2019普立茲克獎得主—日本建築大師磯崎新！勇於創新、擁抱前衛的後現代風格獲青睞

「未來城市將會是一座廢墟」日本後現代建築大師磯崎新(Arata Isozaki) 曾提出這樣的觀點，作為全球建築界享有一席之地的東方建築美學先鋒，師承丹下健三、總是穿著好友三宅一生設計衣服的磯崎新，試圖顛覆傳統樣建築樣式，他反對功能決定形式，以與生俱來的藝術家才賦，在建築中追求個人美學觀念的體現。如今這位早已獲獎無數的不凡大師，則在2019迎來其建築生涯的最高榮耀，獲頒2019普立茲克獎（Pritzker Architecture Prize）殊榮，也成為繼丹下健三、安藤忠雄、伊東豊雄後，第8位獲得此榮譽的日本建築師！

「一直以來，我認為最重要的事便是找到方法來掙脫困住自己的框架或美感意識。」

身為日本後現代派建築師，其融匯日本文化傳統與西方當代建築意象的美學，讓他在建築界開始發光。1931年出生於日本九州島大分市，在戰亂時期誕生於世上的磯崎新，14歲時對廣島和長崎原子彈爆炸的記憶，對他後來的建築理念不無影響，他認為建築的生命雖然短暫，但應讓當前的使用者感到愉悅，無論是偶然經過的行人或是周圍生活的居民。「當我成長到足以開始了解世界的年紀，廣島被投下原子彈，家鄉一瞬間毀於一旦。我是在核爆中心附近長大的，那裡是一片滿目蒼夷的廢墟，建築物摧毀殆盡，甚至看不到城市的影子，我身邊只有兵營和避難所。因此，我對建築的最初體驗是一片虛空，我開始考慮人們應如何重建家園和城市。」，正是城市在一夕成為荒地，「廢墟」建築隱喻不時在其作品中顯現。

在丹下健三麾下多年，如同其他建築師一樣懷抱用設計改變世界的理念，磯崎新在1960年代成立個人事務所，更提出了他那著名「未建成」的《空中都市─新宿計畫》構想，當時他針對新宿地區的未來主義規劃，他企圖在既存城市空間上打造另一座居住城市，新舊共存，不但不破壞已有環境，更得以在新開闢的空間適應新生活需求，儘管此計畫未曾實現，然而這份對都市未來的想像，也連帶影響其往後的建築規劃理念。

對比擁有鮮明顯著特色的安藤忠雄或黑川紀章，同樣被視為「日本建築三傑」的磯崎新，作品類型則多樣百變，而他具前瞻性思維方式、對「空間藝術」的深入執著，正是他此次獲青睞的主因，「他兼具對建築歷史和理論的深刻了解，勇於擁抱前衛，從不滿足於複製現有；對有意義建築的追求也反映在他自己的設計作品中，直至今日仍然不斷演進，其方式方法總有新奇之處。」2019年普立茲克獎評審如此盛讚。

善於利用幾何空間排列，加上用色鮮明的磯崎新，其打造的建築接近極簡卻又極為講究細節，簡單又不簡單般的超現實風格，讓人看見其不斷進化的新意。「磯崎新是一個先驅者，他知曉建築的需求是全球性與本地化的統一，而要把兩種概念完美融合，便是一場成極大的挑戰。」普立茲克獎評審委員會主席Stephen Breyer表示。

現年87歲，建築歲月超過半世紀的磯崎新，至今依舊保有滿滿創新活力。回顧其過往精采之作，作為其生涯重要里程碑的洛杉磯現代藝術博物館（Museum Of Contemporary Art)，是其第一個國際建築項目，這座下沉式的紅砂岩建築儘管當初備受爭議與挑戰，然而磯崎新藉著印度紅砂岩建築進行體量上的重組，並運用黃金比例與陰陽理論貫穿整體建築，巧妙地連接東西方關係。

