以人像攝影聞名的日本攝影教父篠山紀信，睽違八年，他再度帶著精彩攝影作品回到台灣，選在台北松菸文創園展出《篠山紀信展 寫真力》，要讓充滿震撼與視覺衝擊的百件巨幅作品，挑逗觀眾的內心與感官！

2012年在日本30個地區做巡迴展出的《篠山紀信展 寫真力》，此次首度移師海外辦展，即選擇台灣作為第一站。對於相隔8年再度來到台灣，篠山紀信表示這回的展覽場地和過往傳統美術館不同，特別是這次展出的多幅作品，皆各自劉著不同時代的記憶，像是作為展覽主視覺的約翰藍儂（John Lennon）與小野洋子夫婦《Double Fantasy》專輯封面，這張拍出兩人鶼鰈情深愛意的親吻照，也成為約翰藍儂短暫生命中最為重要且經典的寫真。

身爲一名攝影師，篠山紀信希望透過此次展覽，表達「不論是看的人或被看的人，都會感受到其中的震撼，照片特有的魄力」。無論昔時亦或今朝，他巧妙藉由你我熟悉的身影來傳達時間的轉換以及世代的變遷，透過寫真所散發的震撼力——「寫真力」就是他想表達的理念。透過相機去發掘人與人之間所具有的魅力，篠山紀信希望透過各個不同年代的名人，可以引發觀眾與作品間那種強烈的獨特吸引力。

展覽一共分為六大區，分別為INTRO、GOD、STAR、SPECTACLE、BODY和ACCIDENTS，全區皆以「THE PEOPLE」人物攝像為主軸，讓觀賞者得以從不同的人物作品中，揣摩每個人物在不同時空背景下所想傳達的精神與理念。

INTRO

進入展場後，從事攝影工作達50年之久的篠山紀信，他拿著鏡頭紀錄了一張張如歲月證明的攝影作品，從作家三島由紀夫、約翰藍儂夫婦、日本巨星山口百惠到偶像團體AKB48，精心挑選出上百幅攝影作品，讓觀賞者得以透過簡單的年曆呈現，跟著篠山紀信的攝影足跡，一同見證今昔時代的美好記憶與畫面。

GOD

已逝世的人們

原先潔白的展區空間在穿越布簾後，頓時變為僅有微亮燈光的漆黑場域，然而並不會感到可怕，而是有一種超越生死的神聖感氛圍，無論是大幅的三島由紀夫、美空雲雀、金婆婆銀婆婆等大型肖像照，這些曾經璀璨一世的臉孔，如今已離我們遠去，然而他們的精神依舊留存於世不停息。或許年輕一輩的朋友不清楚他們過去的風采，然而他們卻是老一輩觀眾年少青春時的回憶；當然，若僅是細細地凝視著相中人物，那無法掩飾的閃耀鋒芒，同樣讓人震懾。

STAR

眾所皆知的名人

對熱衷於偶像明星文化的人來說，這一區所展示的照片絕對不可錯過。從早期的山口百惠、三宅一生、吉永小百合，到近代的安室奈美惠、AKB48、羽生結弦等，每位名人身影都足以做為過往或是當今社會的最佳代表人物。而考量到台灣觀賞者或許對某些人物不甚熟悉，篠山紀信也特地安排了過去與徐若瑄合作的攝影作品於展區中，希冀引發台灣朋友的共鳴。

SPECTACLE
帶領我們到另一次元的夢想世界

有別於前一個充滿明星夢的展區，SPECTACLE則像是闖入了篠山紀信構築的異次元夢境中，不僅近距離捕捉歌舞伎役者於台上演出時千變萬幻的姿態，更讓人見識到他們的役者魄力；另外，擺放於兩側，以著名「篠山廣角」攝影技術拍攝而成的少女夢，通過紅即一時的女星後藤久美子演繹，加上繽紛豐富的視覺元素，是整場展覽中最超現實的作品。

