遊走在生死交界經歷成靈感！台灣藝術家謝春德《天火》用影像探討「瀕臨死亡」打造平行世界空間

2018-10-26

攝影 藝術
在展覽的最開端，觀眾會先進入一個滿佈投影的房間，就像走入山林一般。

攝影藝術家謝春德影像風格細膩，雖然是靜止的畫面，可是當觀者凝視時，照片裡頭情感豐沛的故事，總能引發觀看者回望生命中的某一時刻。「生與死」是人生無法逃避的過程，但處在中間的「瀕臨死亡」又是一個什麼樣的狀態？這正是謝春德最初個展《天火》所欲呈現與探討的議題。

 

熱愛走入山林的謝春德，師承登山怪傑李小石，當年好不容易克服高山症，終於登上海拔3,700多公尺的南湖大山，就在舉杯慶祝的瞬間，卻因情緒波動太大身體不堪負荷而陷入休克，遊走在生死交界狀態、半夢半清醒的他，靠著李小石和隊友的幫助，好不容易保住了生命，這驚險的經歷成為《天火》系列的創作初衷。

 

 

從那座山開始是為旅程

那次李小石幫助了謝春德，但多年後，李小石卻幫不了自己，他在2013年登上8,000多公尺的世界第四高峰洛子峰，卻在登頂後卻不幸暈倒昏迷。謝春德說：「《天火》其實就是瀕臨死亡的狀態，登得越高，我們的思緒就離平地越遠，越接近天。」換句話說，當登上某個高度時，登山者是靠著嚮導的繩索與意志力攻頂；但在下山的時候，心靈的愉悅和肉體的疲累過於兩極，很容易讓人失去現實感。「我的老師就這樣走錯邊，沒有回來」他緊接著說。

 

 

這種遊蕩在兩端的情緒，不斷在謝春德的作品反覆出現。有時狂喜、有時絕望，更多的是失去了理性的牽引。在一張他為李小石拍攝的作品裡，可以看見李小石全身脫個精光，精神高亢地站在石頭上，「你知道那時候的思維，跟平地完全不一樣，人一到了3,000公尺的山頭就脫個精光，下山沒有人敢」他激動地說。這近似神遊的過程，即成了謝春德《天火》重要的一部分，他形容這段經驗，就像身體是某個訊息的發射器，冥冥之中在接受某種訊息，「在靈魂的深處，好像在呼喚你」。

 

 

歷劫歸來的他，自有獨到解釋，他認為有現實感才能回到現實裡，登高山很危險，不是只有爬山的過程，還有心靈上的過程，「你以為很多登高山的人死很可憐，但其實他們是充滿笑容的」他說，而且死亡是一個奇妙的經歷，「人生中只有兩個經歷無法告訴別人，一個是你怎麼離開母親的產道到這世界，另外一個則是離開人世。因此，去注重人生的存在感是很重要的。」身體靈魂在不同時空的存在、分離、或交會，也成為謝春德的探究主題，這也是此次展覽系列名稱「平行宇宙」的由來。

 

走進攝影場景裡

走進《天火》展覽現場，就彷彿走入謝春德精心創造的「平行世界」裡。這次展覽匯集他橫跨2002年到2018年的創作。每一個展間，就是一個獨立空間，他希望當觀者走進去，不僅止於感官，「而是讓經驗一層一層的轉換，多重宇宙，不同的經歷，交會成焦點，每個轉身都有如置身夢境」。踏入第一個展間通道，進到一個滿佈投影的空間，有石頭、流水、枯枝、雲海，就好像站在風起雲湧的山頂，準備走上神遊之旅，而再向前走一步，來到一間僅有小窗而空無一物的房間，驚奇的旅程才正要開始。

 

謝春德向來擅長編導式攝影美學，但這次和過去都不同。以往他在攝影棚裡，設定好場景，一層一層的疊加拍攝；這次他讓這些場景，直接走入美術館的空間裡頭，讓觀眾除了可以透過畫面去想像、去意會，還能夠進入他所設計的場景，置身他所刻畫的層層交錯多重宇宙。