而位於日本水戶市的水戶藝術館，聳立並旋轉直衝天際的塔樓，其靈感汲取自「現代雕塑之父」之稱的羅馬尼亞藝術家布朗庫西（Constantin Brancusi）無盡之塔，磯崎新與團隊運用56塊三角形面板，進而而位拼接成延伸而上的螺旋塔，充滿超現實的風格不僅讓水戶這座古都增添未來風氣息，更像是為城市注入了一劑藝術強心針。

建築作品逾100件的磯崎新，其餘著名作品還包括大分縣醫館（1959-60）、其附樓（1970-1972，日本大分縣）、大分縣立圖書館（1962-1966，日本大分縣，1996年更名為大分藝術廣場）、北九州市立美術館（1972-1974,日本福岡）、筑波中心大廈（1979-1983,日本茨城）、奈良百年紀念堂（1992- 1998,日本奈良）、Pala Alpitour體育館（2002-2006,義大利都靈）、安聯大廈（2003-2014,意大利米蘭）、卡達國家會議中心（2004-2011,卡達多哈）和上海交響樂團音樂廳（ 2008-2014,中國上海）。

Text：Ian Liu

via 普立茲克獎

《藤本壯介建築展：原初．未來．森》海外巡迴首站落腳台北，本展透過雙展區、6大主題、逾百件建築計畫，梳理其30年來的建築創作。記者會上，藤本壯介也特別帶逛展場，帶我們走進他腦海內的森林。

日本東京森美術館在去（2025）年推出的藤本壯介建築展，創下逾23萬人次參觀紀錄，不僅是建築相關人士，也吸引了許多年輕人、家庭族群前來觀看。藤本壯介提到，當初在與森美術館討論建築展時，他希望不只是回顧他過去30年的創作軌跡，也能夠呈現他思考了什麼、有什麼前瞻性的內容，最後，「森」這個關鍵字便冒了出來。

從北海道森林走向世界

藤本壯介出生於自然資源豐富的北海道，自幼常見的雜樹林景觀，成為其理解空間與自然關係的原點。1994年自東京大學建築系畢業後，他未循一般路徑進入建築師事務所，而是展開長達6年的獨立探索，省思建築的原點，逐步形塑其建築哲學：模糊自然與人造物、室內與戶外、個體與群體的邊界，創造如森林般開放而富有包容力、得以容納多元關係共存的空間。

用建築連結人、自然與未來

藤本壯介補充，他們在「森」這個字裡面做了很多的想像，不只是自然的森林，人與建築物的關係，其實也是一種森林的意象。「森林裡面有很多不同的生物共存，形成豐富的多樣性，未來的建築物是否也能像一座森林，讓不同的人相聚共存，從多樣性中產生意想不到的連結，這也是我們對於未來建築與社會的想像。」

一踏入展場，牆面上所見的60多幅圖像，這些是藤本壯介從以前到近期的作品，人們能從縱觀的角度窺見它們雖然各自不同，卻又存在某些共同點；透過這面牆，大家可以了解藤本壯介這些年走過的路，其中包含一些實驗性的錯誤，但他也從中思考了許多多樣性與不同的可能性，並讓它們同時共存。

想像多元共鳴的未來城市

抬頭可見的懸掛裝置，則是藤本壯介對100或200年後未來都市的想像。他們想像人們住在一個個如泡泡的圓球中，裡頭也有許多綠意與公園，構成了包容各種多樣性且相互交融的生活空間。他說，在他想像的未來世界中，也許人們都有了可以在空中飛翔的裝置，因此住宅也打破了所謂的樓層限制，形成一個具有多樣性且交融在一起的自由空間。

思考多元共存與彼此連結的可能

來到「開放之環」主題展場，映入眼簾的是200分之1的大阪萬博大屋根模型，搭配牆面上藤本壯介的草圖，能更加了解他設計大屋根時的思考軌跡。藤本壯介說，圓環狀的大屋根雖然是建築，卻極具開放性；所謂的建築，既要接納大眾，又要具備保護與包容的功能，而要如何讓兩個同時並存，是他想要傳達的概念，因此在旁邊的牆面，也可見到體現「開放之環」這個理念的建築作品。