BODY
裸露的肉體——美學和色慾和突破

細數篠山紀信攝影生涯中最為人津津樂道的，莫屬那些在他鏡頭下既純真又最赤裸的裸身寫真。不用衣物遮蔽，無論男女皆展現他們最自然的一面。過去，裸體總被認為是隱晦又羞恥的表現，然而篠山紀信顛覆這樣的思維，藉由裸體攝影作品去闡述充滿美與力量的生命對話。

ACCIDENTS
2011年3月11日——東日本大地震中罹難者的肖像

對各式事物都充滿好奇心的篠山紀信，對他而言，2011年3月11日所發生的東日本大地震，讓他重新開始思考做為一名攝影師的職責，面對這樣慘絕人寰的天災，他意識到自己應該做些什麼，於是他揹起相機，親自走訪災區，用鏡頭記錄下眼前狼藉的一切人事物，憔悴、絕望、不安卻又盼著希望，這樣複雜多元的情緒，皆能在此區展品中見著，彷彿向觀賞者提出「人活在世上是怎麼一回事？」的疑問。篠山紀信希望這樣毫無修飾的作品，能夠讓人不要忘記這一天，並有著最為深刻的沉痛與省思。

贈票活動進行中！

Info│篠山紀信展 寫真力
展覽日期：107/6/23（六）至 107/9/2（日）

展覽地點：松山文創園區 五號倉庫（台北市信義區光復南路133號）

展覽時間：每日10：00－18：00（17：30停止售票及入場）

展覽現場照：Ian Liu

圖片：寬宏藝術

台北徠卡之家推出台裔英國攝影藝術家Mavis CW個展《Somewhere Between Living and Dreaming》，集結24幅以紐約為背景的街頭攝影作品，藉黑白影像映現城市脈動與人性的光影交錯。

受布列松啟發投入街頭攝影

「街頭攝影充滿即興與不可預測性，每一刻都是獨特且無法重現的。黑白攝影是一種去除雜訊的語言，讓作品回歸光影與構圖的純粹本質，讓觀者更專注於影像的故事性。」Mavis說道，精準點出以街頭為背景、黑白影像為語彙創作的原因。然而，個人風格絕非短時間煉成。Mavis在倫敦帝國理工大學攻讀科學研究期間，意外開啟對攝影的熱愛，那時她專注於靜物和建築攝影，卻在接觸法國紀實攝影大師布列松著作《決定性瞬間》後，毅然投入街頭攝影。

「拍攝那一秒是充滿創造力的瞬間，你所建構和表達的是生活本身所賦予給你的，並且你必須憑直覺判斷何時按下快門。按下快門的那一瞬間，便是攝影師所創作的，就是那一瞬間！一旦錯過，它將不復存在。」——布列松（Henri Cartier-Bresson）

Mavis深受《決定性瞬間》啟發，她認為街頭攝影不僅能捕捉真實的情感與社會狀態，更具備強烈的紀實意義，同時也鍛鍊了自己對環境的的敏銳度與洞察力。「有時候，一個畫面只有在特定的光線或環境條件下才能成立。黃昏時的斜陽、霓虹燈下的剪影、街角瞬間閃過的一道光，或是突如其來的大雨，這些元素與場景中的人物與氛圍相互融合，便成為了按下快門的契機。」而每個按下快門的決定性瞬間，Mavis透過黑白畫面呈現。她認為，影像去除色彩的干擾後，觀者更能專注於其中的情感與故事，從光影中體會畫面的張力與層次。

在生活與夢想之間，有紐約

Mavis在台北徠卡之家的攝影展《Somewhere Between Living and Dreaming》，展出24幅以紐約為背景的街頭攝影作品，展名靈感來自一句話：「Somewhere between living and dreaming, there’s New York（在生活與夢想之間，有紐約）。」

