朝聖梵谷、莫內的謬思之地!八個真實存在的畫中秘境

你也曾夢想走入名畫之中嗎?八個真實存在的畫中秘境,朝聖著名畫家曾經的謬思之地!1

傳播媒體發達的今日,促成許多影劇與影迷的產生,而許多取景處也成為粉絲朝聖的熱門景點。但同樣的情形也出梵谷、 塞尚、莫內、雷諾瓦、孟克、伍德等藝術家舉世聞名的現代藝術畫作當中。

 

這些地點從百年前便吸引了大畫家們的目光,促成了這些家喻戶曉的經典名畫,如今,先人早已逝去,但他們的作品不曾凋零,其畫中世界也仍存在於世上。拜訪那些既遙遠又熟悉的場景,成為後世憧憬與憑弔的另一選擇。

 

Le Café La Nuit--《夜晚露天咖啡座》,文森‧梵谷

Le Café La Nuit--《夜晚露天咖啡座》,文森‧梵谷

1888年,印象派畫家梵谷來到了南法「亞爾(Arles)」,這座繽紛多彩的小鎮,催生了梵谷一生中最知名的幾幅畫作,其中一幅正是《夜晚露天咖啡座》(Café Terrace at Night)。

 

初秋的夜晚,熠熠星空下,論壇廣場邊的露天咖啡座,人們三五成群,溫暖的黃色燈光灑落每一寸街道,悠閒自在令人心生嚮往……如今,只要走訪這間咖啡廳,你也可以站在當年梵谷作畫的角度看世界。

 

Atelier Cézanne--《靜物》系列,保羅‧塞尚

Atelier Cézanne--《靜物》系列,保羅‧塞尚

就如同梵谷,塞尚一樣在南法找到靈感來源,不同的是,塞尚是個土生土長的南法人,其大半人生皆於普羅旺斯度過。他將一間舊農舍改造成個人工作室,並持續於此創作,知名作品包括《愛神石膏像》(Still Life with Plaster Cupid)等。

 

如今,Atelier Cézanne保存了塞尚使用的家具與擺設,曾在靜物畫中出現過的「明星們」也仍定居於此。這間位於山丘上,美景盡收眼底的工作室,不僅是畫家的摯愛,更是畫迷們必來的聖地。

 

Terrain des Peintres--《聖維克多山》系列,保羅‧塞尚

Terrain des Peintres--《聖維克多山》系列,保羅‧塞尚

當你來到普羅旺斯,除了Atelier Cézanne外,也千萬別錯過一公里外的Terrain des Peintres,從這座被塞尚拜訪無數次的公園可以遙望聖維克多山,這一場景也被捕捉在其至少30幅《聖維克多山》系列中,其以色彩、筆觸與構圖最為人稱頌,也因此成為塞尚一生中最知名的畫作。

 

如今,為了讓朝聖的旅客更容易找到畫家的私房景點,其路徑已被規畫為「Cézanne Trail」,只要依循此路,便可享受塞尚最愛的美景。

 

Monet's Garden in Giverny--《睡蓮和日本橋》系列,克勞德‧莫內

Monet's Garden in Giverny--《睡蓮和日本橋》系列,克勞德‧莫內

這次,我們將鏡頭切到北法吉維尼(Giverny),印象派大師莫內於1883年搬遷至此,而為眾人所愛的水上花園系列畫作正是在這裡問世。

 

茂密的柳枝垂於池畔,四季盛開的花卉與中央的蓮塘,一座綠色日本橋橫越其上,莫內以此庭院風光繪製了250幅《睡蓮》以及12幅《日本橋》,此外,他對花卉的熱愛甚至驅使他說出「我的心將永繫吉維尼」的名言。

 

這座舉世聞名的花園同時也是莫內故居,內部一併裝飾有莫內生前收藏、為數眾多的日本浮世繪版畫,作為觀光勝地,每年吸引了超過五十萬的旅客,若你也深愛莫內畫作,那可別落後腳步了!

