2019年6月底開展，在日本東京六本木森美術館（MORI ART MUSEUM）亮相的《塩田千春：顫動的靈魂》（塩田千春展：魂がふるえる）展覽，集結25年來，多達近120件精采觸動人心的創作，成為其藝術生涯以來最大規模個展！

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這場吸引上萬藝術迷的展覽，也將於2021年5月1日至10月17日亮相臺北市立美術館！其中包含數件大型裝置，另有雕塑作品、表演作品之影像紀錄、攝影、手稿等。大家也可以對照，塩田千春在日本與台灣，呈現相同作品時，因為空間不同而有不同的布展手法的巧妙之處，領略塩田千春所說「無法被複製的作品」的真實意涵！

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森美術館 7大亮點作品設計概念

近距離觀賞過塩田千春作品的人無不被她那密麻卻又有條不紊的絲線創作所震懾，就像是從哀苦內心中竄出交纏思緒，塩田千春作品總帶著那麼一絲傷感風格，但千絲萬縷中又洋溢著詩意幽微的希望，讓置身其中的人們能感受到無可名狀的靈魂共鳴。裝置藝術、立體雕塑、創作影音、攝影、素描原稿、舞台設計等珍貴紀錄，展覽藉由不同媒材揭示了塩田千春所構築那實虛難辨的美學觀。 這裡將帶大家看看，塩田千春2019年6月，在日本森美術館展覽時的7大亮點作品的設計概念：

代表作1：《我們走向何方？》65艘魅影般的白紗船

身為東京最高的室內美術館，有別於過往每個展間清楚分隔開來，此次想闖進塩田千春的藝術世界，首先迎接的是漂浮在通往森美術館入口處手扶梯上方的白色船隻，挑高11公尺的天花板上，懸吊著65艘以白色紗線纏繞而成的白船，如同作品名稱《我們走向何方？》（どこへ向かって Where Are We Going?, 2017/2019），充滿魅影般氣息的大作，彷彿輕巧地為前來觀賞的你我引路，一同搭著無形的船隻航向塩田千春的藝術國度。

代表作2：紅線網出《不確定的旅程》

充滿不確定性、孤獨漂泊之感，可說是塩田千春代表性的創作語言，而符號除了萬千紗線外，「船」大概是最常見著的意象素材，身為展場內首個示人的裝置藝術作品，《不確定的旅程》（不確かな旅 Uncertain Journey, 2016/2019）以黑船骨搭配紅線交織出美麗震撼的景緻，從天花板綿延至地面，長280公里的紅線網，互相糾結在房間中，在過程中彷彿將彼此牽扯連結於一塊，串連起人與人之間，也串起人與宇宙之間關係，既然交融於一體，不如就一同朝往前路未明的旅程。 

代表作3：新作《離開我的身體》（外在化された身体）

「不存在的存在」是塩田千春多年來探討的課題，創作者在美術館內創造出各種空間，經由不同作品與展示方式讓觀賞者反思，現在、過去和未來。當然，這樣的探討同樣投射在塩田千春自己身上，在接到森美術館邀約後，她被檢測出癌症複發，「在光是活下來就已經耗盡全力的狀態下創作，成了我這次展覽最核心的東西。」，有感於命運可能走向終點，然而人消逝了，那麼存在於他人腦海中的記憶呢？她將病痛的挫折感轉化為藝術能量，整合至創作中，打造出全新作品《離開我的身體》（外在化された身体），她表示在接受治療過程中，感覺身體像是被瓦解般，恍若靈魂都消散，因此她藉由切割開來的身軀銅雕塑，想像一場自己「不存在」的展覽會是如何。

代表作4：黑線與焦黑鋼琴的《寂靜》

除了挖掘自我內心外，塩田千春作品也多來自於切身生活體驗，像是《寂靜》（静けさの中で)便是以9歲時鄰居家發生的火災做為概念，黑線纏繞的空間裡，擺著一台燒得焦黑的鋼琴，靜默力量十足，然而燒過而保存下來的鋼琴，即便殘破卻也證明「存在」著。

代表作5：《時空的反射》（時空の反射）

此外，其餘沉浸式裝置作品還包括了被包覆在立方體中，以鏡像反射而出的洋裝《時空的反射》（時空の反射）。

代表作6：《積累：尋覓終點》（集積―目的地を求めて）

430個以紅線綁住懸掛於空中的行李箱《積累：尋覓終點》（集積―目的地を求めて），其創作靈感來自她在柏林二手市集所購買的行李箱中，發現裡頭藏著一份舊報紙，不禁讓她想起陪著人們到處遊歷的行李箱，都埋藏著怎樣的記憶，所追尋的人生旅途終點又是何處。 

