在聊音樂以外的事情之前，先用一點篇幅，介紹這位備受矚目的創意新銳。從小就對藝術、設計感興趣的他，國中時立志成為理髮師，卻被大人勸退。高中畢業後，他不願繼續依循社會期待，原就讀建中理科班的他，決心朝自己真正感興趣的領域發展。「我那時候覺得，設計領域正好處於商業與藝術之間，是個很好的平衡，所以決定就讀輔仁大學應用美術系。」顏伯駿回憶。

叛逆靈魂　在音樂中獲得認同

顏伯駿的設計路就這麼開始了。從小就是問題兒童，總愛問老師「為什麼？」更因為問題太多，被所有補習班「退貨」的顏伯駿，反而因勇於嘗試、充滿好奇心的特質，在設計領域發光發熱。早從大學開始，他便一邊讀書，一邊拍MV、做動畫，畢業後也曾擔任大型活動視覺統籌、嘗試過各種不同的設計提案。某次幫五月天演唱會製作背景動畫後，更讓相信音樂看見他的創作實力，邀請顏伯駿設計梁靜茹再版專輯，從此開啟多年唱片設計生涯，替蔡依林、林俊傑、蔡健雅、王若琳、蕭敬騰等大牌歌手操刀唱片封面。

「我從小學四、五年級時開始接觸流行音樂，那時候很多人會跟我說，哪些事情是不好的或不被允許的，但是我卻能在音樂中，找到很多的愛與包容，發現原來世界上存在各種模樣，有些暗黑金屬、有些自溺文青、有些時尚流行，每種價值觀背後都有一條思考脈絡。這對小時候的我來說，是很衝擊的。」說話一向開朗幽默的顏伯駿，說到這裡時難得感性，「因為我的叛逆、身分認同都在音樂裡獲得包容，所以我很喜歡音樂。也因為我本來就是重度樂迷，做起唱片設計特別得心應手，所以過去6、7年都專注在這個領域。」　

溝通不同領域　打造混種創意

然而，即便在自己喜愛的領域中，創作時仍不免遇到卡關時刻。卡關的原因，不是因為做不出成品，而是成品無法成為自己滿意的「作品」。「我在做唱片設計時常常發現，設計師往往只能負責美化既有素材，但是有時照片素材不符合我的需求，就無法做出滿意的成品。」顏伯駿說道，「為了拿到想要的素材，我主動要求進入攝影棚，後來甚至直接跟道具組溝通。當時只是想把作品做好，沒想到別人跟我說，我在做的事情叫作『美術統籌』。後來我發現，不同於多數設計師喜歡獨立工作，我反而更喜歡跟人相處，也擅長在不同創意領域間，負責溝通、整合、協調。」

這種擅於整合的能力，在操刀金曲視覺時一覽無遺。2017年，在金曲製作人陳鎮川邀請下，顏伯駿成為28屆金曲獎形象視覺統籌。他以結合造型與攝影的形式創作概念視覺系列，不僅成功吸引大眾關注，更一舉奪得德國紅點設計獎（Red Dot Design Award）、金點設計獎兩大設計獎項。在此之後，他更連續操刀2018、2019年金曲視覺。總是擁有天馬行空鬼點子、反應奇快、聯想力強大的他，不希望做重複的事，藉由年年不同的設計手法，結合影片或動畫，帶給金曲觀眾無限驚奇。

音樂之外　未來十年的品牌重塑

充滿創意火花的金曲視覺，得到廣大迴響是意料中事；意料之外的是，操刀金曲的經驗，也讓顏伯駿專注唱片的設計路，有了精彩超展開。「參與金曲設計時，我第一次感受到，當我有想法，想跟所處的環境溝通時，其實環境會回應我。」顏伯駿神色認真地說道，「我不喜歡講愛台灣，因為我覺得這種說法很陳腔濫調。畢竟愛台灣不只是說說而已，而是要有具體方法，必須透過作品或行動，表現自己對事務的關心。而我開始關心唱片設計以外的事情之後，發現原來自己可以用設計師的角度，參與不同的文化現象，像是跟金曲合作了解產業面向，之後幫美感細胞_教科書再造計劃設計聯絡簿，關心教育領域。這些事情都可以賦予台灣新的模樣。」

