近年備受矚目的德國設計師Sebastian Herkner，融合傳統手工藝與當代設計的創作模式，引領一股新的設計趨勢。趁著前陣子旋風式來台，我們與他開聊，從突破工藝給人的復古聯想，到思考地方工藝與社會的關聯，一起探索工藝在當代到底能走多遠？

提到這幾年間活躍於國際居家設計界的設計師，來自德國的Sebastian Herkner絕對是話題人物，不過39歲的他，自2006年成立工作室以來，已經陸續與義大利家具品牌Moroso、德國百年品牌Thonet等國際知名大廠聯手合作，更獲選為2019年度世界三大國際家具家飾展之一的巴黎時尚家居設計展（MAISON & OBJET PARIS）年度設計師，可見他備受矚目的程度。

而我們也趁著先前Sebastian Herkner受台灣設計師週之邀來台時，特地與他進行一場專訪，不僅透過作品，也經由與他面對面的對談訪問，更進一步瞭解在作品背後的設計思維。身為國際級設計當紅人的Sebastian Herkner，其實對台灣並不陌生，早在2017年時，他就曾受到國立臺灣工藝研究發展中心之邀來台參加工作坊，並與台灣竹編工藝師聯手，將台灣在地工藝轉化為具有當代設計語彙的家具作品。

當城市失去地方工藝，就失去了身分個性

Sebastian Herkner的設計特質中，工藝一直是核心要素，問起對工藝的興趣從何而來？他回想兒時的家庭旅遊經驗，「以前度假不知為什麼行程總是去法國看教堂，小時候覺得很無聊，但也開始欣賞教堂裡的各種工藝物件，鑲嵌玻璃、木椅等等，走遍各小鎮時，逐漸認識到原來各地方都有當地物產和代表工藝，這應該可以算是我喜愛工藝的開始。」

源於童年的啟發，讓他在讀設計時對地方工藝更加關注，「從2001年∼2007年之間，我在法蘭克福旁的奧芬巴赫（Offenbach）讀工業設計，奧芬巴赫是一個15萬人的小城市，和許多亞洲城市相比規模不大，但過去有很多皮革產業。2001年開始，很多皮革工廠倒閉，因為經濟蕭條，存活下來的工廠也開始移到義大利、亞洲等地，製造成本較低的皮革製品。對我來說，當我們想到某些城市就會想到他的工藝產業特色，然而當城市失去了地方工藝，就像是失去了自身的身分個性（identity），是一件很可惜的事。」

當2009年Sebastian Herkner開始研發他的第一件作品Bell Table時，這件結合黃銅與玻璃的異材質設計作品，竟然找不到任何一個設計品牌願意合作量產，「因為當時品牌都覺得這樣的材質太過傳統，但相較於當時很多設計師想嘗試新興科技跟材質，我更喜歡這些傳統工藝和材質。我們找了很久才找到適合吹製這些玻璃基座的工匠，他們位在德國南部巴伐利亞接近斯洛伐克的地區，從16世紀起代代相傳，目前已經傳到第16代。受到大環境影響，那時他們的生意也不太好。」而整整三年之後，這件物品才終於獲得德國家具品牌ClassiCon青睞量產，一推出也立刻成為市場上炙手可熱的品項。

在這次的設計及製造過程中，玻璃從無到有的製程讓Sebastian Herkner深深為之著迷，他向我們描述著玻璃工匠們每天將原料放入熔爐，經過1200度高溫燒一整夜，從矽砂變身為美麗透明質地的過程，而工匠熟能生巧的工作模式也讓他印象深刻，「玻璃工匠們都是團體工作，在極熱的工作場所各自分工，彼此間有默契到不需要言語溝通，就能熟練地吹製出美得不得了的作品。」

工藝裡的熱血社會關注

然而，與單純喜愛工藝材質的設計師不同，當我們與Sebastian Herkner對談專訪時，只要話題一聊開，談論的主題很容易就環繞在社會議題上，像是香港反送中事件，甚至包括兩岸三地的現況，他的了解程度都深刻得讓人驚訝。而我們也發現，這樣對社會局勢變化的熱血重視，某程度上與他對工藝設計的關注隱隱相連，像是他在2016年受邀為柯隆家具展打造「年度之家」（Das Haus–Interiors on Stage），就是以歐洲難民議題為構思核心。無牆、開放、洋溢接待暖意的60坪空間內，不僅紛然羅列他自己與他所喜愛的設計師家具作品，更希望能傳遞出開放歡迎每個人一起融入共享的理念。

