窺探日本建築大師磯崎新不拘一格的代表作！世界首座充氣音樂廳、雕塑感建築

更新：根據日本媒體報導，建築大師磯崎新於2022年12月28日，因自然衰老辭世，享耆壽91歲。

在公布2019 年普立茲克建築獎（Pritzker Architecture Prize）得主前，不少人已紛紛開始猜測獎落誰家，而這次得獎者正是來自日本的知名建築師磯崎新，目前87 歲的他，在世界各地已有超過百件作品，並在當代建築史中有著舉足輕重的地位，不僅是日本建築代謝派核心人物，更是日本首位建立東西密切建築設計交流的重量級建築師。

出生於日本大分縣的磯崎新，兒時曾歷經日本廣島、長崎核爆事件，他曾自言對建築的最初認識是來自建築的空無，這也影響他後來不斷思考該如何重建家園與城市。就讀東京大學時，他進入建築大師丹下健三門下成為其弟子，後來也成為代謝派的核心成員之一，並在個人建築師職涯的早期，便針對城市與建築的關係提出了前衛的理論，其中也反映了代謝派的建築宗旨。面對日本戰後百廢待興的磯崎新，憑藉著對建築的熱情與想像，提出了「空中都市」的理論，像是在「空中都市─新宿計畫」中，他認為可以在既有城市上運用橋樑般的柱狀結構，另外蓋起高於舊城的「空中都市」，如此便能減少城市面積的使用，並解決城市人口大量成長的狀況。

除了城市設計理論，在同時期，磯崎新也在自己的故鄉設計了大分縣立圖書館（Ōita Prefectural Library）。這個後來更名為大分藝術廣場的建築，設計靈感來自不斷成長的人體，其採用裸露的混凝土作為結構，並運用天窗、窗戶讓自然光進入室內，不僅具體實現代謝派的宗旨，也是日本粗獷主義建築的代表作之一。

大分縣立圖書館

在1960年代，身為代謝派一員的磯崎新，不但已成為日本知名的建築師，同時期他也更積極的跨出海外，足跡遍及伊斯蘭世界、中國、東南亞及美國的大都市，在這過程中，他不斷地吸取各地建築設計經驗，也思考著「何謂建築？」同時期他擔任美國加州大學洛杉磯分校的客座教授，並陸續完成不少作品與理論。

到了1970年代，更因獲得大量國際建築雜誌報導，且頻繁地與Peter Eisenman、PhilipJohnson等建築大師交流，因而在當時於國際建築界建立起高度知名度。普立茲克建築獎暨凱悅基金會主席TomPritzker更如此讚譽他：「磯崎新在西方文明仍主導影響東方文化的那個年代，是第一位踏出海外、在國際間擁有建築作品的日本建築師，而這也讓他的建築被其全球公民的特質影響，創造出真正國際化的建築！」。

不拘一格的建築設計

磯崎新早期作品主要彰顯代謝派的精神，但到了1970年代左右，他的作品開始轉往呈現充滿拱頂、幾何元素等形式主義、後現代主義設計，其背後最大的原因，正是1968年全球出現美越苦戰、布拉格之春運動等重大事件，讓磯崎新對具權威、傳統的建築思想體系開始產生疑問，於是他逐漸打破過去展現高技巧的建築設計，轉而開啟新的建築設計道路。

其中群馬縣立近代美術館（MOMA, Gunma），就是磯崎新扭轉風格時期的代表作。他在充滿綠意的公園中，運用一系列立方體構築量體，讓美術館在大量留白及充滿網格的設計中，突出了不同藝術品的特殊性。

群馬縣立近代美術館

北九州市立中央圖書館（Kitakyushu City CentralLibrary）拱型的屋頂造型，為採用預製混凝土建成，俯瞰宛如管狀的建築造型，更是磯崎新對於新古典主義的現代詮釋。

北九州市立中央圖書館

何謂「代謝派」？

由丹下健三領軍的代謝派，在日本戰後的1960年代於亞洲區掀起風起雲湧的建築思潮，主要成員包含菊竹清訓、磯崎新、黑川紀章、槙文彥、黑川紀章等人。這些建築家有鑑於日本二戰後經濟高度發展，都會區出現了人口迅速膨脹、空間密度提高、居住空間不足等問題，因此提出了建築與城市相關設計理論，以解決當時城市居住環境的困境。他們提倡建築乃至城市應如生物般，透過新陳代謝而不斷成長與老化，如此才能因應自然環境與社會的變化，代表理論與建築有菊竹清訓的「海上城市」、磯崎新的「空中城市」、黑川紀章設計的「中銀膠囊大樓」等。