如果說音樂是一切的起點，那麼金曲設計，正標示著顏伯駿開始邁向下一個十年。「有人說，每隔一段時間就要幫自己Rebranding（品牌重塑）一次，重新審視自己的狀況、確認下一步要往哪走，以及實際上該怎麼做。」顏伯駿這麼說道。而在金曲之後，顏伯駿這個品牌，也將從狹義的設計師，擴大為擁抱更多可能的創意人，「相較之前自己專注做設計，我希望未來十年，可以組成團隊、跟不同團體合作、參與更大型的活動，像是我們也正在接觸運動產業、道路標誌重整、地方慶典規畫等。」

和團隊一起走　無邊界的創意路

為了更大的理想藍圖，從前年開始，顏伯駿工作室也從兩位設計師的微型小組，擴大成七人創意團隊。過去顏伯駿擅長建立自己的設計SOP，現在則必須為團隊尋找出共同的創作節奏。「其實我自己的工作跟生活是完全疊合的。對我來說，什麼都是工作，也什麼都是遊戲。但是員工必須有上、下班時間，所以有了團隊之後，我必須摸索出團隊的工作模式。另外，我很討厭傳統、制式的上下階層，想要營造有活力的團隊氣氛，但這比想像中難得多。畢竟每個人所處的人生階段不同，可以分享的內容會隨著年紀不同而有差異。所以我必須帶領內部團隊，讓他們願意去表現，團隊氛圍才有可能熱絡起來。」顏伯駿笑道，「過去我完全不懂管理，最近開始會讀《商業周刊》跟《經理人》了！」

乍看之下很不「設計人」的閱讀清單，卻象徵了顏伯駿新的開始。如果說唱片設計師、金曲形象操盤手是顏伯駿過去的標籤，未來十年，他將會帶著更大的團隊、參與更多元的事務、擁有難以想像的身分。未來的顏伯駿，將是無邊界的創意人。

顏伯駿 Profile

實踐大學媒體傳達設計學系碩士、三頁文設計公司Yendesign藝術總監。曾擔任2017與2018金曲獎、2017金漫獎、2012與2014台北國際藝術博覽會、台北市立美術館李小鏡回顧展等大型活動視覺統籌。重視將溝通視為實踐的基礎，讓視覺展現多層次的對話。

文字／郭慧

攝影／張藝霖

更多完整內容請見《La Vie》2019年8月號

當運動遇上動態影像，皆以「動」為特質的兩者理當契合自如？操刀2020東京奧運競賽圖標動態設計的日本動態設計師井口皓太，道出用動態影像呈現運動主題的挑戰——正因為運動已是動態，怎麼用動態再創新意實為考驗。

2020東京奧運，井口皓太以競賽圖標的動態設計和閉幕式的球體無人機燈光秀演出漂亮的一役。在那之後，他陸續經手了諸多運動品牌、賽事的商業設計。串連起運動和動態設計兩者的關鍵字為何？井口皓太的回答是：「兩者都在追求極致。」

以動態設計呈現身體張力

長年與NIKE合作的他，對於運動品牌的設計、概念策劃並不陌生。但在擔綱了東京奧運競賽圖標的動態設計後，再次認識到「運動」和「動態設計」兩者之間高度的契合。此外，在做奧運競賽圖標動態設計時，他翻閱大量相關參考資料，對於運動選手們在挑戰肉體極限下所展現的優美姿態留下深刻印象。也因此在近年多數的作品中，他更特別意識著如何在其中表現身體力度。

他替日本籃球協會（JBA）所設計的系列視覺作品「JBA Beyond for FIBA 2023」便是十分貼切的案例。配合著打擊樂，日本籃球國手的定格剪影在一個個節拍下加疊成逐格動畫，加上同時出現在畫面上「強大的自信」、「壓力越大越過癮/對手越強越好」等令人熱血沸騰的標語，在短短15秒的廣告內，呈現簡潔卻充滿力道的視覺效果。

