更新：根據日本媒體報導，建築大師磯崎新於2022年12月28日，因自然衰老辭世，享耆壽91歲。

在公布2019 年普立茲克建築獎（Pritzker Architecture Prize）得主前，不少人已紛紛開始猜測獎落誰家，而這次得獎者正是來自日本的知名建築師磯崎新，目前87 歲的他，在世界各地已有超過百件作品，並在當代建築史中有著舉足輕重的地位，不僅是日本建築代謝派核心人物，更是日本首位建立東西密切建築設計交流的重量級建築師。

出生於日本大分縣的磯崎新，兒時曾歷經日本廣島、長崎核爆事件，他曾自言對建築的最初認識是來自建築的空無，這也影響他後來不斷思考該如何重建家園與城市。就讀東京大學時，他進入建築大師丹下健三門下成為其弟子，後來也成為代謝派的核心成員之一，並在個人建築師職涯的早期，便針對城市與建築的關係提出了前衛的理論，其中也反映了代謝派的建築宗旨。面對日本戰後百廢待興的磯崎新，憑藉著對建築的熱情與想像，提出了「空中都市」的理論，像是在「空中都市─新宿計畫」中，他認為可以在既有城市上運用橋樑般的柱狀結構，另外蓋起高於舊城的「空中都市」，如此便能減少城市面積的使用，並解決城市人口大量成長的狀況。

除了城市設計理論，在同時期，磯崎新也在自己的故鄉設計了大分縣立圖書館（Ōita Prefectural Library）。這個後來更名為大分藝術廣場的建築，設計靈感來自不斷成長的人體，其採用裸露的混凝土作為結構，並運用天窗、窗戶讓自然光進入室內，不僅具體實現代謝派的宗旨，也是日本粗獷主義建築的代表作之一。

大分縣立圖書館

在1960年代，身為代謝派一員的磯崎新，不但已成為日本知名的建築師，同時期他也更積極的跨出海外，足跡遍及伊斯蘭世界、中國、東南亞及美國的大都市，在這過程中，他不斷地吸取各地建築設計經驗，也思考著「何謂建築？」同時期他擔任美國加州大學洛杉磯分校的客座教授，並陸續完成不少作品與理論。

到了1970年代，更因獲得大量國際建築雜誌報導，且頻繁地與Peter Eisenman、PhilipJohnson等建築大師交流，因而在當時於國際建築界建立起高度知名度。普立茲克建築獎暨凱悅基金會主席TomPritzker更如此讚譽他：「磯崎新在西方文明仍主導影響東方文化的那個年代，是第一位踏出海外、在國際間擁有建築作品的日本建築師，而這也讓他的建築被其全球公民的特質影響，創造出真正國際化的建築！」。

不拘一格的建築設計

磯崎新早期作品主要彰顯代謝派的精神，但到了1970年代左右，他的作品開始轉往呈現充滿拱頂、幾何元素等形式主義、後現代主義設計，其背後最大的原因，正是1968年全球出現美越苦戰、布拉格之春運動等重大事件，讓磯崎新對具權威、傳統的建築思想體系開始產生疑問，於是他逐漸打破過去展現高技巧的建築設計，轉而開啟新的建築設計道路。

其中群馬縣立近代美術館（MOMA, Gunma），就是磯崎新扭轉風格時期的代表作。他在充滿綠意的公園中，運用一系列立方體構築量體，讓美術館在大量留白及充滿網格的設計中，突出了不同藝術品的特殊性。

群馬縣立近代美術館

北九州市立中央圖書館（Kitakyushu City CentralLibrary）拱型的屋頂造型，為採用預製混凝土建成，俯瞰宛如管狀的建築造型，更是磯崎新對於新古典主義的現代詮釋。