著眼於地方產業文化與工藝的緊密相連，Sebastian Herkner因為代表作Bell Table所打開當代設計與傳統工藝的創作路線，這幾年在品牌的邀約下，時常深入走訪各國城鎮，不僅探訪手工藝現存的狀態，更實地觀察到在當地生活脈絡下人們生活的處境，工藝之於他似乎不只是材質與設計表現手法，而像是一種試圖解決地方社會議題的可能。

像是他曾與Moroso合作，用塞內加爾的手工編織漁網線為靈感，設計出一系列色彩斑斕、高吸睛度的手工編織戶外家具。不只如此，他也曾和品牌Ames合作，走訪南美洲哥倫比亞，在那裡Sebastian Herkner看到興盛的傳統製陶業，幾乎家家戶戶都做陶器，他們用玉米梗刷過當裝飾，看似樸實無華卻充滿就地取材的工藝精神。與品牌和Sebastian Herkner合作的，不是知名匠師，而是熟練於手作的工藝家庭，「在哥倫比亞跟我們合作蘆薈工藝的，很多是工藝家庭，同時也有當地年輕人。這些年輕人嚮往波哥大的城市生活，認為傳統工藝過時老舊，但當他們進了城市後，卻發現很難找到工作機會，只能居住在城市邊郊的貧民窟，所以我們透過合作，希望讓他們有機會重拾傳統工藝，又能維持他們想在大城市生活的目標。」

百工斯為備的靈感啟發

此外，對於許多人常將傳統工藝與復古畫上等號，Sebastian Herkner並不這麼認為，「喜愛工藝並不等同於復古，其實我不是一味在追求傳統和復古，我還是會使用新的科技，比如說工作室裡的3D列印，來幫助突破既有的製程限制。」像是與德國百年家具品牌Thonet合作的118椅，就是運用電腦數據控制蒸氣加熱技術，讓木頭受熱增加彈性而可被彎曲。SebastianHerkner受邀製作維持品牌DNA的新版作品，椅腳採用CNC車床精細作法，並為最常被看見的椅背面設計加入巧思，而曾說過自己作品並非十足極簡風且喜愛色彩的他，更加入六種不同色系，以及最新的霧面款，讓經典的118椅再度受到年輕世代的喜愛。

訪問最末，談起看待工藝的態度，Sebastian Herkner認為，在他心目中一直都想傳遞出每一件工藝作品背後動用多少工藝和人力協力的「百工斯為備」精神，「這些都是無法透過3D列印或是機器人完成的」，此外，因地制宜的傳統工藝裡還蘊藏了許多對他極富啟發的設計靈感，「因為這樣，我一直很鼓勵年輕設計師去找找身邊的傳統工藝，或許有機會讓傳統工藝更上層樓，也讓工藝回到我們當代的生活。」

文｜方敘潔　攝影｜蔡耀徵　

圖片提供｜ Sebastian Herkner、國立臺灣工藝研究發展中心

（本文內容出自《LaVie》2020年1月號） 

當運動遇上動態影像，皆以「動」為特質的兩者理當契合自如？操刀2020東京奧運競賽圖標動態設計的日本動態設計師井口皓太，道出用動態影像呈現運動主題的挑戰——正因為運動已是動態，怎麼用動態再創新意實為考驗。

2020東京奧運，井口皓太以競賽圖標的動態設計和閉幕式的球體無人機燈光秀演出漂亮的一役。在那之後，他陸續經手了諸多運動品牌、賽事的商業設計。串連起運動和動態設計兩者的關鍵字為何？井口皓太的回答是：「兩者都在追求極致。」

以動態設計呈現身體張力

長年與NIKE合作的他，對於運動品牌的設計、概念策劃並不陌生。但在擔綱了東京奧運競賽圖標的動態設計後，再次認識到「運動」和「動態設計」兩者之間高度的契合。此外，在做奧運競賽圖標動態設計時，他翻閱大量相關參考資料，對於運動選手們在挑戰肉體極限下所展現的優美姿態留下深刻印象。也因此在近年多數的作品中，他更特別意識著如何在其中表現身體力度。

