花餐瓷組共1,802件，原是要致贈俄國女皇凱薩琳二世的賀禮，立體雕花、彩金、描繪、燒製等複雜工藝，結果整個製程長達12年，而完成時凱薩琳二世已駕崩，當然此貴重的賀禮也就留在皇室自家使用，所以第一套丹麥之花於1803年在國王克瑞斯欽七世的壽宴上正式啟用。

而第二套則是1863年隨著丹麥公主亞歷珊卓遠嫁英國威爾斯王子，無比厲害、世間少見的嫁奩（妝）讓公主遠嫁異國也有著至高無上的尊榮！從那時起便開始定期量產，但有些特殊款（如冰淇淋盅）等待的天數就如等待一只柏金包，要多久？你懂得！

3. 120萬的冰淇淋盅貴得有道理?

真的是有道理的！但先想想為什麼需要一個冰淇淋盅呢？早期皇室將冰淇淋視為極為珍貴的甜品，不論是製作冰或是保存，都是一大挑戰，也唯獨貴族較易品嚐到，為了顯現冰淇淋的珍稀地位，特別設計了瓷盅來保存，當然我們的生活中用不太上，但視為藝術品或擺飾都讓人心曠神怡！

從鑄模到釉上彩手繪的製造過程極為繁複困難，繪製筆觸多達12,000筆以上，又為求顏色穩定，每上完一個顏色就必須鍛燒一次，24K金反覆描繪、鍛燒再以瑪瑙打磨拋光，層疊的葉片與鏤空編織的陶瓷技法，極易於燒製階段產生斷裂，成功率極低，通常只有非常少數的資深畫師才能完成每一個步驟，也是目前最難、最複雜的一件作品。

4. 每一件瓷器皆有畫師親筆簽名！

成為丹麥之花的手繪技師是一條漫長之路，除了須具備天生的繪畫天分之外，還須經過8~10年的漫長培訓，考取資格後才能成為專屬丹麥之花的手繪技師，或是描金師，同時也須遵循「丹麥之花植物圖鑑」繪製，目前僅有10位，每件作品完成後畫師會於底部或背部簽名，對於自己的作品以示負責。

5. 台灣市場深不見底！

是的，我們都知道景氣不好，但喜愛丹麥之花的台灣藏家們不受影響，畢竟這是全世界最頂級奢華的餐瓷！以全球市場來看，目前台灣的銷量榮登寶座，因此丹麥總公司多次為台灣客製特殊產品，破例不由「丹麥之花植物圖鑑」來繪製，而是將台灣的美景：日月潭、阿里山和玉山、藍鵲等繪製餐盤上供藏家們收藏，同時也提供客製服務，選擇鍾愛的花草植物於喜愛的瓷器上，打造自我的餐桌美學。

Text / Chia Lin

Photo via / 皇家哥本哈根

想到國外頂流品牌工作卻不得其門而入？參獎在各藝術領域或許都是一條「不容易的捷徑」。跨越國境與文化隔閡，單純用作品說故事——義大利頂級奢華品牌Loro Piana第九屆「Knit Design Award針織品設計大獎」，日前公布2025年由來自羅馬服裝學院的Morgan Boyce與Simone Rizzato組合奪下。品牌除提供優勝者獎學金、領進佛羅倫斯織物展覽會展出外，更將予以自家工作機會，從各種層面上全力扶持產業新血。

作為義大利卓越工藝的象徵，Loro Piana不僅在品牌創作中不斷追求崇高美感，亦透過設計大獎發掘、延攬和扶助新世代人才。旗下「Knit Design Award針織品設計大獎」2025年興辦第九屆，由相關產業人士組成的評審團在英國皇家藝術學院、法國杜佩雷高等應用藝術學院、瑞典紡織學校、美國紐約州立大學時裝技術學院、中國北京服裝學院、香港理工大學，以及義大利羅馬服裝學院共7個雙人組合帶來的主題作品中選出。