 

 

除了建構空間外，他透過聽覺和味覺，打造出更全面的感受。在聽覺方面，音樂圈好友們，以他創作的詩句譜曲吟唱，作為展覽的揭幕；他也將茶館搬入美術館，讓觀眾歷經作品的洗禮之後，得以尋得一方寧靜；他更在美術館裡頭，建造了一個水池，將詩句投影其中，讓觀眾低語呢喃，看那漣漪和波動。「我閱讀的時候，聲音、旋律和影像都會逐一浮現。」他如此說明。

 

 

從手稿開始的創作旅程

這是謝春德第一次得以將平面攝影作品，成為立體裝置的一部份，他笑說這次身份更像是建築師或工程師。一直對空間都有著極大興趣的他，雖然早在2016年就曾在「平行世界」的二部曲《勇敢世界》，透過投影和流動影像，作為形塑空間的手法，探討失智症的世界，但這次透過裝置的建立，他直接將場景搬入美術館裡，讓觀眾可以在裡頭轉身再轉身，跟他一起走入神遊的過程。這看似幾分鐘的遊蕩，是他投入10多年漫長旅程的心血之作。

 

一張張手稿則是建構這巨大計畫的重要基礎，因為編導式的製作方式，每個階段都需要嚴謹準備拍攝地點、合作演員，還有影像的後製，整個動員相當可觀。他解釋，創作就像拍電影一樣，有一個故事在裡頭，從手稿做成小模型、大模型，然後再進攝影棚實現，進行後製合成等，「構思是一個瞬間，實現就是一個很長的過程」他說。

 

橫跨多重創作領域的他不只擅長攝影，在拍攝廣告、音樂錄影帶外，他也曾於1992年獲得新聞局電影輔導金，對他來說，動態和靜態，各有不同的吸引力，也有不同的難度，「靜態是一張平面要講很多話，什麼樣元素、位置很重要；而動態有一個敘事的結構，關鍵在於主旋律要怎麼處理。」

 

每個系列對謝春德來說，都是一段不同的創作歷程，時而交會，時而重疊。歷經兩個「平行世界」系列的發展，從《天火》神話式的預言，再到《勇敢世界》探索親人之間的平行世界，第三個系列也預計在兩年後問世。對謝春德來說，創作過程就像人生，而也如同《天火》展覽中的最後一張作品，坐在白馬上的少年正迎向未知的前方邁進，在藝術的道路上，謝春德也是如此毅然而堅定地持續向前。

 

 

快問快答

Q：現在的人們習慣將手機當作是看見世界的眼睛，您平時也會用手機拍照嗎？

謝：我也會，平常我不帶相機，也常用手機拍照，當作捕捉意象、拍材料，就像寫日記般記錄下來。


Q： 對於來看展覽的觀眾，有什麼建議嗎？

謝：看展覽，其實看不懂沒有關係，就用直覺的方式來，不用看懂，只要去感受。

 

 

INFO

謝春德《天火》

北師美術館 即日起∼11.18

montue.ntue.edu.tw/exhibit/show/23

 

Text／翁浩原
Photo／塗建榮、張藝霖
Photo credit／北師美術館、謝春德

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親臨歷史洪流中的文化現場：新美館《民間／攝影》集結8位紀實攝影家、多媒材展品，領看日治到1980年代台灣社會樣貌

by Ning Chi 2026-07-17

2026展覽 新北市美術館 紀實 攝影 文化保存
親臨歷史洪流中的文化現場：新美館《民間／攝影》集結8位紀實攝影家、多媒材展品，領看日治到1980年代台灣社會樣貌

新北市美術館將自2026年7月18日起推出《民間／攝影：紀實影像的敘事生成》研究展，從台灣紀實攝影重新觀看民間社會，梳理近百年來的影像文化脈絡。隨本文前進展間一睹精彩展品，同場搶先鑑賞橫跨日治時期至1980年代共8位重要攝影家作品。