他替日本籃球協會（JBA）所設計的系列視覺作品「JBA Beyond for FIBA 2023」便是十分貼切的案例。配合著打擊樂，日本籃球國手的定格剪影在一個個節拍下加疊成逐格動畫，加上同時出現在畫面上「強大的自信」、「壓力越大越過癮/對手越強越好」等令人熱血沸騰的標語，在短短15秒的廣告內，呈現簡潔卻充滿力道的視覺效果。

井口皓太說明，在著手動態廣告之前，先進行了平面海報的拍攝。看著收到的海報草案時，他決定延續海報中捕捉動態瞬間的意圖，便以底片顯影的概念再現了選手移動的每個瞬間，營造出剎那的臨場感。而與之對比的是上方充滿躍動感的文字，時而呈現汗水的揮灑，時而詮釋高速移動下的空氣流動。文字、影像與音樂合而為一，精準傳達了運動場上的緊張與激昂情。

不被囚禁於螢幕，整個空間都是動態設計體驗

然而井口皓太也強調，從事運動廣告設計時，聚焦於競技固然重要，但也必須考量到與周邊圖像素材間的平衡。「為了不要破壞設計的視覺呈現，解讀 圖像本身既有的『時間』與『空間』維度也十分重要。」

如經手2023年底在銀座甫開幕的NIKE概念店「NIKE GINZA」整體設計時，井口皓太首先碰到的難題便是如何轉化「銀座」的古典形象。他說明，由於作為主視覺的「銀座」兩字是非常傳統的日文漢字字體，品牌方最初擔心是否難以在文字設計上賦予運動的動態要素。

面對此一挑戰，井口皓太提案將「座」一字中的「人」抽出，任其在畫面上高速奔跑、自由變形，藉此在畫面中帶入空間維度與動態力度。在這檔設計案中，他不只負責主視覺設計概念，更參與店內、車站電子螢幕的陳設規劃。他強調，作為動態設計師，重要的是必須意識到影像動畫的播放方式和地點。並不只是在影像螢幕 的框架內思考，而必須將路過的行人、停下腳步觀看的觀眾加入作品整體的一環著手構思。

在日本首間喬丹品牌旗艦店「World of Flight Tokyo Shibuya」中，正完整體現了他對於空間營造的巧思。店面入口通往商場長達25公尺的長廊內，搭設了整面的電子螢幕。慢動作運球、上籃的選手剪影帶有些許「霧裡看花」之感，但在大面積色塊的渲染與聲光效果加乘之下，一步步推漲了人們進入店面前的期待感。

井口皓太說明，美國波特蘭的品牌方希望在設計中加入日本的元素，於是他以和式紙門為核心概念，用半透明的濾鏡進行拍攝，並以燈光營造出朦朧的光影之美。

運動設計是向選手致敬的過程

運動和動態設計兩者乍看之下十分契合，但井口皓太認為正好相反。「動態設計的有趣之處在於『讓靜止的東西動起來』，也可以說是『讓看起來不會動的東西動起來』，進而從中創造驚奇與發現。但因為運動是動態的行為，人們反而會先入為主地想要捕捉其靜止的瞬間。」但他也強調，該如何突破此一固有觀念，替觀眾帶來新的體驗，正是設計師的職責所在。

問及是否有其他曾留下深刻印象的運動設計，井口皓太介紹了已故設計師野田凪2001年的「NIKE Swim Campaign」系列作品。「雖然是靜止的圖像，但透過水面折射放大了模特兒的身體呈現，這樣的詮釋方式直到現在都還深深烙印在我腦海裡。」此外，NIKE在2010年為世界盃足球賽製作的影像廣告「Write the Future」也是他會定期觀看的作品之一。他說這部影片「不論是劇情轉折、笑點、快慢適中的剪輯與音樂選用，都堪稱十分完美。」