北九州市立中央圖書館

何謂「代謝派」？

由丹下健三領軍的代謝派，在日本戰後的1960年代於亞洲區掀起風起雲湧的建築思潮，主要成員包含菊竹清訓、磯崎新、黑川紀章、槙文彥、黑川紀章等人。這些建築家有鑑於日本二戰後經濟高度發展，都會區出現了人口迅速膨脹、空間密度提高、居住空間不足等問題，因此提出了建築與城市相關設計理論，以解決當時城市居住環境的困境。他們提倡建築乃至城市應如生物般，透過新陳代謝而不斷成長與老化，如此才能因應自然環境與社會的變化，代表理論與建築有菊竹清訓的「海上城市」、磯崎新的「空中城市」、黑川紀章設計的「中銀膠囊大樓」等。

磯崎新除了在日本設計了不少文化類建築，他第一個海外建築作品─洛杉磯當代藝術博物館（Museum ofContemporary Art, Los Angeles），則運用印度紅砂岩構成下沉式的幾何建築，並為圖書館頂樓設計了拱頂式造型，注入後現代主義的古典裝飾元素，整體在結合東西方的黃金比例、陰陽調和等建築特色中，讓看似簡單的建築線條，更多了深層的設計思量。

洛杉磯當代藝術博物館

另外，磯崎新也擅於透過設計，在複雜的地形條件中打造出融合自然景觀的建築。如位於日本岐阜縣的美濃陶瓷公園（Ceramic Park Mino），是在山中的一座陶瓷博物館，磯崎新保留周圍的植被，並運用室外露台、觀景台等設計，讓建築成為地貌的延伸。

岐阜縣的美濃陶瓷公園

為1992年夏季奧運會設計的西班牙聖喬治宮體育館（Palau SantJordi），則為建築打造了部分地下結構，讓原本看起來相當巨大的建築量體透過設計而縮小，遠看甚至能與鄰近的山景形成和諧的景觀；在西班牙的多穆斯博物館（Domus: La Casa delHombre），則在廢棄採石場上設計互動科學博物館，這座建築一面有著如風帆狀的石板立面，另一面則如摺疊屏風的花崗岩牆，展示磯崎新在嚴峻地形中所發揮的創新設計。

巴塞隆納聖喬治宮體育館

在磯崎新的建築設計中，可以發現其涵蓋的類別眾多且風格多變，正如他所自言，在日本二戰結束後且大舉重建社會的時期，為了找到最適合的方式解決城市問題，他因而無法停留在單一風格上，「唯一不變的就是變化本身，矛盾的是，這也變成了屬於我的風格。」而這也獲得了普立茲克建築獎評審團的高度評價：「他擁抱前衛，從不安於重複現狀，並勇於挑戰。⋯直至今日仍不受風格派別所限，反映其持續不斷的演化，始終以自身獨特的方式別出新意。」

持續不懈的設計熱情

建築師生涯至今已有60年時光的磯崎新，對於設計仍未停下腳步，近年也持續在世界各地打造出令人驚豔的建築作品。例如位於卡達的卡達國家會議中心（Qatar National Convention Center），在玻璃帷幕前如樹幹般的柱子，其設計靈感來自於伊斯蘭聖樹的造型，為這座大型的會議中心帶來如大型雕塑般的律動感。

卡塔爾國家會議中心

在日本歷經311海嘯後，磯崎新更與雕塑家Anish Kapoor合作，設計了一個充氣式的音樂廳「新方舟」（Ark Nova），這個帶有渾圓造型的紫色音樂廳，設有舞台和音響設備，並可容納500人，充氣式的功能更能在日本各地賑災巡演所使用，充滿童趣的移動式空間，更展現了磯崎新帶著玩心與溫暖的那一面。

磯崎新的建築設計直至今日仍不受任何風格派別所限制，普立茲克建築獎評審團如此盛讚：「他的建築作品不僅基於對建築本身的深刻認識，更是基於對哲學、歷史、理論和文化的深刻理解。他絕不模仿拼貼，而是融合東西方文化，另闢蹊徑。在建築競賽或是合作中，他都慷慨地支持並鼓勵其他建築師。」持續探索、勇於提出挑戰，從建築到城市設計，皆整合不同環境條件、跨學科的應用，推出因地制宜的作品，這是磯崎新獲得普立茲克建築獎的最大原因，也讓全世界再次看到他對建築設計持續不懈的熱情。

