朝聖梵谷、莫內的謬思之地！八個真實存在的畫中秘境

傳播媒體發達的今日，促成許多影劇與影迷的產生，而許多取景處也成為粉絲朝聖的熱門景點。但同樣的情形也出梵谷、 塞尚、莫內、雷諾瓦、孟克、伍德等藝術家舉世聞名的現代藝術畫作當中。

這些地點從百年前便吸引了大畫家們的目光，促成了這些家喻戶曉的經典名畫，如今，先人早已逝去，但他們的作品不曾凋零，其畫中世界也仍存在於世上。拜訪那些既遙遠又熟悉的場景，成為後世憧憬與憑弔的另一選擇。

Le Café La Nuit－－《夜晚露天咖啡座》，文森‧梵谷

1888年，印象派畫家梵谷來到了南法「亞爾（Arles）」，這座繽紛多彩的小鎮，催生了梵谷一生中最知名的幾幅畫作，其中一幅正是《夜晚露天咖啡座》（Café Terrace at Night）。

初秋的夜晚，熠熠星空下，論壇廣場邊的露天咖啡座，人們三五成群，溫暖的黃色燈光灑落每一寸街道，悠閒自在令人心生嚮往……如今，只要走訪這間咖啡廳，你也可以站在當年梵谷作畫的角度看世界。

Atelier Cézanne－－《靜物》系列，保羅‧塞尚

就如同梵谷，塞尚一樣在南法找到靈感來源，不同的是，塞尚是個土生土長的南法人，其大半人生皆於普羅旺斯度過。他將一間舊農舍改造成個人工作室，並持續於此創作，知名作品包括《愛神石膏像》（Still Life with Plaster Cupid）等。

如今，Atelier Cézanne保存了塞尚使用的家具與擺設，曾在靜物畫中出現過的「明星們」也仍定居於此。這間位於山丘上，美景盡收眼底的工作室，不僅是畫家的摯愛，更是畫迷們必來的聖地。

Terrain des Peintres－－《聖維克多山》系列，保羅‧塞尚

當你來到普羅旺斯，除了Atelier Cézanne外，也千萬別錯過一公里外的Terrain des Peintres，從這座被塞尚拜訪無數次的公園可以遙望聖維克多山，這一場景也被捕捉在其至少30幅《聖維克多山》系列中，其以色彩、筆觸與構圖最為人稱頌，也因此成為塞尚一生中最知名的畫作。

如今，為了讓朝聖的旅客更容易找到畫家的私房景點，其路徑已被規畫為「Cézanne Trail」，只要依循此路，便可享受塞尚最愛的美景。

Monet's Garden in Giverny－－《睡蓮和日本橋》系列，克勞德‧莫內

這次，我們將鏡頭切到北法吉維尼（Giverny），印象派大師莫內於1883年搬遷至此，而為眾人所愛的水上花園系列畫作正是在這裡問世。

茂密的柳枝垂於池畔，四季盛開的花卉與中央的蓮塘，一座綠色日本橋橫越其上，莫內以此庭院風光繪製了250幅《睡蓮》以及12幅《日本橋》，此外，他對花卉的熱愛甚至驅使他說出「我的心將永繫吉維尼」的名言。

這座舉世聞名的花園同時也是莫內故居，內部一併裝飾有莫內生前收藏、為數眾多的日本浮世繪版畫，作為觀光勝地，每年吸引了超過五十萬的旅客，若你也深愛莫內畫作，那可別落後腳步了！

The Palace of Westminster－－《陽光穿過的國會大廈》系列，克勞德‧莫內

莫內定居吉維尼的同時，曾數次拜訪倫敦，旅途中，他繪製了25幅英國國會大廈（The Palace of Westminster），只為實驗性地記錄天空與泰唔士河的光線變化，此舉也直接應證了畫家的名言－－我無可救藥地著迷於色彩，它是我的喜悅，我的痛苦。

據傳，莫內當時作畫的場所位於聖湯瑪斯醫院（St. Thomas Hospital）的二樓露台，雖然如今已難以站在同個地點遙望英國下議院，不過根據河岸以及橋樑輪廓大致推測後可以見得，這片景致確實與莫內的畫作相當吻合。

Maison Fournaise－－《船上的午宴》，皮耶-奧古斯特‧雷諾瓦

《船上的午宴》（Luncheon of the Boating Party）是雷諾瓦最出名的作品之一，繼１８８２年於第七屆印象派畫展上展出後，這幅鉅作歷經幾世紀的讚頌，同時也為畫中場景所在地Maison Fournaise引來大量印象派畫迷。

