17世紀是歐洲航海大冒險的極致時代，現正於國立故宮博物院北部院區正館105、107陳列室舉辦的《亞洲探險記—十七世紀東西交流傳奇》特展，展出當年東西方交流的「親密接觸」，匯集故宮、荷蘭國家博物館、日本海杜美術館、大阪市立東洋陶磁美術館等遠渡而來的精采藏品。但，非歷史達人的我們，該如何透過多元的展覽內容，了解背後豐富的意涵呢？就讓La Vie主編方敘潔與故宮策展團隊中的二位策展人器物處處長余佩瑾及圖書文獻處副研究員蔡承豪領路，來一趟「主編帶路」，告訴你怎麼逛《亞洲探險記》最好玩！

看展前停看聽，這些物品必看、必拿、必注意！
 《亞洲探險記》特展展場入口，以動畫投影的呈現方式與過往展覽明顯不同，將故宮與荷蘭國家博物館的重點展品放進視覺內，加上字型與物件間活潑的排列組合展現輕鬆氛圍，彷彿在告訴眾人：「接下來的這個展會很有趣。」展覽共分四個單元，分別是：「行旅足跡」、「異國奇珍」、「東方風情」與「寰宇交會」。La Vie主編方敘潔建議，若要細細領會這個展的奧妙，約莫需要1-2小時慢慢地逛。

《賀蘭國人役牛馬圖》丈量供品身高、數量……一切交流從打量開始！

「行旅足跡」展區的這幅《賀蘭國人役牛馬圖》，可說是東西方交匯的最初情景，仔細瞧畫上的文字，畫工除了詳細記載進貢的牛馬數量、身長大小外，連荷蘭使節團的外使身高也記錄得清清楚楚。
  
 

《出島商館》當荷蘭人與唐人共同生活在一處時……

《出島商館》，紀錄荷蘭人於17世紀時在出島 (現今日本長崎縣) 的生活，值得一提的是，當時荷蘭人是唯一允許生活在出島的歐洲人，可見此畫的珍貴。
  
 

東西交流大爆發的年代！歐洲販售的瓷器形式來自東方傳統？

來到「異國奇珍」展區，擺著各項東西往來貿易的物品，首先可從畫有「阿姆斯特丹暴動圖」的瓷盤，得知當時中國景德鎮正接受荷蘭訂製瓷器。進而透過這些陳列的瓷器看出當時的三大特色，包含：荷蘭主題、荷蘭風瓷器以及受中華文化影響而轉化的荷蘭風。
  
 

從沉船中打撈出的「卡拉克瓷器」發現東西交流的影響

自多艘中國開往荷蘭的沉船中，發現了大量具有相同風格設計的瓷器「卡拉克瓷器」，其特色在於瓷盤如花瓣般的「開光」部份具有放射狀的分格畫框，最早從1600年開往歐洲的商船上就有發現，為當時受到歐洲市場歡迎的外銷瓷樣式。

策展人補充道：「有學者追溯卡拉克瓷器的設計風格參考，發現與14-16世紀的Majolica陶瓷樣式相仿，因此卡拉克瓷器很可能是受到Majolica陶瓷的影響。不同的是Majolica瓷器是低溫燒製，中國則是高溫窯燒。另外值得一提的是，西方一直到1709年才燒得出與中國一樣的瓷器窯燒技術。」

同樣都是「持傘美人圖」，荷蘭、中國、日本三方大不同

順著展示自沉船打撈的卡拉克瓷盤展櫃往左前方前進，可以看到一幅持傘美人的版畫以及下方分別出自中國景德鎮與日本有田窯的《持傘美人圖》瓷器。若從荷蘭人角度來看，持傘美人圖設計畫稿於1730—1734年間完成，制稿後送到廣州和日本訂製。但目前不確定的是，這些瓷盤究竟是先看到設計畫稿後製作出來的？還是互相模仿的作品。
  
 

至於為何荷蘭人已向景德鎮訂購瓷器，還要向日本訂購呢？策展人表示，於西元1620-1680年之間適逢明清政權交替的戰亂時期，可從1657年的東印度公司裝船清單上看見當時清楚記載「再也買不到任何中國瓷器」的字樣，因此荷蘭人進而轉向日本有田窯訂購瓷器。直到1680年之後中國景德鎮重新開窯，才開始形成中日兩方於訂單上的競爭與交流。