文 陳岱華　

攝影 Yasuhiro Ishimoto、FUJITSUKA Mitsumasa、Hisao Suzuki、Iwan Baan 

圖片提供 Pritzker Architecture Prize

2013年展開，2025年完工，臺中綠美圖的誕生跨越了12年。這座由日本代表性建築事務所SANAA設計的文化場館，不僅是他們在台灣的首件作品，也成為其至今規模最大的文化設施計畫。妹島和世與西澤立衛與La Vie一同回望這段漫長的設計旅程。

➣本文選自La Vie 2026／1月號《一場朝聖的旅行》，更多精彩內容請點此

輕盈、透明，甚至近乎消隱——長年以來，人們對SANAA的建築想像，是那往往帶著一種安靜而不張揚的存在感。臺中綠美圖由8個彼此連接、尺度各異、面向不同方向的方形量體組成，方盒中引入弧線元素與參差錯落的動線，初入彷彿在森林中彎繞迷蹤，充滿探索樂趣。

「建築與環境」——創造一種與環境自然共存的建築，是他們20多年來的核心思考。在2025年11月同名講座上，談到對台灣的印象，妹島和世回憶：「我第一次來台灣，應該是好幾十年前。當時幾乎每棟建築的屋頂上，都有鐵皮屋加蓋。雖然如今已少了許多，但今天搭車時，仍能看見不少人將這些半戶外空間納入日常使用。那時我在伊東豊雄事務所工作，我們經常討論『人們會選擇在什麼樣的地方生活』，這種生活場景給了我很大刺激，讓我感受到一種獨特的生活能量。」西澤立衛則觀察到，無論是植被的綠意、陽光或是人，都展現南國強烈的生命力，適合使用半戶外空間的時間更是比日本長得多。

妹島和世分享：「一開始，我們從『如何讓建築盡可能融入環境』的想法出發，努力去思考與實踐。但在此之後，我們也開始思考：在融入環境的同時，能不能再加上屬於我們這時代的一些新元素，讓它能夠連接到未來，形成一種延續？」

融入環境之中的綠美圖

所謂的「環境」，一方面是指周遭既有的自然與城市條件。在計畫之初，他們便決定令場館向公園敞開。台灣的日照比日本更為強烈，綠美圖共同設計者劉培森建築師赴日開會時，也曾向他們強調：台中非常炎熱，遮蔭空間非常重要。隔熱機能勢必要被重視；同時，他們發現周圍植被相當優美，希望能令建築與綠意共構成一道風景。最終，綠美圖被輕羅上大面銀色的鋁擴張網。他們解釋：「擴張網在台灣的綠建築中非常實用，一方面能保持視覺的通透感，同時也具備遮陽的效果。透過擴張網，建築量體原本較為剛硬的邊緣被模糊，在環境中顯得更加柔軟、輕盈。」鋁材柔和地反射光線，半透明地將各個量體包覆起來，人們從室內向外看，只見多重疊影，外部的綠意隱隱透現，形成多層次的視覺景深，設計理念與隔熱機能需求在此取得平衡。

在臨時建築的作品中，往往能看見建築家最具實驗性的一面。SANAA於2009年設計的「蛇形藝廊戶外展亭」（Serpentine Gallery Pavilion）幾乎沒有外牆；瀨戶內海犬島「家Project」中的F邸（2010）不像傳統藝術白盒子遮蔽換展過程，彷彿這就是島上日常；到了近期2025大阪世界博覽會主題展館「Better Co-Being」，沒有了實質外牆與穹頂，建築內外邊界更加曖昧。談及這點，兩人說明：「一般來說建築會有牆與屋頂，但世博會中，我們嘗試打造一個更能與天空、綠意融為一體的空間。」這讓人在藝術、建築與外界環境共在的場域中，體驗到一切彼此交織的關係。他們強調：「建築如何與周圍環境建立關係非常重要。」西澤立衛也補充，在亞洲多數地區，相較於將人們置於封閉房間中，開窗、良好通風並讓陽光照進的開放空間往往更舒適。「與真正的自然相連並達到調和，是形塑舒適空間的基本條件之一。」

