因為疫情影響順延至2021年7月23日的2020東京奧運，為了讓中華隊運動員能夠亮麗上陣，中華奧會也首度對外公開徵選，邀請台灣各界時尚好手發揮創意巧思，打造團服與開閉幕進場服。經過多方評比，進場服由全台首位登上紐約時裝周的周裕穎操刀，並以台灣復古「鐵窗花」發想，為中華隊量身打造男、女各兩套富涵台灣職人信念的奥運戰袍；而團服則由台灣運動品牌VICTOR製造，偕同高訂設計師方國強操刀設計。

環保材質入團服

團服由台灣運動品牌VICTOR製造，偕同高訂設計師方國強操刀設計，備齊了T恤、Polo衫、運動短褲、休閒短褲、運動長褲、運動外套、連帽風衣外套、後背包、運動帽、運動襪與休閒鞋等東奧中華隊官方裝備。

響應東京奧運環保概念，採用環境友善的「環保紗」打造，設計、生產全程MIT，以「簡約、俐落、舒適」為核心；但設計中依舊不乏方國強設計師的巧思，背心、POLO衫採用三角裁片拼接，意喻台灣百岳之形，也象徵中華隊登峰造極。服飾中的「CHINESE TAIPEI」標準字則以點狀漸層呈現律動美感，象徵源源不絕的能量，而整體使用色塊拼接，組合中除了展現堅韌的台灣精神與多元的社會包容性。

設計寓意振奮人心之外，面料選擇亦是最符合運動員舒適性之先進科技思維。全部採用對地球環境保護的「環保紗」之外，也以選手們的舒適度為首要考量，親膚的運動上衣與運動褲，除了「吸濕快乾、抗菌」功能以外，每天頻繁穿著的T-shirt更具有「涼感透氣」效果，外套類加入「防潑水」功能，讓選手們能在氣候多變的挑戰下，能維持身體的舒適感保有完美狀態，贏得最佳成績，同時也展現新世代運動健將的時尚美感。

進場服設計四大亮點

有鑑於上回服裝被眾人嫌棄，此次中華奧會在2021東京奧運進場服裝設計上顯得格外謹慎，在徵選上，整體以能呈現在地文化風貌、特色亮點為主軸，並涵括設計師必須登上世界四大時裝周或亞洲三大時裝周，並且具有制服設計經驗，最終在五組團隊競爭下，由風格前衛與熱衷於玩跨界的周裕穎脫穎而出。「替中華隊設計進場服裝是非常大的挑戰，甚至比平時時裝設計更費心和有壓力」周裕穎表示，關於本次首度為體壇設計服裝，他秉持一貫「越在地，越國際」創作精神，並結合「窗花印花」服裝設計、「金銀漆釦」百年工藝、「立體編織」MIT鞋款、「環保機能」台灣專利布料四大亮點 ，從頭到腳為中華隊妝點時尚氣息。

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台灣老屋窗花、梅花躍上布料設計 

之所以將鐵窗花圖案融入布料中，周裕穎表示在發想設計階段，他一直在思考哪種日常之美最能夠代表台灣，當人們看到時能夠很快產生連結，而非僅限於某個領域，他認為老屋上的鐵窗花不僅承載著過去與現在，更具有台灣匠人精神。而在窗花圖案選擇上，他則使用中華奧會代表「梅花」符號為圖文意象，再透過數位印花將不同深淺、樣式拼接設計在環保機能布料上，打造出別具巧思，同時亦有立體修身的視覺效果。而西裝外套在袖襯及雙層領處，也運用立體緹花增添設計層次。

「春稻制服」合作生產選用環保布料響應永續時尚

本次奧運進場服周裕穎與春稻制服共同合作生產，秉持關注「永續時尚」的創作心念，不僅全面選用台灣專利「永續環保布料」，回收工業廢料、無毒重製而成，貼近肌膚的Polo衫與運動褲強調高舒適度、吸濕快乾、抗紫外線，適合任何城市氣候，並兼具伸縮彈性，易於活動。「本次設計款式簡約俐落，能符合代表團不同年齡、各式身型，同時也將台灣代表性的文化創意、職人信念注入設計細節，讓世界看到台灣驕傲。」周裕穎說道