其實井口皓太到高中為止都是一名棒球少年，他說，作為一名捕手，捕捉眼前所有動態現象的觀察能力、由靜轉動的力學知識等，都對日後的設計工作產生許多幫助。在組織設計團隊CEKAI時、從事設計總監工作時，也不時會回想起過往在球隊的團隊合作生活。

「為了追求完美表現，運動選手們將身體機能發揮到極致，這點其實與設計工作相同。為了追求美學的巔峰，設計師得去計較每一釐米、調整每一個畫格的差異，反覆碰壁之下才終於找出最佳解答。因此，我想『運動是為了什麼而存在？又是為了什麼而需要追求極致？』這個提問，也可以從設計師們身上得到解答。」他說，自己有幸從事運動相關設計，也是在時時提醒著自己必須勤奮不懈地面對自身工作，才能毫無愧疚地透過創意為選手致上敬意。

井口皓太（Kota Iguchi）

動態設計師、創意總監。1984年生，以紐約、東京兩地為據點從事設計活動。擔任總監的大型戶外裸視3D廣告「NIKE Air Max Day 2022」獲得高度討論與關注，亦以東京奧運競賽圖標的動態設計師而為人所知。聚焦於動態設計領域，作品獲得國內外多數獎項肯定。

^{文｜廖怡鈞
圖片提供｜井口皓太}

更多精彩內容請見 La Vie 2024/7月號《運動的設計進行式》

Apple為最新力作iPad Pro推出的廣告影片〈Crush!〉，在歐美世界引發巨大爭議，許多知名演員、導演、作家等藝文界人士轉發庫克（Tim Cook）推文大力批評，不少Apple的科技同業也給出負面評價；最後，Apple發出道歉聲明：「很抱歉，我們的廣告並沒有達到預期的目標。」究竟這短短一分多鐘的影片為何引戰，甚至被認為是科技吞噬創意的縮影？

史上最強也最薄的iPad誕生

讓我們把時間倒轉回5月7日。當天Apple在倫敦近年最火紅的地標——巴特西發電站（Battersea Power Station），舉辦了創立以來第一場英國發表會，會上最大焦點非iPad Pro莫屬，它除了有超薄的5.1mm機身，更搭載全新M4晶片讓創作者能與AI高效協作。新品引人讚嘆的同時，Apple同天發布的新廣告〈Crush!｜iPad Pro〉卻引爆網路社群上的噓聲。

巨大液壓機粉碎創作工具

長約一分鐘的〈Crush!〉，襯著愜意樂曲，上演一台巨大液壓機將樂器、油漆罐、老式遊戲機檯、雕塑、模特人檯、數位相機……通通壓碎的情景，等到機器再次升起時，一臺iPad Pro現身，旁白說道：「史上最強大的iPad，同時也是最薄的。」（The most powerful iPad ever is also the thinnest.）

如果看過Apple以往的廣告，會明白詼諧、幽默是其中鮮明的個性，但〈Crush!〉的寫意在許多人眼裡卻是種殘忍，彷彿宣告著人類的創意、以及成就這些創意的生產工具（如油漆、樂器等），都將被機器與科技摧毀後取代。

觀眾怎麼說？

看過這則廣告的英國知名演員休葛蘭（Hugh Grant）說：「人類經驗（human experience）的毀滅，感謝矽谷。」；曾執導Amy Winehouse傳記電影《Amy》（2015）的知名紀錄片導演Asif Kapadia，則表示自己喜歡iPad，但不懂為何有人認為這影片是個好點子，「它誠實地暗喻了科技公司對藝術家、音樂家、作家、製片人們做的事：擠壓、利用他們，卻不給合理的報酬，奪走一切然後說這一切都是由自己創造的。」

把視線望向Apple在矽谷的「盟軍」，也就是Asif Kapadia口中的科技界人士，幾位有影響力的公司高層也跳出來批評，像是Airbnb、Reddit、Dropbox等知名公司幕後資助者Y Combinator創辦人Paul Graham就寫下：「賈伯斯（Steve Jobs）絕對不會發布這支廣告。」暗諷品牌現任掌舵者。

