或許不說你不知道，台灣各縣市大多都擁有一本專屬刊物，然而談及這份官方刊物，在不少人印象中似乎與政令宣導緊緊相扣，內容顯得較制式外，在版面編排上也略顯單調，不過每份刊物面對時空環境與讀者品味變異，皆有再度成長的空間，畢竟對外來遊客來說，城市刊物就像是一座城市的名片，開啟人們對她的想像。

告別傳統公部門美學

屏東縣雙月刊《AMAZING PINGTUNG》

「不可能，這本刊物太不政令宣導了」、「不可能，英文名稱長輩會不習慣」，屏東縣政府縣刊《安居樂業》發行5年，在即將到來的2020年前夕全面改版，從《安居樂業》更名為《AMAZING PINGTUNG》，挖掘屏東人不知道的屏東，放送台灣人沒看過的屏東，要讓人看到驚豔，直呼AMAZING。

身處台灣最南端，屏東今年從史上最美的台灣燈會、展現藝術實力的台灣設計展、搭配雲、風、山、水等簡潔符號的《屏本事年度手札》，到被譽為台灣最美旅行指南《關於屏東的6件事》，屬於屏東的美學漸漸茁壯成形。如今這股能量也蔓延至縣刊，在發行5年的「安居樂業」基礎上，以全新面貌跨入2020年，預算不變，全面改版。「不要告訴我不可能，哪來那麼多框框，把屏東最好的拿出來就對了」潘孟安畫下全新基準線。

之所以大刀闊斧改變，主因正是過去國內各地方政府出版各種刊物，本該是拉近與民眾的距離，但官方單向性的思考，制式鋪排加上無趣宣導，常讓民眾無感，不僅能見度低，甚至根本不知道其存在。為此屏東縣府花了近3個月進行改版，蒐集全台刊物，經過分析、研究，將思考軸線來回讀者，首先在內容上，不再單向站在縣政府的立場，一昧將未整理消化的資訊塞給讀者，改以企劃式的做法，深入淺出做出多元觀點的內容。

以改版後的首期主題故事為例，由於正值年度交替，因而從回顧2019年10個屏東亮點切入，透過一幀幀跨頁照片，搭配少量文字，運用搶眼視覺讓人感受相片裡人物的喜悅，包括在公園享受最單純快樂的兒童；手握心中那顆球的偏鄉野球少年；段考後在校園穿堂練街舞的青少年；不必搶票就能追星的演唱會；笑看子女奔跑自家黃瓜園的青農；專注創作的藝術工作者；返鄉生根的咖啡職人；用手語聊天的身障者與翻譯員；穿上設計師走秀的老與弱；載部落長輩前往天涯海角的幸福巴士等，各自交織出屏東不同面向的改變。

至於在設計上，捨棄呆板、長篇宣導，以簡潔的設計，高張力的照片，洗鍊的文字，形塑屬於屏東美學。刊物前後經過數十次修改，最後二種版本設計，大幅度改變也讓團隊擔心會否不被接受，好在最終以全新角度詮釋的官方刊物獲青睞，也讓讀者能用嶄新視角看見屏東。

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屏東縣季刊《屏東本事》

除了屏東縣雙月刊《AMAZING PINGTUNG》外，同樣以屏東在地特色故事為主的《屏東本事》，則在2017年夏天以季刊方式發行登場，從封面、主題規劃、書寫手法到編排設計呈現豐富的在地人文，帶領讀者從字裡行間的溫度細細閱讀屏東，其精美編排也樹立政府刊物美學標竿。

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台北觀光局《台北畫刊》

1968年1月出刊的《台北畫刊》，是臺北市政府觀光傳播局出版的市政刊物，以圖文並茂內容傳達台北市政資訊、生活型態及與市民息息相關的實用資訊。為因應不同時代讀者需求，歷經幾次改版，最近一次調整則為2019年3月，讓這本擁有50年歷史的市府刊物，能夠再次成為台北人、旅客感到驚艷的畫刊。