走進藤本壯介的「腦內森林」

匯集了藤本壯介30年來建築模型的「思想之森」展間，則將帶領大家走進他腦內的森林。從入口的早期作品到後方的近期、進行中的作品，主要分為3大創作脈絡：探討建築如何兼顧內部的包覆感，又能向外敞開的「展開與包圍」、思考許多局部如何共同組成一個整體的「眾中之眾」，以及打破空間只有單一用途想像的「未分化」，但這3個概念並非壁壘分明，也有很多交融之處，比如貝爾格勒的哈拉水岸中心（beton hala waterfront center）便展現出這3大主軸。另外，牌子上也特別設置了對應這些概念的壓克力小方塊，讓人們能夠透過顏色辨識每件作品所蘊含的設計脈絡。

思想、創造力是自由的

有趣的是，展間中除了專業的建築模型，也展示了藤本壯介收集的物件，像是包水果的保麗龍紙，呈現建築的通透感；捏碎的寶特瓶表達變形後的風貌，引領人們思考建築的外觀也可以有不同面貌；展出洋芋片模型，則是因他認為洋芋片透過某種堆疊、中間產生的縫隙也是所謂的空間，或許有可能被運用在建築上。藤本壯介說明，希望透過這些展示品，讓大家了解所謂的思想、創造力可以是很自由的，並能在這些自由的發想中找到樂趣。

回望30餘年的建築實踐

「軌跡之森」由建築史學家倉方俊輔兼修編纂，透過年表、手繪草圖、建築語錄與獲獎紀錄，串聯藤本壯介不同時期的代表作品。藤本壯介說，「藉由這次展覽，我才有機會重新回頭看過去的手稿，這些都要感謝我母親當年的細心保存。看到這些草稿時，我一方面感嘆當年自己真的很努力，另一方面也會覺得過去的自己還是有點不行啊。不過，看到這些手稿才發現原來我始終在思考同樣的核心命題，並在不斷的實驗與失敗中反覆鑽研。這些手稿不是為了展出而畫，它們就是我建築思考過程最真實的呈現。」

走進1:5大屋根模型

本次展覽一大亮點、位於衛星展區的5分之1的局部大屋根，則邀請大家穿過模型、用身體感受其中的空間感。藤本壯介補充，大屋根模型在森美術館展出時是靠牆的，在這裡則是可以360度的環繞觀賞、動線更加自由。值得一提的是，展場長達15分鐘的大屋根紀錄片，是藤本壯介在大阪萬博閉幕前一星期自費拍攝、去年底完成剪輯，影片中記錄下從早到晚的風景以及現場的聲音，讓人們即便不在現場，也能感受當時的空間與氛圍，尤其是這部影片沒有上傳到公開的平台分享，推薦大家靜下來欣賞影像，再次回味大阪世博的感動。

藤本壯介建築展：原初．未來．森
日期｜2026.8.15（六）-2027.1.3（日）；開放時間｜週二至週日 10:00-18:00（週一休館）
展覽地點｜主展區：忠泰美術館（臺北市大安區市民大道三段178號）、衛星展區：建國啤酒廠成品倉庫（臺北市中山區松江路25巷40號）
更多資訊可至官網查詢

出身於比利時、活躍於亞洲乃至全球酒店設計領域的建築師Jean-Michel Gathy，自1983年創立Denniston事務所以來，憑藉世界各地頂級酒店、住宅和其他款待業項目穩步成為行業標竿，其中尤自安縵（Aman）、迦努（Janu）品牌旗下酒店孕育城市靜謐生活的嶄新構想。隨本文看安縵紐約、曼谷奈樂安縵、迦努東京3址如何憑藉同中有異的獨到語彙，使「靜謐」兩字對應環境變換適當詮釋。

放眼全球大都會之三：紐約、曼谷、東京，皆可見傳奇酒店建築師Jean-Michel Gathy與其設計團隊Denniston打造的奢華酒店作品，正在重新定義城市靜謐美學。此系列極富遠見的傳世傑作，將安縵別具代表性的寧和意蘊，與其姊妹品牌迦努特有的活力氣質，分別注入位於美洲、亞洲的世界都市中心，讓每一場域以獨屬當地的方式演繹靜謐內涵，並通過因地制宜的建築語言細膩呼應周遭景致。