 

The Palace of Westminster--《陽光穿過的國會大廈》系列,克勞德‧莫內

The Palace of Westminster--《陽光穿過的國會大廈》系列,克勞德‧莫內

莫內定居吉維尼的同時,曾數次拜訪倫敦,旅途中,他繪製了25幅英國國會大廈(The Palace of Westminster),只為實驗性地記錄天空與泰唔士河的光線變化,此舉也直接應證了畫家的名言--我無可救藥地著迷於色彩,它是我的喜悅,我的痛苦。

 

據傳,莫內當時作畫的場所位於聖湯瑪斯醫院(St. Thomas Hospital)的二樓露台,雖然如今已難以站在同個地點遙望英國下議院,不過根據河岸以及橋樑輪廓大致推測後可以見得,這片景致確實與莫內的畫作相當吻合。

 

Maison Fournaise--《船上的午宴》,皮耶-奧古斯特‧雷諾瓦

Maison Fournaise--《船上的午宴》,皮耶-奧古斯特‧雷諾瓦

《船上的午宴》(Luncheon of the Boating Party)是雷諾瓦最出名的作品之一,繼1882年於第七屆印象派畫展上展出後,這幅鉅作歷經幾世紀的讚頌,同時也為畫中場景所在地Maison Fournaise引來大量印象派畫迷。

 

Maison Fournaise位於巴黎西邊郊區的沙圖島(Chatou Island)上,於19世紀晚期提供船隻租借與河景用餐的服務,雷諾瓦以及其他法國畫家時常參與這項活動,此點可由《船上的午宴》看出些端倪。

 

然而,這間餐廳曾一度於1906年歇業,至1990年才再度開幕。如今,人們仍可在Maison Fournaise最著名的池畔陽台用餐,享受印象派獨特的美感視野。

 

Valhallvegen Road--《吶喊》系列,愛德華‧孟克

Valhallvegen Road--《吶喊》系列,愛德華‧孟克

詭譎的橘色天空,一座大橋延伸至遠方,上面站著托著雙腮的男子,世界彷彿因其吶喊而扭曲……這是挪威畫家孟克於1893年至1910年間創作的《吶喊》系列,系列中共有四幅作品,每幅構圖與主要元素皆一致,但細看則會發現,筆觸、色彩細節與媒材皆不盡相同。

 

這經典的畫面源自孟克某次散步途中,正巧經過一處峽灣,此時夕陽西斜,天色血紅一片,這片景色彷彿大自然的吶喊,對疲憊不堪的他造成巨大的衝擊與印象,也因此催生了這系列世界著名畫作。

 

大多人相信,當年孟克行經的路徑便是今日的Valhallvegen Road,從欄杆一側望去,可發現底下的城鎮及峽灣海岸,與畫作不謀而合。

 

Dibble House--《美式歌德》,格蘭特‧伍德

Dibble House--《美式歌德》,格蘭特‧伍德

1930年,畫家格蘭特‧伍德創造了《美式歌德》(American Gothic),其不僅是美國藝術史上最著名的作品之一,甚至可與《吶喊》、《蒙娜麗莎》並列為人們公認的文化標誌。

 

《美式歌德》畫面主體為一對看似古怪、暴躁的男女,一棟白色小屋靜靜矗立背後,然而其新歌德式窗戶搶眼程度卻不亞於前方兩位人物。有趣的是,多數人認為是夫妻的主角們,實際上是參考伍德的妹妹及牙醫所繪製的。

 

Dibble House取名靈感源自小屋的第一位主人Charles Dibble,現今這棟典雅的房舍已被列入美國國定古蹟的名單中,並設有博物館及旅客服務處,甚至提供道具出借服務,讓畫迷們也能拍出屬於自己的「美式歌德照」!

 

Text/Carol Chien

Via/MY MODERN MET

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基隆美術館大展《瓶中船》跨時空解構港都記憶!探問西班牙人登陸400年後,基隆如何面向世界?
基隆美術館《瓶中船》年度大展!29組藝術家跨時空解構港都記憶

歷史課本上所寫的「西班牙人登陸基隆和平島」,至今已過4個世紀。基隆美術館為此推出年度特展《瓶中船》,呼應「基隆四百年」的主軸命題——「流動的港口,世界的基隆」。展覽邀集台灣與來自西班牙、日本、香港、澳門等地共29組藝術家,以館藏與地方典藏為基礎,讓當代創作與歷史檔案、港口現場跨越時空彼此對話,重新想像基隆作為一座世界港口的樣貌。

基隆美術館《瓶中船》年度大展!29組藝術家跨時空解構港都記憶
(圖片提供:基隆美術館)

雙重視角映照:台灣、西班牙雙策展人共同策劃

《瓶中船》由出身基隆港的獨立策展人張文豪策劃,並邀請西班牙馬德里康普頓斯大學(Universidad Complutense de Madrid)藝術史系博士研究員羅貝托・阿爾瓦烏(Roberto Alvau)共同參與,由品度藝術(PRNDL.art)擔任策展團隊。一位從城市內部回望家鄉,一位來自400年前將基隆寫入地圖的國度、且長期聚焦臺灣及東亞當代藝術,兩種觀看位置在展覽中相互映照。

