最會玩彩色的設計師!法國設計師Emmanuelle Moureaux親揭100種色彩光譜創作秘辛

法國設計師Emmanuelle Moureaux親揭100種色彩光譜創作秘辛

走進24小時不歇息的敦南誠品,這間陪伴台北人20多年的老書店,讓都市深夜擁有一處不寂寞,能夠隨時擁抱書本夜未眠的場域。如今,隨著時間越來越趨近熄燈的日子,就像是為最後時光添上一筆耀眼印記,在人來人往的書店樓梯廊道上,則赫然出現一片彩虹數字海,從成品創立的1989年開始,一直排列至今2019年,穿梭過其中,也像是走入了時光隧道般,串起了過往與現在的記憶!

 

對於設計藝術迷來說,大面積澎湃的彩色裝置創作,自然會很快聯想到旅日法國建築設計師Emmanuelle Moureaux,有如「彩色魔法師」的打造的她,此次受誠品之邀,在敦南誠品最為搶眼也是書迷必定會經過的空間,以其經典代表作為架構,帶來系列新作「100 colors光譜漫遊」,繽紛色彩交疊而出的三維空間,不僅將靜謐的書店氛圍注入活潑氣息,當同時間望著同一空間所佈滿的100種色彩,心情也有如跳躍色彩般充滿歡愉與悸動。然而這位以「色切」設計手法見長,從空間、建築到裝置藝術創作等不同領域,多次用翻玩顏色的設計師,究竟為何如此著迷於100種色彩,東京這座隨時充滿活力的城市,又是如何讓她靈感源源不絕呢?此次La Vie有機會在展覽期間,與Emmanuelle Moureaux暢談其創作理念與幕後故事,揭開醉五顏六色的秘辛!

 

從學生時期開始因為日本文學而深深被這個東方國度所著迷的Emmanuelle,在1996年時終於首度踏上令她嚮往以久的東京,她表示自己造訪東京的第一個地方是池袋,在那個網路還不普遍的時代,池袋的喧囂與時髦讓她第一眼就愛上,「在到東京前,我其實並不對色彩敏感。但池袋卻讓我對漂浮於天空中的顏色印象深刻,那是我首度在東京所見著的顏色,不管是霓虹還是傳統色彩,迎面而來的震撼,彷彿充滿著各種情緒表情,而那些層層堆疊的色彩看起來不是平面的,而是立體的。」如今能夠說著一口流利日語的Emmanuelle解釋道。池袋開啟了她對色彩的想像,因此她也常形容池袋最能象徵「東京色彩」。

 

「色彩」幾乎成了她現今所有作品不可缺少的元素,她認為不同的色彩都擁有不同的概念、氛圍以及情感,舉例來說,在建築空間中色彩往往只是畫龍點睛的效果,而非主角本身,因此她提出「色切」(利用顏色區分空間)概念,玩轉運用日本特有的空間構成方式「仕切り」,透過色彩力量為立體空間塑造出層次感,像是其與團隊操刀的巢鴨信用金庫東京分行「彩虹銀行」即是最佳例子。

 

當我看到東京美麗的色彩時,我希望我的設計能激發人們的感受。

 

用色彩巧思創造出療癒感十足的彩虹空間,此次延續100 colors系列的「光譜漫遊」亦是如此,使用了8000張手工剪裁數字年份紙片,呈現書店30年間時光的流轉。不過要用100種顏色來創作,在編排上是否有難處,為此她表示「當然事前經過不少次的演算與實驗,基本上100 colors的色彩排序是固定的,目前這樣的排列方式正是我們認為在視覺呈現上最為漂亮的效果。」,她繼續補充,「會隨著調整的通常為空間與素材形式,該如何讓觀賞者可以一下就感受被色彩包圍的感受,或者帶有沉浸式的效果,都是得事先考量的。」。

 

至於為何取名為100 colors,Emmanuelle笑說:「100這個數字所代表的是相當正面又親切的數字,加上100也不是多到會讓人數不清,因此在一個空間裡呈現出百種色彩,反而令人能夠快速領略到顏色所帶來的驚喜感」。她也提到,在系列創作中,她皆會藏一個彩蛋,並將之命名為「迷路的孩子」,而此次在敦南誠品的裝置作品,則是融入了「品」字於數字海中,成為隱藏版可愛彩蛋。

曾多次造訪台灣的Emmanuelle,對於台北城市的色彩印象又是如何,她答道:「是充滿綠油油的模樣」,問及是否有意將100 colors系列發展成city colors,她睜大了眼睛笑回:「我真的有這樣想過,希望有朝一日能完成新的系列。」;未來,除了繼續發展100 colors、1000 colors系列外,Emmanuelle仍將在不同領域,不間斷用色彩寫繽紛詩篇!