紐約是Mavis除了長住的倫敦之外，最常拍攝的城市，在她眼中，「紐約是一座充滿對比的城市——現實與夢想交錯，喧囂與孤寂並存，每個街角都蘊藏著無數故事。」這座大都會多元文化交融、歷史與現代交織，且視覺豐富、生活節奏明快，像是一座流動的舞台，是無數創作者的靈感泉源，Mavis也不例外。

Mavis心中難忘的紐約街頭一幕

談及在紐約拍下最難忘的作品，Mavis選了《電話亭2019》，影像中一位在電話亭內掙扎的男子，與亭外好萊塢明星廣告看板交疊，形成現實與非現實的矛盾對比，也像庸碌生活與夢想成真的對照；然而自2022年起，電話亭正式退出紐約街頭，此景已成為歷史。

Mavis也分享了一段因徠卡相機而發生的美好邂逅。幾年前，她拿著徠卡M6在紐約街頭拍照，途中偶遇一位當地傳奇的街頭攝影師，兩人因彼此手中的相機而開啟對話，還為對方拍了張肖像；五年後，他們再度於紐約街角重逢，以初見面拍攝的肖像照為開場，再次為彼此留下了新的影像。這段奇遇，也讓《Somewhere Between Living and Dreaming》攝影展更添故事性。

不藏私分享！Mavis街拍的徠卡相機 X 鏡頭組合

Mavis與徠卡相機的緣分始於童年，她的母親擁有一台經典徠卡，紀錄了無數珍貴的家庭回憶。當她決定專注於攝影創作，母親送給她人生中的第一台徠卡相機——徠卡M6。現在，Mavis最常用的相機仍是徠卡M6和M7，搭配Summicron-M 35mm f/2 ASPH與Summilux-M 35mm f/1.4 ASPH鏡頭，這些設備讓她能在不干擾被拍攝者的情況下進行拍攝，捕捉最真實、自然的瞬間。

Mavis CW攝影展《Somewhere Between Living and Dreaming》

地點｜徠卡臺北畫廊（徠卡之家）

地址｜臺北市青田街6巷3號

展期｜即日起至2025年7月7日

開放時間｜週一至週日 11:00－19:00

日本攝影家杉本博司（Hiroshi Sugimoto）的創作圍繞時間、記憶與存在的本質，並以大畫幅相機的攝影技法來探索多元主題。現正於文心藝所展出的「杉本博司個展」，由文心藝術基金會與杉本博司工作室攜手策劃，展出《過去的存在》、《劇院與歌劇院》、《海景》、《偏光色》等4大系列影像，其中杉本博司不僅挑戰攝影作為記錄的功能，更讓影像成為探索感知與現象的途徑。

攝影是一種「儲存記憶」的系統

攝影留住了轉瞬即逝的時刻，將我們當下的視覺經驗轉化為具體的影像，杉本博司曾說：「攝影是一種儲存記憶的系統，就像是一部時光機，保存記憶，留住時間。」在他創作中，攝影不僅定格畫面，更是記錄與保存時間流動的方式，甚至成為超越時間的媒介。時間彷彿在他的影像中延續，模糊真實與虛構的界線，引發對記憶與感知的哲學思考。

模糊藝術名作輪廓，《過去的存在》思索經典之於當代的意義

2013年，杉本博司受紐約現代藝術博物館（MoMA）之邀參加一項攝影委託計畫，為中庭花園的週年紀念進行創作，在此他受賈科梅蒂《站立的女人》系列其中一尊雕塑啟發，創作出《過去的存在》系列作品。這組影像捕捉了西方藝術史中的經典雕塑與繪畫，刻意將圖像呈現模糊、失焦的狀態，原作的細節在朦朧之中，只留下輪廓與姿態。

過去熟悉的大師作品變得模糊，挑戰了觀者的視覺記憶，迫使人們去辨識、確認每一個物體，同時思索這些物體在當代的意義。藉此杉本博司拋出了關於影像記憶的提問：當作品脫離既定的聯想，我們還能憶起其最初的創作構想與本質嗎？