Maison Fournaise位於巴黎西邊郊區的沙圖島（Chatou Island）上，於１９世紀晚期提供船隻租借與河景用餐的服務，雷諾瓦以及其他法國畫家時常參與這項活動，此點可由《船上的午宴》看出些端倪。

然而，這間餐廳曾一度於１９０６年歇業，至１９９０年才再度開幕。如今，人們仍可在Maison Fournaise最著名的池畔陽台用餐，享受印象派獨特的美感視野。

Valhallvegen Road－－《吶喊》系列，愛德華‧孟克

詭譎的橘色天空，一座大橋延伸至遠方，上面站著托著雙腮的男子，世界彷彿因其吶喊而扭曲……這是挪威畫家孟克於1893年至1910年間創作的《吶喊》系列，系列中共有四幅作品，每幅構圖與主要元素皆一致，但細看則會發現，筆觸、色彩細節與媒材皆不盡相同。

這經典的畫面源自孟克某次散步途中，正巧經過一處峽灣，此時夕陽西斜，天色血紅一片，這片景色彷彿大自然的吶喊，對疲憊不堪的他造成巨大的衝擊與印象，也因此催生了這系列世界著名畫作。

大多人相信，當年孟克行經的路徑便是今日的Valhallvegen Road，從欄杆一側望去，可發現底下的城鎮及峽灣海岸，與畫作不謀而合。

Dibble House－－《美式歌德》，格蘭特‧伍德

1930年，畫家格蘭特‧伍德創造了《美式歌德》（American Gothic），其不僅是美國藝術史上最著名的作品之一，甚至可與《吶喊》、《蒙娜麗莎》並列為人們公認的文化標誌。

《美式歌德》畫面主體為一對看似古怪、暴躁的男女，一棟白色小屋靜靜矗立背後，然而其新歌德式窗戶搶眼程度卻不亞於前方兩位人物。有趣的是，多數人認為是夫妻的主角們，實際上是參考伍德的妹妹及牙醫所繪製的。

Dibble House取名靈感源自小屋的第一位主人Charles Dibble，現今這棟典雅的房舍已被列入美國國定古蹟的名單中，並設有博物館及旅客服務處，甚至提供道具出借服務，讓畫迷們也能拍出屬於自己的「美式歌德照」！

Text／Carol Chien

Via／MY MODERN MET

「光」存在於我們的生活之中，無時無刻——白日有耀眼的陽光，夜幕低垂後則有月光，那是太陽光經過反射後、再次抵達你我眼前的光亮。它無所不在地令人覺得平凡無奇，但對藝術家謝鎮璘DAMONXART來說，卻是他藝術創作的靈感泉源。

在台北敦南林蔭大道的藝術光廊Taipei Lumitree，謝鎮璘帶來全新個展《夜的日光》，透過錯視、光柵材質及風力驅動裝置，將人們熟悉的日月意象轉化為持續變動的視覺經驗。親臨展場，你將能在夜色中看見日光，閱讀太陽與月亮之間的對話，深刻感受光是如何改變雙眼所見的景象。

從日月交替，察覺光與時間的關係

對謝鎮璘而言，太陽與月亮既是人們共同仰望的天體，也承載著日常生活中對時間的感受。晨曦、正午與黃昏，各自擁有不同的光線與色彩；月亮則在夜晚承接太陽的光，讓白晝的痕跡延續至另一段時間。這些看似理所當然的自然現象，構成了人們對世界最熟悉、卻也容易忽略的觀看經驗。

多年來，謝鎮璘持續從旅行與日常觀察中提取色彩，將天空、海洋與地平線的印象轉化為創作語言。在《夜的日光》中，他將這份觀察聚焦於日與月的關係——光如何從一個地方抵達另一個地方，又如何在反射、材質與觀看位置的變化之中，被感知為不同的形態。

展覽名稱「夜的日光」也由此而來，日光透過月亮延續至夜晚，謝鎮璘則透過作品，讓屬於白晝的視覺記憶在夜色裡重新顯現，觀者也得以透過作品看見日月的視覺符號，以及光在兩者之間流轉的關係。