基隆美術館《瓶中船》年度大展!29組藝術家跨時空解構港都記憶
策展人張文豪、羅貝托・阿爾瓦烏(Roberto Alvau)。(圖片提供:基隆美術館)

港口,持續流動的文化現場

早在西班牙人抵達之前,原住民族與沿海居民便循著山海與潮汐生活,並透過海洋與外部世界往來。1626年,西班牙人登陸和平島,使基隆成為臺灣首座接入大航海網絡的城市,也開啟城市持續面向世界的歷史。本展不試圖以單一時間線重述400年歷史,而是將港口視為持續流動的文化現場——船隻與人群在此抵達、離開,物質、技術、語言與文化也在往返之間留下痕跡。

基隆美術館《瓶中船》年度大展!29組藝術家跨時空解構港都記憶
(圖片提供:基隆美術館)

瓶中船:用縮小的技藝換取全知的視野

聽來浪漫的展覽名稱,源自船員在漫長航程中所製作的「瓶中船」。被海包圍的日子裡,船員們把廣闊而未知的海面縮進方寸之間,以縮小換取安定。「在瓶中船內,人們彷彿擁有全知的視野,恐懼與未知得以暫時驅散,時間在雕琢的過程中被磨去,渴望抵達的彼方也逐漸浮出海面——那是一種以縮小換取安定的技藝。」策展人張文豪於展覽論述寫道。

基隆美術館《瓶中船》年度大展!29組藝術家跨時空解構港都記憶
(圖片提供:基隆美術館)

策展團隊品度藝術將瓶中船視為回望歷史的隱喻:人們對歷史的理解,如同凝視瓶中的微縮世界,看似完整,實則不斷經歷折射與再製。因此,展覽不追求單一線性的城市史,而是讓典藏作品與當代創作重新對話,集結繪畫、影像、版畫、裝置、表演、纖維等多樣媒材,觸及航行與遷徙、殖民與戰爭、產業與城市發展,也關注市場、信仰、飲食、音樂與日常生活,讓宏觀歷史與個人記憶彼此交疊,重新安放每個人在城市中的位置。

基隆美術館《瓶中船》年度大展!29組藝術家跨時空解構港都記憶
(圖片提供:基隆美術館)

典藏與新作交會,宏觀歷史與個人記憶交疊

展覽現場,多件委託新作和典藏作品展開對話。周代焌《疊景》以「繪畫回應繪畫」為方法,與楊成愿《航行與時間》、李義弘《跳石海岸》、洪瑞麟《礦工》與蘇秋東《基隆驛前》展開交錯閱讀。典藏中的圖像、筆觸與觀看方式,經由拆解與轉譯,重新組織為整體空間語彙。

基隆美術館《瓶中船》年度大展!29組藝術家跨時空解構港都記憶
周代焌《疊景》。(圖片提供:基隆美術館)

藝術團體太認真《致 那些無法開花結果的》與蘇秋東《昔日顏家花園》並置展出,從蘇秋東筆下的顏家「陋園」出發,以相傳於西班牙殖民時期引入基隆的金露花,重構歷史照片中已無法辨識的庭園。

基隆美術館《瓶中船》年度大展!29組藝術家跨時空解構港都記憶
太認真《致 那些無法開花結果的》。(圖片提供:基隆美術館)

邱承宏《未完成的紀念碑》與張庭甄《一片視圖,一片試圖》同樣從地方史料出發,2件新作皆以1934年鮫島臺器贈予基隆公會堂,其後下落不明的《女神像》為線索。前者以和平島諸聖教堂遺址的礦物與碎片,雕出女神消失後留下的空隙;後者以珠簾網點讓女神輪廓在觀者移動至特定位置時重新聚合,並將美術館的透視軸線延伸為環繞地球的大圓弧線。

基隆美術館《瓶中船》年度大展!29組藝術家跨時空解構港都記憶
邱承宏《未完成的紀念碑》。(圖片提供:基隆美術館)

從不同時代觀看、理解與記憶基隆

同一片港灣、山城與街區,在不同時代裡被反覆觀看、描繪與重新組織,也因此被賦予截然不同的記憶與造型。基隆的地景跨越時間的維度,成為藝術家共同傾注心神的對象:倪蔣懷長年以寫生觀看基隆,用水彩紀錄港灣、坡地、河岸等城市風景;蘇秋東的油畫,留下1930年代基隆車站前的圓環和顏家「陋園」;鄭桑溪用攝影凝結1950年代的基隆光景,從港口、軍事設施到迎神陣頭;李欽賢以「史記」為題,採拼貼式構圖串連基隆車站不同時期的建築、火車、地圖與航線;蔣瑞坑、洪瑞麟描繪港都的勞動身影和礦業現場;劉麗玉以拙樸筆觸保存唸歌、市場、染布與魚市的常民記憶。