將電影壓縮的《劇院與歌劇院》

1976年，杉本博司在紐約一家電影院的後方架起相機，根據即將放映的電影設定曝光時間，最後將整部電影壓縮為一張靜態影像，銀幕化為一片耀眼的白光。

杉本博司曾說：「觀看一部兩小時長的電影，無非是觀看172,800幀攝影殘像。我想用相機拍攝一部電影，捕捉影像中的活力與動態，目的是為了將電影再次停格。」作品中央亮光奪目的白色銀幕成了唯一的光源，空蕩蕩的劇院散發出詭譎的氣氛，銀幕宛如刺眼的虛空，又像是閃耀的光輝，彷彿隱射電影觀賞這一集體儀式所代表的某種精神層面。

杉本博司隨後也在其他不同的電影放映與劇場場域，持續探索這樣的創作手法：在長時間曝光下，《汽車電影院》（1993） 捕捉到露天銀幕背後飛機與星辰的光跡；《歌劇院》（2014） 記錄了歐洲歷史悠久的劇院，給美國靈感仿造出電影宮殿的正是這些劇院；《廢棄劇院》（2015）則揭示美國經典電影院緩緩步入凋零的命運。

《海景》將內心海景投射於世界畫布

從1980年代至今，杉本博司持續在世界各地拍攝不同的海域，創造出海與天各半、看起來像是抽象畫的純粹畫面，《海景》系列消弭了地理環境與文化的差異，這些作品不僅描繪自然風景，更呈現一種超越時空的詩意圖像。為了拍出永恆的海景，杉本博司將大片幅相機架設於懸崖或高地，調整視角讓海與天各佔畫面的一半；構圖中不見飛鳥、船隻或遠方的海岸線等干擾元素，只聚焦於水、空氣及日月光影的交織。

《海景》如今已是杉本博司窮其一生的創作計畫，為什麼對大海如此著迷？杉本博司說：「海洋的變遷比起陸地可說是微乎其微。所以，當人類從獸類進化到智人，開始擁有自我意識時，海洋的景象或許已深深刻在人類的心靈之中。我能感知那樣的視覺經驗，也能對照自己的記憶與人類初次見到世界的美麗景象。」於是他設想：「有沒有可能，現代人能以原始人的目光觀看一處風景？」一幕幕詩意的天光海景，因此被凝鍊於雋永的黑白影像中。透過此系列，杉本博司不單用攝影描繪世界，也將內心的海景投射到世界這塊畫布之上。

藉《偏光色》提問：世界的色彩真的只有7種嗎？

受牛頓的劃時代著作《光學》（Opticks）啟發，杉本博司於2009年起展開對光的紀錄。《偏光色》是他首次探索彩色攝影的作品，延續他對時間與存在的關注，揭示色彩之間仍潛藏著人眼難以察覺的微觀層次，並引發對可見世界真實性的思考。

從牛頓棱鏡實驗中獲得靈感，杉本博司在東京的工作室裡設計了一套設備，組件包括一台老寶麗來相機、一個配有玻璃棱鏡與鏡子的裝置。用寶麗來拍攝的影像，色彩濃郁、鮮明而純粹，細究其中能發現變化無窮的微妙色調。杉本博司以此提出質疑：「我們的世界俯拾皆是繽紛的色彩，為何自然科學堅持只有7種？」提問的對象正是牛頓在《光學》中提出的論據，其推翻了當時普遍認為自然光為純白的看法，證明光實則由紅、橙、黃、綠、藍、靛、紫等7種獨立的色彩所組成；而在杉本博司眼中，「那些被忽略的細微色階，反倒讓我更真實地感受世界。」

《杉本博司 Hiroshi Sugimoto》

日期｜2025.04.12－08.31

時間｜10:30－18:30，每週二休館

地點｜文心藝所（台北市內湖區民權東路六段180巷10弄6號）