磯崎新除了在日本設計了不少文化類建築，他第一個海外建築作品─洛杉磯當代藝術博物館（Museum ofContemporary Art, Los Angeles），則運用印度紅砂岩構成下沉式的幾何建築，並為圖書館頂樓設計了拱頂式造型，注入後現代主義的古典裝飾元素，整體在結合東西方的黃金比例、陰陽調和等建築特色中，讓看似簡單的建築線條，更多了深層的設計思量。

洛杉磯當代藝術博物館

另外，磯崎新也擅於透過設計，在複雜的地形條件中打造出融合自然景觀的建築。如位於日本岐阜縣的美濃陶瓷公園（Ceramic Park Mino），是在山中的一座陶瓷博物館，磯崎新保留周圍的植被，並運用室外露台、觀景台等設計，讓建築成為地貌的延伸。

岐阜縣的美濃陶瓷公園

為1992年夏季奧運會設計的西班牙聖喬治宮體育館（Palau SantJordi），則為建築打造了部分地下結構，讓原本看起來相當巨大的建築量體透過設計而縮小，遠看甚至能與鄰近的山景形成和諧的景觀；在西班牙的多穆斯博物館（Domus: La Casa delHombre），則在廢棄採石場上設計互動科學博物館，這座建築一面有著如風帆狀的石板立面，另一面則如摺疊屏風的花崗岩牆，展示磯崎新在嚴峻地形中所發揮的創新設計。

巴塞隆納聖喬治宮體育館

在磯崎新的建築設計中，可以發現其涵蓋的類別眾多且風格多變，正如他所自言，在日本二戰結束後且大舉重建社會的時期，為了找到最適合的方式解決城市問題，他因而無法停留在單一風格上，「唯一不變的就是變化本身，矛盾的是，這也變成了屬於我的風格。」而這也獲得了普立茲克建築獎評審團的高度評價：「他擁抱前衛，從不安於重複現狀，並勇於挑戰。⋯直至今日仍不受風格派別所限，反映其持續不斷的演化，始終以自身獨特的方式別出新意。」

持續不懈的設計熱情

建築師生涯至今已有60年時光的磯崎新，對於設計仍未停下腳步，近年也持續在世界各地打造出令人驚豔的建築作品。例如位於卡達的卡達國家會議中心（Qatar National Convention Center），在玻璃帷幕前如樹幹般的柱子，其設計靈感來自於伊斯蘭聖樹的造型，為這座大型的會議中心帶來如大型雕塑般的律動感。

卡塔爾國家會議中心

在日本歷經311海嘯後，磯崎新更與雕塑家Anish Kapoor合作，設計了一個充氣式的音樂廳「新方舟」（Ark Nova），這個帶有渾圓造型的紫色音樂廳，設有舞台和音響設備，並可容納500人，充氣式的功能更能在日本各地賑災巡演所使用，充滿童趣的移動式空間，更展現了磯崎新帶著玩心與溫暖的那一面。

磯崎新的建築設計直至今日仍不受任何風格派別所限制，普立茲克建築獎評審團如此盛讚：「他的建築作品不僅基於對建築本身的深刻認識，更是基於對哲學、歷史、理論和文化的深刻理解。他絕不模仿拼貼，而是融合東西方文化，另闢蹊徑。在建築競賽或是合作中，他都慷慨地支持並鼓勵其他建築師。」持續探索、勇於提出挑戰，從建築到城市設計，皆整合不同環境條件、跨學科的應用，推出因地制宜的作品，這是磯崎新獲得普立茲克建築獎的最大原因，也讓全世界再次看到他對建築設計持續不懈的熱情。

