對於嘉義的印象，是否還停留在阿里山和火雞肉飯？現在的嘉義，除了這兩大吸引力，還多了一份設計氛圍。今天就跟著La Vie編輯來一趟嘉義輕設計旅行。

沒有令人緊張的大馬路，人口近30萬的嘉義市，非常適合騎腳踏車在小巷中探險。在50年老店─呆獅火雞肉飯飽餐一頓後，前往下一個目的地──「霜空咖啡」。

窄小的入口往內走，推開木頭門，眼前豁然開朗。店內簡潔的空間配上歷史感的木製櫥櫃，角落的花器與咖啡器皿手感溫潤。走訪霜空咖啡，彷彿來到日本，能夠深刻感受將設計藏於細節處的用心。

霜空咖啡

地址：嘉義市西區國華街132號

距離霜空咖啡十分鐘路程，一條有「美街」之稱的街道─成仁街。清朝時許多藝術家、詩人居住於此，裱褙店、雕刻店陸續開設，而有此稱號。在美街紅磚道上許多特色小店，為揉雜著居民、不慌不忙的成仁街，增添了新的氣象。

從遠處就能看見的灰色建築，低調簡約卻讓人難以忽視，這是我們今天第二站─木更Mugeneration 咖啡。木更店內收藏了來自歐美、日本的老物件，從燈具到座椅，主理人將自己的收藏，與光臨木更的客人分享，「該如何在生活中傳達設計的概念呢？唯有自己體驗，才會知道設計的好與帶給生活的不一樣。」。

木更Mugeneration 

地址：嘉義市東區成仁街189號

傍晚時分，來到嘉義第一波生活風格小店的始祖「山茶花與鹿」。主理人AWA先是創立了「日安！阿哩嘎荳」，雖然歷經了遷址與改名，但仍保有小巧溫暖的空間、高水準的甜點。本身做視覺設計的主理人AWA表示，山茶花與鹿的女性溫柔風格陳列以及小物選品、服飾配件，是開啟嘉義女孩們踏入美感生活的第一步。

山茶花與鹿

地址：嘉義市東區成仁街226號

這天即將住宿的是嘉義里亞行旅，里亞有著白色的建築外觀，在南部熱情的太陽下顯得清爽。寬敞挑高的大廳空間，置中擺放的大型休憩沙發，讓等待也能是一種享受。木質色調、薄荷綠的圓凳沙發，以灰色加以妝點，進一步仔細欣賞，大廳地板所用的是獨特六角形狀瓷磚：柏拉圖六角瓷磚，透出台灣風情的復古感，柔和的色彩，讓整體空間設計一氣呵成。里亞行旅跳脫一般飯店帶給人的沈重與嚴肅，以活潑、輕快的主調，開啟旅行者的好心情。

薄荷綠的圓凳沙發活潑可愛

大廳以黑與白搭配 展現簡潔純粹美學

電梯牆以溫暖木紋呈現 歡迎旅客回家

客房空間設計上維持柔和色系，帶黃光的燈具，入夜後使人感到放鬆，相信這天一定會有個好眠。

一夜好眠之後，第二天在旅店餐廳悠閒享用早餐。里亞行旅餐廳沿襲大廳的木質mix灰色調，加入的桃紅色座位讓空間整個跳了起來。刻意裸露的天花板管線──粗獷的工業風格，則用地面天然岩石風貌的板岩瓷磚來平衡。

「除了美感，實用性才是設計的價值所在。」里亞行旅與La Vie分享，餐廳的設計首重旅客的用餐安全，因此地面設計非常關鍵。特別選用柏拉圖板岩第4代，獨特的耐磨粒子，具有疏水疏油的特性，加上磚體表面磨擦阻力設計，為防滑加分，而天然的岩石風貌，也讓餐廳空間更加大器。

天然風貌的板岩安全、洗鍊

里亞行旅

地址：嘉義市西區永和街100號

跟旅店說拜拜，出門前往令人期待的選品店Hunter Goods & Co.。位於北榮街轉角的這棟建物，有著新藝術風格與植栽的迷人陳設。一樓是弓箭手咖啡店，沿著樓梯往上走即是選品店Hunter Goods & Co.。

這棟建物原本嘉義老字號的繡學號店，弓箭手和Hunter Goods & Co.的主理人一同承租後打通空間，將原有的鐵窗、毛玻璃拆掉，以大片玻璃取代，讓陽光直接透進室內。裝潢在保留老屋的原始特色下，加入適度的新意，像是在白牆上貼上紅色膠帶，讓空間chic了起來。

Hunter Goods & Co.