將日月從遠方帶到得以親近的空間

兩件戶外大型錯視動態作品〈陽顏〉與〈月顏〉，以太陽與月亮為題，將色彩、紋理與形態組織成持續變化的觀看經驗。透過錯視效果，圖像產生動態與深度的感受，使觀者在辨認形體的同時，也能察覺視覺體驗如何受到線條、色彩與排列方式的影響。

日月的形象從遙遠的天空被帶入人們可以靠近的空間，觀看的尺度也隨之改變。觀者可以停留於作品前，留意光線與紋理之間的關係；或退後觀看整體形態如何在夜色中展開。

藉由光線看見風的流動軌跡

中型風力動力裝置〈日月〉，則將風的流動轉化為作品的動力。光柵材質隨風旋轉，使如同時針般排列的太陽紋理持續產生變化，讓光線與時間的流動有了可見的軌跡。圖像在轉動之中展開、交疊與轉換，每一刻所呈現的樣貌，都與裝置當下的運動狀態相連。

裝置另一側的透鏡象徵月亮，接收並反射來自太陽的光，呼應月亮本身不發光，而是將日光延續至夜晚的自然關係。太陽與月亮在同一件作品中彼此連結，隨著旋轉交替進入視線，將光的傳遞轉化為具體的觀看經驗。風的介入，也使作品與所在環境產生直接的聯繫，空氣的流動透過材質的運轉被看見。

將小太陽帶回到日常

為了這次展覽，謝鎮璘也將太陽裝置縮小，製作成限量700份的「太陽光柵吊飾」。隨著角度轉動，太陽的色彩與紋理持續變化，將大型作品中的觀看經驗，轉化為可以握在手中、隨身攜帶的形式，成為《夜的日光》展覽的專屬記憶。

謝鎮璘DAMONXART《夜的日光》個展

日期｜2026.10.01－11.07，每週四、五、六、日

時間｜每週四至週日 18:00－20:00

地點｜Taipei Lumitree 敦南之森

地址｜台北市敦化南路二段19號，寶紘敦南商業大樓1樓

「2026 新竹市玻璃藝術節」以《玻璃大時代 GLASS AGE》為題，由總策展人吳庭安攜手朋丁 pon ding、或者 OR 等團隊共同策展，並由新生代設計師黃瑋婷擔任視覺統籌、Üroborus Studiolab / 共序工事擔任空間統籌，於位在新竹公園內的風 livehouse 與新竹市玻璃工藝博物館分別呈現主展《玻璃大時代》及特展《新竹大時代》。即日起至11月15日登場。

本次展覽由擅長材料轉譯與空間敘事的Üroborus Studiolab / 共序工事，透過展場動線、材料與裝置，引導觀者遊走於歷史物件、當代作品、聲音採集與創作之間，藉由極具沈浸感的空間語彙與策展論述相輔相成，展現玻璃敘事魅力的同時，也帶領觀者參與思辨與共創的歷程；而善於藝術策展的朋丁 pon ding則展現其細膩的策展思維，以國內、外藝術家逾70件選品呼應5大核心策展提問，使作品在並置之中相互呼應、彼此交流，創造極具思辨性的觀展體驗。

兩大展區：從世界玻璃發展進程，走進新竹城市記憶

一件玻璃作品的形成，牽涉材料、技術，同時也牽涉人的選擇與環境條件。2026 年新竹市玻璃藝術節以主展區《玻璃大時代》與特展區《新竹大時代》雙展開，從世界、台灣走向地方，邀請觀展者透過兩個展場的不同視角，逐步理解新竹玻璃從過去走向當代的歷程。

展區 1｜《玻璃大時代》：以玻璃作為觀看時代的方法

位於風 livehouse 的主展場《玻璃大時代》，從新竹玻璃產業出發，一路將觀看尺度輻射至世界，以「微觀」與「巨觀」兩種視角觀看玻璃，剖析玻璃材料背後的時代意義。從銷往歐美的聖誕燈泡，到改變建築、通訊與宇宙探索的玻璃技術，展覽透過「台灣的透明」、「世界的透明」、「玻璃象限」及「思想熔爐」四個展區，呈現玻璃如何隨人類需求延展技術變化，一次次重新成形。觀者可從歷史物件與親歷者的聲音走入展覽，再藉由世界各地的創作，思考玻璃用途、製作方式、協作關係與時間意義，最後在聲音裝置中放慢腳步，想像這項材料下一個尚未被定義的可能。

