五歲失去右手食指 專訪以快門撼動世界的傳奇戰地攝影師Steve McCurry!

專訪以快門撼動世界的傳奇戰地攝影師Steve McCurry!

許多人都看過這張照片,一位碧綠色眼珠的阿富汗少女。但很少人知道,拍攝這張照片的人,當代最知名的攝影師麥柯里(Steve McCurry),無法像常人用右手拍照,他的相機都是特製的。

 

「一個失去右手食指的男人,卻撼動世界。(A man lost his right index finger, but shot the world.)」,媒體這樣形容他。

 

麥柯里首度來台舉辦個展,本刊專訪這天,攝影記者特別準備他熟悉的哈蘇(Hasselblad)120相機請他拿著,他露出驚喜表情,接過來,用左手熟練的操作它。我們看見他5歲時受傷而失去功能的右手食指,短小且萎縮,這讓他必須以右手握住相機,反以左手按下快門。

 

為揭露真相穿梭戰地,曾數度被關、瀕臨死亡

從戰地攝影記者起家,他走進國際衝突前線,「一張照片,一個故事」是他的座右銘,善於用獨特的藝術觀點,在戰爭或廢墟中捕捉人性。

 

英國《星期日泰晤士報雜誌》曾評論:「他的照片讓地獄般的景象顯得神聖。」例如在殘酷的戰亂之地,他卻拍攝難民拿著書本,安靜閱讀的景象;他也曾經跟隨聖戰士,每天步行10幾個小時,記錄他們的革命情誼與信念。

 

個性剽悍的他,在1979年、蘇俄入侵阿富汗前,不惜冒著生命危險,喬裝成阿富汗人深入第一線戰區,將底片膠捲縫在衣服內攜出,成為首批揭露戰爭影像的攝影家,震驚世界。

 

他在阿富汗難民營內,發現一名12歲少女,剛歷經父母被炸死的慘劇,眼裡盡是恐懼,他抓住一瞬間拍攝,以完美的光影、構圖和色彩,登上《國家地理雜誌》封面,成為史上最著名的肖像照之一。他也創下拍攝同一主角,登上該雜誌3次封面的唯一紀錄。

 

其後,他在伊朗、伊拉克、黎巴嫩、柬埔寨等衝突之地穿梭拍攝,數度瀕臨死亡,在巴基斯坦被抓去關、在印度被圍毆暴打;他在前南斯拉夫時,還遭遇空難,一度傳出死訊。這些驚心動魄,只為了見證歷史。

 

相較許多攝影師拿著長鏡頭、躲在遠處拍攝,他說,唯有走入人群,才能傳達當地人的情感和故事。即便語言不通,他也盡可能交談,取得信任感。

 

不拍受苦、受傷、死亡,緊守尊重他人底線

「我生性害羞,但逼自己每天跟當地人對話,去觀察他們,降低錯誤詮釋。」他說,每分每秒都在拿捏尺度,「我認為那條線是尊重他人、不侵犯隱私,得不斷問自己:『拍這張照的意義是什麼?』所以我不會拍攝別人受苦、受傷、死亡的照片。」

 

他相信圖像會說話,將成為當地人發聲的管道之一,日後他更決定採取實際行動。2002年,他發起「尋找阿富汗少女」,從起初不知道姓名,只能憑照片尋人,還有不少女孩冒充身分,其後終於找到本人。

 

「那很令人興奮,我很感恩她還活著,能找到她就像是奇蹟。」他回憶。多年後重逢,他簡單說「哈囉」,但內心激動不已,之後資助少女、在當地開辦學校。不過,此舉也引發外界批評,認為他在消費被拍攝者。

 

「這(找尋她)絕對是對的,我想要幫助她和那裡的人,這完全是好事,從來沒懷疑過!」當我們引述外界的質疑,他情緒高昂的回應:「如果我給予幫助,別人卻要評論,我覺得那非常丟臉,我從來都沒有為此感到悲傷,從不!」他至今與她保持聯絡,「因為我覺得我們可以幫忙。」

 

這次來台展出,曾有廠商想製作「阿富汗少女」的周邊商品,被他嚴正拒絕。「他說,她12歲就是孤兒了,她還活著,不需要過度消費,那是他心中想要保護的人。」策展人陳昌仁轉述。如何與被攝者互動,麥柯里謹慎的拿捏界線。

 

面對修圖爭議,反問:為什麼想要標籤化我?