讓人莞爾一笑的《青花釉上彩中國風與黑人紋飾壁磚》

持傘美人圖左手邊，有一幅彩繪在壁磚上的作品。上面有美洲土著、中國的刀馬人物、駕著彩雲的菩薩圖案……等衝突組合。仔細看左上角還有一塊模仿中文方塊字筆畫、卻完全無法辨讀的假中文字呢！這是在當時東西方交流如此緊密的年代，或多或少都會產生「透過自有角度想像對方」的情況。
  
 

17世紀的荷蘭中國風潮興盛，那當時的中國又流行什麼呢？

在逛完「行旅足跡」、「異國奇珍」這兩個展區後，從持傘美人展櫃直走，來到了「東方風情」展區。這裡展示的文物明顯與其他兩展區不同。策展人表示這裡特地展示17世紀蘇州文人的品味。
  

「既然我們透過瓷器明白當時荷蘭人流行的中國風產物，那麼理當了解當時國內盛行的品味為何。」策展人指出。於是透過明代大書畫家文徵明曾孫文震亨編撰的《長物誌》(註：「長」音ㄓㄤˋ)內容，挑選出的東方風情展區，介紹17世紀明代文人風雅的生活品味。

這本《長物誌》出自清朝乾隆年間的文淵閣四庫全書寫本，更被列為故宮的國寶等級藏品！「我們特別翻頁展示了《長物誌》中描寫文具的篇章，關看展覽時，可以一邊觀賞正對面的文物展櫃，一邊從文中找尋對照的器物模樣。」策展人道。
  
 

從萬曆年間的《明人畫出警圖》看17世紀的中國景象

策展人提及，或許中國帝王制度是歐洲對中國大感興趣的原因之一。本次展出的《明人畫出警圖》展現了17世紀明代帝王的風華。

 

策展人表示：「仔細瞧《明人畫出警圖》，站在皇帝身邊的侍衛身上所穿的衣服繡有『勇』字，勇字旁邊的圖案其實也出現在1613年開往荷蘭的沈船瓷器上。」。

逛展貼心小貼士
 
 逛完了《亞洲探險記》，離開展區前的這兩件故宮院藏洋人貢八吉祥，有趣又特別的設計，連結東西雙方的特色。
 

掛於出口處的液晶螢幕，又是《亞洲探險記》的另一個互動式體驗內容。可利用手指觸碰拖曳圖案設計屬於你自己的卡拉克瓷青花瓷，掃描QR code之後就能將自己創作的專屬圖稿下載收藏。

從文物間相互交錯的歷史故事中，終於明白為何「同樣都是《持傘美人圖》，怎麼日本、中國的作品差這麼多？」、「明明就是描繪明清市井小民的街景但左上角的中文字變成鬼畫符？」的原因。正在故宮展出的「亞洲探險記」，講的是17世紀東印度公司乘著帆船、跨越海洋到中國的冒險紀實故事。透過書籍、文物的記載讓400年後的我們得以更加認識，那個東西雙方充滿冒險精神與文化誤讀趣味的奇特時代。

LaVie主編後記 （文 / 方敘潔）
 這次《亞洲探險記—十七世紀東西交流傳奇》最有趣的部分，在於它不僅只是國寶古物的跨館大展，而是嘗試去勾勒在17世紀這個充滿未知的航海大冒險時代，在東西方社會中所謂的「世界觀」，是如何透過一次次遠洋探索、軟硬兼施的交流方式、和充滿奇趣的誤解誤讀所建構出來的。

單單是去想像當時東印度公司（VOC）如何熱切地遠渡重洋，就是為了搬回歐洲人心目中充滿奇幻異國風情的東方器物，瓷器、茶、織品等等，這一篇篇用海洋及貿易開啟的新時代就已經夠讓人神往。再看到展場內國寶等級的《坤輿全圖》，上頭密密麻麻地描繪著五大洲、四大洋、地震洋流成因、還有獨角獸、長頸鹿、變色龍等寰宇奇獸，不難想見當時年輕的康熙皇帝對傳教士南懷仁（Ferdinand Verbiest）在他眼前展開的這全新世界有多大的好奇心。在展覽中的每一件器物，看似單獨存在、卻又無一不見證著那個以「好奇」、「冒險」、與「初相遇」等高強度單詞為關鍵字的時代。