井口皓太說明，在著手動態廣告之前，先進行了平面海報的拍攝。看著收到的海報草案時，他決定延續海報中捕捉動態瞬間的意圖，便以底片顯影的概念再現了選手移動的每個瞬間，營造出剎那的臨場感。而與之對比的是上方充滿躍動感的文字，時而呈現汗水的揮灑，時而詮釋高速移動下的空氣流動。文字、影像與音樂合而為一，精準傳達了運動場上的緊張與激昂情。

不被囚禁於螢幕，整個空間都是動態設計體驗

然而井口皓太也強調，從事運動廣告設計時，聚焦於競技固然重要，但也必須考量到與周邊圖像素材間的平衡。「為了不要破壞設計的視覺呈現，解讀 圖像本身既有的『時間』與『空間』維度也十分重要。」

如經手2023年底在銀座甫開幕的NIKE概念店「NIKE GINZA」整體設計時，井口皓太首先碰到的難題便是如何轉化「銀座」的古典形象。他說明，由於作為主視覺的「銀座」兩字是非常傳統的日文漢字字體，品牌方最初擔心是否難以在文字設計上賦予運動的動態要素。

面對此一挑戰，井口皓太提案將「座」一字中的「人」抽出，任其在畫面上高速奔跑、自由變形，藉此在畫面中帶入空間維度與動態力度。在這檔設計案中，他不只負責主視覺設計概念，更參與店內、車站電子螢幕的陳設規劃。他強調，作為動態設計師，重要的是必須意識到影像動畫的播放方式和地點。並不只是在影像螢幕 的框架內思考，而必須將路過的行人、停下腳步觀看的觀眾加入作品整體的一環著手構思。

在日本首間喬丹品牌旗艦店「World of Flight Tokyo Shibuya」中，正完整體現了他對於空間營造的巧思。店面入口通往商場長達25公尺的長廊內，搭設了整面的電子螢幕。慢動作運球、上籃的選手剪影帶有些許「霧裡看花」之感，但在大面積色塊的渲染與聲光效果加乘之下，一步步推漲了人們進入店面前的期待感。

井口皓太說明，美國波特蘭的品牌方希望在設計中加入日本的元素，於是他以和式紙門為核心概念，用半透明的濾鏡進行拍攝，並以燈光營造出朦朧的光影之美。

運動設計是向選手致敬的過程

運動和動態設計兩者乍看之下十分契合，但井口皓太認為正好相反。「動態設計的有趣之處在於『讓靜止的東西動起來』，也可以說是『讓看起來不會動的東西動起來』，進而從中創造驚奇與發現。但因為運動是動態的行為，人們反而會先入為主地想要捕捉其靜止的瞬間。」但他也強調，該如何突破此一固有觀念，替觀眾帶來新的體驗，正是設計師的職責所在。

問及是否有其他曾留下深刻印象的運動設計，井口皓太介紹了已故設計師野田凪2001年的「NIKE Swim Campaign」系列作品。「雖然是靜止的圖像，但透過水面折射放大了模特兒的身體呈現，這樣的詮釋方式直到現在都還深深烙印在我腦海裡。」此外，NIKE在2010年為世界盃足球賽製作的影像廣告「Write the Future」也是他會定期觀看的作品之一。他說這部影片「不論是劇情轉折、笑點、快慢適中的剪輯與音樂選用，都堪稱十分完美。」

其實井口皓太到高中為止都是一名棒球少年，他說，作為一名捕手，捕捉眼前所有動態現象的觀察能力、由靜轉動的力學知識等，都對日後的設計工作產生許多幫助。在組織設計團隊CEKAI時、從事設計總監工作時，也不時會回想起過往在球隊的團隊合作生活。