除了上述爭議,近年另一爭議是,他的不少照片被發現有修片痕跡,甚至為了構圖完美,將片中部分人物刪除。這名享譽全球的攝影師,被同業大力抨擊。

 

我們問他:「修圖後的照片,還會是真實嗎?」他遲疑了一下:「當你是一個攝影記者,就是拍照、印出來,但我是自由工作者,現在沒有為一家新聞媒體工作。」他不再視自己是攝影記者,而是「視覺說故事者」(Visual Storyteller)。

 

我們追問:「所以是定位改變了?」他反問:「為什麼想要標籤化我?應該由你來告訴我:『我是誰』嗎?」他不願被歸類為紀實或藝術攝影,他認為一張照片既可有紀實,也能包含藝術元素,兩者沒有明顯界線,日後他為了美學,還是可能對照片進行微調。

 

國內知名攝影師何經泰解釋,麥柯里會受到極大爭議,是因為他以戰地攝影聞名,該形象深植人心,若是以新聞攝影來看,他跨越了職業道德的紅線,「修片是瑕疵,但不能因為這樣就全盤否認他,他創造許多經典照片,很不容易。」他說,隨著時代演變,攝影圈對真實的定義也有不同詮釋,例如「擺拍」在過去的新聞攝影不被認同,現在,卻越來越多人能接受。

 

年近七旬的麥柯里,正帶著太太和孩子遊歷世界拍攝。「別人怎麼評論我或作品,我都不在乎!」他說,如何找到下個值得記錄和分享給全世界的故事,才是眼前最重要的課題。

 

※精彩全文,詳見《商業周刊》1582期。

※本文由商業周刊授權刊載,未經同意禁止轉載。

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瀧本幹也首檔美術館大型個展《LUNATION朔望》9月登場!集結新作與生涯代表作,展現商業攝影外的創作關注
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日本攝影家瀧本幹也全新個展《LUNATION朔望——從海洋閱讀天體》,將於9月2日~11月8日在茅崎市美術館展出。這是他首檔美術館大型個展,除了集結生涯至今的代表作,也同步推出以月相為主題的全新創作,讓大眾一探他在商業攝影之外,個人創作對自然的關注與探求。

從寶礦力水得、SAPPOROUNIQLO等商業廣告,到與吉澤亮、Mr.Children、坂本龍一等人多次合作,甚至擔任是枝裕和《我的意外爸爸》、《海街日記》、《第三次殺人》、《宛如阿修羅》攝影指導,瀧本幹也是少數能橫跨靜態與動態、商業與藝術的攝影師,在競爭激烈的日本創意產業,坐擁「只有他才能拍」的獨特魅力。

《LUNAR TIDE #8》(2016)。(圖片提供 © Mikiya TAKIMOTO / Courtesy of MT Gallery)
《LUNAR TIDE #8》(2016)。(圖片提供 © Mikiya TAKIMOTO / Courtesy of MT Gallery)
《LUNAR TIDE #15》(2022)。(圖片提供 © Mikiya TAKIMOTO / Courtesy of MT Gallery)
《LUNAR TIDE #15》(2022)。(圖片提供 © Mikiya TAKIMOTO / Courtesy of MT Gallery)

除了大眾相對熟悉的商業攝影與影視作品,瀧本幹也其實從創作初期,就一直保有個人純創作。1997年便發表以蒙古遊牧民族為主題的《MONGOLIAN TRIBE》,2007年的《SIGHTSEEING》則捕捉16國觀光名勝前的遊客,以鏡頭嘲諷了當下的消費社會。