 

Emmanuelle Moureaux

1971年出生於法國,1996年定居東京,並創立工作室Emmanuelle Moureaux Architecture + Design,將自創「色切」概念導入到設計之中,把建築、空間、家具當作調色盤,為它們穿上彩色外衣表現空間層次感。

 

Text:Ian Liu

via Emmanuelle Moureaux Architecture + Design

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史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡

史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡

史上規模最大的David Hockney登陸巴黎路易威登藝術基金會(Fondation Louis Vuitton),匯聚近70年藝術生涯、超過400件作品,從加州時期以泳池為題的一系列作品,到近年以iPhone與iPad創作的數位繪畫,展現David Hockney對於創作與創新的執著不懈。

史上最大規模的David Hockney特展

這場展覽由David Hockney親自參與策劃展覽敘事與空間配置,並與他的伴侶兼工作夥伴Jean-Pierre Gonçalves de Lima共同構思。展覽除了聚焦其過去25年的創作,也同時回顧David Hockney早期的代表性作品,帶領觀眾走進他多元且持續進化的藝術世界。他表示:「《David Hockney 25》是我有史以來規模最大的展覽,連我現在正在創作的畫作也會展出,我想這一定會非常精彩。」

史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
《David Hockney 25》展覽現場(圖片來源:Fondation Louis Vuitton)

持續帶來創新與驚喜的藝術旅程

自1960年代初嶄露頭角以來,David Hockney一直是英國當代藝術的重要代表。活躍藝壇至今超過六十年,他的創作生涯豐富且多產,無論媒材或技法皆持續創新,從未停下腳步。

史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
David Hockney(圖片來源:Fondation Louis Vuitton)

David Hockney著迷於各種風格的藝術語言,並從自身的觀察、記憶與想像中汲取靈感。《David Hockney 25》首先以1950至1970年代的重要創作揭開序幕,像是1960年代David Hockney移居美國洛杉磯,以當地明媚的陽光、泳池與自由氛圍創作出的《更大的水花》與《藝術家的肖像(泳池與兩個人像)》等作品,以及《我父親的肖像》、雙人肖像系列如《克拉克夫婦與貓》等。

史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
Portrait of an Artist (Pool with Two Figures)(圖片來源:David Hockney)
史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
Christopher Isherwood and Don Bachardy(圖片來源:David Hockney)

1980至1990年代,David Hockney轉而描繪自然景觀,並持續挖掘風景畫的可能性。本展將呈現該時期代表作如《更大的大峽谷》等。

展覽的重點部分,則聚焦David Hockney近25年回到英國,於約克郡、諾曼第與倫敦的創作。在這段時期,他以色彩明亮、視角大膽的自然主題畫作為主,像是描繪春日山楂叢盛開的《五月的白花灌木》,以及巨幅冬景《沃特附近較大的樹》等,都展現了他對季節與光線變化的敏銳觀察。

史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
May Blossom on the Roman Road(圖片來源:David Hockney)

這些畫作後來也成為David Hockney數位創作的基礎。新冠疫情期間,他以iPhone與iPad捕捉春日與重生意象的景色,透過科技筆觸描繪生活的希望,持續為人們帶來充滿驚喜的作品如《220 for 2020》系列。同時,他也持續以iPad和壓克力媒材為親友繪製肖像,並以傳統畫框裝裱數位畫作,產生時空交錯的視覺效果。

史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
Full Bloom, 27th March 2020, No. 1(圖片來源:David Hockney)

來到展覽的尾聲,則將揭曉David Hockney自2023年7月搬至倫敦後的最新作品,其創作過程深受孟克與布萊克等人啟發,畫中結合天文、歷史、地理等元素。除此之外,David Hockney更將在此帶來他最新的自畫像,為這場規模空前的回顧之旅收尾。

史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
After Munch: Less is Known than People Think(圖片來源:David Hockney)
史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
Bigger Trees near Warter or/ou Peinture sur le Motif pour le Nouvel Age Post-Photographique(圖片來源:David Hockney)