展區 2｜《新竹大時代》：從做玻璃的人，看見支持創作的城市

位於新竹市玻璃工藝博物館的特展《新竹大時代》，將鏡頭拉近，聚焦每件作品背後的「人」。透過作品與影像訪談，展覽呈現創作者為何走向窯火，又如何將生命經驗轉化為創作。從個人故事向外延伸，展覽亦並置新竹與國際玻璃城市的發展，呈現博物館、藝術節與金玻獎如何支持創作，並以第 17 屆金玻獎得獎作品，帶領觀眾看見玻璃藝術此刻的多元面貌。

⬭ 5 大觀展亮點：雙廊道、五大提問與聲音實驗，探索玻璃多重面貌

觀展亮點 ❶｜雙廊道交織台灣與世界，從新竹工廠望向宇宙

穿越展區入口，隨即映入眼簾的是左、右兩側「台灣的透明」與「世界的透明」雙廊道。前者循著原料、量產、大外銷、沉潛、藝術與跨域六個時代，以玻璃砂丘、瓶罐、聖誕燈泡與工藝品，呈現玻璃產業如何隨著人的需求逐步轉變；展區間，更以畫家李澤藩於 1942 年創作的水彩〈玻璃工廠〉作為引言，呈現早期生產現場的樣貌，並配以師傅、產業人士與文化推動者的聲音採集，讓物件與親歷者的記憶相互對照；另一側「世界的透明」則從倫敦水晶宮、工作室玻璃運動，延伸至光纖、顯示器玻璃與太空望遠鏡，展現玻璃如何改變建築、創作、通訊與觀看。

在空間設計上，「台灣的透明」以金屬浪板打造廊道，呈現出彷彿進入工廠的身體感；而「世界的透明」則選用極具太空未來感的防火布構成，與玻璃為科技、宇宙時代帶來的改變相互呼應。雙廊道以不同時代為軸線，穿插展品與作品，帶領觀者一步步進入玻璃世界，最後於中央交會，空間豁然開朗，呈現多元共存的玻璃創作景象。

觀展亮點 ❷｜以五大提問為核心，串聯 11 國、逾 18 位國際藝術家作品

離開台灣、世界雙廊道，循著展覽動線進入「玻璃象限」展區，展覽以「玻璃為何存在？」「玻璃由誰創造？」「玻璃如何被製作？」「玻璃與時間的關係」等五大提問為核心，串聯來自世界各地十逾位創作者作品，從用途、製程到記憶，打開觀看玻璃的不同角度。

展覽透過不同價值觀與製作體系的對照，打開觀眾對玻璃的想像。例如，「平民 vs. 貴族」從玻璃的用途與身分出發，並置劉建廣（Liu Chien-Kuang）的〈FUFU 蝠福〉、〈Sommaren vi va på Öland〉，以及義大利藝術家 Lucia Massari 的〈Mario〉等系列作品。

劉建廣以玻璃模擬玉石的形態與質感，巧妙遊走於日常材料與珍稀收藏之間，策展團隊藉由此作品特性，提問物件的價值究竟來自材質，還是人們賦予它的文化想像；而 Massari 的作品則連結威尼斯玻璃的裝飾傳統，讓人回望精緻玻璃曾受歐洲王室與貴族珍藏、作為財富與品味象徵的歷史。同一種材料，因技術、用途與觀看方式不同，承載了截然不同的身分。

除此之外，展區也並置旅居倫敦的德國玻璃創作者 Jochen Holz 的藝術創作，以及他為丹麥品牌 HAY 設計的 Jug 水壺系列，探討「作品 vs. 商品」之間的微妙聯繫。Holz 早年接受技術玻璃吹製訓練，擅長以燈炬加熱硼矽玻璃管，讓熱玻璃的流動參與造形；這份對材料的理解，也延伸至水壺鮮明的壺口與向下彎曲的把手。從獨件創作到走入日常的設計商品，展覽引導觀眾思考：藝術與實用之間如何交會，一件玻璃物件又如何因製作、使用與展示方式，獲得不同的價值。

觀展亮點 ❸ ｜聲音創作者跨域合作，坩堝化為聲音裝置

在「玻璃象限」展開多元玻璃創作的可能後，一切於「思想熔爐」匯聚。展區中央，一座巨型八卦窯爐包覆著坩堝爐，象徵玻璃誕生的起點。坩堝原是玻璃原料在高溫中熔解、流動、消泡與澄清的所在；材料尚未凝結為固定形狀，也因此蘊藏著各種可能。空間設計以巨大的量體營造沉浸式的包覆感，將觀眾帶回玻璃成形之前，並將坩堝轉化為聲音裝置〈玻璃初音〉，讓製造玻璃的容器成為聆聽的入口。