「為了追求完美表現，運動選手們將身體機能發揮到極致，這點其實與設計工作相同。為了追求美學的巔峰，設計師得去計較每一釐米、調整每一個畫格的差異，反覆碰壁之下才終於找出最佳解答。因此，我想『運動是為了什麼而存在？又是為了什麼而需要追求極致？』這個提問，也可以從設計師們身上得到解答。」他說，自己有幸從事運動相關設計，也是在時時提醒著自己必須勤奮不懈地面對自身工作，才能毫無愧疚地透過創意為選手致上敬意。

井口皓太（Kota Iguchi）

動態設計師、創意總監。1984年生，以紐約、東京兩地為據點從事設計活動。擔任總監的大型戶外裸視3D廣告「NIKE Air Max Day 2022」獲得高度討論與關注，亦以東京奧運競賽圖標的動態設計師而為人所知。聚焦於動態設計領域，作品獲得國內外多數獎項肯定。

^{文｜廖怡鈞
圖片提供｜井口皓太}

更多精彩內容請見 La Vie 2024/7月號《運動的設計進行式》

Apple為最新力作iPad Pro推出的廣告影片〈Crush!〉，在歐美世界引發巨大爭議，許多知名演員、導演、作家等藝文界人士轉發庫克（Tim Cook）推文大力批評，不少Apple的科技同業也給出負面評價；最後，Apple發出道歉聲明：「很抱歉，我們的廣告並沒有達到預期的目標。」究竟這短短一分多鐘的影片為何引戰，甚至被認為是科技吞噬創意的縮影？

史上最強也最薄的iPad誕生

讓我們把時間倒轉回5月7日。當天Apple在倫敦近年最火紅的地標——巴特西發電站（Battersea Power Station），舉辦了創立以來第一場英國發表會，會上最大焦點非iPad Pro莫屬，它除了有超薄的5.1mm機身，更搭載全新M4晶片讓創作者能與AI高效協作。新品引人讚嘆的同時，Apple同天發布的新廣告〈Crush!｜iPad Pro〉卻引爆網路社群上的噓聲。

巨大液壓機粉碎創作工具

長約一分鐘的〈Crush!〉，襯著愜意樂曲，上演一台巨大液壓機將樂器、油漆罐、老式遊戲機檯、雕塑、模特人檯、數位相機……通通壓碎的情景，等到機器再次升起時，一臺iPad Pro現身，旁白說道：「史上最強大的iPad，同時也是最薄的。」（The most powerful iPad ever is also the thinnest.）

如果看過Apple以往的廣告，會明白詼諧、幽默是其中鮮明的個性，但〈Crush!〉的寫意在許多人眼裡卻是種殘忍，彷彿宣告著人類的創意、以及成就這些創意的生產工具（如油漆、樂器等），都將被機器與科技摧毀後取代。

觀眾怎麼說？

看過這則廣告的英國知名演員休葛蘭（Hugh Grant）說：「人類經驗（human experience）的毀滅，感謝矽谷。」；曾執導Amy Winehouse傳記電影《Amy》（2015）的知名紀錄片導演Asif Kapadia，則表示自己喜歡iPad，但不懂為何有人認為這影片是個好點子，「它誠實地暗喻了科技公司對藝術家、音樂家、作家、製片人們做的事：擠壓、利用他們，卻不給合理的報酬，奪走一切然後說這一切都是由自己創造的。」

把視線望向Apple在矽谷的「盟軍」，也就是Asif Kapadia口中的科技界人士，幾位有影響力的公司高層也跳出來批評，像是Airbnb、Reddit、Dropbox等知名公司幕後資助者Y Combinator創辦人Paul Graham就寫下：「賈伯斯（Steve Jobs）絕對不會發布這支廣告。」暗諷品牌現任掌舵者。

問題出在哪？時代背景、廣告策略或Apple的身份？

在影音爆炸、甚至是氾濫的年代，社群河道上不乏科技取代人腦的惡趣味內容，為什麼〈Crush!〉觸怒那麼多人？身在人類有史以來最接近科技奇點的社會，在人工智慧（AI）有可能取代人力與人腦的文明轉捩點，〈Crush!〉在部分觀眾眼裡形成一股惡意——畫面中那台液壓機粉碎的不只工具，更是人類的創意與靈魂，而這些都將被科技機器取代；更何況發布這則廣告的是Apple，當今全世界科技界的龍頭之一。