地址：嘉義市西區北榮街191號

嘉義輕設計之旅的最後一站，我們來到位於中山路的花磚博物館。

創立於2016年，這裡是台灣唯一的花磚博物館，進入這個空間，彷彿踏入時光走廊，各式花磚帶你一覽不同時代背景的故事。歐洲人常用花磚裝飾浴室，台灣則用花磚裝飾屋牆。日治時期，花磚被引入台灣，深受當時大戶人家喜愛，是當時的豪宅裝飾品。館內超過1600片花磚的收藏、20多件花磚傢俱，二樓則以教育性展覽「花磚的應用」為主，豐富的收藏相當精彩，絕對是喜歡設計的你不可錯過的行家景點。

經過這一趟旅行，才知道原來所謂「磚」有這麼特殊的歷史，花磚博物館和旅店的瓷磚，都為這趟旅行增添小知識，也是意外的驚喜收穫，之後帶著滿滿的回憶準備回去溫暖的家！

花磚博物館

地址：嘉義市西區林森西路282號

柏拉圖瓷磚亮點

六角磚

獨特六角形狀瓷磚，灰色系耐看又耐髒。抗污特性讓清潔更省力，貼心耐磨防滑設計，十分適合飯店大廳使用。

木紋磚

電梯牆是旅客每天經過之處，雖然停留短暫也是營造飯店形象很重要的一環。使用木紋磚傳遞溫暖、自然的氛圍，此外，木紋的百搭性格，無論是大廳白牆、黑色窗框等都能完美融合。

板岩第4代

獨特耐磨粒子，具有疏水疏油的特性，加上磚體表面磨擦阻力設計，安全防滑。板岩的天然岩石風貌，大器美觀，很適合餐廳設計。抗污漬、耐酸鹼、易於服務人員清潔與保養。

文字/ Diana Lo、彭姿敏、Clair Chen

攝影/黑王、Diana Lo

台北中山區向來是適合散策的街區之一，巷弄裡咖啡館、選物店與小型藝文空間交錯，總是能輕易讓人在不經意的轉角間找到屬於自己的療癒小角落。

在節奏快速的城市裡，替自己在休息日裡安排一趟出走，有時只是放慢腳步走逛、漫無目的地在城市穿梭，卻總能讓心情在日常風景裡重新變得柔軟。來自韓國首爾的文創選物品牌 object 去年進駐台北後，於中山開設的 object taipei store，正是一處適合在休日慢慢逛、慢慢挑選的小店，集結多位韓國人氣插畫創作者與角色小物，讓獨處的每個靈魂都能被溫柔陪伴。

當創作者與日常生活相遇

創立於 2013 年的 object，長年致力於打造讓創作者被看見的平台。透過策展式選品、內容製作與展覽企劃，object 在韓國文創圈建立起獨特的文化定位，透過使用、搭配與再創作，參與作品的延伸，並逐漸形成一種「消費者共創」的創作生態。

2025 年 object 首度在台北設立常設據點，除了展示多位韓國創作者的作品，也讓台灣觀眾能第一時間接觸韓國文創潮流。店內空間明亮而簡潔，從角色吊飾、布織配件到生活小物，每一件作品都像是一段小小故事。object 相信，每件設計都是創作者投注心力的成果，而當人們在選購與使用的過程中理解這些創作背景，日常物件便不只是商品，而是與創作者建立連結的媒介。