問題出在哪？時代背景、廣告策略或Apple的身份？

在影音爆炸、甚至是氾濫的年代，社群河道上不乏科技取代人腦的惡趣味內容，為什麼〈Crush!〉觸怒那麼多人？身在人類有史以來最接近科技奇點的社會，在人工智慧（AI）有可能取代人力與人腦的文明轉捩點，〈Crush!〉在部分觀眾眼裡形成一股惡意——畫面中那台液壓機粉碎的不只工具，更是人類的創意與靈魂，而這些都將被科技機器取代；更何況發布這則廣告的是Apple，當今全世界科技界的龍頭之一。

不過，Apple為〈Crush!〉設定的廣告策略，真的含有惡的成分嗎？每則故事在每個人眼裡會看出不同寓意，而《Business Insider》資深科技與文化線記者Katie Notopoulos在一片罵聲之中，提出了有意思的觀點。她肯定觀眾對大公司廣告提出批判的閱聽意識，卻也直言：「這則廣告的目的很明顯是要炫耀新的iPad非常薄，還可以把一大堆應用程式打包在裡頭。」

看到這裡，我們不妨換個角度看〈Crush!〉——那些被液壓機粉碎的物件與工具（視覺上）確實被摧毀，但「毀滅」後卻也獲得了「新生」，並融入iPad之中，就如Katie Notopoulos所寫：「iPad不是要取代鋼琴，它是一台擁有GarageBand（音樂創作軟體）的平板電腦；也沒要取代繪畫，而是擁有平面設計App的工具。」

換句話說，iPad讓樂器、畫筆等創作工具換了個形式，被裝入一個更輕便的載體；而〈Crush!〉想表達iPad提供了有別於傳統的創作選擇，並透過科技的力量將數種工具的功能打包於超薄機身，目的是讓創作更有效率，而非消滅既有的工具。

只可惜，「這支廣告概念本身太無聊、也太淺顯。」Katie Notopoulos認為Apple這次傳達故事的手法太過「簡單暴力」，導致本意模糊，才是觸動藝文界人士神經的根本原因。另外也有網友表示，這支廣告直接得罪（offend）了iPad一大批核心用戶——這番話並不無道理，畢竟許多設計師、插畫家、藝術家、音樂人等，都以iPad作為第二（電腦以外）、甚至是主要的創作工具。

Apple這麼說

那Apple想透過〈Crush!〉傳達的訊息究竟是什麼？說來有點諷刺，我們可以從官方道歉聲明中知道：「創造力是Apple的DNA，我們設計的產品能為全世界的創作者賦能，對我們來說非常重要。我們的目標始終是讓使用者能透過各種方式表達自己，並透過iPad將想法化為現實。很抱歉，廣告並沒有達到預期的目標。」

爭議背後躁動的焦慮——我們真的會被機器取代嗎？

〈Crush!〉反射出科技與藝術、音樂、設計等創意領域的矛盾關係，甚至是機器與人類的對立，背後躁動的是人類擔心被機器替代的焦慮。近年許多爭議都是因此而起，在ChatGPT能快速整理資料、寫短文；midjourney能算出極其精緻的圖像；以及各種AI工具盛行的時代，引發各界工作模式的轉變，比如設計與藝術競賽順應時勢將AI作品納入評選，同時評估判斷人類、AI創作的標準；各領域工作者重新思考創作的意義，並試圖找尋與科技協作的方法。

未來AI會發展到何種境界，可以預見但難以斷言，〈Crush!〉爭議給了我們反思與科技之間依存關係的機會，也意外揭露了許多人仍用力擁抱人類思維的詩意、手工創作的價值，這是AI難以取代的（至少目前如此）。

最後，來看導演Reza Sixo Safai在X上分享的〈Crush!〉改編版本，他將腳本的情節順序調換，讓液壓機壓碎iPad Pro後，化為樂器、雕塑、遊戲機、顏料等創作工具；還特別把背景音樂換成Sonny & Cher在1965年發表的歌曲〈I Got You Babe〉，其中意涵不妨配著歌詞細細品味。

不抱著偏見與預設立場第一次看〈Crush!〉、看過評論家的觀點後回看，再看Reza Sixo Safai的改編版本，想必會有不同的感觸與想法。面對科技融入工作與生活，每個人有各自的操作守則，期待我們都能找到屬於自己的準則。

資料來源｜Business Insider、Variety、CNN