聲響作品〈玻璃初音〉由聲音創作者莊瑞銘、蔡均宇共同創作，取樣自玻璃工廠中機器運轉、原料傾倒的聲音，以及日常使用玻璃時的碰撞與敲擊聲響，將工廠與生活中的聲響重新編織為音樂。觀眾走入空間，伴隨著若有似無的玻璃白噪音，隨著腳步靠近中央，聲音逐漸清晰。這段體驗也為展覽留下一處空白，讓人暫時放下對形體與技法的辨識，透過移動與聆聽，想像玻璃下一次成形的方向。

觀展亮點 ❹｜從〈東門〉出發，讀懂9位創作者的窯火人生

來到特展區《新竹大時代》，首先映入眼簾的是書法家王意淳的作品〈空氣裡有貓〉。作品將「躲貓貓」三字拆解為懸吊於空間中的玻璃筆畫，讓書法從紙面延伸至立體場域，並搭配鋪滿地面的玻璃細沙，呈現玻璃的清透質地，帶來有別於日常印象的接觸經驗，引領觀眾從「參與」開始，進入玻璃材料的世界。

沿著動線轉身，來到藝術家林啟燦的〈東門〉展間。作品運用拉絲與實心塑造技法，將熟悉的城市地標轉化為晶瑩的形體，呼應《新竹大時代》對人與城市的關注。接著，展覽透過李國陽、陳宗漢、許文龍等 9 位歷年金玻獎得主的訪談與作品，相互對照，呈現不同世代與玻璃相遇、投入創作的歷程，也讓觀眾看見精湛技藝背後，支撐創作者持續前行的動力。

觀展亮點 ❺｜ 以黑膠唱針讀取老玻璃，沿著光與聲音認識玻璃城市

在串連《新竹大時代》各展間的廊道中，策展團隊邀請真真鑲嵌玻璃研究所總監張博傑帶來作品〈Relight+project ___昭和單音 SHŌWA NOTE〉。該作品運用昭和時期的臺日壓花玻璃，透過黑膠唱針拾音系統刮讀玻璃紋理，提煉出白噪聲響；同時藉由影像的對焦與散焦，捕捉老玻璃折射的光影，將材料承載的時間轉化為可見、可聽的感官經驗。

同一空間亦透過資訊圖表，並置新竹、日本富山、義大利穆拉諾與捷克諾維博爾四座玻璃城市，呈現各地如何藉由典藏、教育、藝術節與競賽，支持玻璃創作持續發展。循著這些線索，觀展者能進一步理解新竹逐步建立的玻璃文化網絡：包括玻璃工藝博物館如何保存作品、展示技藝；玻璃藝術節如何連結大眾、促進國際交流；而金玻獎又如何鼓勵創作、拓展方向。

⬭ 展區之外：翻開《透波 T-Wave》首期刊物

為邀請觀展者看見玻璃的 B 面，探索展場之外的延伸創作，今年玻璃藝術節亦攜手由策展人吳庭安擔任製作人的編輯計畫《透波 T-Wave》，推出以「GLASS」為題的首期刊物。循著《玻璃大時代》策展取材的足跡，刊物將目光投向玻璃與聲音、文學等領域交會的創作，透過編輯的梳理與轉譯，帶領讀者走進策展過程與創作者的內心，理解材料如何觸發靈感，並在跨域實驗中長出新的可能。

⬭ 2026 新竹市玻璃藝術節 展區總覽

｜主展區《玻璃大時代 GLASS AGE》
地點：風 livehouse
展區：台灣的透明、世界的透明、玻璃象限、思想熔爐

｜特展區《新竹大時代 HSINCHU GLASS AGE》
地點：新竹市玻璃工藝博物館
展區：迎曦之門、窯火之窗、世界之路、無界之境

｜展覽資訊
展期：2026 年 10 月 17 日（六）至 11 月 15 日（日）
展覽票價：全票50元、優待票30元；新竹市民、65歲以上及未滿6歲者等符合資格者免費
開放時間：平日 09:00–17:00、假日 09:00–18:00，每週一休館

_{資料提供｜春池玻璃、文字整理｜Adela Cheng}