《MONOGOLIAN TRIBE #58》(1997)。(圖片提供 © Mikiya TAKIMOTO / Courtesy of MT Gallery)
《MONOGOLIAN TRIBE #58》(1997)。(圖片提供 © Mikiya TAKIMOTO / Courtesy of MT Gallery)

透過觀景窗的自然關注

瀧本幹也之所以會喜歡上攝影,其實來自小時候透過望遠鏡觀測天文的經驗,更在小學畢業紀念冊就寫下「想成為一個有名的攝影師」。之後,他將對遙遠星辰的好奇,轉向作為行星的地球,包括自然與宇宙、人類與城市、微觀與宏觀等尺度差異,以及可見與不可見等難以捉摸的事物,都逐漸構成了他的攝影觀。

《GRAIN OF LIGHT #12》(2014)。(圖片提供 © Mikiya TAKIMOTO / Courtesy of MT Gallery)
《GRAIN OF LIGHT #12》(2014)。(圖片提供 © Mikiya TAKIMOTO / Courtesy of MT Gallery)
《GRAIN OF LIGHT #02》(2014)。(圖片提供 © Mikiya TAKIMOTO / Courtesy of MT Gallery)
《GRAIN OF LIGHT #02》(2014)。(圖片提供 © Mikiya TAKIMOTO / Courtesy of MT Gallery)

2014年他出版攝影集《GRAIN OF LIGHT》,捕捉了海面的多樣表情。2011年的《LAND SPACE》更親自遠赴NASA拍攝太空梭,並與他在冰島等拍攝的原初地景相互對照,如此宏觀對比宇宙與陸地、文明與自然的視角,也成了他的代表作。在疫情後,瀧本幹也則將過往的宏觀視角,轉向身邊的花草與寺廟,在《LUMIÈRE》、《PRIÈRE》(2020~2024)展現了更多內心情感的投射。

《SPACE #06》(2011)。(圖片提供 © Mikiya TAKIMOTO / Courtesy of MT Gallery)
《SPACE #06》(2011)。(圖片提供 © Mikiya TAKIMOTO / Courtesy of MT Gallery)
《SPACE #28》(2011)。(圖片提供 © Mikiya TAKIMOTO / Courtesy of MT Gallery)
《SPACE #28》(2011)。(圖片提供 © Mikiya TAKIMOTO / Courtesy of MT Gallery)

從海洋閱讀天體的全新創作&展出

過去曾在Laforet Museum原宿、代官山Hillside Forum等空間舉辦個展,此次瀧本幹也將於92日~118日在茅崎市美術館展出《LUNATION朔望——從海洋閱讀天體》,而這也是他首檔公立美術館大型個展。「朔」意指月球與太陽為同一側、月亮隱沒不見時,「望」指稱月球位於太陽相對側、明亮顯現時,因此展名「朔望」則是月亮盈虧變化的運行週期。而月球與太陽引力相互作用形成的潮汐,也呼應了茅崎市美術館位在海濱城鎮的場域特色。

《LUNATION朔望—從海洋閱讀天體》展覽主視覺。(圖片提供:瀧本幹也攝影事務所)
《LUNATION朔望—從海洋閱讀天體》展覽主視覺。(圖片提供:瀧本幹也攝影事務所)
《SURFACE PULSE: CHIGASAKI #01》(2026)。(圖片提供 © Mikiya TAKIMOTO / Courtesy of MT Gallery)
《SURFACE PULSE: CHIGASAKI #01》(2026)。(圖片提供 © Mikiya TAKIMOTO / Courtesy of MT Gallery)

LUNATION朔望》亦是瀧本幹也為茅崎拍攝的全新作品,透過滿月映照於水面的景象,喚起人們對生命的聯想。畫面中,灑落於水面的微弱月光、不斷變化型態的海洋,以及彼此連動的天體運行⋯⋯,透露著偌大的宇宙法則,其實就潛藏在我們的日常生活。而除了新作,展覽也集結了瀧本幹也至今持續創作的代表作品,帶領觀眾探索他的創作軌跡。

《LUNATION: CHIGASAKI #01》(2026)。(圖片提供 © Mikiya TAKIMOTO / Courtesy of MT Gallery)
《LUNATION: CHIGASAKI #01》(2026)。(圖片提供 © Mikiya TAKIMOTO / Courtesy of MT Gallery)