剪裁上，Polo衫則在領口特別加上隱形拉錬，可調整高低領型，並巧妙露出選手的幸運項錬或能量頸圈至於九分錐形褲縮口俐落的版型，除了可以修飾腿部比例外，也能搭配襪款展現個人時尚風格。

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「光山行」訂製金銀漆釦祝福摘金奪銀 彩虹設計亮點

奧運進場服上畫龍點睛的金銀漆釦，為周裕穎特別向三代傳承的台灣漆器工藝品牌「光山行」所訂製，運用將傳統漆器剔紅技法予以改良的獨特工法，一件作品需耗時3、4個月手工製作千層堆漆，經過切割、研磨、拋光，花紋獨特且具天然寶石般的明亮光澤；漆釦正面貼上金箔、銀箔，成為祝福中華健兒摘金奪銀的幸運物；釦側則以六色彩虹設計，宣揚台灣寫下亞洲第一婚姻平權的歷史，展現寶島台灣的多元包容。

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周裕穎設計的漆器釦子，釦側以六色彩紅宣揚台灣是亞洲第一婚姻平權的歷史重量。

周裕穎與光山行訂製手工漆器釦正面金、銀主色，祝福中華健兒摘金奪銀；釦側六色彩虹宣揚台灣多元包容。

攜手「FVF」打造立體編織鞋呼應窗花印花服裝

搭配進場服的3D立體編織鞋也別具巧思，與台灣科技一體成形編織鞋品牌FVF合作，透過高針織數立體編織技巧，使鞋面呈現與窗花印花服裝相呼應的鏤空編織圖樣設計，而立體編織面料兼具高度彈性與獨特透氣孔的特性，加上輕量化的鞋底，不僅整體輕巧，更讓選手即使長時間穿著，一樣舒適、透氣不悶熱。此外，使用非成品加工染色高科技的纖維紗及無多餘車工拼接的一體成形結構，在製程上有效降低廢料產生，響應環保。

另外，能夠正反兩面穿戴，同樣緊扣窗花概念並具有鏤空設計，能讓陽光灑落時在臉上形成窗花剪影效果的帽子，則將成為運動員夏日遮陽的絕佳配件。

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Text：Ian Liu

via 誠品生活、Khieng ATELIER 

追溯這些我們早已習以為常或無限憧憬的單品起源，就是在追溯一段由男男女女、流行文化、浮華與深沉交織而出的時尚史。這麼做也是在這個時尚變得如此輕佻的時代裡，重塑衣著的價值。藉由讚頌時尚單品與美麗外表，我們最終禮讚的是每個獨特的靈魂。

衣物間的必備單品：蝴蝶領結

蝴蝶領結的歷史和領帶息息相關，兩者都源於男士以絲巾裝飾頸部的喜好。17、18世紀，貴族們喜愛以蕾絲領或領帶點綴服飾，有些人認為蝴蝶領結就是19世紀結合這兩者而誕生的。

極致黑領結

領結的流行與19世紀的丹迪（Dandy）風密不可分。工業革命時期的新貴與權貴們都把領結視為優雅和品味的象徵。隨著無尾禮服（菸裝smoking）的流行，領結更成為男士晚宴著裝必備的配件。據說現代的無尾禮服搭配蝴蝶領結的設計是Pierre Lorillard為James Potter參加紐約州的Tuxedo俱樂部舞會特別打造的。James Potter的驚豔亮相開啟了「black tie」的時尚傳奇。

不分晝夜

依舊是在紐約，1924年，領帶製造商Jesse Langsdorf推出一款全新設計的領帶，與當時普遍流行的領結完全不同。當時，領結既是晚宴上優雅的配件，也是辦公室職員的日常裝束，隨處可見。