全新改版的《台北畫刊》，團隊邀來三金設計師方序中出任美術顧問，內容則以「台北＋N」、「V＋台北」、「Adj＋台北」新型態為主軸，藉由編輯好手貼近日常的文字、攝影師與插畫家等，從不同面向去探索台北不同的城市面貌，像是在10月號期，則以「在多樣繽紛的台北　寫下同樣美麗的相愛」為題，不僅呼應每年10月固定登場的台北同志大遊行，也切實走入同志大遊行的現場，走進多元的城市生活。

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桃園市刊《桃園誌》

在2014年從縣升格為直轄市的桃園市，2015年7月推出《桃園誌》，目標是將桃園這座城市13個行政區，從建設發展、在地打拚的職人，到美景美饌好去處都忠實呈現，讓每個角落精采故事，都能被外界看見。

不過紅底白字Logo搭配大面積文字編排，《桃園誌》最初封面看來和傳統政府刊物沒有太大不同，為此在發行兩周年之際，則邀來知名設計師聶永真團隊全新打造主視覺和全書排版設計，將原本顯得凌亂的視覺減法收斂，精心拍攝的照片搭配簡化後的文字，大面積留白空間，則讓整本刊物質感大幅提升。

版面更改外，Logo也全部汰舊換新，字以極細線條的字母「T」作為主要識別，在「T」的線條交會處，用圓角及方角的幾何線條呈現「Y」，構成桃園（Taoyuan）的縮寫字母T和Y。細節上，讓T與Y的交會處看似比鄰共存的社區街坊一隅；整體型態亦如一只天秤或輕盈的竹蜻蜓。

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台南文化局雙月刊《美印臺南》

2011年創刊的秒殺刊物，由台南文化局推出的雙月刊「美印臺南」，用文創生活角度重新觀察台南，讓這個以小吃與古蹟聞名的府城，能擁有另一種機會，認識台南這塊土地上，那些深藏還未引人注目的大城小事。

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via 屏東縣政府、台北觀光局、台南文化局、桃園市府

台北中山區向來是適合散策的街區之一，巷弄裡咖啡館、選物店與小型藝文空間交錯，總是能輕易讓人在不經意的轉角間找到屬於自己的療癒小角落。

在節奏快速的城市裡，替自己在休息日裡安排一趟出走，有時只是放慢腳步走逛、漫無目的地在城市穿梭，卻總能讓心情在日常風景裡重新變得柔軟。來自韓國首爾的文創選物品牌 object 去年進駐台北後，於中山開設的 object taipei store，正是一處適合在休日慢慢逛、慢慢挑選的小店，集結多位韓國人氣插畫創作者與角色小物，讓獨處的每個靈魂都能被溫柔陪伴。

當創作者與日常生活相遇

創立於 2013 年的 object，長年致力於打造讓創作者被看見的平台。透過策展式選品、內容製作與展覽企劃，object 在韓國文創圈建立起獨特的文化定位，透過使用、搭配與再創作，參與作品的延伸，並逐漸形成一種「消費者共創」的創作生態。

2025 年 object 首度在台北設立常設據點，除了展示多位韓國創作者的作品，也讓台灣觀眾能第一時間接觸韓國文創潮流。店內空間明亮而簡潔，從角色吊飾、布織配件到生活小物，每一件作品都像是一段小小故事。object 相信，每件設計都是創作者投注心力的成果，而當人們在選購與使用的過程中理解這些創作背景，日常物件便不只是商品，而是與創作者建立連結的媒介。

