台北白石畫廊將於2018年8月11日至9月23日隆重推出美國藝術家戴爾·奇胡利（Dale Chihuly）最新個展「奇胡利：台北」（CHIHULY Taipei），呈現藝術家50年創作生涯中最具代表性的系列作品。本次展覽延續香港白石畫廊2018年3月於H Queen’s新空間的開幕特展「奇胡利：香港」（CHIHULY Hong Kong），也是藝術家繼1992年在台北市立美術館「奇胡利：玻璃藝術」個展及1994年在高雄市立美術館「奇胡利：建築中的玻璃」個展後，睽違25年在台的首次個展。

「奇胡利：台北」將展出諸多近期新作以及部分過去未曾曝光過的作品，探索奇胡利如何在媒材、光影、空間與型態中不間斷的嘗試並突破。其中，《花道：層疊琉璃》即是特別為此展所創作的最新作品，此系列運用了一種特別調製的釉，把處於流體狀態的基底玻璃熔燒到層層疊起的一片片玻璃上，以此形成相互交疊的組合結構，此技法曾在2017年於美國阿肯色州本頓維市的水晶橋美國藝術博物館（Crystal BridgesMuseum of American Art）的「奇胡利：在藝術空間與樹林」展覽中出現，獲得熱烈迴響。

此外，為「奇胡利：台北」所創作的新作還包括：看似細膩巧妙，實則沈重費工的《盤繞》系列；以狂野不對稱形狀和鮮豔色彩為名的《波斯》系列；透過鮮豔而簡約的花形元素，打造出類似溫室花園之壯觀裝置藝術的《花朵》系列；由數以百計個別吹製的玻璃所組成的《吊燈》系列；從牆上懸掛的玻璃作品《壁飾》系列；藝術家最著名的《編籃》系列，且將展出40週年紀念的未曝光新作；受美國原住民織品啟發下的《圓柱》系列；以及《繪畫》系列，讓觀者不僅看見藝術家豐沛的創作能量，也一窺他如何透過活潑、抽象的輪廓，向他的工作團隊溝通其創作理念。

關於│戴爾・奇胡利

戴爾·奇胡利以將玻璃工作室及玻璃媒材由工藝領域提昇至藝術的範疇而著名。雖然在奇胡利 50 年來 的創作生涯中最為人知的是他的玻璃藝術品，但玻璃只是他的藝術表現手法之一，其實他更同時利用繪畫、雕塑的方式，去嘗試不同的媒材創作。他的裝置藝術在各地建築、古蹟、美術館和莊園展示，並且名揚國際。奇胡利的作品更被超過 200間國際美術館典藏，包括紐約大都會博物館、史密森美國藝術博物館、康寧玻璃博物館等。重要國際展覽包括Chihuly Over Venice（1995-96）、Chihuly in the Light of Jerusalem（1999）、舊金山笛洋美術館（2008）、波士頓美術館（2011）、維吉尼亞美術館（2012）、蒙特列美術館（2013）、加拿大多倫多皇家安大略博物館（2016）以及水晶橋美國藝術博物館（2017）。以其創作為主軸的「奇胡利玻璃花園」亦於 2012 年在西雅圖中心盛大開幕。

via／白石畫廊

史上規模最大的David Hockney登陸巴黎路易威登藝術基金會（Fondation Louis Vuitton），匯聚近70年藝術生涯、超過400件作品，從加州時期以泳池為題的一系列作品，到近年以iPhone與iPad創作的數位繪畫，展現David Hockney對於創作與創新的執著不懈。

史上最大規模的David Hockney特展

這場展覽由David Hockney親自參與策劃展覽敘事與空間配置，並與他的伴侶兼工作夥伴Jean-Pierre Gonçalves de Lima共同構思。展覽除了聚焦其過去25年的創作，也同時回顧David Hockney早期的代表性作品，帶領觀眾走進他多元且持續進化的藝術世界。他表示：「《David Hockney 25》是我有史以來規模最大的展覽，連我現在正在創作的畫作也會展出，我想這一定會非常精彩。」

持續帶來創新與驚喜的藝術旅程

自1960年代初嶄露頭角以來，David Hockney一直是英國當代藝術的重要代表。活躍藝壇至今超過六十年，他的創作生涯豐富且多產，無論媒材或技法皆持續創新，從未停下腳步。

David Hockney著迷於各種風格的藝術語言，並從自身的觀察、記憶與想像中汲取靈感。《David Hockney 25》首先以1950至1970年代的重要創作揭開序幕，像是1960年代David Hockney移居美國洛杉磯，以當地明媚的陽光、泳池與自由氛圍創作出的《更大的水花》與《藝術家的肖像（泳池與兩個人像）》等作品，以及《我父親的肖像》、雙人肖像系列如《克拉克夫婦與貓》等。

1980至1990年代，David Hockney轉而描繪自然景觀，並持續挖掘風景畫的可能性。本展將呈現該時期代表作如《更大的大峽谷》等。

展覽的重點部分，則聚焦David Hockney近25年回到英國，於約克郡、諾曼第與倫敦的創作。在這段時期，他以色彩明亮、視角大膽的自然主題畫作為主，像是描繪春日山楂叢盛開的《五月的白花灌木》，以及巨幅冬景《沃特附近較大的樹》等，都展現了他對季節與光線變化的敏銳觀察。