既幽默又性感

銀幕上的領帶也能展現滑稽感，成為卓別林、勞萊與哈台等喜劇大師的服飾配件。另一方面，女星瑪琳．黛德麗和凱薩琳．赫本也帶上領結，挑戰性別界線。而在男性身上，領結又展現不同的魅力，隨著佛瑞．亞斯坦的舞姿律動，隨鼠黨（Rat Pack）的輕佻傲然，或隨詹姆斯．龐德的從容優雅，演繹出誘惑與高貴等不同氣質的雙重戲碼。

衰退與復興

1960年代，領結變得過於傳統、保守且陽剛，光芒逐漸黯淡。這時的它更多時候出現在喜劇角色和宅宅的怪咖技客（geeks）身上，被世人嘲弄、邊緣化。然而，到了2000年代，設計師Tom Ford將復古的氣概帶回時尚舞台，重拾領結的榮耀。

經典設計：無尾禮服

早在1962年的首個高級定製系列中，Yves Saint Laurent就把原本屬於男性服飾的長褲穿到女性身上。雖然他並不是第一位讓女性穿上長褲的設計師，但他的貢獻在於讓長褲變成女性衣櫥中再平凡不過的選擇。

走出吸菸室

1966年，Yves Saint Laurent選擇將男性的無尾禮服（又稱菸裝，Smoking）帶入女性時尚。他在當年的秋冬系列中為女性提供了前所未見的大膽選項：穿上這件男性衣櫥中最具格調的服裝。無尾禮服原本是在吸菸室中穿的服飾，象徵男性的陽剛與權力結構，同時也是女性的禁區。

權力遊戲

Yves Saint Laurent打破傳統規範，在1960年代這個正在重塑社會規則的時代，他主張女性有權選擇穿上無尾禮服！他認為女性穿著無尾禮服不是一種抗爭，而是自然而然的權利。在他手裡，原本充滿爭議的長褲成為新的誘惑密碼。他反對將無尾禮服視為女性模仿男性的工具，積極賦予它優雅與自信。透過他設計的風格，女性和男性擁有平等的姿態。這不是一場性別的對立，而是時尚與權力的對話。

開啟副本

馮絲華．哈蒂是第一位訂購Yves Saint Laurent無尾禮服的女性，然而，當時的女性尚未準備好自在地接受褲裝，因此其他高級定製時裝的顧客並沒有立即跟進。直到1966年，Yves Saint Laurent推出成衣副牌Saint Laurent Rive Gauche後，無尾禮服才找到它的市場。雖然是同一年發生的事，但因為品牌改變客群，轉向更年輕、更獨立的女性，提供價格相對親民的無尾禮服，時尚潮流就改變了。

新女性時尚

Yves Saint Laurent的女裝無尾禮服經過改良，以更貼合女性體態的修身剪裁展現魅力。它顛覆了傳統時尚的定義，讓女性的中性氣質自然流露卻又不失性感。女性真的需要模仿男性穿著才能感受到力量嗎？答案是否定的，但她們可以把男性的時尚領域變成自己的遊戲場。

風格的誕生：華麗搖滾

雖然華麗搖滾只風靡了短短幾年，1977年後就被龐克風取代，但它的影響力仍不容忽視。這股風潮讓原本隱匿於地下文化的造型與符碼躍上舞台，成為公眾矚目的焦點。跨性別裝扮不再局限於小眾，音樂也成為極致華麗與誇張表現的天地。

重新定義性別

華麗搖滾本質上是一種玩世不恭的音樂風格，與1960年代充滿社會與政治訴求的搖滾不同，它在1970年代前半葉捨棄沉重的議題，轉而全心頌揚明星文化，以閃爍的亮片、華麗的羽毛圍巾和誇張的厚底鞋打造視覺震撼。這股風潮主要由來自英國和美國的男性樂團引領，甚至影響到非洲，在尚比亞衛生出融合放克與搖滾的zamrock（尚式搖滾），搭配誇張的大帽飾增添特色。華麗搖滾用極具戲劇性的方式，重新定義性別表達與舞台魅力。