新北市美術館（簡稱新美館）預定2026年7月18日至11月15日登場的全新研究型展覽《民間／攝影：紀實影像的敘事生成（Minjian / Photography: Documentary Vision and Its Realist Inflection）》，由策展人、攝影史研究者張世倫主持策劃，以台灣近百年來的紀實攝影發展為主軸，透過多媒材展品重新梳理台灣紀實影像如何回應社會、記錄地方，進而鋪陳屬於台灣的影像敘事與文化記憶。屆時將集結松山虔三、張才、黃則修、黃永松、姚孟嘉、張照堂、梁正居、林柏樑等8位重要攝影家的創作與文獻，帶領觀者從「民間」出發，反思攝影與台灣社會之間的深刻連結。

民間除指民俗本身，更指其所形構的文化空間

展覽核心概念聚焦「民間」一詞，英文展名且保留華語拼音「Minjian」，而不直接翻譯為Folk、Vernacular、Popular等字眼。對此，張世倫指出，「民間」非單純指涉民俗文化，更稱代介於官方與非官方之間，由地方社會、日常生活、宗教信仰與影像傳播交織而成的文化空間；藉音譯保留其歷史脈絡與在地語境，確也巧妙突顯台灣紀實攝影獨特的文化意涵。

新美館研究型展覽《民間／攝影：紀實影像的敘事生成》。（圖片提供：新北市美術館／攝影：王世邦）
新美館研究型展覽《民間／攝影：紀實影像的敘事生成》。（圖片提供：新北市美術館／攝影：王世邦）
（圖片提供：新北市美術館／攝影：王世邦）
（圖片提供：新北市美術館／攝影：王世邦）

集結多媒材展品，時間軸橫跨日治時期至1980年代

全展除呈現諸位攝影家經典作品外，亦同步展示出版文獻、工作樣片、歷史檔案和手稿，供觀者綜覽影像從拍攝、編輯到流通的生成過程，以重新理解紀實攝影如何隨時代變遷，持續回應台灣社會與文化發展。總體內容橫跨日治時期至1980年代：始自《民俗臺灣》攝影師松山虔三的民間影像，並由張才、黃則修等戰後攝影家的街頭紀實，以及張照堂充滿詩性與哲思的影像創作接續後，再揭開《漢聲》雜誌團隊結合攝影、田野調查與編輯出版所建構的民間文化視野，最終完整勾勒台灣紀實攝影逐步成形的主體性。

（圖片提供：新北市美術館／攝影：王世邦）
（圖片提供：新北市美術館／攝影：王世邦）
（圖片提供：新北市美術館／攝影：王世邦）
（圖片提供：新北市美術館／攝影：王世邦）
（圖片提供：張照堂檔案庫）
（圖片提供：張照堂檔案庫）
（圖片提供：新北市美術館／攝影：王世邦）
（圖片提供：新北市美術館／攝影：王世邦）

▼ 認識8位攝影家

松山虔三（Matsuyama Kenzo）

本名杉山直明，日本千葉縣出生，曾活躍於1930年代新興寫真運動。1938年為規避軍國主義兵役徵召而避居台灣，旋即成為日治末期重要刊物《民俗臺灣》的視覺領軍人物，包辦全刊九成以上的攝影生產。

面對戰爭動員與皇民化高壓體制，其鏡頭敏銳跳脫官方教化宣傳，聚焦街市、祭儀與庶民生活，在《民俗臺灣》中嶄露別具現代感的編輯意識與強烈報導性。創作上藉由格狀的系列圖像重組，將「民間」形構為一種可被深度閱讀的視覺知識，而非被動、僵化的民族誌。後於1948年左右受遣返回日，離台前夕並將底片託予美國外交官葛超智（George H. Kerr），因而留下一批珍貴的影像印樣，日後輾轉由台北二二八紀念館典藏。