《瀧本幹也 LUNATION朔望——從海洋閱讀天體》
時間:2026.09.0211.08
地點:茅崎市美術館(神奈川縣茅崎市東海岸北1-4-45

開館時間:10:0017:00(最後入館時間16:30
休館日:週一休館(09.2110.12照常開館)、09.2410.13

瀧本幹也
平面、影像攝影家。1974年出生於日本愛知縣,1998年成立瀧本幹也攝影事務所。創作橫跨商業攝影、電視廣告和電影拍攝等。擔任導演是枝裕和《我的意外爸爸》、《海街日記》、《第三次殺人》、《宛如阿修羅》攝影指導。個人創作集包括《BAUHAUS DESSAU》、《SIGHTSEEING》、《LAND SPACE》、《LUMIÈRE》、《PRIÈRE》、《MONACO Azur / Gracieux》等。曾獲東京ADC賞、紐約ADC金獎、坎城國際創意節金獎等。

文、資料整理|張以潔
圖片提供|瀧本幹也攝影事務所

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讓她的鏡頭帶你重返童年現場!陳詠華攝影展《Childhood, Sculpted》登徠卡畫廊:拓印時間痕跡,在夢與現實間漂浮
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我們當如何感知時間,又或者說勾勒時間?興許只能透過其所留下的痕跡與印記,而知其曾經存在過,亦始終悄然存在著。聞名於使用底片捕捉強烈復古感人像的台灣時尚攝影師陳詠華,現正於台北徠卡之家舉辦個展《Childhood, Sculpted》;彩色和黑白系列共計24幅展品從擷取並重現自身童年記憶出發,試圖以影像描繪時間流逝之感。本篇藉多件作品穿插詳述藝術家創作脈絡、擅長風格,同場再帶看攝者本人親解的3大亮點之作。

時間是一位無形雕塑家

她這麼詮釋「雕塑」二字:「『雕』代表去除與遺留,『塑』則代表創造與形塑。時間像是一位無形的雕塑家,不斷改變人的容貌、個性與情感,也改變著空間、建築,以及身邊所珍視的物件。」樸實底蘊中自帶綿延詩意的展名《Childhood, Sculpted》遂由此誕生。

徠卡台北畫廊現正舉辦陳詠華攝影特展《Childhood, Sculpted》。(圖片提供:徠卡)
徠卡台北畫廊現正舉辦陳詠華攝影特展《Childhood, Sculpted》。(圖片提供:徠卡)

個人攝影特展即日起至2026年9月21日於徠卡台北畫廊進行中的當代影像藝術創作者陳詠華,汲取靈感於自身對時間與記憶的多重思考,尤傾情回望童年在宜蘭外公外婆家度過的歲月,舉凡和姊姊在穀物堆旁尋找昆蟲、偷偷打開外婆的化妝盒,抑或躺在院子裡仰望無邊天空數雲朵的片刻——所有看似平凡的日常,都深深塑造了她日後觀看世界的方式。外公外婆離世多年後,她重返那棟無人居住的老屋,目睹龜裂的牆面、斷裂的家具和布滿蜘蛛網的房間一隅,「許多曾經熟悉的角落都留下了時間的痕跡。」但也正是這些變化,讓她切實感受到時間的存在,從而創作出本次展出的24幅作品。

展覽現場。(圖片提供:徠卡)
展覽現場。(圖片提供:徠卡)
(圖片提供:徠卡)
(圖片提供:徠卡)

紛呈彩色、黑白系列作,鋪排散落於記憶中平凡而不凡的碎片

展覽同時呈現各懷不同情感層次的彩色與黑白兩系列作品。前者飽含她對童年記憶的真誠凝視,包括埋藏於器物的細節、敷布於牆面的光線,和一抹抹鮮豔卻兼富歲月褪舊感的色調,無不淌著充滿生命氣息的溫度;後者則聚焦時間雕刻日常後留下的情緒輪廓,其間唯餘沉甸甸的思念。