用不同的 IP 角色陪伴你的休息日

走進 object taipei store（中山），像是在閱讀不同創作者的情緒日記，眾多韓國創作品牌中，最具人氣的熱賣商品NO FACE，讓消費者以各自的想像力，構築出獨特的角色宇宙；崔高興娃娃、Naive Garden吊飾及hozumi娃娃吊飾，則以不同角色為媒介，回應與陪伴日常生活片刻。挑選適合自己的娃娃小物，逐漸成為現代人表達生活情感的鏡像，過程也是一種獨處安靜而溫柔的儀式。

pyobyobyo 的靈感來自海邊散步時聽見的海浪聲，「표뵤뵤」這個輕盈的擬聲詞，成為品牌名稱，也象徵創作者希望保留那一瞬間的平靜感，品牌的創作核心圍繞「外出」與「生活重量」，希望人們在日復一日的通勤與移動之中，也能像散步般輕鬆。

在製作方式上，pyobyobyo 多以手工製作為主，從設計、製作到完成，創作者能親自參與每一個細節；在這樣的創作脈絡之下，pyobyobyo最讓人熟知的商品NO FACE 誕生了！不指向任何特定情緒、身份或表情，而是刻意保留空白，NO FACE 是一個沒有五官的角色，讓觀看的人可以投射自己的狀態與心情。透過不同的 wappen、配件與商品形式，每個人都能打造屬於自己的 NO FACE，成為一個可以被自由理解、自由使用的存在，也能自然地融入每個創作者的生活，成為安靜的陪伴。

相較之下，崔高興則以更直接的方式回應情緒。品牌名稱源自韓文「苦心」，創作者將煩惱與思考轉化為帶著幽默感的插畫語言。角色們表情簡單、動作直率，搭配看似直白卻一語道破的文字，像是在替人把心裡的 OS 說出來。那些不一定勵志、卻非常真實的句子，正因貼近生活而令人會心一笑。店內的小動物吊飾同樣可以自由搭配布章與文字，讓每個人依照當下的心情拼貼出屬於自己的角色。

Naive Garden 由兩位韓國創作者共同成立，品牌從生活觀察與好奇心出發，創造出一系列奇想角色。在這個世界裡，沒有嚴肅規則：章魚燒可以變成奇異鳥，甜甜圈與鴨嘴獸也能同時出現在吊飾上。看似荒誕的組合，卻因為精細的手作質感與幽默設計而顯得格外療癒。其中引發社群討論的「章魚燒奇異鳥吊飾」，更成為不少收藏者必收的小物。

hozumi 的創作則回到更日常的情感。品牌名稱源自韓文「口袋」，象徵那些被隨身攜帶的小東西——或許不大，卻總是陪伴著人。由插畫家與布料設計師共同創立的 hozumi，將角色插畫與布料工藝結合，創造出柔軟而溫暖的作品。品牌代表角色 Sayho 沒有過於鮮明的設定，而是保留模糊空間，讓使用者在長時間的陪伴中慢慢賦予它意義。可自由搭配布章的娃娃吊飾，也讓每件作品都能延伸出不同故事。

在城市裡找到一段屬於自己的慢時間

在 object Taipei store，挑選一件小物往往不只是購物，而是一段慢慢觀察與感受生活的過程，當人們在角色之間猶豫、在吊飾與布章之間搭配時，也在思考自己當下的心情與生活節奏。未來 object 將持續與韓國、台灣創作者合作，showroom店也將跟著當期創作者內容進行快閃，不同文化與創作語言的碰撞，讓一間選物店更像是一個持續生成靈感的小型創作場域。

或許，一個人的休日並不需要太多計畫——在巷弄裡散步，隨意走進一間充滿角色與故事的小店，為自己挑選一個剛好能陪伴當下心情的小物，那樣獨處的午後，就已足夠療癒身心。

位於阿里山森林遊樂區的「森記・事 Forest Era｜林業故事館」與「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」兩處主題展館正式啟用，原「臺灣一葉蘭生態故事館」與「阿里山山椒魚故事館」歷經10年常設展退場後，透過全新策展內容與展示設計，從林業歷史、山林文化到文學藝術，帶領遊客重新認識阿里山在人與自然關係中的多重面貌。