文 陳岱華　

攝影 Yasuhiro Ishimoto、FUJITSUKA Mitsumasa、Hisao Suzuki、Iwan Baan 

圖片提供 Pritzker Architecture Prize

日系眼鏡品牌JINS與英國海澤維克工作室（Heatherwick Studio）跨界聯名，透過「以人為本」的設計理念，將常以直線輪廓示人的眼鏡，轉化成有如水波流動般的曲線，並從大自然各種液態景緻中汲取6大色彩，打造出獨具特色的設計眼鏡！

向來被稱作設計鬼才的海澤維克（Thomas Heatherwick），作品橫跨多個領域，從建築、都市規劃、產品與家具設計、時尚精品等，都能看見他充滿玩心又具實驗性的設計風格。如今，他首度進軍眼鏡市場，攜手日系品牌JINS，推出「JINS × Heatherwick Studio」 聯名眼鏡系列（JINS流動美學系列）。

以Liquid為靈感，打造流動曲線、揉合大自然色彩的設計眼鏡

若你對海澤維克的作品不陌生，那一定能想得到這款聯名眼鏡顯然不會走傳統路線，而是符合他一直以來秉持嶄新、原創，以及符合人本的特色。本次「JINS × Heatherwick Studio」以「Liquid」為核心概念，靈感源自水面波紋與大自然起伏蕩漾流動姿態 。

相較於傳統眼鏡多以工業製品的精準與對稱為設計基礎，海澤維克工作室將液體流動的柔軟瞬間轉化為鏡框線條，透過不對稱的輪廓、如水波般起伏的鏡腳細節，讓眼鏡不再只是修飾臉型的配件，而是一件能自然貼合臉部，襯托配戴者個性的日常物件。

海澤維克工作室執行合夥人Stuart Wood表示：「眼鏡訴說著配戴者的自我，是極為私人又親近的存在。然而現今的鏡框設計往往過於單一，難以貼近個人的獨特個性。比起冰冷的工業製品，我們更追求宛如受自然之力洗禮、自然形塑而成的『有機形態』。」 而每當戴上它時，配戴者都能遇見更有質感、更特別的自己。

在款式設計上，「JINS × Heatherwick Studio」共推出樹脂膠框與鈦金屬鏡框兩大類型。樹脂膠框款以具份量感的框型呈現液體般的流動曲線，包含Grey Mist水面晨霧、Amber Stone琥珀、Stream Fern水生植物與Obsidian Black黑曜石等色彩，分別呼應薄霧浮於水面、琥珀樹脂的溫潤深度、清澈溪流下的水生植物，以及火山岩與深邃溪谷的沉靜光澤。

鈦金屬款則以更輕盈俐落的線條展現另一種液態質感，包括Polished Titanium亮面拋光鈦金屬與 Brushed Titanium霧面髮絲鈦金屬，前者如波光粼粼的水面或熔融金屬般映照光影，後者則透過細緻拉絲處理，呈現如微波蕩漾的水面。 

「JINS × Heatherwick Studio」已於5月14日正式上市，若想體驗戴上設計大師操刀的眼鏡是什麼感受，也不妨親自走進門市試戴。

資料來源｜JINS

黎巴嫩建築師Lina Ghotmeh，近年躍升為全球最受矚目的建築師之一，《時代》雜誌不僅將她選入2025年「次世代百大影響力人物」（TIME100 Next），更是該榜單當年唯一入選的建築師；全球最大規模文化翻新案之一的大英博物館西側展廳群（Western Range），也由她拿下國際競圖。她親身分享，如何透過「未來考古學」（Archaeology of the Future），從研究、材料探索與田野調查出發，與建築的過去和未來展開對話。

➣本文選自La Vie 2026／4月號《貓的居家空間指南》，更多精彩內容請點此

曾經，Lina Ghotmeh立志成為考古學家。成長於黎巴嫩內戰末尾的貝魯特，戰後市中心四處進行著大規模考古挖掘，腓尼基、羅馬、鄂圖曼等不同文明的斷層，就這樣赤裸攤開在她眼前。「那是一座被破壊與重建一層層刻印的『開放考古現場』，激起了我對考古學的興趣，也讓我開始把每一塊基地都視為被環境塑造、由故事層疊堆積而成的『古羊皮重寫書卷』（palimpsest）。」然而，她不只想發掘過去，更著迷於以建築定義未來的力量。貝魯特美國大學（American University of Beirut，AUB）跨學科的環境讓她自由探索；她日後所謂「未來考古學」的概念，也在此緩慢成形——一讓建築既錨定於當地環境與歷史痕跡之上，又能清晰指向未來願景。

