2019年6月底開展，在日本東京六本木森美術館（MORI ART MUSEUM）亮相的《塩田千春：顫動的靈魂》（塩田千春展：魂がふるえる）展覽，集結25年來，多達近120件精采觸動人心的創作，成為其藝術生涯以來最大規模個展！

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這場吸引上萬藝術迷的展覽，也將於2021年5月1日至10月17日亮相臺北市立美術館！其中包含數件大型裝置，另有雕塑作品、表演作品之影像紀錄、攝影、手稿等。大家也可以對照，塩田千春在日本與台灣，呈現相同作品時，因為空間不同而有不同的布展手法的巧妙之處，領略塩田千春所說「無法被複製的作品」的真實意涵！

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森美術館 7大亮點作品設計概念

近距離觀賞過塩田千春作品的人無不被她那密麻卻又有條不紊的絲線創作所震懾，就像是從哀苦內心中竄出交纏思緒，塩田千春作品總帶著那麼一絲傷感風格，但千絲萬縷中又洋溢著詩意幽微的希望，讓置身其中的人們能感受到無可名狀的靈魂共鳴。裝置藝術、立體雕塑、創作影音、攝影、素描原稿、舞台設計等珍貴紀錄，展覽藉由不同媒材揭示了塩田千春所構築那實虛難辨的美學觀。 這裡將帶大家看看，塩田千春2019年6月，在日本森美術館展覽時的7大亮點作品的設計概念：

代表作1：《我們走向何方？》65艘魅影般的白紗船

身為東京最高的室內美術館，有別於過往每個展間清楚分隔開來，此次想闖進塩田千春的藝術世界，首先迎接的是漂浮在通往森美術館入口處手扶梯上方的白色船隻，挑高11公尺的天花板上，懸吊著65艘以白色紗線纏繞而成的白船，如同作品名稱《我們走向何方？》（どこへ向かって Where Are We Going?, 2017/2019），充滿魅影般氣息的大作，彷彿輕巧地為前來觀賞的你我引路，一同搭著無形的船隻航向塩田千春的藝術國度。

代表作2：紅線網出《不確定的旅程》

充滿不確定性、孤獨漂泊之感，可說是塩田千春代表性的創作語言，而符號除了萬千紗線外，「船」大概是最常見著的意象素材，身為展場內首個示人的裝置藝術作品，《不確定的旅程》（不確かな旅 Uncertain Journey, 2016/2019）以黑船骨搭配紅線交織出美麗震撼的景緻，從天花板綿延至地面，長280公里的紅線網，互相糾結在房間中，在過程中彷彿將彼此牽扯連結於一塊，串連起人與人之間，也串起人與宇宙之間關係，既然交融於一體，不如就一同朝往前路未明的旅程。 

代表作3：新作《離開我的身體》（外在化された身体）

「不存在的存在」是塩田千春多年來探討的課題，創作者在美術館內創造出各種空間，經由不同作品與展示方式讓觀賞者反思，現在、過去和未來。當然，這樣的探討同樣投射在塩田千春自己身上，在接到森美術館邀約後，她被檢測出癌症複發，「在光是活下來就已經耗盡全力的狀態下創作，成了我這次展覽最核心的東西。」，有感於命運可能走向終點，然而人消逝了，那麼存在於他人腦海中的記憶呢？她將病痛的挫折感轉化為藝術能量，整合至創作中，打造出全新作品《離開我的身體》（外在化された身体），她表示在接受治療過程中，感覺身體像是被瓦解般，恍若靈魂都消散，因此她藉由切割開來的身軀銅雕塑，想像一場自己「不存在」的展覽會是如何。

代表作4：黑線與焦黑鋼琴的《寂靜》

除了挖掘自我內心外，塩田千春作品也多來自於切身生活體驗，像是《寂靜》（静けさの中で)便是以9歲時鄰居家發生的火災做為概念，黑線纏繞的空間裡，擺著一台燒得焦黑的鋼琴，靜默力量十足，然而燒過而保存下來的鋼琴，即便殘破卻也證明「存在」著。

代表作5：《時空的反射》（時空の反射）

此外，其餘沉浸式裝置作品還包括了被包覆在立方體中，以鏡像反射而出的洋裝《時空的反射》（時空の反射）。

代表作6：《積累：尋覓終點》（集積―目的地を求めて）

430個以紅線綁住懸掛於空中的行李箱《積累：尋覓終點》（集積―目的地を求めて），其創作靈感來自她在柏林二手市集所購買的行李箱中，發現裡頭藏著一份舊報紙，不禁讓她想起陪著人們到處遊歷的行李箱，都埋藏著怎樣的記憶，所追尋的人生旅途終點又是何處。 

代表作7：《內外》（内と外）

移居德國柏林生活的塩田千春，也將生活體驗融入創作中，在2004年時蒐集廢棄舊窗戶打造出《內外》（内と外），探討空間內外的存在，而此次亮相展覽中的作品，則是使用了230個窗戶呈現。 