松山虔三、金關丈夫〈城隍祭〉，出自1941年7月第1期《民俗臺灣》。（圖片提供：新北市美術館）
松山虔三、金關丈夫〈城隍祭〉，出自1941年7月第1期《民俗臺灣》。（圖片提供：新北市美術館）
松山虔三〈日食艋舺風俗〉，出自1941年12月第6期《民俗臺灣》。（圖片提供：新北市美術館）
松山虔三〈日食艋舺風俗〉，出自1941年12月第6期《民俗臺灣》。（圖片提供：新北市美術館）

這批多達上千張的龐大檔案，過去在台灣攝影史長期被忽略。本展透過系統性調查研究，首次將之公開，揭示日治末期台灣民間的視覺感性與歷史座標。

展區一隅。（圖片提供：新北市美術館／攝影：王世邦）
展區一隅。（圖片提供：新北市美術館／攝影：王世邦）

張才

攝影養成深受新興寫真思潮影響，強調以小型相機的機動性，突破沙龍攝影的形式美學與繪畫性仿擬，捕捉現代都市的流動特徵與街頭日常的現實結構。對他而言，影像的核心不在形式完成度，而在「人」與社會的真實關係。

故在戰後由沙龍風格與競賽體制主導的攝影環境裡，他憑藉近乎獨立的拍攝態度，長期把鏡頭投往民間，並發展出一種以「複訪」為核心的拍攝策略：拋開特定的功利目的，反覆回返既定場域拍攝，以透過時間累積生成檔案式的觀看結構，將影像從一次性的截取，轉化為具厚度的社會紀錄。

張才〈三峽系列〉。（圖片提供：新北市美術館）
張才〈三峽系列〉。（圖片提供：新北市美術館）
張才〈賣風車的人〉、〈新公園攝影師〉。（圖片提供：新北市美術館）
張才〈賣風車的人〉、〈新公園攝影師〉。（圖片提供：新北市美術館）

本展聚焦三峽賽豬公、大稻埕霞海城隍祭、新莊大眾爺祭等最為關鍵的民間紀實系列，可見其構圖策略刻意迴避儀式性的高潮場面，轉向捕捉周遭庶民的細微姿態，使民俗不再被英雄化或景觀化，而是回歸具體的社會關係。這些影像共同構成戰後台灣少見的現實主義視覺證據，亦深刻奠定本地紀實攝影的早期系譜。

展區一隅。（圖片提供：新北市美術館／攝影：王世邦）
展區一隅。（圖片提供：新北市美術館／攝影：王世邦）

黃則修

長期圍繞寺廟與地方空間展開攝影創作，且並未視「民間」為奇觀化的民俗景觀，而是將之理解為沉積情感與時間的生活場域。他最具代表性的《龍山寺》系列作，不僅躍然台灣攝影史上最早的專題系列攝影展，這批多拍攝於1950年代的影像，更在安靜、近乎停滯的影像節奏中，呈現信仰空間特有的精神密度。畫面中顯露的灰澀與閉塞，亦折射出白色恐怖高峰期庶民生活的壓抑，細膩照見戰後台灣社會樣貌。

其重要性在於他極早即以系列化方式處理民間題材，並透過暗房技術與畫面結構，將紀實攝影推向帶有現代感的形式探索，反映台灣攝影逐步脫離沙龍美學、轉向現實觀察的歷程。

黃則修〈龍山寺系列――午後廟前〉、〈龍山寺系列――順風耳（媽祖殿）〉。（圖片提供：新北市美術館）
黃則修〈龍山寺系列――午後廟前〉、〈龍山寺系列――順風耳（媽祖殿）〉。（圖片提供：新北市美術館）

過去評論多將他定位為古典優雅的寫實家，本展則透過檔案的重新檢視，發掘他在民間影像實踐中長期被忽略的開創性與實驗性。

展區一隅。（圖片提供：新北市美術館／攝影：王世邦）
展區一隅。（圖片提供：新北市美術館／攝影：王世邦）

黃永松

作為《漢聲》雜誌創辦人之一，自1970年代起透過田野調查、報導攝影與刊物編輯的交織實踐，系統性地梳理消逝中的民間工藝、歲時祭儀與地方知識。並試圖在現代化急速推進的時代條件下，建立傳統與現代之間的連結，使民間文化得於變動中持續前進。