不過，Apple為〈Crush!〉設定的廣告策略，真的含有惡的成分嗎？每則故事在每個人眼裡會看出不同寓意，而《Business Insider》資深科技與文化線記者Katie Notopoulos在一片罵聲之中，提出了有意思的觀點。她肯定觀眾對大公司廣告提出批判的閱聽意識，卻也直言：「這則廣告的目的很明顯是要炫耀新的iPad非常薄，還可以把一大堆應用程式打包在裡頭。」

看到這裡，我們不妨換個角度看〈Crush!〉——那些被液壓機粉碎的物件與工具（視覺上）確實被摧毀，但「毀滅」後卻也獲得了「新生」，並融入iPad之中，就如Katie Notopoulos所寫：「iPad不是要取代鋼琴，它是一台擁有GarageBand（音樂創作軟體）的平板電腦；也沒要取代繪畫，而是擁有平面設計App的工具。」

換句話說，iPad讓樂器、畫筆等創作工具換了個形式，被裝入一個更輕便的載體；而〈Crush!〉想表達iPad提供了有別於傳統的創作選擇，並透過科技的力量將數種工具的功能打包於超薄機身，目的是讓創作更有效率，而非消滅既有的工具。

只可惜，「這支廣告概念本身太無聊、也太淺顯。」Katie Notopoulos認為Apple這次傳達故事的手法太過「簡單暴力」，導致本意模糊，才是觸動藝文界人士神經的根本原因。另外也有網友表示，這支廣告直接得罪（offend）了iPad一大批核心用戶——這番話並不無道理，畢竟許多設計師、插畫家、藝術家、音樂人等，都以iPad作為第二（電腦以外）、甚至是主要的創作工具。

Apple這麼說

那Apple想透過〈Crush!〉傳達的訊息究竟是什麼？說來有點諷刺，我們可以從官方道歉聲明中知道：「創造力是Apple的DNA，我們設計的產品能為全世界的創作者賦能，對我們來說非常重要。我們的目標始終是讓使用者能透過各種方式表達自己，並透過iPad將想法化為現實。很抱歉，廣告並沒有達到預期的目標。」

爭議背後躁動的焦慮——我們真的會被機器取代嗎？

〈Crush!〉反射出科技與藝術、音樂、設計等創意領域的矛盾關係，甚至是機器與人類的對立，背後躁動的是人類擔心被機器替代的焦慮。近年許多爭議都是因此而起，在ChatGPT能快速整理資料、寫短文；midjourney能算出極其精緻的圖像；以及各種AI工具盛行的時代，引發各界工作模式的轉變，比如設計與藝術競賽順應時勢將AI作品納入評選，同時評估判斷人類、AI創作的標準；各領域工作者重新思考創作的意義，並試圖找尋與科技協作的方法。

未來AI會發展到何種境界，可以預見但難以斷言，〈Crush!〉爭議給了我們反思與科技之間依存關係的機會，也意外揭露了許多人仍用力擁抱人類思維的詩意、手工創作的價值，這是AI難以取代的（至少目前如此）。

最後，來看導演Reza Sixo Safai在X上分享的〈Crush!〉改編版本，他將腳本的情節順序調換，讓液壓機壓碎iPad Pro後，化為樂器、雕塑、遊戲機、顏料等創作工具；還特別把背景音樂換成Sonny & Cher在1965年發表的歌曲〈I Got You Babe〉，其中意涵不妨配著歌詞細細品味。

不抱著偏見與預設立場第一次看〈Crush!〉、看過評論家的觀點後回看，再看Reza Sixo Safai的改編版本，想必會有不同的感觸與想法。面對科技融入工作與生活，每個人有各自的操作守則，期待我們都能找到屬於自己的準則。

資料來源｜Business Insider、Variety、CNN