用不同的 IP 角色陪伴你的休息日

走進 object taipei store（中山），像是在閱讀不同創作者的情緒日記，眾多韓國創作品牌中，最具人氣的熱賣商品NO FACE，讓消費者以各自的想像力，構築出獨特的角色宇宙；崔高興娃娃、Naive Garden吊飾及hozumi娃娃吊飾，則以不同角色為媒介，回應與陪伴日常生活片刻。挑選適合自己的娃娃小物，逐漸成為現代人表達生活情感的鏡像，過程也是一種獨處安靜而溫柔的儀式。

pyobyobyo 的靈感來自海邊散步時聽見的海浪聲，「표뵤뵤」這個輕盈的擬聲詞，成為品牌名稱，也象徵創作者希望保留那一瞬間的平靜感，品牌的創作核心圍繞「外出」與「生活重量」，希望人們在日復一日的通勤與移動之中，也能像散步般輕鬆。

在製作方式上，pyobyobyo 多以手工製作為主，從設計、製作到完成，創作者能親自參與每一個細節；在這樣的創作脈絡之下，pyobyobyo最讓人熟知的商品NO FACE 誕生了！不指向任何特定情緒、身份或表情，而是刻意保留空白，NO FACE 是一個沒有五官的角色，讓觀看的人可以投射自己的狀態與心情。透過不同的 wappen、配件與商品形式，每個人都能打造屬於自己的 NO FACE，成為一個可以被自由理解、自由使用的存在，也能自然地融入每個創作者的生活，成為安靜的陪伴。

相較之下，崔高興則以更直接的方式回應情緒。品牌名稱源自韓文「苦心」，創作者將煩惱與思考轉化為帶著幽默感的插畫語言。角色們表情簡單、動作直率，搭配看似直白卻一語道破的文字，像是在替人把心裡的 OS 說出來。那些不一定勵志、卻非常真實的句子，正因貼近生活而令人會心一笑。店內的小動物吊飾同樣可以自由搭配布章與文字，讓每個人依照當下的心情拼貼出屬於自己的角色。

Naive Garden 由兩位韓國創作者共同成立，品牌從生活觀察與好奇心出發，創造出一系列奇想角色。在這個世界裡，沒有嚴肅規則：章魚燒可以變成奇異鳥，甜甜圈與鴨嘴獸也能同時出現在吊飾上。看似荒誕的組合，卻因為精細的手作質感與幽默設計而顯得格外療癒。其中引發社群討論的「章魚燒奇異鳥吊飾」，更成為不少收藏者必收的小物。

hozumi 的創作則回到更日常的情感。品牌名稱源自韓文「口袋」，象徵那些被隨身攜帶的小東西——或許不大，卻總是陪伴著人。由插畫家與布料設計師共同創立的 hozumi，將角色插畫與布料工藝結合，創造出柔軟而溫暖的作品。品牌代表角色 Sayho 沒有過於鮮明的設定，而是保留模糊空間，讓使用者在長時間的陪伴中慢慢賦予它意義。可自由搭配布章的娃娃吊飾，也讓每件作品都能延伸出不同故事。

在城市裡找到一段屬於自己的慢時間

在 object Taipei store，挑選一件小物往往不只是購物，而是一段慢慢觀察與感受生活的過程，當人們在角色之間猶豫、在吊飾與布章之間搭配時，也在思考自己當下的心情與生活節奏。未來 object 將持續與韓國、台灣創作者合作，showroom店也將跟著當期創作者內容進行快閃，不同文化與創作語言的碰撞，讓一間選物店更像是一個持續生成靈感的小型創作場域。

或許，一個人的休日並不需要太多計畫——在巷弄裡散步，隨意走進一間充滿角色與故事的小店，為自己挑選一個剛好能陪伴當下心情的小物，那樣獨處的午後，就已足夠療癒身心。

位於阿里山森林遊樂區的「森記・事 Forest Era｜林業故事館」與「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」兩處主題展館正式啟用，原「臺灣一葉蘭生態故事館」與「阿里山山椒魚故事館」歷經10年常設展退場後，透過全新策展內容與展示設計，從林業歷史、山林文化到文學藝術，帶領遊客重新認識阿里山在人與自然關係中的多重面貌。