其執掌雜誌《漢聲》大膽運用飽滿且懷有敘事力的彩色攝影，突破紀實攝影長期偏重黑白的慣性，賦予傳統文化開闊而富現代感的審美質地。同時亦將攝影從單一作者的表現，化為集體性的媒介生產；透過序列影像與版面設計，繁複的俗民慣習被轉譯為具尊嚴的「民間藝術」知識體系。

黃永松〈關公生日進香，大溪（「祭」）〉。（圖片提供：新北市美術館）
黃永松〈關公生日進香，大溪（「祭」）〉。（圖片提供：新北市美術館）
黃永松〈作醮，龍潭（「醮」）〉。（圖片提供：新北市美術館）
黃永松〈作醮，龍潭（「醮」）〉。（圖片提供：新北市美術館）
黃永松〈持傘婦人，九份〉、〈大甲媽祖進香客，大甲〉。（圖片提供：新北市美術館）
黃永松〈持傘婦人，九份〉、〈大甲媽祖進香客，大甲〉。（圖片提供：新北市美術館）

本展透過刊物與版面檔案，重新檢視他與《漢聲》團隊如何以高度能動的實踐，為台灣建構出一套兼備現代張力的民間文化圖譜。

展區一隅。（圖片提供：新北市美術館／攝影：王世邦）
展區一隅。（圖片提供：新北市美術館／攝影：王世邦）

姚孟嘉

作為《漢聲》最具代表性的攝影與編輯，其影像實踐深刻參與戰後台灣民間文化的視覺重構。他長期深入廟會、戲曲、民間工藝與地方聚落，以高密度的現場觀察與對細節的精準掌握，逐步建立《漢聲》獨特的影像報導風格。

不同於傳統報導攝影對事件的追逐，他更重視空間氛圍、人物姿態與民間場景之間的關係。整體影像風格寧和靜凝、內斂含蓄，在直率確切的光影中蘊含生命風霜。這種平順自然的細緻感性，源自他身為畫家的構圖視野，使影像在記錄現實之餘，更帶有近乎人文民族誌式的文化厚度與抒情質地；同時隱約透露著一種過渡時刻的清醒意識：他所凝視的民間現場，正處於傳統秩序鬆動、現代化浪潮逼近的歷史縫隙中。

姚孟嘉〈南投埔里〉。（圖片提供：新北市美術館）
姚孟嘉〈南投埔里〉。（圖片提供：新北市美術館）
姚孟嘉〈桃園龍潭農夫之手〉。（圖片提供：新北市美術館）
姚孟嘉〈桃園龍潭農夫之手〉。（圖片提供：新北市美術館）

經由他的鏡頭，我們得以看見民間現場在現代化的劇烈衝擊下依然保有的從容，以及那份從容背後隱而不宣的時代憂鬱。

展區一隅。（圖片提供：新北市美術館／攝影：王世邦）
展區一隅。（圖片提供：新北市美術館／攝影：王世邦）

張照堂

影像該如何觀看現實？秉此提問，他自1960年代起開始拍攝鄰里日常與邊緣人物，1974年並舉辦「攝影告別展」，象徵性地告別早期偏向前衛風格的形式實驗，走入更貼近人群的民間場景。這種轉變並非創作者的自我斷裂，相反地，是將早期存在主義式的荒謬與虛無意識，深刻內化至對民間的觀看中，使畫面裡的人物與環境，交織出一種曖昧的精神結構——在這裡，「民間」不再只是被記錄的對象，更成為時代心理、歷史殘響與生命處境的疊影場域。

1970年代任職電視台期間，他遂利用工作之餘，以民間場景進行實驗性的動態影像創作，自覺地構築一套平行於主流媒體的影像實踐。同時長期透過評論與書寫，不斷擴張台灣攝影的思考邊界。