無論是歐洲吹起的中國熱，還是中國被打開的眼界，17世紀的全世界何嘗不也是一種「資訊大爆發」的年代？走一趟故宮《亞洲探險記》，新的一年，從找回這種探索世界的新眼光為起點，絕對是個好選擇。

text / Zoe Chen
 photo / 張藝霖

國際影展輪番登場，明星紅毯躍然娛樂版面，比重甚至大過藝術本質——精品品牌為服裝造型等「看得見的藝術」所投入的人力物力自不會少。但在版面之外、大眾視線未及之處，誰又真為藝術傾情？

第82屆威尼斯影展自2025年8月27日開幕至本週末閉幕，為期11天的電影高光時刻受四面八方矚目。每年優秀作品於獎壇上一較高下的同時，各品牌也在紅毯上各獻驚豔之作，與影人共同演繹百變風格。然隨時尚與藝術文化之間愈加深化對話，除經常可見紅毯著裝巧妙呼應劇中造型抑或作品概念，也不乏品牌以自身資源與聲量，進一步從修復經典、贊助新銳等多面向對藝術領域進行挹注——香奈兒無疑是這之中重要而堅實的一大力量，陪伴兼具演員身分的大使及好友華麗登場不在話下，至今承襲香奈兒女士百年前開啟的傳統，攜手影人、影業共同扶持第七藝術發展，多年來創造的豐碩成果細數不盡。因此，本文將始於香奈兒與藝術交相輝映的歷史脈絡，接續整理近期實例揭示電影產業裡的多元參與現況。

1920年與電影結下不解之緣

在世界眾多藝術集散地中，現正匯聚全球目光的威尼斯與香奈兒有何特殊淵源？品牌符碼「獅子」不僅是香奈兒女士的星座，更藏威尼斯城徽「聖馬可飛獅」意象。回溯至一切如日方升的1920年，品牌創辦人嘉柏麗香奈兒（Gabrielle Chanel）在藝術家荷西瑪利亞（José Maria）與米西亞賽特（Misia Sert）夫婦的陪同下，首度探索這座總督之城（City of the Doges）。沒想到，此行成為香奈兒女士日後的靈感泉源，且讓威尼斯深植香奈兒歷史，於諸多創作系列中渲染為底蘊般的存在。

過去數十年間，香奈兒參與服裝創作的電影亦於威尼斯影展多次取得佳績。1961年，亞倫雷奈（Alain Resnais）的法國新浪潮鉅作《去年在馬倫巴》獲金獅獎（後得品牌支持於2018年影展上重映修復版本），主演黛芬賽赫意（Delphine Seyrig）穿著香奈兒女士設計的服裝亮相；1963年，二座金獅獎在身的導演路易馬盧（Louis Malle）執導作品《鬼火》奪評審團特別獎及義大利電影評論獎，演員亞莉珊德拉史都華（Alexandra Stewart）和莉娜史克勒（Léna Skerla）劇中造型同樣包括香奈兒服飾。再至近年，品牌大使蒂妲史雲頓（Tilda Swinton）穿著香奈兒高級訂製服受頒第77屆終身成就金獅獎；影壇新秀安娜瑪麗亞沃特魯梅（Anamaria Vartolomei）則穿著香奈兒操刀的洋裝出演電影《正發生》，而該片最終拿下第78屆金獅獎。

時代更迭，熱情歷久彌新

香奈兒女士 ⇀ 老佛爺 ⇀ 維吉妮維婭，讓時尚透過電影觸及所有女性

香奈兒女士生於電影興起的年代，自職涯早期便因緣際會繫起和這門藝術的深刻連結；電影創作所凝聚的動態感、無畏精神與夢想，更與香奈兒品牌的時尚語彙相互契合。1931年，嘉柏麗香奈兒在美國電影製作人山繆高德溫（Samuel Goldwyn）的邀請下遠赴好萊塢為女演員打造戲服和常服——這段經歷後來化為她創作法片《霧港》造型時的養分，儘管當時觀眾仍較青睞好萊塢式華麗風格，其低調設計並未獲顯著成功。