「我把建築理解為一種傾聽：傾聽土地、傾聽歷史，傾聽那些看不見的敘事。」

畢業後，她前往法國巴黎深造。其後，她受邀任職於Ateliers Jean Nouvel，被派駐倫敦與Nouvel / Foster + Partners合作Walbrook Square大型開發案，共事的皆是世界頂尖團隊。「那是充滿啟發的時期，讓我更加確信『作夢』的重要性，以及不斷拓展建築邊界的必要。」然而，她也意識到這並非自己想走的路。

建築無法抹平創痕，但給予力量

2005年，愛沙尼亞國家博物館（2006～2016）的競圖公告令Lina Ghotmeh眼睛一亮，內心湧起一股強烈想要參與的衝動。她回憶道：「那時愛沙尼亞剛加入歐盟，帶著動盪的歷史記憶，這在很多層面上都跟我自己的成長經驗產生了共鳴，而基地本身也留有那段歷史的痕跡。」她深受吸引，邀請當時的兩位同事田根剛與Dan Dorell一起投件。3人暢想將建物延伸至Tartu的前蘇聯軍用跑道上，使一段複雜的民族歷史轉化為向未來升起的斜坡，大膽的設計贏下了博物館競圖。那一年是2006年，她才26歲，便決心與夥伴創立合夥事務所「DGT.」（Dorell Ghotmeh Tane / Architects）。

歷經漫長的10年，愛沙尼亞國家博物館在2016年正式完工。3人也決定各自獨立，Lina Ghotmeh隨即在巴黎成立了同名事務所Lina Ghotmeh－Architecture（LG－A）。她的下一個計畫集合住宅「Stone Garden」（2011～2020）帶她回到了貝魯特。施工末尾，2020年貝魯特港口發生驚世大爆炸，建物倖存下來，也在當年順利完工。無論戰爭或意外，都是巨大的破壞力量，她坦言：

「建築無法抹除創傷，但它能給予尊嚴與延續感，給人一個得以共同喘息的空間。它也能成為一種媒介，讓情感透過實體的形式被訴說出來。」

Lina Ghotmeh擁抱起貝魯特的廢墟記憶與集體創痛。「這個計畫不是要掩蓋傷痕，而是去吸收它們，將記憶轉化為實體。」粗糙的大地色混凝土外牆由工匠手工刻畫出波紋，如同農人在一片垂直的土地上耕作，也引人聯想起這國家多舛的命運；其上雕鑿出巨大的窗口，回應著曾烙印 在城市肌膚上的彈孔，使建築通透迎向外界，也成了居民種植植物的窗台與生活所在。「公共性，本身就出自於大方的姿態。立面、門檻、花園、陰影，每一處細節都可以成為與人連結的方式。在脆弱的處境裡，建築必須謹慎，甚至近乎靜默，卻又不能置身事外。」她認為，住宅不該是私密、孤立的存在，空間有責任與周遭公共環境對話，訴說自身的歷史與存在，並成為城市的一份子。

慢下來，由手工材質重探萬物的聯繫

在這個追求速成的時代，Lina Ghotmeh反而注重勞力密集的手工藝。她不諱言自己對材質的迷戀，「我深受那些承載著場所、時間與自然的材質吸引，那些會老化、會呼吸、會記錄下人手觸摸過的痕跡的材質。」如同她的事務所參考諾曼第地區的製磚傳統，培訓當地匠人以50萬塊手工磚親手砌起愛馬仕皮革工坊「Precise Acts」（2019～2023）。「當我們花時間去建造，同時也在培養對環境的自覺、關懷與情感。這些，在今日都是我們迫切需要的。」這不僅讓作品深深紮根於地方文史之上，整個建造過程也訴說著建築最根本的精神：協力製造，一起把東西蓋起來。