歷經兩年規劃的「森記・事 Forest Era｜林業故事館」與「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」，由農業部林業及自然保育署嘉義分署委託宜東文化創意有限公司攜手工二建築團隊擔任主創設計。本次展示空間的更新核心思考並非單純翻新展館，而是結合內容，並透過空間語彙「錨定歷史現場」，讓建築本身成為承載林業記憶的構築體。

走進林業故事館，重現百年林業現場

林業故事館的設計，從入口便建立歷史的時間感。橫陳於館前的原木保留樹皮與自然質地，堆置方式模擬林場中剛伐下木材的樣態。透過隱藏式金屬支撐架，使木材懸空通風保存，在粗獷外觀之下維持結構精準。

進入第一展區，展示板以鋼索與金屬構件懸吊於空間之中。呼應百年來阿里山林業所依賴的運材索道與鐵道系統，而其鋼索同時也象徵工業力量與技術革新，木板則承載歷史文本與圖像資料。觀者在鋼索線條所引導的動線中移動，彷彿沿著運材軌跡回望林業發展的脈絡。

第二展區則轉為厚實的木構量體。以積材與堆疊手法建構包覆式空間，選用不同材種形成紋理差異，使觀者進入一個被木材環繞的場域，藉由空間呼應內容，強調森林作為資源與生態系統的基礎結構，亦以空間的重量感，對應林業制度與森林管理的長期累積。

在最終的第三展區，巨大的倒木成為核心裝置，金屬展示平台從原木本體延伸而出。象徵木材從自然資源轉化為現代器物的過程。金屬的冷冽線條與原木的有機形態形成對比，卻在結構上彼此依存，回應展覽所談及的國產材應用與當代木構設計發展。空間語彙與展示內容在此交會，構成產業轉型的隱喻。

步入山野創作館，讓山林開啟文學與藝術對話

相較於林業故事館著重產業與制度的歷史梳理，山野創作館則聚焦於文化層面的回應。空間設計靈感來自森林中的「樹冠羞避(Crown Shyness)」現象，樹木之間彼此保留距離，卻共同形成林冠層。設計團隊以不規則牆面與錯動構面轉化此自然秩序，使展場打破傳統方盒式展示格局。動線在開闊與收束之間變化，觀者在轉折中逐步閱讀作品，觀看方式因空間而改變。

在此展示場域中，鄒族戰祭（Mayasvi）中的歷史頌與青年頌錄音於空間內播放，聲音隨著牆面轉折流動，使族群記憶成為空間的一部分；青年攝影師黃煌智、林軒朗以紀實影像記錄祭儀傳承的當代樣貌，將族群文化置於現實生活的脈絡之中。藝術家王妤璇以粟女神神話為靈感的繪畫，被置於錯動的構面之間，讓神話敘事與當代視覺語彙並存。

藝術家HOM徐至宏以陶藝回應高一生〈杜鵑山〉的創作精神，使歷史文本透過材料轉化延續。詩人吳晟〈樹靈塔——阿里山上〉的詩作亦納入展示動線，其子吳志寧改編的音樂作品融入木作樂器與弦樂編制，於展場中播放。透過文學與音樂的轉化，喚起觀者對自然的傾聽與省思。

本次兩館的重新規劃與開放，嘗試將空間與其語彙從「展示容器」轉化為「敘事工具」。林業故事館透過金屬構件、積材構築與材質對比，使林業產業的制度與技術發展被具體化；山野創作館則以流動動線與聲音設計，讓族群記憶與當代創作在空間中交會。在阿里山這樣一處同時承載自然景觀與產業歷史的場域中，兩館的完成，使林業從單一產業記憶延伸至文化層次，也讓空間本身成為理解山林歷史的媒介。

「森記・事 Forest Era｜林業故事館」、「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」
展覽日期｜2026 年 3月 3 日起 
展覽地點｜阿里山森林遊樂區內 

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_{資料提供｜宜東文化、文字整理｜Adela Cheng}