讓建築成為行走的一部分

在既有的環境之外，人們在此停留、聚合，過程中也逐漸浮現出一種「人為的自然」。兩人表示，綠美圖的量體相當巨大，又座落於公園之中，如何不干擾原有動線與日常活動是一大課題。「我們希望建築能與周遭環境維持良好的關係，因此在最初的構想中，就決定將整個量體抬高，民眾仍可輕易地從內穿越到公園，或是從城市街區端走向公園時，不會感到被地形或建築阻斷。」對他們而言，建築不只是被放進地景之中，更要融為人的行走與地景的一部分。

這樣的思考，也反覆出現在他們過往的作品之中：貼地延伸的美國Grace Farms文化中心「River Building」（2015），地面如綿延波浪般的瑞士勞力士學習中心（2010），還有日本香川縣立體育館（2025）低沿瀨戶內海岸線的地景輪廓展開。又如澳洲雪梨新南威爾斯美術館擴建案「Sydney Modern Project」（2022），在保留既有樹木、基地受限下，沿著坡原有建物銜接層層新量體，人們仍能在建築與公園之間穿行。

他們的重要作品金澤21世紀美術館（2004）位於城區中心，圓盤狀的建築以美術館為核心，各個彼此獨立的展示室在高度與形狀上 各不相同。建築外圈設置多個入口，讓來自四面八方的民眾都能從「正面」進入，並配置小型圖書館、兒童創作空間與劇場等設施，形成對城市敞開的公共區域。通透的玻璃立面與周邊綠地，使這裡成為市民日常停留、活動的城市客廳。延續這樣的思考，綠美圖也未設置單一主要入口，而是向四方敞開，成為可被穿越的建築。

西澤立衛指出，當建築出現、空間被賦予形態，人們便有了機會在其中相遇、連結。綠美圖最特別的需求之一，是將美術館與圖書館整合於同一棟建築之中，SANAA嘗試令兩個單位各自獨立，又能彼此滲透、串接。「我們喜歡重新組合建築原本的功能，這樣往往能激發出新的空間想像。」他們設計多個介於兩館之間的融合空間，例如共用大入口、位於屋頂的文化之森，以及地下2樓、緊鄰典藏庫房的教育空間play space。這些空間雖然分屬不同單位管理，卻在動線與配置上保留彈性，使用者能依照自己的節奏探索、穿行。妹島和世進一步指出，空間往往是在人的移動之中被感知與理解的；選擇路徑不同，空間經驗也會隨之改變。

「我們希望人們來到綠美圖的經驗不是預先被設定好的，而是在行走與停留之間，不斷被空間本身所激發。」

當美術館＋圖書館成為城市公園

在《Building Culture》訪談集中，妹島和世談到金澤21世紀美術館時曾表達：「博物館建築應該像一座城市。」「建築與環境」講座中，她也回憶起剛啟用時，有人開玩笑地說，「好像突然有一艘UFO降落在城市慶祝一樣。」當時他們也曾思考，建築是否需要更具體地與城市黏合在一起？不過，10年後，城中的藝廊經營者提出了一個有趣的觀點：可以將自己的藝廊想像成「從這座美術館飛出去的一間展覽室。」妹島和世笑說，反而是市民主動發現並提出了新的連結方式——整座城市也能被視為一座美術館。他們補充，「在金澤時，我們所提出的概念，是一座與城市連續、幾乎可被視為城市本身一部分的美術館。臺中綠美圖同樣被期待成為一個能夠與日常生活緊密相連的城市場所，由於基地位於城市公園之中，我們進一步創造出與公園融為一體，並向上、向外立體延展的空間。」於是，綠美圖不再只是「建在公園裡的建築」，他們開始想像「讓建築本身成為公園」。