優勝者不僅可獲得全新設計獎盃、獎學金和Loro Piana的工作機會，更可至品牌位於皮埃蒙特（Piemonte，義大利西北部大區）歷史悠久的針織工坊完成其設計項目，向工坊內的專業工匠多方學習知識與技術。而後，Loro Piana會將得獎作品帶往2025年7月1日至3日舉辦在佛羅倫斯的針織業盛事「Pitti Filati針織紗線及織物展覽會」中展出。

頂級品牌才有的號召力，讓才華被看見

首辦於2016年，國際性獎項「Knit Design Award針織品設計大獎」表揚來自全球頂尖時裝設計院校、熱愛針織服的優秀學生，旨在讓才華出眾的設計學生利用Loro Piana特色紗線創作獨具創意的作品，培育並支持年輕設計師實現抱負，當然亦通過後續研習內容保存、提升和傳承品牌風韻。

評審團主席由Loro Piana行政總裁Damien Bertrand出任，全體成員包括時裝品牌Setchu創辦人兼創意總監桑田悟史（註）、Pauline Dujancourt創辦人暨創意總監Pauline Dujancourt，以及《Le Point》總編輯Gilles Denis、前《Vogue》日本版編輯Anna Dello Russo、時裝評論人Antonio Mancinelli、策展人Kimberly Drew等創意先驅。各院校學生的參賽作品於2025年5月13日交由評審團評選，隔日Loro Piana便在米蘭Casa degli Artisti舉行、義大利國家時裝商會贊助的活動中公開得獎名單。

註：Setchu品牌創辦人桑田悟史為2023 LVMH Prize得主，點此看《桑田悟史：日本文化與西方世界的時尚折衷主義》完整專訪。

亞麻織新意，羅馬服裝學院雙人組奪獎

2025年大獎主題「Winter Legacy – Translating Linen into Heritage Knitwear（冬日傳承——化亞麻於經典針織風華）」頌揚亞麻材質的可塑性，鼓勵學生發揮創意將亞麻與Loro Piana的傳統冬季紗線結合，並從品牌的百年精湛技藝和極致柔軟觸感中汲取靈感，平衡傳統與創新、功能與工藝，打造令人意想不到且不受季節限制的實用針織服飾。

羅馬服裝學院學生Morgan Boyce和Simone Rizzato的奪獎之作《Paracadute（降落傘）》即藉獨特手法探索並演繹主題，以與眾不同的原創概念彰顯Loro Piana紗線的價值，最終在芸芸作品中脫穎而出。

以「降落傘」聯繫過去與未來，揭示亞麻鮮為人知的歷史

▍Paracadute

Morgan Boyce & Simone Rizzato (Accademia Costume & Moda, Italy)

我們的作品探索人類與亞麻傳統之間的連繫，因此，我們以Morgan的故事為起點，她任職的公司在二戰期間為盟軍製作降落傘，戰後她的親戚將這些以亞麻作為基礎材料的降落傘改造成供民眾穿著的衣服，甚至婚紗。我們希望揭示亞麻鮮為人知的歷史，從而創作與眾不同的作品。「Paracadute」是一個關於堅毅與改變的故事，我們透過設計和針法，詮釋亞麻重生和全新演繹的主題，這個概念鼓勵我們探索輕盈與筆挺的對比，結合亞麻的天然特性與Loro Piana傳統冬季紗線的柔軟質感，突破針織服的固有界限。我們認為這場比賽的理念是邀請我們為Loro Piana探究傳統與創新之間的對話。我們希望將亞麻變成冬季作品的主角，將羊絨的溫暖柔軟特質結合亞麻的輕盈質感，以不受季節限制的方式豐富針織服傳統。我們嘗試運用各種針法升級亞麻，以體現Loro Piana所代表的奢華風格，我們在作品中突顯人類與亞麻之間的鮮明連繫，將「Paracadute」變成連繫過去與未來的橋樑。