▼ 傳奇酒店建築師Jean-Michel Gathy（左）

Jean-Michel Gathy行雲流水的設計手法，匯聚古今、貫通東西，連結自然環境與人文建築。他秉持對感官體驗的極致追求，縝密利用光線、聲音、材質堆疊空間節奏，促使處處細節皆服務於整體氛圍的營造。安縵紐約（Aman New York）、曼谷奈樂安縵（Aman Nai Lert Bangkok）、迦努東京（Janu Tokyo）3作不僅交相輝映，深刻體現文化傳承、建築個性與沉浸式感官體驗之間的精妙平衡，更共同描畫一幅當代都市生活的理想藍圖，於城市的喧囂脈動下為旅客構築從容有度的棲居之所，進而留駐靜心時刻。

▍安縵紐約（Aman New York）

安縵紐約主要針對第五大道與57街交匯點所在歷史地標皇冠大廈（Crown Building）進行修復，在保留其巴黎美術學院派（Beaux-Arts，布雜藝術）建築遺風的同時，巧妙融會安縵標誌性的空間寧靜感。室內以開闊格局、柔和色調，以及經過悉心調控的光線鋪陳，且每間套房均由真火壁爐帶入親密氛圍，隔音舒適性則透過多層次材質與精緻細節處理加以強化。雙層挑空的空中大堂，和點綴火景與水景的花園露台，另於雲端之上勾勒一方隨時供旅客作舒緩身心之用的都市逸境。

▍曼谷奈樂安縵（Aman Nai Lert Bangkok）

從曼哈頓的高聳密林抽身，Jean-Michel Gathy將目光轉向曼谷的豐茂地域，使靜謐呈現截然不同的樣貌。曼谷奈樂安縵以深厚的自然連結與文化傳承為依託，於市中心闢設深植在地精神的都會綠洲。全案選址草木蓊鬱、占地7英畝（約2.8公頃）的綠意園林「奈樂園（Nai Lert Park）」，圍繞一棵百年四數木（Sompong Tree）展開；該樹的雄偉存在除為整體布局定調，亦憑活態歷史之姿賦予整處空間靈魂與根基。兼受鄰近宅邸啟發，室內且交織傳統泰式元素與現代典雅風格：大片落地窗與開放式規劃，構成與自然景觀的持續對話；天然材質的運用、甄選古董與訂製工匠作品的陳設，則添溫暖質感與真實光彩，締造彷彿超然時間之上的世外桃源。

▍迦努東京（Janu Tokyo）

行至東京，Jean-Michel Gathy以空間秩序取代有機寧靜，憑當代禪意美學，和精準、靈活的設計語彙，重新詮釋靜謐意義。插旗麻布台之丘（Azabudai Hills）的迦努東京，被構想為靈動而充滿鮮活力量的都市庇所，於東京的蓬勃能量中平衡出澄明氣韻。整體設計奠基東西合璧主調，並藉由溫潤材質、簡約線條和大地色彩，共演東方凝練內斂與西方優雅颯爽風采。空間體驗的核心在於推拉門與模組化隔層的運用，既讓空間可隨不同需求微妙重組，又能將收納隱於無形、使光線調節自如；氛圍隨心而變，但始終維持井然有序之感。綠意植被、自然肌理與有機紋飾的無縫融入，更進一步強化與自然世界的連結。縱使位居城市急促節奏下，迦努東京仍將靜謐闡釋為清明與從容，提供旅客涵養正念的靜修聖地。

都市三部曲誕生

落址全球重要都會，匠心營建人們得以平靜棲居之作，安縵紐約、曼谷奈樂安縵與迦努東京，合而為Jean-Michel Gathy引人入勝的都市三部曲。3處居所雖由相異視角揭示「靜」字旨意，卻皆以對感官體驗、文化語境與人文關懷的深刻思考一以貫之。Jean-Michel Gathy的願景並非引導人們遠離城市，而是重新書寫「靜謐」於城市中的存在方式，為都市旅居樹立全新範式，在當代生活的核心地帶構築安然淨土。