陳詠華攝影作品《河床餘色(Residual Color in Riverbed)》、《綠色月暈(Green Lunar Halo)》。(圖片提供:徠卡)
陳詠華攝影作品《河床餘色(Residual Color in Riverbed)》、《綠色月暈(Green Lunar Halo)》。(圖片提供:徠卡)
陳詠華攝影作品《如耳語般經過(Passing Like a Whisper)》、《沉澱之夢(Sedimented Dreams)》。(圖片提供:徠卡)
陳詠華攝影作品《如耳語般經過(Passing Like a Whisper)》、《沉澱之夢(Sedimented Dreams)》。(圖片提供:徠卡)

陳詠華向來鍾愛底片攝影,並長年使用徠卡M系列底片相機創作。然她仍坦言一直在尋找能接近底片質地與色調的數位相機,直到接觸徠卡SL系列,才發現它在影像質地與色調表現上與自己偏好的底片感非常接近,便因此將之攜為日常工作的重要夥伴,亦用作拍攝本次彩色系列的主要器材。在此之外令她驚豔的,還有主打黑白影像的徠卡M11  Monochrom;該機型使她得以更直接地專注在輪廓、光影與情緒本身,且其便攜機身不僅完全契合她習慣隨手記錄影像與靈感的創作方式,甚可搭配她現有底片相機所使用的徠卡老鏡頭,「這種新舊的結合,像是一種延續與互補。」

陳詠華攝影作品《記憶與當下相遇之處(Where Memory Meets the Present)》。(圖片提供:徠卡)
陳詠華攝影作品《記憶與當下相遇之處(Where Memory Meets the Present)》。(圖片提供:徠卡)

拍攝主角由人轉向物,讓器物和空間自己說話

有別於過往多以捕捉人物、記錄人像為主的作品類型,此次《Childhood, Sculpted》全數選擇靜物為載體;如此轉變絕非偶然,而是源自陳詠華對本展主題的深層探問。

陳詠華攝影作品《咸豐草(Bidens Pilosa)》、《裂光幾何(Fractured Light Geometry)》。(圖片提供:徠卡)
陳詠華攝影作品《咸豐草(Bidens Pilosa)》、《裂光幾何(Fractured Light Geometry)》。(圖片提供:徠卡)

「這次展覽所探討的核心,是記憶、情緒、空間、環境、器物之間的關係。因此,我選擇靜物作為主要表現形式,讓這些承載著時間痕跡的物件,成為敘說故事的主角。」——陳詠華

陳詠華攝影作品《野性之光(Wild Illumination)》、《寂靜綻放時(Silence in Bloom)》。(圖片提供:徠卡)
陳詠華攝影作品《野性之光(Wild Illumination)》、《寂靜綻放時(Silence in Bloom)》。(圖片提供:徠卡)

就她的創作觀點而言,拍攝靜物與人物是兩種截然不同的狀態:人物是流動且具生命力的,拍攝時需與被攝者建立信任與交流,在不可預測的瞬間中快速反應;拍攝靜物與空間倒如一場安靜漫長的對話,它們不會移動、不會突然離開,得供拍攝者隨光線變化反覆凝視,從不同角度慢慢發掘所有易被忽略的細節,進而找到屬於自己的觀看方式與情感投射。這般從容節奏,使看似沉默的器物與空間在鏡頭下開口說話,訴說時間、記憶和曾經存在過的人

陳詠華攝影作品《梳妝台的中間抽屜(The Middle Drawer of a Dressing Table)》、《14:50的光斑(Sun Fragment at 14:50)》。(圖片提供:徠卡)
陳詠華攝影作品《梳妝台的中間抽屜(The Middle Drawer of a Dressing Table)》、《14:50的光斑(Sun Fragment at 14:50)》。(圖片提供:徠卡)
陳詠華攝影作品《光的回聲(Dust Remembers Light)》、《鐵鏽的好奇心(Rusty Curiosity)》。(圖片提供:徠卡)
陳詠華攝影作品《光的回聲(Dust Remembers Light)》、《鐵鏽的好奇心(Rusty Curiosity)》。(圖片提供:徠卡)