張照堂〈北投〉。（圖片提供：新北市美術館）
張照堂〈北投〉。（圖片提供：新北市美術館）
張照堂〈基隆〉。（圖片提供：新北市美術館）
張照堂〈基隆〉。（圖片提供：新北市美術館）
張照堂〈三峽〉。（圖片提供：新北市美術館）
張照堂〈三峽〉。（圖片提供：新北市美術館）

本展透過手稿、攝影作品與錄像檔案的交錯呈現，重新檢視他如何將「民間」轉化為充滿歷史幽影的影像結構，持續影響後代對「紀實」與「現實」的理解方式。

展區一隅。（圖片提供：新北市美術館／攝影：王世邦）
展區一隅。（圖片提供：新北市美術館／攝影：王世邦）

梁正居

中國四川省出生，1949年來台。身兼散文家與插畫家，擅長使文字、繪畫與攝影彼此交織，發展出富文學性的風土書寫，並始終保有紀實筆調難能可貴的誠實。1970年代起為英文版《漢聲》拍攝民俗文化相關照片，並曾陸續任職不同新聞機構，但始終遊走在媒體機制邊緣，更傾向以自由供稿者與獨立攝影工作者的身分，自主展開長達十餘年的各地踏查，深入地方聚落、山村市鎮與信仰場域。

其影像風格樸質直接，調性沉穩克制，不追求戲劇效果，而是在漫長的行旅中，積累近乎「壯遊」的漫遊者視野；對民間生活帶著個人節奏與時間感的觀看，既冷靜節制，又深懷熱情。1981年出版的攝影文集《台灣行腳》，已被公認為紀實攝影的重要標竿。

梁正居〈南投 八通關〉。（圖片提供：新北市美術館）
梁正居〈南投 八通關〉。（圖片提供：新北市美術館）
梁正居〈臺北 漢口街〉。（圖片提供：新北市美術館）
梁正居〈臺北 漢口街〉。（圖片提供：新北市美術館）
梁正居〈五峰〉。（圖片提供：新北市美術館）
梁正居〈五峰〉。（圖片提供：新北市美術館）

本展首度以具規模的方式展出其作品，旨在重新建立地方影像、獨立攝影與民間記憶間的重要視覺線索。

展區一隅。（圖片提供：新北市美術館／攝影：王世邦）
展區一隅。（圖片提供：新北市美術館／攝影：王世邦）

林柏樑

高中時期受畫家席德進啟發，退伍後隨其走訪各地，從此展開以鏡頭深入民間現場的創作路徑。儘管曾任《皇冠》、《時報周刊》等媒體特約攝影，他始終以獨立攝影者自居，長年穿梭城鄉之間，在台灣社會劇烈變遷的年代裡，留下兼備時代質地與文化溫度的影像紀錄。

林柏樑〈等待媽祖――澎湖花嶼〉。（圖片提供：新北市美術館）
林柏樑〈等待媽祖――澎湖花嶼〉。（圖片提供：新北市美術館）
林柏樑〈都市邊緣人――臺北二號水門〉。（圖片提供：新北市美術館）
林柏樑〈都市邊緣人――臺北二號水門〉。（圖片提供：新北市美術館）

本展以其彩色攝影為核心，彰顯他飽和而節制的色彩語言，以及對民間氛圍的細膩觀察。他的影像不靠戲劇化的視覺張力取勝，反安靜地潛入日常場景，捕捉民間生活裡那些高度凝縮的情感與空間氣息。展場同時並置其散文與文字檔案——書寫對他來說不是影像的補充說明，而是與拍攝並行的思考方式，持續追問「民間」在現代化浪潮下如何變形、消散，又如何重新生成。