由Marc Bolan領軍的T. Rex樂團引領了這場風潮，掀起了一場介於丹迪主義與歌舞劇場間的審美革命，宛如華麗炫目的視覺盛宴。男性化了妝，穿上閃耀且貼身的衣物，長髮飄逸。這種風格不在意俗氣與否，只有幽默與浮華的極致展現。華麗搖滾大膽挑戰1970年代英國社會根深蒂固的保守思想，顛覆傳統的男性形象，甚至帶著一絲挑釁意味。例如大衛．鮑伊毫不掩飾地公開自己的雙性戀身份，甚至穿著裙裝亮相。這場美學叛亂席捲而來，嚴苛的道德堡壘只能在它的光芒之中逐漸崩解。

本文內容節錄自La Vie出版書籍《時尚單品全圖鑑：78件經典穿搭設計與百年時尚傳奇》

出版日期｜2025/06/21

作者｜海莉．愛德華－杜雅丹 Hayley Edwards-Dujardin

這是一張時尚界的寶藏地圖，帶你認識那些永遠不會退流行的經典單品。本書精選了 78 件經典服飾和60件改寫時尚史的創意設計，一次帶你看懂潮流是怎麼被創造出來的。收錄超過280張精美圖片與資訊圖表，帶你用最直覺的方式了解每個單品的歷史背景、設計亮點，甚至是它們如何影響了當時的社會文化。

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有些服裝打破了時間的藩籬，也有些成了走上伸展台和高級訂製的不朽神話，都講述著設計師們的奇思妙想，以及對夢想和潮流的追求。

衣物間的必備單品：丹寧夾克（或牛仔外套）

「藍色已成為這個世紀後半葉的經典色調，賦予所有人與事一種獨特的色彩。它的流行無可撼動，未來也將繼續如此。」——克里斯蒂安．拉克魯瓦（Christian Lacroix）

述說丹寧夾克的歷史，就是探索靛藍染料的故事。丹寧布（牛仔布）的起源與藍色密不可分，這種顏色結合堅韌的面料，成為全球勞動階層日常生活的一部分。而到了20世紀，這件藍色的服飾更成為時尚界的經典單品。

Trucker Jacket的誕生

Levi’s在20世紀上半葉推出了多款丹寧夾克，但真正定義今日丹寧夾克風格的，是1967年的Type III款式，也就是大家熟知的Trucker Jacket。這款夾克以修身的設計和兩個高位口袋為特色，成為現代丹寧夾克的代表。從1930年代電影中的牛仔，到1950年代的叛逆青年，甚至是瑪麗蓮．夢露都穿過這款夾克。不過要一直到嬉皮運動興起，它才真正風靡街頭。

MAKE LOVE NOT WAR

嬉皮擁抱丹寧夾克，又賦予它全新的意義。這款夾克成為美國文化的旗幟，既象徵著深植於社會的刻板印象，又述說對體制的反抗，更是傳遞標語與信息的載體。

叛逆到底

丹寧夾克曾是反主流文化的代名詞，穿梭於社會、電影與音樂之間。70年代的龐克、法國的搖滾狂熱、80年代的青春偶像，以及後來的嘻哈、油漬搖滾（grunge）和電音，都賦予它新的意義。革命的、多變的與超越邊界的丹寧夾克不靠邊站，反而選擇將各種文化串聯起來，成為反叛精神的時尚象徵。

經典設計：泡泡裙（舞會皇后）

「我們始終在追尋逝水年華。」——克里斯蒂安．拉克魯瓦（Christian Lacroix）

人們常說，1980年代是巴黎高級訂製時裝的第二個黃金時代。第一個則是在1950年代。1980年代的這十年間，經濟繁榮帶來了財富的積累，富裕階層渴望展現自己的奢華生活方式，時尚風格因此變得浮誇而張揚。