代表作7：《內外》（内と外）

移居德國柏林生活的塩田千春，也將生活體驗融入創作中，在2004年時蒐集廢棄舊窗戶打造出《內外》（内と外），探討空間內外的存在，而此次亮相展覽中的作品，則是使用了230個窗戶呈現。 

當然也有人好奇塩田千春的紗線創作，展覽過後該怎麼辦，事實上多數紗線作品多是現地創作，因此就算作品名稱相同標，但依據不同場域空間，都將有嶄新姿態，如此一次性的概念，恰巧呼應她一直以來「不存在的存在］命題，曾存在於記憶中的美好，現實早已不存在。想感受詩意又躁動的迷夢之境？不如走一趟東京森美術館，看塩田千春如何捕捉各種抽象無形，卻又纏擾生命的心緒與意念。

2021年巡迴北美館

幾乎成為今年日本最熱展覽的《塩田千春展：魂がふるえる》，從開幕至今吸引60萬觀者朝聖，而大受好評的展覽也確定展開全球巡迴，除了首站將移師南韓釜山市立博物館外，更預計在2021年4月在台北市立美術館登場！不過原先2020年展出巡迴計畫因新肺疫情影響，澳洲、印尼接連取消場次，2021年5月亮相北美館已經開展。

塩田千春展：魂がふるえる 

地點：台北市立美術館 

時間：2021年5月1日－2021年10月17日

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via 森美術館

國際影展輪番登場，明星紅毯躍然娛樂版面，比重甚至大過藝術本質——精品品牌為服裝造型等「看得見的藝術」所投入的人力物力自不會少。但在版面之外、大眾視線未及之處，誰又真為藝術傾情？

第82屆威尼斯影展自2025年8月27日開幕至本週末閉幕，為期11天的電影高光時刻受四面八方矚目。每年優秀作品於獎壇上一較高下的同時，各品牌也在紅毯上各獻驚豔之作，與影人共同演繹百變風格。然隨時尚與藝術文化之間愈加深化對話，除經常可見紅毯著裝巧妙呼應劇中造型抑或作品概念，也不乏品牌以自身資源與聲量，進一步從修復經典、贊助新銳等多面向對藝術領域進行挹注——香奈兒無疑是這之中重要而堅實的一大力量，陪伴兼具演員身分的大使及好友華麗登場不在話下，至今承襲香奈兒女士百年前開啟的傳統，攜手影人、影業共同扶持第七藝術發展，多年來創造的豐碩成果細數不盡。因此，本文將始於香奈兒與藝術交相輝映的歷史脈絡，接續整理近期實例揭示電影產業裡的多元參與現況。

1920年與電影結下不解之緣

在世界眾多藝術集散地中，現正匯聚全球目光的威尼斯與香奈兒有何特殊淵源？品牌符碼「獅子」不僅是香奈兒女士的星座，更藏威尼斯城徽「聖馬可飛獅」意象。回溯至一切如日方升的1920年，品牌創辦人嘉柏麗香奈兒（Gabrielle Chanel）在藝術家荷西瑪利亞（José Maria）與米西亞賽特（Misia Sert）夫婦的陪同下，首度探索這座總督之城（City of the Doges）。沒想到，此行成為香奈兒女士日後的靈感泉源，且讓威尼斯深植香奈兒歷史，於諸多創作系列中渲染為底蘊般的存在。

過去數十年間，香奈兒參與服裝創作的電影亦於威尼斯影展多次取得佳績。1961年，亞倫雷奈（Alain Resnais）的法國新浪潮鉅作《去年在馬倫巴》獲金獅獎（後得品牌支持於2018年影展上重映修復版本），主演黛芬賽赫意（Delphine Seyrig）穿著香奈兒女士設計的服裝亮相；1963年，二座金獅獎在身的導演路易馬盧（Louis Malle）執導作品《鬼火》奪評審團特別獎及義大利電影評論獎，演員亞莉珊德拉史都華（Alexandra Stewart）和莉娜史克勒（Léna Skerla）劇中造型同樣包括香奈兒服飾。再至近年，品牌大使蒂妲史雲頓（Tilda Swinton）穿著香奈兒高級訂製服受頒第77屆終身成就金獅獎；影壇新秀安娜瑪麗亞沃特魯梅（Anamaria Vartolomei）則穿著香奈兒操刀的洋裝出演電影《正發生》，而該片最終拿下第78屆金獅獎。