展區一隅。（圖片提供：新北市美術館／攝影：王世邦）
展區一隅。（圖片提供：新北市美術館／攝影：王世邦）

以民間研究回應對地方性的探討

面對全新研究展啟幕在即，新北市美術館表示，期待以「民間轉向（Folk Turn）」的觀點，再次思考地方性、共同體、知識生產與文化流動。就此而言，民間不只是研究對象，更可謂一種觀看世界的方式。《民間／攝影：紀實影像的敘事生成》除回顧台灣紀實攝影的發展歷程，亦希望經由作品與檔案，引導觀眾重塑觀看台灣社會的方式：通過不同世代攝影家視角，看見那些曾被忽略的歷史記憶，從而進一步發掘台灣民間社會的豐富樣貌。

《民間／攝影：紀實影像的敘事生成（Minjian / Photography: Documentary Vision and Its Realist Inflection）》

  • 時間：2026年7月18日至11月15日
  • 地點：新北市美術館（新北市鶯歌區館前路300號）

資料提供｜新北市美術館          文字整理｜Ning Chi

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瀧本幹也首檔美術館大型個展《LUNATION朔望》9月登場！集結新作與生涯代表作，展現商業攝影外的創作關注

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瀧本幹也 攝影
瀧本幹也首檔美術館大型個展《LUNATION朔望》9月登場！集結新作與生涯代表作，展現商業攝影外的創作關注

日本攝影家瀧本幹也全新個展《LUNATION朔望——從海洋閱讀天體》，將於9月2日～11月8日在茅崎市美術館展出。這是他首檔美術館大型個展，除了集結生涯至今的代表作，也同步推出以月相為主題的全新創作，讓大眾一探他在商業攝影之外，在個人創作上對自然的關注與探求。

從寶礦力水得、SAPPORO、UNIQLO等商業廣告，到與吉澤亮、Mr.Children、坂本龍一等人多次合作，甚至擔任是枝裕和《我的意外爸爸》、《海街日記》、《第三次殺人》、《宛如阿修羅》攝影指導，瀧本幹也是少數能橫跨靜態與動態、商業與藝術的攝影師，在競爭激烈的日本創意產業，坐擁「只有他才能拍」的獨特魅力。

《LUNAR TIDE #8》（2016）。（圖片提供 © Mikiya TAKIMOTO / Courtesy of MT Gallery）
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除了大眾相對熟悉的商業攝影與影視作品，瀧本幹也其實從創作初期，就一直保有個人純創作。1997年便發表以蒙古遊牧民族為主題的《MONGOLIAN TRIBE》，2007年的《SIGHTSEEING》則捕捉16國觀光名勝前的遊客，以鏡頭嘲諷了當下的消費社會。

《MONOGOLIAN TRIBE #58》（1997）。（圖片提供 © Mikiya TAKIMOTO / Courtesy of MT Gallery）
《MONOGOLIAN TRIBE #58》（1997）。（圖片提供 © Mikiya TAKIMOTO / Courtesy of MT Gallery）

透過觀景窗的自然關注

其實瀧本幹也之所以會喜歡上攝影，來自小時候透過望遠鏡觀測天文的經驗，更在小學畢業紀念冊就寫下「想成為一個有名的攝影師」。之後，他將對遙遠星辰的好奇，轉向作為行星的地球，包括自然與宇宙、人類與城市、微觀與宏觀等尺度差異，以及可見與不可見等難以捉摸的事物，都逐漸構成了他的攝影觀。

《GRAIN OF LIGHT #12》（2014）。（圖片提供 © Mikiya TAKIMOTO / Courtesy of MT Gallery）
《GRAIN OF LIGHT #12》（2014）。（圖片提供 © Mikiya TAKIMOTO / Courtesy of MT Gallery）
《GRAIN OF LIGHT #02》（2014）。（圖片提供 © Mikiya TAKIMOTO / Courtesy of MT Gallery）
《GRAIN OF LIGHT #02》（2014）。（圖片提供 © Mikiya TAKIMOTO / Courtesy of MT Gallery）