基隆美術館《瓶中船》年度大展!29組藝術家跨時空解構港都記憶
(圖片提供:基隆美術館)

有人用畫筆和顏料紀錄基隆印象,也有人藉複合式媒材組構裝置,讓城市記憶變得立體。生長於基隆的李承亮以退役船艦拆解後的鋼板、船窗與錨鏈組構《巡護黃頭鷺一號》,讓田寮溪畔常見的黃頭鷺,成為穿越不同時間尺度的港口見證者。

基隆美術館《瓶中船》年度大展!29組藝術家跨時空解構港都記憶
李承亮《巡護黃頭鷺一號》。(圖片提供:基隆美術館)

日本藝術家柳幸典《Kongo 1_100》以1923年載著皇太子裕仁抵達基隆的軍艦「金剛」為線索,將這艘船艦縮小為模型、包裝盒與組裝說明圖,透過尺度與媒介的轉換,使帝國、殖民與軍事象徵進入另一種觀看關係。

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柳幸典《Kongo 1_100》。(圖片提供:基隆美術館)

走入基隆田調現場的創作

本次委託製作讓藝術家走入基隆,從地景、產業、聲音、物質與地方記憶之中,提出新的觀點。加藤翼於槓子寮砲台拍攝,邀請在地音樂人以繩索相互牽連、共同合奏,繩索既是連結也是牽制,交織的聲音則讓這些複雜關係,在曾經面向海洋的軍事空間中再次被聽見。

基隆美術館《瓶中船》年度大展!29組藝術家跨時空解構港都記憶
加藤翼《Songs While Bound:Taiwan》。(圖片提供:基隆美術館)

西條茜以近似船體與生物形態的中空陶器,由多位表演者吹氣共鳴,在內部交會並形成聲音,而作品下方的木製結構取自船台形式,使陶器呈現停泊狀態。

基隆美術館《瓶中船》年度大展!29組藝術家跨時空解構港都記憶
西條茜《On the Perch》。(圖片提供:基隆美術館)

康雅筑《未凝固的海》以自製木製行李箱為核心,延伸出染成鏽色與灰藍的麻繩漁網、橡膠織物與家庭照片,把和平島的童年記憶與東南亞的橡膠田野編織在一起。羅玉梅《解體》邀請和平島得義堂第九組北管軒社分散於展場各處演奏,並與清末北洋水師「定遠號」訊號鐘的錄音交會,讓地方信仰與近代東亞海權史在聲音中並置。

基隆美術館《瓶中船》年度大展!29組藝術家跨時空解構港都記憶
康雅筑《未凝固的海》(圖片提供:基隆美術館)

艾格妮絲・埃松蒂《西班牙殖民盛宴》源自她在暖東峽谷旁拉波波村學習藍染的駐村經驗,以民眾共創的藍曬探問食物與布料如何承載記憶。趙永寧《美食之都是基隆》則循著居民提供的飲食地圖,與市民共同用餐、交談,從「吃」重新認識基隆。

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艾格妮絲・埃松蒂《西班牙殖民盛宴》。(圖片提供:基隆美術館)

基隆美術館年度特展《瓶中船》

展期|即日起至2027.01.24

資料提供|基隆美術館  攝影|嘟嚕影像工作室  文字整理|Izzie Pang

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現正於台北藝廊TAO ART舉辦的《露水幻夢》雙人展,由來自英國的Benjamin Spiers(班傑明.斯皮爾斯)與台灣藝術家曾建穎,攜手策展人陳若盈一同呈獻。兩位藝術家的創作根植於截然不同的繪畫傳統,卻同樣著迷於身體作為「蛻變」場域的可能性。展覽由此出發,探索「可見之物」和「內在感受」之間持續流變的感知狀態,讓不安的美與張揚的怪誕彼此交織,形成一場矛盾又超現實的視覺對話。

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Benjamin Spiers:潛入瘋魔世界

Benjamin Spiers的繪畫作品充滿原始生命力,可見超現實主義、抽象主義、立體主義等不同風格的交疊。他擅長運用油彩,以驚人的寫實感刻畫出奇幻的形體,把人們半夢半醒所感受到的幻想和恐懼,帶入畫布當中;畫中介於人與非人之間的角色,其形體怪異,有的脖子鼓脹、有著四肢扭曲,將觀者引進他們所處的瘋魔世界。