歷經兩年規劃的「森記・事 Forest Era｜林業故事館」與「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」，由農業部林業及自然保育署嘉義分署委託宜東文化創意有限公司攜手工二建築團隊擔任主創設計。本次展示空間的更新核心思考並非單純翻新展館，而是結合內容，並透過空間語彙「錨定歷史現場」，讓建築本身成為承載林業記憶的構築體。

走進林業故事館，重現百年林業現場

林業故事館的設計，從入口便建立歷史的時間感。橫陳於館前的原木保留樹皮與自然質地，堆置方式模擬林場中剛伐下木材的樣態。透過隱藏式金屬支撐架，使木材懸空通風保存，在粗獷外觀之下維持結構精準。

進入第一展區，展示板以鋼索與金屬構件懸吊於空間之中。呼應百年來阿里山林業所依賴的運材索道與鐵道系統，而其鋼索同時也象徵工業力量與技術革新，木板則承載歷史文本與圖像資料。觀者在鋼索線條所引導的動線中移動，彷彿沿著運材軌跡回望林業發展的脈絡。

第二展區則轉為厚實的木構量體。以積材與堆疊手法建構包覆式空間，選用不同材種形成紋理差異，使觀者進入一個被木材環繞的場域，藉由空間呼應內容，強調森林作為資源與生態系統的基礎結構，亦以空間的重量感，對應林業制度與森林管理的長期累積。

在最終的第三展區，巨大的倒木成為核心裝置，金屬展示平台從原木本體延伸而出。象徵木材從自然資源轉化為現代器物的過程。金屬的冷冽線條與原木的有機形態形成對比，卻在結構上彼此依存，回應展覽所談及的國產材應用與當代木構設計發展。空間語彙與展示內容在此交會，構成產業轉型的隱喻。

步入山野創作館，讓山林開啟文學與藝術對話

相較於林業故事館著重產業與制度的歷史梳理，山野創作館則聚焦於文化層面的回應。空間設計靈感來自森林中的「樹冠羞避(Crown Shyness)」現象，樹木之間彼此保留距離，卻共同形成林冠層。設計團隊以不規則牆面與錯動構面轉化此自然秩序，使展場打破傳統方盒式展示格局。動線在開闊與收束之間變化，觀者在轉折中逐步閱讀作品，觀看方式因空間而改變。

在此展示場域中，鄒族戰祭（Mayasvi）中的歷史頌與青年頌錄音於空間內播放，聲音隨著牆面轉折流動，使族群記憶成為空間的一部分；青年攝影師黃煌智、林軒朗以紀實影像記錄祭儀傳承的當代樣貌，將族群文化置於現實生活的脈絡之中。藝術家王妤璇以粟女神神話為靈感的繪畫，被置於錯動的構面之間，讓神話敘事與當代視覺語彙並存。

藝術家HOM徐至宏以陶藝回應高一生〈杜鵑山〉的創作精神，使歷史文本透過材料轉化延續。詩人吳晟〈樹靈塔——阿里山上〉的詩作亦納入展示動線，其子吳志寧改編的音樂作品融入木作樂器與弦樂編制，於展場中播放。透過文學與音樂的轉化，喚起觀者對自然的傾聽與省思。

本次兩館的重新規劃與開放，嘗試將空間與其語彙從「展示容器」轉化為「敘事工具」。林業故事館透過金屬構件、積材構築與材質對比，使林業產業的制度與技術發展被具體化；山野創作館則以流動動線與聲音設計，讓族群記憶與當代創作在空間中交會。在阿里山這樣一處同時承載自然景觀與產業歷史的場域中，兩館的完成，使林業從單一產業記憶延伸至文化層次，也讓空間本身成為理解山林歷史的媒介。

「森記・事 Forest Era｜林業故事館」、「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」
展覽日期｜2026 年 3月 3 日起 
展覽地點｜阿里山森林遊樂區內 

更多資訊可至官網查詢

_{資料提供｜宜東文化、文字整理｜Adela Cheng}