時代更迭，熱情歷久彌新

香奈兒女士 ⇀ 老佛爺 ⇀ 維吉妮維婭，讓時尚透過電影觸及所有女性

香奈兒女士生於電影興起的年代，自職涯早期便因緣際會繫起和這門藝術的深刻連結；電影創作所凝聚的動態感、無畏精神與夢想，更與香奈兒品牌的時尚語彙相互契合。1931年，嘉柏麗香奈兒在美國電影製作人山繆高德溫（Samuel Goldwyn）的邀請下遠赴好萊塢為女演員打造戲服和常服——這段經歷後來化為她創作法片《霧港》造型時的養分，儘管當時觀眾仍較青睞好萊塢式華麗風格，其低調設計並未獲顯著成功。

同自此時起，香奈兒女士以跨領域藝術家「贊助者」之姿揚名，最為人所知的莫過於與她擁有摯友情誼的法國詩人尚考克多（Jean Cocteau），以及當時還是新進、經她向知名導演尚雷諾瓦（Jean Renoir）引薦而逐步打開電影生涯的盧契諾維斯康堤（Luchino Visconti）等。

而後，在時任創意總監卡爾拉格斐（Karl Lagerfeld）和維吉妮維婭（Virginie Viard）接續推動下，香奈兒愈發加大對電影的投入力度，始終與合作藝術家保持長期關係、全程支持其職涯發展，同時積極推動和當代影視從業者的穩定交流，對象涵蓋國際巨星到跨文化的新銳演員及導演。亦透過戲服設計、製作支持乃至電影發行層面的協力，確保每項創作計畫皆能獲得充分的自由與獨立性，絲毫不使資源成為干預藝術的手段；對世界影展、指標性典禮、藝術與文化相關機構不遺餘力的支援，必然是難能可貴的一番美談。以下列舉4個推行中或甫完成的項目。

#01 贊助安德烈巴贊獎

法國電影月刊《電影筆記》（Les Cahiers du Cinéma）於2022年設立的「安德烈巴贊獎（André Bazin Prize）」現由香奈兒贊助舉辦。該獎項旨在表彰當年度於法國獻映首部長片的新興電影人，並提供獲獎者20,000歐元獎金；評審團則由雜誌編輯團隊預選一名電影評論家、一名文化界人士，另邀業內導演、演員和技術人員各一名組成。

#02 攜手名導是枝裕和推Tokyo Lights

秉承嘉柏麗香奈兒的先鋒理念與堅定承諾，香奈兒與品牌好友、國際名導是枝裕和聯手推動「香奈兒與電影 – Tokyo Lights」人才培育企劃，致力扶持日本新生代電影導演。

#03 修復馬賽卡內《霧港》

正值2025年各國新片於影展首映之際，香奈兒轉頭修復嘉柏麗香奈兒短暫與好萊塢片廠合作後，參與的首批法國電影——20世紀法片經典、詩意寫實導演馬賽卡內（Marcel Carné）的1938年電影《霧港》；當時年僅17歲的蜜雪兒摩根（Michèle Morgan）委託香奈兒女士為其角色設計服裝，香奈兒女士即提出以貝蕾帽搭配雨衣、勾勒簡約輪廓的大膽構想。

全計畫由香奈兒贊助的映歐嘉納影業（Studiocanal）和法國電影園（la Cinémathèque française）主導，加上法國國家電影中心的協助，使用1938年的原始電影負片及標準硝酸底片進行修復。

#04 支持雙年展電影學院

雙年展電影學院（Biennale College Cinema）2012年由威尼斯雙年展發起，主要著眼於培育義大利本地及世界各地年輕電影創作者，每年皆為10逾位青年導演的創作計畫提供劇本編寫、發行策略、財務規畫及製作時程等專業指導，可謂影壇明日之星的絕佳鋪墊。2024至2025年度遴選的12項計畫中有4部作品已經完成，並將作為威尼斯影展官方節目的一部分展示，贊助大使即為香奈兒品牌好友、導演暨編劇奧黛麗迪萬（Audrey Diwan）。