在永續建築的浪潮下，低碳的木構已成為當代顯學。愛馬仕皮革工坊便採用磚木混合結構，Lina Ghotmeh也在蛇形藝廊（Serpentine Gallery）《À table》（2022～2023）及2025大阪世界博覽會巴林館，嘗試了輕量化的混合結構，提出可重複組裝的模組化設計。尤其是巴林館，結合了柳杉原木框架與輕量化外層，所有構件如今正被重新利用於在日本推行的另一個計畫。原木榫接的應用本是日本的強項，LG－A 特別回應當地傳統並發起挑戰，與在地承包商攜手突破工法。一如在Stone Garden中，他們與工匠並肩從抹灰工藝中共同研發出新工法，為立面妝點紋飾，讓匠人真正進入建築的設計過程。

「在一個痴迷於速度的時代，工藝成了一種人文的行動，是對生命的讚歌。慢下來，才能讓關懷、精準與意義真正滲入其中。」

當今，愈來愈多建築師從根植在地歷史與傳統的風土智慧中尋找突破口。對此，Lina Ghotmeh表示：「風土的智慧往往是低科技的，懂得因應氣候、善用有限的資源，卻為我們的未來提供了珍貴的啟示，但這並不代表要拒絕科技。」她補充，有意識地運用AI等科技工具，能使設計思考更為敏銳、能力更加精進。實際上，近年她也投入全新低碳、生質材料（bio- sourced materials）的開發之中。「這同時來自道德關懷與對詩意的追求。永續不是一種限制，而是發明的泉源。生質材料帶來了新的美學、新的構築方式，以及建築與自然之間重新建立的關係。」

從歷史的斷層之中，想像建築的未來

2025年，LG—A贏得備受矚目的大英博物館西側展廳群（2025～）翻新計畫，幅度涵蓋全館展廳空間1/3。這是自1820年代以來規模最大的改建，引入自然光、創造「呼吸空間」，並強化節能手段。此外，她長年研究石材，發現30～40%的石材因不夠完美而淪為廢料；貝魯特大爆炸後滿目的瓦礫與破壞痕跡，更促使她思索如何將碎石重新織入城市景觀。她結合木模組結構，將施工產生的廢石重新加工為博物館展廳新牆面，既減輕歷史建築的承重負擔、貫徹她對材料循環的一貫堅持，更隱喻博物館歷史疊層的拆解與重組。「這個空間揭示了世界的緊密相連，讓館藏彼此對話，讓故事跨越時間與地理緩緩展開。我們希望創造能夠鼓勵對話的環境，讓展覽空間激發交流，讓材質喚醒感官。」

近年，她與阿拉伯世界的合作日益深厚。她正為卡達操刀威尼斯雙年展卡達館的永久建築（2025～），延續她對石材的關注，並結合手工玻璃的運用，構築在綠園城堡展區（Giardini）的基地上如石造瀑布般從地面升起，與威尼斯從水面浮現的姿態相互映照，也象徵數千年前自海中誕生的卡達。她分享：「在整段觀展旅程中，建築將不斷轉換人的視角、開啟新的視野，最終在一座開闊的屋頂露台達到高潮。站在那裡，人們俯瞰周遭環境，與地景建立起全新的關係。」

透過「未來考古學」，Lina Ghotmeh逐層溯源歷史斷層，以此構想未來。問道她最渴望創造的建築是什麼模樣，她說：「一種開放而多元的建築，能夠包容所有的生命，帶來喜悅、促進對話，在形式與材料上富有表現力，既能引人沉思，也能讓人相互靠近。空間應當是友善的、慷慨的，讓人自由穿流其中。」她相信，那會是一座充滿生命力的建築。

Lina Ghotmeh

黎巴嫩建築師，現居巴黎。畢業於貝魯特美國大學與巴黎École Spéciale d'Architecture（ESA）。2016年創立同名事務所Lina Ghotmeh — Architecture，提倡「未來考古學 」，主張建築應是土地記憶與未來永續的深度縫合。重要作品包括愛沙尼亞國家博物館（2016）、貝魯特Stone Garden（2020）、諾曼第Hermès Workshops（2023）、倫敦蛇形藝廊《À table》（2023）、2025大阪世界博覽會巴林館（2025）等；進行中包括大英博物館（Western Range galleries）翻新計畫、威尼斯雙年展卡達館等。

更多精彩內容，請見 La Vie 2026／4月號《貓的居家空間指南》

_{文｜吳哲夫
攝影｜David Levene、Iwan Baan、Takuji Shimmura　圖片提供｜Lina Ghotmeh — Architecture}