演講末尾，一位觀眾提到SANAA一貫被形容為「輕盈」的建築語彙，妹島和世則回應：「與其說是『輕盈』，不如說我一直在思考的是：當一個作品完成之後，未來會被不同的人使用，而我希望它能容許每個人，用自己的方式去延續使用。只要想到這點，我感覺既開心又踏實。」我們也進一步詢問他們對未來的期待，他們維持一貫的開放態度：「在每個計畫中，都會出現新的基地條件與使用機能，對我們而言，都是全新的挑戰。」

SANAA

由日本建築師妹島和世與西澤立衛於1995年共同 創立，事務所名稱取自兩人姓氏首字母。SANAA 以輕盈、透明、弱化建築量體存在感的空間語彙 聞名。2010年，妹島和世與西澤立衛共同獲頒普 立茲克建築獎。代表作品包括金澤21世紀美術館 (2004)、紐約新美術館(2007)、羅浮宮朗斯 分館(2012)、瑞士勞力士學習中心(2010)、 澳洲雪梨新南威爾斯美術館擴建(2022)與甫開 幕的臺中綠美圖(2025)等。

_{文｜吳哲夫　攝影｜蔡耀徵、Iwan Baan、Lily Chen、YHLAA李易暹　圖片提供｜臺中綠美圖、SANAA}

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高雄市立美術館《地域主義的先行者：陳仁和百年+3建築紀念大展》，為紀念陳仁和百年誕辰，全方位呈現這位高雄在地傳奇建築師的生命創作歷程。展覽即日起至2026年5月10日於高美館104-105展覽室登場。

陳仁和是誰？

陳仁和為南台灣戰後建築師的重要指標人物之一，對台灣現代建築發展有著重大貢獻，然而在過去建築史論述較少著墨。自1951年於高雄設立「陳仁和建築事務所」後，為高雄留下眾多知名地標性建築，從早期高雄佛教堂、三信家商波浪大樓，再到後來的高雄中油宿舍、鳳山農會肉品市場、高雄扶輪公園等多件作品，這些建築見證了高雄戰後經濟起飛的現代化城市發展，更體現一位建築師如何在地方扎根、回應時代需求。

高雄佛教堂出自他手

策展人徐明松指出，陳仁和畢業於早稻田大學建築科，深受日本建築工學與結構構造專業訓練影響。創作展現強烈的結構表現主義特色，更顯露戰後臺灣社會的文化交融。以高雄佛教堂為例，建築具東方牌坊形式、日式塔樓特色，與西式高塔巧妙結合，此舉突破傳統宗教建築框架，為寺廟建築現代化開創新路。

作品回應南臺灣氣候特性

另外，陳仁和也善用現今逐漸式微的「磨石子」技術，讓傳統泥作工藝為建築保留手作溫度。不僅如此，陳仁和總是回應南臺灣氣候特性，融合地域特質與突出骨架的表現性，創作出多元、充滿生命力的「日常性」建築，諸多貢獻正是臺灣建築文化尋找下一階段方向的重要指標。

呈現橫跨近40年之建築成果

這次展覽不僅呈現陳仁和橫跨近40年之建築成果回顧，更將開啟一場探索城市建築跨世代的記憶。展覽藉由設計手稿檔案、完整創作年表、紀錄片、建築模型等詳盡記錄呈現，讓民眾可以深入探究陳仁和的建築世界。展場中更特別設置建築模型積木，邀請民眾親自動手組裝，透過拆解、重組的實作過程，從柱位、樓板到特色屋頂，藉由每一個組件深刻理建築結構與設計巧思，體會陳仁和如何將多元文化語彙融入建築當中。

戶外走讀帶你走進作品現場

展覽期間，亦規劃座談會、專家導覽、講座、戶外走讀等多元活動，其中戶外走讀將由專家帶領參與者走入高雄地方，親臨陳仁和的作品現場，實地感受這些建築回應高雄氣候、地景與城市紋理。更多活動資訊，可點此至高美館網站查詢。

《地域主義的先行者：陳仁和百年+3建築紀念大展》
展覽日期｜2025.12.20-2026.05.10
展覽地點｜高雄市立美術館104-105展覽室

_{資料提供｜高美館、文字整理｜Adela Cheng}