當然也有人好奇塩田千春的紗線創作，展覽過後該怎麼辦，事實上多數紗線作品多是現地創作，因此就算作品名稱相同標，但依據不同場域空間，都將有嶄新姿態，如此一次性的概念，恰巧呼應她一直以來「不存在的存在］命題，曾存在於記憶中的美好，現實早已不存在。想感受詩意又躁動的迷夢之境？不如走一趟東京森美術館，看塩田千春如何捕捉各種抽象無形，卻又纏擾生命的心緒與意念。

2021年巡迴北美館

幾乎成為今年日本最熱展覽的《塩田千春展：魂がふるえる》，從開幕至今吸引60萬觀者朝聖，而大受好評的展覽也確定展開全球巡迴，除了首站將移師南韓釜山市立博物館外，更預計在2021年4月在台北市立美術館登場！不過原先2020年展出巡迴計畫因新肺疫情影響，澳洲、印尼接連取消場次，2021年5月亮相北美館已經開展。

塩田千春展：魂がふるえる 

地點：台北市立美術館 

時間：2021年5月1日－2021年10月17日

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via 森美術館

這部電影不要你黏在椅子上看，而要你起身走進一棟台灣老公寓，穿梭廚房、客廳、臥室等空間，慢慢拼湊出曾發生在此的破碎婚姻故事。你的移動步伐，將推動故事前進。

這是台灣張碩尹工作室、英國爆炸理論（Blast Theory）共同製作的「互動式電影」作品《Proof As If Proof Were Needed》，於年初拿下2025美國西南偏南藝術節（SXSW）混合實境競賽單元評審團特別獎後，回到台北於7/4～7/20限定兩週展出。

「走進」老公寓，拼湊一段破碎婚姻故事

《Proof As If Proof Were Needed》由蔡弦剛執導，夏騰宏與柯念萱主演，背景設定在一間台灣老公寓，文本圍繞著一個在災難中破碎崩解的婚姻故事。這不單只是一部電影，更是一件觀眾可與之互動的沈浸式裝置。有趣的是，觀眾不需要穿戴任何裝置，而是透過「AI視覺感測系統（AI Computer Vision System）」體驗。

觀眾將置身一座台灣住家的等比例平面圖上，地面標示著4個空間：廚房、客廳、臥室與浴室。每當觀眾踏入其中一個房間，AI系統便會偵測觀眾的移動，切換到該房間的故事。透過在空間中移動，觀眾將慢慢拼湊出一對伴侶曾在此生活的痕跡。

觀眾的「互動」也是看點

由於每場次的觀眾人數可能不只一人，因此觀眾之間發酵的狀態也成為觀看的重點。AI視覺感測系統會在偵測展間的人流後，決定該切換到哪個視角，因此觀眾彼此互相看眼色、牽制與角力，干擾和合作，都成為了觀看作品的趣味。

這部「互動式電影」打破線性敘事，給予觀眾更多摸索的空間，建構出新型態的觀看體驗——作品的敘事仰賴觀眾的移動進行，甚至可以說是「沒有觀眾，作品就不存在。」創作者亦不刻意講故事說明，轉而注重傳達作品的情感氛圍，交由觀眾填補空白。

「我特別喜歡觀察人們如何和作品互動，努力了解故事的樣子，甚至還曾看見觀眾一隻手放在房間、另一腳放在廚房，試驗著試圖混淆系統的滑稽舉動，發展出團隊從未想過的互動的方式。」——爆炸理論業務經理Anne Ruper

為何以「家」為題？一座壓抑籠罩的劇場

「家」一詞往往讓人聯想到庇護、歸屬與安穩，但創作團隊回溯電影史中大衛・林區《驚狂》和米哈伊・哈涅克《隱藏》當中對「家」的詮釋，卻是潛意識中瀰漫壓抑和焦慮的劇場。於是在《Proof As If Proof Were Needed》中，「家」成為觀眾走入作品敘事的核心，當觀眾穿越不同房間，也彷彿在夢境般的空間，探尋此地曾發生的婚姻生活痕跡。這樣的結構不僅回應了潛意識如「記憶宮殿」般的運作機制，也讓觀眾的「觀看」，從被動變成主動的心理參與。

另一方面，家作為最小單位的社會結構，不只受到內部情緒影響，也受到外部局勢的牽動。從歷史和社會脈絡來看，台灣長年受地緣政治影響，有著身份認同的討論；英國社會則長期面對移民問題，及近年的脫歐危機和通膨困境。因此，這次跨文化的台灣與英國團隊，從彼此對「家」的理解出發，重構一個想像的個人空間，並藉此探討所謂「家」的樣貌。