David Hockney 25

展覽日期|2025.4.9 - 2025.8.31
展覽地點|Fondation Louis Vuitton

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讓自我如幻夢般流動!Ana Karkar個展《Pipe Dream》登台:以變形女體,挑戰對情色和親密的既定想像

TAO ART推藝術家Ana Karkar台灣首展!《Pipe Dream》以流動女體挑戰對情色和親密的既定想像

台北藝廊TAO ART與巴黎瑪戈畫廊(Galerie Marguo)攜手合作,推出法裔美籍藝術家安娜・卡卡(Ana Karkar)在台灣的首度個展《Pipe Dream》。女體和女性意識,幾乎從未缺席卡卡的繪畫作品中,她們總以彷彿在「變形」中的姿態面世,情緒張力飽滿,洋溢持續蛻變、解放與創造的生命力,帶觀者墜入鴉片幻覺般的夢境,穿越現實與幻想的邊界。

TAO ART推藝術家Ana Karkar台灣首展!《Pipe Dream》以流動女體挑戰對情色和親密的既定想像
(圖片提供:TAO ART)
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(圖片提供:TAO ART)

狂想般的視覺語言,包裹對「自我」的見解

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(圖片提供:TAO ART)

在卡卡的藝術宇宙裡,身體是承載慾望、私密記憶與心靈轉化的容器,神聖又脆弱,蘊含著人類存在的神秘想像。她透過畫作揭開一場深層的心靈召喚,引領觀者在幻象與現實之間,重新凝視身體與存在的關係,想像蛻變的可能。

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(圖片提供:TAO ART)

《Pipe Dream》探索女性形態與意識的流動

此次個展《Pipe Dream》展出的最新作品,持續探索女性形態與意識的流動性。如〈Emergence畫中濃綠與青藍色調,喚起水與生命誕生的意象,與火的元素形成對比,象徵重生與轉化的力量。畫中的赤裸女體形象,神秘而無法被定義;她內心彷彿燃燒著渴望,只為蛻變成那最真實、最自由的自己。

TAO ART推藝術家Ana Karkar台灣首展!《Pipe Dream》以流動女體挑戰對情色和親密的既定想像
(圖片提供:TAO ART)

另一邊,〈Scales畫中女人的臉龐被飄逸頭髮所環繞,形態如火焰、煙霧或盤旋的蛇,白與紫的色彩對比空靈而神秘,營造近乎神話般的場景。

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(圖片提供:TAO ART)

藝術風格受維也納分離派、實驗電影啟發

卡卡的創作深受維也納分離派的影響,也受到地下電影與實驗電影的啟發。她筆下的裸體畫作中,糾纏扭曲的身體構成一場如死亡之舞般的景象,強烈筆觸令人聯想到埃貢·席勒(Egon Schiele);激情而自由的氛圍、裝飾性與感官性兼具的視覺語彙,則呼應了克林姆(Gustav Klimt)的《吻》。畫中的敘事風格靈感來自多位導演,從寺山修司、布萊恩·狄帕瑪(Brian De Palma)到達利歐·阿基多(Dario Argento),以及眾多當代攝影師與她私人收藏的情慾圖像。

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(圖片提供:TAO ART)

不論是技術上的探索還是角色的奔放張狂,都讓卡卡的繪畫像是一種「解放性的表達行動」,延續了舊金山迷幻藝術對維也納分離派的再詮釋。這樣鮮明的個人風格,根植於卡卡的生活背景,她出生並成長於舊金山,從舊金山藝術學院、巴黎索邦大學、巴黎國立高等美術學院畢業後,曾進入Louis Vuitton總部工作,於影像製作和數位媒體部門任職7年,現定居於巴黎。舊金山與巴黎的人文風貌、科班出身及工作經歷,皆深深影響她的創作。

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(圖片提供:TAO ART)

在畫中創造「心裡空間」

瑪戈畫廊共同創辦人Vanessa Guo認為,「卡卡畫的不是單純的身體,而是一種不斷變化的狀態——她的每一幅畫都像是一場關於慾望、轉變,還有被看見時那種既興奮又不安的夢。她用一種流動的女性視角,創造了一個心理空間,在那裡,身體不再是固定的,而是不斷變化、彼此交織,充滿了慾望、神話和記憶的張力。」

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(圖片提供:TAO ART)

Ana Karkar台灣首展《Pipe Dream

展期|2025.05.0707.12

開放時間|週二至週六 11:0019:00

地點|TAO ART(台北市內湖區洲子街79-18樓)