2014年他出版攝影集《GRAIN OF LIGHT》，捕捉了海面的多樣表情。2011年的《LAND SPACE》更親自遠赴NASA拍攝太空梭，並與他在冰島等拍攝的原初地景相互對照，如此宏觀對比宇宙與陸地、文明與自然的視角，也成了他的代表作。在疫情後，瀧本幹也則將過往的宏觀視角，轉向身邊的花草與寺廟，在《LUMIÈRE》、《PRIÈRE》（2020～2024）展現了更多內心情感的投射。

《SPACE #06》（2011）。（圖片提供 © Mikiya TAKIMOTO / Courtesy of MT Gallery）
《SPACE #06》（2011）。（圖片提供 © Mikiya TAKIMOTO / Courtesy of MT Gallery）
《SPACE #28》（2011）。（圖片提供 © Mikiya TAKIMOTO / Courtesy of MT Gallery）
《SPACE #28》（2011）。（圖片提供 © Mikiya TAKIMOTO / Courtesy of MT Gallery）

瀧本幹也✕矢後直規台灣講座回顧：從廣告到電影的觀景窗，以縝密細節和實拍堅持成就作品！

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從海洋閱讀天體的全新創作&展出

過去曾在Laforet Museum原宿、代官山Hillside Forum等空間舉辦個展，此次瀧本幹也將於9月2日～11月8日在茅崎市美術館展出《LUNATION朔望——從海洋閱讀天體》，而這也是他首檔公立美術館大型個展。「朔」意指月球與太陽為同一側、月亮隱沒不見時，「望」指稱月球位於太陽相對側、明亮顯現時，因此展名「朔望」則是月亮盈虧變化的運行週期。而月球與太陽引力相互作用形成的潮汐，也呼應了茅崎市美術館位在海濱城鎮的場域特色。

《LUNATION朔望—從海洋閱讀天體》展覽主視覺。（圖片提供：瀧本幹也攝影事務所）
《LUNATION朔望—從海洋閱讀天體》展覽主視覺。（圖片提供：瀧本幹也攝影事務所）
《SURFACE PULSE: CHIGASAKI #01》（2026）。（圖片提供 © Mikiya TAKIMOTO / Courtesy of MT Gallery）
《SURFACE PULSE: CHIGASAKI #01》（2026）。（圖片提供 © Mikiya TAKIMOTO / Courtesy of MT Gallery）

《LUNATION朔望》亦是瀧本幹也為茅崎拍攝的全新作品，透過滿月映照於水面的景象，喚起人們對生命的聯想。畫面中，灑落於水面的微弱月光、不斷變化型態的海洋，以及彼此連動的天體運行⋯⋯，透露著偌大的宇宙法則，其實就潛藏在我們的日常生活。而除了新作，展覽也將集結了瀧本幹也至今持續創作的代表作品，帶領觀眾探索他的創作軌跡。

《LUNATION: CHIGASAKI #01》（2026）。（圖片提供 © Mikiya TAKIMOTO / Courtesy of MT Gallery）
《LUNATION: CHIGASAKI #01》（2026）。（圖片提供 © Mikiya TAKIMOTO / Courtesy of MT Gallery）

《瀧本幹也 LUNATION朔望——從海洋閱讀天體》
時間：2026.09.02～11.08
地點：茅崎市美術館（神奈川縣茅崎市東海岸北1-4-45）

開館時間：10:00～17:00（最後入館時間16:30）
休館日：週一休館（09.21、10.12照常開館）、09.24、10.13

瀧本幹也
平面、影像攝影家。1974年出生於日本愛知縣，1998年成立瀧本幹也攝影事務所。創作橫跨商業攝影、電視廣告和電影拍攝等。擔任導演是枝裕和《我的意外爸爸》、《海街日記》、《第三次殺人》、《宛如阿修羅》攝影指導。個人創作集包括《BAUHAUS DESSAU》、《SIGHTSEEING》、《LAND SPACE》、《LUMIÈRE》、《PRIÈRE》、《MONACO Azur / Gracieux》等。曾獲東京ADC賞、紐約ADC金獎、坎城國際創意節金獎等。

文、資料整理｜張以潔
資料、圖片提供｜瀧本幹也攝影事務所

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