同自此時起，香奈兒女士以跨領域藝術家「贊助者」之姿揚名，最為人所知的莫過於與她擁有摯友情誼的法國詩人尚考克多（Jean Cocteau），以及當時還是新進、經她向知名導演尚雷諾瓦（Jean Renoir）引薦而逐步打開電影生涯的盧契諾維斯康堤（Luchino Visconti）等。

而後，在時任創意總監卡爾拉格斐（Karl Lagerfeld）和維吉妮維婭（Virginie Viard）接續推動下，香奈兒愈發加大對電影的投入力度，始終與合作藝術家保持長期關係、全程支持其職涯發展，同時積極推動和當代影視從業者的穩定交流，對象涵蓋國際巨星到跨文化的新銳演員及導演。亦透過戲服設計、製作支持乃至電影發行層面的協力，確保每項創作計畫皆能獲得充分的自由與獨立性，絲毫不使資源成為干預藝術的手段；對世界影展、指標性典禮、藝術與文化相關機構不遺餘力的支援，必然是難能可貴的一番美談。以下列舉4個推行中或甫完成的項目。

#01 贊助安德烈巴贊獎

法國電影月刊《電影筆記》（Les Cahiers du Cinéma）於2022年設立的「安德烈巴贊獎（André Bazin Prize）」現由香奈兒贊助舉辦。該獎項旨在表彰當年度於法國獻映首部長片的新興電影人，並提供獲獎者20,000歐元獎金；評審團則由雜誌編輯團隊預選一名電影評論家、一名文化界人士，另邀業內導演、演員和技術人員各一名組成。

#02 攜手名導是枝裕和推Tokyo Lights

秉承嘉柏麗香奈兒的先鋒理念與堅定承諾，香奈兒與品牌好友、國際名導是枝裕和聯手推動「香奈兒與電影 – Tokyo Lights」人才培育企劃，致力扶持日本新生代電影導演。

#03 修復馬賽卡內《霧港》

正值2025年各國新片於影展首映之際，香奈兒轉頭修復嘉柏麗香奈兒短暫與好萊塢片廠合作後，參與的首批法國電影——20世紀法片經典、詩意寫實導演馬賽卡內（Marcel Carné）的1938年電影《霧港》；當時年僅17歲的蜜雪兒摩根（Michèle Morgan）委託香奈兒女士為其角色設計服裝，香奈兒女士即提出以貝蕾帽搭配雨衣、勾勒簡約輪廓的大膽構想。

全計畫由香奈兒贊助的映歐嘉納影業（Studiocanal）和法國電影園（la Cinémathèque française）主導，加上法國國家電影中心的協助，使用1938年的原始電影負片及標準硝酸底片進行修復。

#04 支持雙年展電影學院

雙年展電影學院（Biennale College Cinema）2012年由威尼斯雙年展發起，主要著眼於培育義大利本地及世界各地年輕電影創作者，每年皆為10逾位青年導演的創作計畫提供劇本編寫、發行策略、財務規畫及製作時程等專業指導，可謂影壇明日之星的絕佳鋪墊。2024至2025年度遴選的12項計畫中有4部作品已經完成，並將作為威尼斯影展官方節目的一部分展示，贊助大使即為香奈兒品牌好友、導演暨編劇奧黛麗迪萬（Audrey Diwan）。

當年香奈兒女士對散發著巴洛克浪漫風情的威尼斯一見傾心，如今品牌重返創辦人深愛的城市，與雙年展電影學院展開首次合作，憑滿腔熱情繼續傳承知識、滋養創意能量。

嘉柏麗香奈兒與電影世界邂逅一世紀後，香奈兒仍傾力保存過去、發揚現在、展望未來，這份情意遠超越「贊助換取曝光」範疇，悄然為不可兌現、無以計價的藝術產業繪出令人安心的前景。