3件亮點作品帶看

#01《白晝之夢(Dreams of Daylight)》

午睡醒來的一瞬間,夢境尚未完全散去,現實也尚未清晰成形,意識懸浮在兩者之間,時間彷彿暫時失去重量。有時睡醒發現家中空無一人,那種既被夢境包覆、又獨自存在現實中的感受,成為「時間感」之於陳詠華最深刻的記憶來源之一。「一直認為『水』與『夢』之間存在著某種難以言語卻又直覺清晰的連結。」諸如流動的河面、驕陽照射河面形成的恍惚光暈,乃至與天光交錯的水中草木倒影,「這些景象所呈現出的曖昧狀態,與那種介於清醒和夢境之間的時間感,有著高度的呼應。」陳詠華親解作品意蘊。

陳詠華攝影作品《白晝之夢(Dreams of Daylight)》。(圖片提供:徠卡)
陳詠華攝影作品《白晝之夢(Dreams of Daylight)》。(圖片提供:徠卡)

#02《凝視的餘色(Color Left by Beholding)》

對許多人來說,化妝台上的粉盒與鏡盒不過是日常梳妝用品。但對童年的陳詠華而言,各樣形狀不同、色彩相異的化妝盒,就像一座漫溢想像的微型世界——彷彿擁有它們,就能化作另一身分。多年後,時間已在其上留下清晰刻痕;盒內殘留的眼影、腮紅與粉餅,顏色因反覆使用而磨損、褪去,邊緣的紋路記錄著無數次開合的痕跡,甚或那面曾映照過外婆無數次臉龐的小鏡子,如今亦只剩靜默的反光,承載過往回憶與時間流逝交疊而成的無聲重量。

陳詠華攝影作品《凝視的餘色(Color Left by Beholding)》。(圖片提供:徠卡)
陳詠華攝影作品《凝視的餘色(Color Left by Beholding)》。(圖片提供:徠卡)

#03《流動的愛(Liquid Love)》

「雲對我來說很像情感,它沒有固定的形狀,總是在流動、改變,也從未停留在原地。」——陳詠華

作品起點僅為陳詠華和姊姊臥於躺椅上觀察天空中的雲,這樣一段簡單溫柔的童年記憶。雲片恰巧構成心形,一條橫越畫面的電線從其心切割而過。陳詠華於是視電線為現實中無法迴避的外部因素、距離等阻隔情感的力量。可事實上雲片並未因此消失,它只是在電線的另一端繼續飄移,或許改變了形狀,卻仍在流動,仍在延續著它的情緒。若仔細凝視畫面,還能發現一隻振翅經過的蜻蜓(雲片中心黑色小點);牠象徵成長與蛻變,是時間與情感流動過程中一個短暫卻真實的註腳,悄悄停留在那一瞬間。

陳詠華攝影作品《流動的愛(Liquid Love)》。(圖片提供:徠卡)
陳詠華攝影作品《流動的愛(Liquid Love)》。(圖片提供:徠卡)

陳詠華

1992年出生於台北,曾就讀實踐大學服裝設計系,經時尚領域的學習歷程培養出獨特的風格視角,如今並以此引領觀者深入感受她框中詮釋的世界樣貌和風情,從而探索其蘊含的美感與深度。創作多透過鏡頭別緻呈現具曖昧感的繽紛色彩、巧妙捕捉富詩意的柔和影像;整體美學語言嶄露她對藝術的深刻理解,以及對視覺表達的高度敏銳。其作品既是時尚與攝影的完美融合,更是對生活、情感與瞬間流動的細膩凝視。

陳詠華攝影特展《Childhood, Sculpted》

  • 時間:即日起至2026年9月21日11:00-19:00
  • 地點:徠卡台北畫廊(徠卡之家台北市青田街6巷3號)

*所有作品皆有販售,意者詳洽現場工作人員。

>> 更多資訊可至徠卡官方網站台灣官方臉書台灣官方IG了解。

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