共賞其餘6件作品

• 英國皇家藝術學院

• 法國杜佩雷高等應用藝術學院

• 瑞典紡織學校

• 美國紐約州立大學時裝技術學院

• 中國北京服裝學院

• 香港理工大學

同場加映：LVMH Prize，一張踏上國際舞台的無價門票

下有Loro Piana針織品設計獎、Loewe工藝獎，向上追溯母集團LVMH更有創立於2013年的「LVMH Prize for Young Fashion Designers」大獎。由總裁之女、Louis Vuitton副總裁Delphine Arnault所發起，提供18至40歲設計師在國際舞台上亮相的絕佳機會和贊助，截至2024年共設3獎項：「LVMH年輕時裝設計師大獎」（享40萬歐元資助與LVMH團隊量身打造的導師指導）、「Karl Lagerfeld獎」（享20萬歐元資助與為期一年的導師指導）、「Savoir-Faire工藝獎」（同享20萬歐元資助與為期一年的導師指導）。而過去10年，LVMH集團亦與時裝學校合作設立專門獎項，以支持並推廣2025年畢業的設計新秀；3位獲獎者將可加入集團旗下主要品牌的創意工坊、簽訂一年合約，並獲得1萬歐元資助和安頓於巴黎的補助金。

回望20世紀至今，哪些經典設計改變了世界？今年於紐約現代藝術博物館（MoMA）舉辦的展覽《Pirouette: Turning Points in Design》，網羅20世紀至今的全球經典設計，以超過100件家具、電子產品、符號圖標等作品，向觀眾展現設計作為推動社會變遷的重要力量。

20世紀至今的全球作品集

《Pirouette》由MoMA館內策展人Paola Antonelli與Maya Ellerkmann策劃。針對這場展覽，Paola Antonelli表示：「每一件物品都有自己的故事，而有些物品甚至改寫了歷史。設計能幫助我們意識到並修正負面行為，設計還能發明新的行為模式，承載嶄新的意義，如永續性與公平正義。這些都將於展覽中呈現。」

正如策展人所說，許多設計作品改變了人們的行為模式，它們打破既有分類與刻板印象，在材料、形式與功能上展現創新精神。有些設計對傳統問題提出非常規的解決方案，有些設計則提出了值得深化研究的建設性問題。《Pirouette》像是一本大型的全人類作品集，透過這些物件告訴觀眾，設計是如何不斷地推動社會進步與文化演變。

這些經典設計，改變了我們的生活

在《Pirouette》登場的作品，有些是全球廣為人知的經典，也有些僅受到領域專家關注，卻仍帶來深遠影響。你一定看過的像是Milton Glaser設計的《I ♥ NY》標誌（1976年）、Art Fry與Spencer Silver發明的Post-it便利貼（1977年）、Sony隨身聽（1979年）、Apple麥金塔128K機型（1983年）等，其中許多設計從革命性的實驗精神出發，如今大大改變了我們的生活。

除此之外，本展也包含一些從未進入商業化階段的概念性作品，如Tejo Remy的《You Can't Lay Down Your Memory》（1991年）、Don Pettit為太空人設計的咖啡杯（2008年）、以及Sabine Marcelis的《Candy Cube》（2014年）。它們展現了設計師如何運用想像力、嚴謹的研究參雜著遊戲精神，進而重新定義人類的行為與體驗。

展場中還能看到一些十分近期的作品，是策展團隊認為未來有望對社會產生同等影響力的潛力之作，例如氣候學家Ed Hawkins創作的全球氣溫螺旋圖（2016年），將複雜資料可視化，並以動態展示數十年來全球月平均溫度異常的上升趨勢；以及Gabriel Fontana的《Multiform》運動服（2019年），透過設計推廣包容與嶄新的團隊精神等。

《Pirouette: Turning Points in Design》展期至2025年10月18日。