這些畫作後來也成為David Hockney數位創作的基礎。新冠疫情期間，他以iPhone與iPad捕捉春日與重生意象的景色，透過科技筆觸描繪生活的希望，持續為人們帶來充滿驚喜的作品如《220 for 2020》系列。同時，他也持續以iPad和壓克力媒材為親友繪製肖像，並以傳統畫框裝裱數位畫作，產生時空交錯的視覺效果。

來到展覽的尾聲，則將揭曉David Hockney自2023年7月搬至倫敦後的最新作品，其創作過程深受孟克與布萊克等人啟發，畫中結合天文、歷史、地理等元素。除此之外，David Hockney更將在此帶來他最新的自畫像，為這場規模空前的回顧之旅收尾。

David Hockney 25

展覽日期｜2025.4.9 - 2025.8.31
展覽地點｜Fondation Louis Vuitton

台北藝廊TAO ART與巴黎瑪戈畫廊（Galerie Marguo）攜手合作，推出法裔美籍藝術家安娜・卡卡（Ana Karkar）在台灣的首度個展《Pipe Dream》。女體和女性意識，幾乎從未缺席卡卡的繪畫作品中，她們總以彷彿在「變形」中的姿態面世，情緒張力飽滿，洋溢持續蛻變、解放與創造的生命力，帶觀者墜入鴉片幻覺般的夢境，穿越現實與幻想的邊界。

狂想般的視覺語言，包裹對「自我」的見解

東西方神話、實驗電影、克林姆等維也納分離派畫家……滋養著卡卡的創作養分，引領她發展出近似「狂想」的視覺語言。她用極具流動性的筆觸描繪女體、勾勒女性意識，像是種反叛，挑戰人們對情色與親密的既定想像；也是份宣言——自我沒有固定的形式、沒有清晰的邊界，而是如花般層層綻放，在關係中不斷展開、變形與再生。

在卡卡的藝術宇宙裡，身體是承載慾望、私密記憶與心靈轉化的容器，神聖又脆弱，蘊含著人類存在的神秘想像。她透過畫作揭開一場深層的心靈召喚，引領觀者在幻象與現實之間，重新凝視身體與存在的關係，想像蛻變的可能。

《Pipe Dream》探索女性形態與意識的流動

此次個展《Pipe Dream》展出的最新作品，持續探索女性形態與意識的流動性。如〈Emergence〉畫中濃綠與青藍色調，喚起水與生命誕生的意象，與火的元素形成對比，象徵重生與轉化的力量。畫中的赤裸女體形象，神秘而無法被定義；她內心彷彿燃燒著渴望，只為蛻變成那最真實、最自由的自己。

另一邊，〈Scales〉畫中女人的臉龐被飄逸頭髮所環繞，形態如火焰、煙霧或盤旋的蛇，白與紫的色彩對比空靈而神秘，營造近乎神話般的場景。

藝術風格受維也納分離派、實驗電影啟發

卡卡的創作深受維也納分離派的影響，也受到地下電影與實驗電影的啟發。她筆下的裸體畫作中，糾纏扭曲的身體構成一場如死亡之舞般的景象，強烈筆觸令人聯想到埃貢·席勒（Egon Schiele）；激情而自由的氛圍、裝飾性與感官性兼具的視覺語彙，則呼應了克林姆（Gustav Klimt）的《吻》。畫中的敘事風格靈感來自多位導演，從寺山修司、布萊恩·狄帕瑪（Brian De Palma）到達利歐·阿基多（Dario Argento），以及眾多當代攝影師與她私人收藏的情慾圖像。

不論是技術上的探索還是角色的奔放張狂，都讓卡卡的繪畫像是一種「解放性的表達行動」，延續了舊金山迷幻藝術對維也納分離派的再詮釋。這樣鮮明的個人風格，根植於卡卡的生活背景，她出生並成長於舊金山，從舊金山藝術學院、巴黎索邦大學、巴黎國立高等美術學院畢業後，曾進入Louis Vuitton總部工作，於影像製作和數位媒體部門任職7年，現定居於巴黎。舊金山與巴黎的人文風貌、科班出身及工作經歷，皆深深影響她的創作。

在畫中創造「心裡空間」

瑪戈畫廊共同創辦人Vanessa Guo認為，「卡卡畫的不是單純的身體，而是一種不斷變化的狀態——她的每一幅畫都像是一場關於慾望、轉變，還有被看見時那種既興奮又不安的夢。她用一種流動的女性視角，創造了一個心理空間，在那裡，身體不再是固定的，而是不斷變化、彼此交織，充滿了慾望、神話和記憶的張力。」

Ana Karkar台灣首展《Pipe Dream》

展期｜2025.05.07－07.12

開放時間｜週二至週六 11:00－19:00

地點｜TAO ART（台北市內湖區洲子街79-1號8樓）