聞名世界的英國雕塑家Antony Gormley，擅長利用金屬重現人體結構，傳達「人體是情感的容器」思想——遠看如分解、也似完整的金屬人形，挑戰著人眼、媒材與空間之間的互動關係。

即日起至2025年11月30日，Antony Gormley於韓國Museum SAN帶來大規模個展「Drawing on Space」，展出涵蓋雕塑、沈浸式裝置、素描、版畫等共48件作品，並首次公開與日本建築大師安藤忠雄合作的永久性建築裝置《Ground》，這是首次有藝術機構為收藏Antony Gormley作品而專設空間，極具紀念價值。

山林裡與自然共生的美術館

2013年落成的Museum SAN，隱身於韓國原州一片森林當中，其名取自Space（空間）、Art（藝術）、Nature（自然）的英文字首，讀音呼應韓文中的「山」字，隱喻博物館位處廣袤山林當中，及其致力融合藝術、建築與自然的策展概念。

博物館建築由造紙業起家的韓松集團邀安藤忠雄設計，耗時8年才完成。自高空俯瞰，園區由長方形、三角形、圓形等不同幾何輪廓的量體組成，體現安藤忠雄藉建築連接天、地、人的設計哲學，與其標誌性的清水模搭配，寧謐而富哲思。

> 安藤忠雄清水模新作「光之空間」！韓國Musuem SAN藏身山林中的全新光影冥想空間

Museum SAN設有紙藝廊、版畫工房、收藏韓國近現代繪畫與雕塑品的青鳥藝廊，及專藏美國藝術家James Turrell作品的同名場館等，場館間由花之庭園、水之庭園與石之庭園細膩串連，另設有兩座安藤忠雄打造的冥想空間，再次扣合SAN藉建築與藝術讓觀者與自然融於一體的理念。這次安藤忠雄為Antony Gormley設計的《Ground》，也延續著這份精神。

建築與雕塑對話的冥想空間

《Ground》位於美術館花園下方，是一座直徑達25公尺的地底穹頂。圓頂頂部設有單一天窗，引自然光入內，呼應著古羅馬萬神殿的建築精神，同時體現安藤忠雄的極簡風格，及Antony Gormley長期以來對「空間感知」的探索。

來到這裡，觀眾會先透過一面全景玻璃牆，欣賞到藝術家建構人體的《Blockworks》系列鑄鐵雕像，它們或坐、或站、或蹲，靜靜佇立於洞窟般的空間中；從圓頂天窗流瀉而下的光線，為觀察雕塑材質、線條動態的體驗更添趣味。再向內走，則更能感知混凝土材質與穹頂織就、帶點神性的氛圍，窗外自然景致也漸漸合流，構築一方沈思秘境。有趣的是，場館外側設有一尊鑄鐵雕像，透過圓頂開口與外部景觀對望，藉其「視線」將穹頂空間與遠方山景串連，別具詩意。

「Drawing on Space」聚焦藝術家對身體感知的長年探索

除了與安藤忠雄合作的建築裝置外，「Drawing on Space」也展出Antony Gormley大量精彩作品。開場聚焦《Liminal Field》系列，其以金屬線條建構通透、輕盈的人形，暗示著身體作為「邊界」的概念，這些雕塑雖與人等高，卻因空心結構流露出一種如泡沫般脆弱的特質，亦隱喻無常。

接著視野從立體轉向平面，第二展廳展出素描及版畫，梳理Antony Gormley對光與暗、實體與虛空、身體與建築等主題的探討。最後以沈浸式裝置《Orbit Field II》收尾，其由相連的鋁製圓環構築而成，輕盈懸浮於空間之中，邀觀者穿梭其中，親身與展品互動，亦體現藝術家一貫的信念：「雕塑的核心不在於物件本身，而在於體感經驗。」

無論是展覽本身或將永久存於美術館的《Ground》，都再度體現了Museum SAN將藝術、建築與自然揉合的概念。Antony Gormley也表示：「這次展覽的核心在於將實體與想像的空間結合，展品的存在是為了『活化空間』，而不是佔據空間，同時探索著身體與建築這兩種感知媒介間的關係。」