當年香奈兒女士對散發著巴洛克浪漫風情的威尼斯一見傾心，如今品牌重返創辦人深愛的城市，與雙年展電影學院展開首次合作，憑滿腔熱情繼續傳承知識、滋養創意能量。

嘉柏麗香奈兒與電影世界邂逅一世紀後，香奈兒仍傾力保存過去、發揚現在、展望未來，這份情意遠超越「贊助換取曝光」範疇，悄然為不可兌現、無以計價的藝術產業繪出令人安心的前景。

聞名世界的英國雕塑家Antony Gormley，擅長利用金屬重現人體結構，傳達「人體是情感的容器」思想——遠看如分解、也似完整的金屬人形，挑戰著人眼、媒材與空間之間的互動關係。

即日起至2025年11月30日，Antony Gormley於韓國Museum SAN帶來大規模個展「Drawing on Space」，展出涵蓋雕塑、沈浸式裝置、素描、版畫等共48件作品，並首次公開與日本建築大師安藤忠雄合作的永久性建築裝置《Ground》，這是首次有藝術機構為收藏Antony Gormley作品而專設空間，極具紀念價值。

山林裡與自然共生的美術館

2013年落成的Museum SAN，隱身於韓國原州一片森林當中，其名取自Space（空間）、Art（藝術）、Nature（自然）的英文字首，讀音呼應韓文中的「山」字，隱喻博物館位處廣袤山林當中，及其致力融合藝術、建築與自然的策展概念。

博物館建築由造紙業起家的韓松集團邀安藤忠雄設計，耗時8年才完成。自高空俯瞰，園區由長方形、三角形、圓形等不同幾何輪廓的量體組成，體現安藤忠雄藉建築連接天、地、人的設計哲學，與其標誌性的清水模搭配，寧謐而富哲思。

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Museum SAN設有紙藝廊、版畫工房、收藏韓國近現代繪畫與雕塑品的青鳥藝廊，及專藏美國藝術家James Turrell作品的同名場館等，場館間由花之庭園、水之庭園與石之庭園細膩串連，另設有兩座安藤忠雄打造的冥想空間，再次扣合SAN藉建築與藝術讓觀者與自然融於一體的理念。這次安藤忠雄為Antony Gormley設計的《Ground》，也延續著這份精神。

建築與雕塑對話的冥想空間

《Ground》位於美術館花園下方，是一座直徑達25公尺的地底穹頂。圓頂頂部設有單一天窗，引自然光入內，呼應著古羅馬萬神殿的建築精神，同時體現安藤忠雄的極簡風格，及Antony Gormley長期以來對「空間感知」的探索。

來到這裡，觀眾會先透過一面全景玻璃牆，欣賞到藝術家建構人體的《Blockworks》系列鑄鐵雕像，它們或坐、或站、或蹲，靜靜佇立於洞窟般的空間中；從圓頂天窗流瀉而下的光線，為觀察雕塑材質、線條動態的體驗更添趣味。再向內走，則更能感知混凝土材質與穹頂織就、帶點神性的氛圍，窗外自然景致也漸漸合流，構築一方沈思秘境。有趣的是，場館外側設有一尊鑄鐵雕像，透過圓頂開口與外部景觀對望，藉其「視線」將穹頂空間與遠方山景串連，別具詩意。

「Drawing on Space」聚焦藝術家對身體感知的長年探索

除了與安藤忠雄合作的建築裝置外，「Drawing on Space」也展出Antony Gormley大量精彩作品。開場聚焦《Liminal Field》系列，其以金屬線條建構通透、輕盈的人形，暗示著身體作為「邊界」的概念，這些雕塑雖與人等高，卻因空心結構流露出一種如泡沫般脆弱的特質，亦隱喻無常。

接著視野從立體轉向平面，第二展廳展出素描及版畫，梳理Antony Gormley對光與暗、實體與虛空、身體與建築等主題的探討。最後以沈浸式裝置《Orbit Field II》收尾，其由相連的鋁製圓環構築而成，輕盈懸浮於空間之中，邀觀者穿梭其中，親身與展品互動，亦體現藝術家一貫的信念：「雕塑的核心不在於物件本身，而在於體感經驗。」

無論是展覽本身或將永久存於美術館的《Ground》，都再度體現了Museum SAN將藝術、建築與自然揉合的概念。Antony Gormley也表示：「這次展覽的核心在於將實體與想像的空間結合，展品的存在是為了『活化空間』，而不是佔據空間，同時探索著身體與建築這兩種感知媒介間的關係。」