從博物館到時尚

在成為時裝設計師前，Christian Lacroix曾夢想成為博物館館長或戲服設計師。他對戲劇、歷史與藝術的熱愛，深深影響了他的設計風格。他先是為品牌Patou工作，而後在1987年創立了自己的品牌，在那個物質生活豐富、無憂無慮的十年中，他逐漸嶄露頭角。他的風格與1980年代那些出門就像參加華麗舞會的富家女一致。

時光的記憶

Lacroix的設計深受過去華麗風格的影響，他喚回17與18世紀的古典美學，以緊身胸衣搭配蓬鬆、甚至誇張的裙子。他的靈感來源根植於他的故鄉亞爾與普羅旺斯，這片土地與卡馬格的風土賦予他的設計鮮明的色彩、繁複的圖案與靈動的印花。他的模特兒宛如行走的故事敘述者，在伸展台上演繹華麗且如戲劇般的時尚場景，將伸展台變成一場視覺盛宴。

十年風華

Christian Lacroix的設計充滿懷舊風情，但卻從不守舊。他的作品完美詮釋了一個時代的精神，金錢至上，奢華無罪。那是個晚會和雞尾酒會不斷的年代。1970年代遭到摒棄的華麗裝束在這個十年重新綻放。在晚宴禮服與雞尾酒會穿搭之間，Christian Lacroix找到了完美平衡，以短版的小外套搭配蓬蓬裙，那層層疊疊的裙襬令人想到宮廷禮服的招搖。

Lacroix的經典

1980年代是一個極致浮華的年代，誇張的墊肩、纖細的腰身，以及Christian Lacroix經典的泡泡裙都是當時最具代表性的設計。這種裙子優雅又帶點叛逆，正好展現那個時代的輕盈無憂氛圍。它像是社交派對上的焦點，在舞池裡旋轉，魅惑人心又耀眼。Christian Lacroix讓這種沉睡的美重新煥發光彩，燃燒出更為炙熱的生命力。

風格的誕生：反時尚「解構主義」

「我覺得完美是醜陋的。我希望在人類創造的事物中看到傷痕、缺陷、混亂與變形。」——山本耀司（Yohji Yamamoto）

哲學家德希達在1960年提出「解構主義」的概念，用以指涉這個時代對既有規範與傳統的推翻與重塑。然而，要等到1989年，時尚評論家Bill Cunningham在一篇文章中首次將「解構」一詞用於描述服裝設計，並特別指向Martin Margiela的作品時，這個詞才真正用在時尚領域。

東方哲學

時尚的解構美學真正誕生於1970年代末，由三宅一生、山本耀司與川久保玲三位日本設計師共同開創。他們深受自身文化影響，從讚頌歲月痕跡與不完美魅力的「侘寂」（wabi-sabi）中汲取靈感，並借鑒將裂痕轉化為美感的金繼（kintsugi）藝術，挑戰傳統服裝結構，改變了西方自文藝復興以來審美概念。

外在實踐

解構主義的支持者以不對稱的剪裁、深邃的色調為服裝基礎，甚至穿著大膽展露破損、破洞與未收邊的衣物，這些都是曾被西方時尚厭棄的「瑕疵」。這種刻意的不完美，吸引了那些將穿衣視為思想實踐的人，他們選擇拋開1980年代的炫目奢華，以黑色為載體，映照對外在符號的抗拒。解構主義引發的，不僅是一場審美的革命，更是一場關於時尚話語權的顛覆，使「反時尚」成為當代時尚語言的一部分。

本文內容節錄自La Vie出版書籍《時尚單品全圖鑑：78件經典穿搭設計與百年時尚傳奇》

出版日期｜2025/06/21

作者｜海莉．愛德華－杜雅丹 Hayley Edwards-Dujardin

這是一張時尚界的寶藏地圖，帶你認識那些永遠不會退流行的經典單品。本書精選了 78 件經典服飾和60件改寫時尚史的創意設計，一次帶你看懂潮流是怎麼被創造出來的。收錄超過280張精美圖片與資訊圖表，帶你用最直覺的方式了解每個單品的歷史背景、設計亮點，甚至是它們如何影響了當時的社會文化。

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