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這次Benjamin Spiers在展覽中帶來多件2026年創作的油彩新作。在〈淺眠者〉中仍可見「人類」的形體,畫中乳白液體自宛如人偶的沉睡臉孔上滴落,臉龐輪廓在接近下顎處逐漸變形,角色噘起的紅唇散發情欲氣息。

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〈天然粉紅〉中的人物經歷著強烈的蛻變,頭髮與耳朵交織纏繞,拉長、旋扭的手指則融化為液態。一隻眼睛在髮絲半掩之下,將觀者的目光錨定在這個幻象迷宮之中,令人屏息。

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〈惡之華〉則轉向超越人類的維度,召喚出幽異的想像——散發微光的髮絲與花瓣彼此連結,如煙霧般飄浮。頭髮是Spiers創作中的重要元素,既暗示著身份建構、增強了畫面的戲劇性,也隱喻某種原始的本能力量,如同無意識思緒與幻想般不斷滋長、變形。

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曾建穎:遊走神聖與日常之界

曾建穎主要使用水墨、礦物顏料、亞洲手工紙,以及源自東亞繪畫傳統的「堆高」技法進行創作。他將身體視為慾望、精神性、記憶與文化經驗交會的載體,並透過佛教圖像、酷兒視角與繪畫媒材自身的歷史,建構游移於神聖與日常之間的視覺語言。

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時常從宗教圖像中汲取靈感,曾建穎將繪畫視為「精神性的容器」,藉此創造出新的人體圖式,並與既有文化脈絡對話。比如在桃形屏風作品〈仙果〉中,他在屏風正面描繪一顆熟桃,切開的缺口微微露出桃的內部,下方的舌狀葉片則暗示感官慾望和生命無常;另一面則是近距離重疊的後腦勺與臉龐,既可能是鏡子前的自我凝視,也可能是兩個人物之間的親密舉動——自我與他者之間的界線因而模糊。

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(圖片提供:TAO ART)

在帶有壁畫質感的雙聯畫〈身體角質:半夏〉與〈身體角質:忍冬〉中,曾建穎以細密筆觸建構出奇異的「肉裝」,隱喻防衛性的自我重塑。人體承載著意識的流動,在有機與人造、可見與想像之間來回擺盪。對他而言,這種雙重性呼應著〈莊周夢蝶〉中虛實辯證的意涵。

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〈沃野〉中,仰臥的男性身體以奇特的角度扭曲,填滿整個畫面,宛如一座山巒,引導觀者如遊覽山水畫般,沿著人體移動視線。曬得通紅的皮膚散發出近乎可觸、帶有情欲的熱度,也喚起觀者對日常身體經驗的記憶。

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如《聊齋志異》般詭異卻幽美動人?

Benjamin Spiers與曾建穎以精湛的畫技與富感官性的風格,創造出鮮活的混種形體,使其成為轉化與無限可能的場域。在他們的作品中,身體既是被觀看的對象,也是感知與經驗發生之處。

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(圖片提供:TAO ART)

策展人陳若盈表示:「最初構想這個雙人展,是因為在建穎和Benjamin的畫中感受到某種張力與電流般的衝擊,愉悅與痛苦交織並存。我看見人既是原始的動物,也蘊含聖潔之美。儘管媒材與文化語境不同,他們的作品都帶來一種先於語言、強調感官性的觀看經驗。畫中的人物彷彿具有意識,被凝視的同時也回望著我們。這種感受轉瞬即逝,既實且虛,就像水:流動、透明、難以捕捉,卻也蘊含穿透與蛻變的力量。」

TAO ART《露水幻夢》Benjamin Spiers、曾建穎雙人展,展現身體的原始張力和聖潔之美
(圖片提供:TAO ART)

TAO ART創辦人Vicky Chen則表示:「 Ben與建穎的作品都有種奇異而迷人的美。觀看他們的畫,常讓我想起小時候看《聊齋志異》的感受:如夢似幻,帶著幾分詭異,卻又幽美動人。畫中人物的眼神、曖昧的姿態與變幻的形體,彷彿藏著許多不可言說的秘密,讓人感到些許不安,卻又忍不住凝視。對我而言,有趣的作品正是如此,能勾起層層回憶,也牽引出無盡的幻想。」

TAO ART《露水幻夢》Benjamin Spiers、曾建穎雙人展,展現身體的原始張力和聖潔之美
(圖片提供:TAO ART)

《露水幻夢》Benjamin Spier與曾建穎雙人展

展期|2026.10.24-2027.01.23

地點|TAO ART(台北市內湖區洲子街79-1號8樓)

開放時間|週二至週六 11:00-19:00

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