SXSW評審團在授予獎項時表示：「這件作品讓我們感受到迷惘、沮喪和彼此疏離。一開始只是悶燒著，但是最終成為空間、故事、科技和人類行為之間產生了意料不到的聯繫和交會舞蹈。」

以互動性、社會批判串起的藝術實驗

來自英國的爆炸理論（Blast Theory）常透過互動藝術探索社會和政治議題，他們結合表演、遊戲、影像、應用程式、裝置藝術等，將觀眾置於非尋常、甚至令人不安的體驗當中，邀人們透過親身參與日常難遇的景況，開拓看待社會的新觀點。像是在作品《觀看的機器》中，觀眾便被邀請參與一場搶銀行的角色扮演遊戲。

張碩尹與爆炸理論的合作始於2016年，當時他在爆炸理論位於英國布萊頓（Brighton）的工作室駐村一個月。他回憶：「當初觀看到的，是藝術計畫除了成為展覽中的展示品之外，能夠成為溢出社會建制的『事件』。藝術家能夠透過藝術計畫的靈活與機動性，連結各形各色的人事物，進一步成為寬廣世界溝通的管道。」受此啟發，張碩尹工作室在2023年夏天向爆炸理論提案，開始《Proof As If Proof Were Needed》為期一年半的開發與製作，作品於2025年國西南偏南藝術節（SXSW）全球首映，如今回到台北放映。

此次合作延續著張碩尹工作室和爆炸理論對於「互動性」的高度興趣，雙方的作品都時常有意識地削弱藝術家的「控制權」，將作品開放給觀眾參與，在這樣的情況下，觀眾也被賦予了「推進作品」的責任——每個人的行動、決策以及與其他陌生參與者當下的互動，都為作品創造嶄新的意義和火花。

《Proof As If Proof Were Needed》台灣首演

展期｜2025.07.04－07.20，期間不公休

地點｜台北市士林區福華路180號

開放時間｜ 11:00－21:00

今年，瑞士巴塞爾藝術展（Art Basel）發生一場「藝術事變」——不羈的洋紅噴漆線條猖狂地侵佔主展館前廣場，從地面蔓延至牆面、時鐘、水池，甚至覆蓋Art Basel斗大的標誌。這不是惡作劇、也非抗議，而是德國視覺藝術家Katharina Grosse為展場量身作的畫——《CHOIR》。透過具侵略性的線條及張揚色彩，藝術家企圖在受制的環境中，試驗藝術發生的各種可能；也在這人們爭相購入藝術品的場域，創造一件「無法被擁有」的藝術品。

生命有限、無法被擁有的藝術品

傾心藝術，必知Art Basel。這場全球知名的藝術博覽會，版圖跨及瑞士巴塞爾、邁阿密和香港，匯集全球藝術家及藝廊、涵蓋多元流派的創作能量，每年吸引無數買手與藏家前來購藏藝術。在這藝術品買賣不斷發生的場域，Katharina Grosse透過《CHOIR》掀起一場反動——這件作品只存在一週，展會結束便消失，不標價、不販賣，沒有任何人能夠擁有它。

繪畫只能被裱框欣賞？這幅歡迎所有人闖入

從畫布、建築物到城市廣場，都是Katharina Grosse的創作空間。凡是表面，在她眼裡都充滿創作潛力。她以噴繪手法挑戰傳統繪畫的概念，也透過不按牌理出牌的作畫背景，對畫作的「歸屬」提出質疑。

像是她這次為Art Basel創作的《CHOIR》，是一件用工業噴漆繪成、佔據城市廣場的公共藝術，像街頭原生的塗鴉，也像一幅巨大的抽象水彩畫。可畫作該存在於戶外嗎？又該任人踩踏嗎？印象中，明明該被放在美術館裡裱框欣賞？Katharina Grosse嘗試推翻的便是這一道道提問，她將繪畫置於無需預約、任何人都可能經過的公共空間，歡迎所有人參與其中，共演一場「即興表演」。雖說《CHOIR》不能被任何人購藏，但換個角度想，它亦屬於「參與表演」的所有人。

探討人們對控制的執著、衡量藝術品價值的觀點

《CHOIR》僅存在7天的生命週期，背後也蘊藏著Katharina Grosse衡量畫作價值的觀點。普遍來說，長傳於世的畫作會被認為更具價值——若作品能在不斷流逝的時間長河中捱過考驗，時間將為其增值。可Katharina Grosse卻認為，繪畫不一定非要永垂不朽才是強大，對她來說，畫作從不存在到存在、再走向不存在，更能具體體現時間的流逝，這何嘗不是另一種珍貴？

再向內探究，Katharina Grosse也藉《CHOIR》探討著人類對「控制」的執著，以及對「自由」的渴望。她企圖在受制的環境中，試驗藝術發生的各種可能，在這樣的創作概念下，廣場任何地方都是她的畫布——既然如此，Art Basel的標誌被噴了漆又有什麼關係呢？