藝術家的情愛是否都轟烈激昂，或許是吧，至少對瑪莉娜阿布拉莫維奇（Marina Abramovic）和烏雷（Uwe Laysiepen，簡稱Ulay）這對昔日情侶檔來說，是的。

原名Frank Uwe Laysiepen的烏雷，1943年出生於德國，1970年代移居荷蘭阿姆斯特丹，並與瑪莉娜相遇並成為創作搭檔。如今隨著烏雷因病辭世，享壽76歲之際，也不免令人惋惜這對為當代藝術締造無數行為藝術經典的創作搭檔，其前衛風格成追憶。

時光倒轉至1976年，兩人相遇在阿姆斯特丹，同月同日生，凝視對方像是照鏡子般，彼此是那麼契合，然而熱戀的他們不做什麼浪漫舉動，而是將愛情投身於創作，在1988年兩人正式道別這段無法走向終點的愛情前，帶來一連串讓人窒息又瘋狂的行為藝術。

在1976年至1988年間，兩人分別帶來《空間中的關係》（Relation in Space）、《空間中的運動》（Relation in Movement）、《呼吸進／出》（Breathing In/Breathing Out）、《殘餘能量》（Rest Energy）、《無量之計》（Imponderabilia）等探討戀人親密關係中信任和傷害大作，極具視覺衝擊之創作，也一再挑戰藝術底線，讓人大開眼界。就像是要給愛情震撼的最終幕大秀，1988年分開前夕，兩人以《愛人—長城行》（The Lovers–The Great Wall Walk）作為分手作，從中國萬里長城兩端出發，各走90日，最終在中間點遇上，然後道別再不相見。

不過是否真的再也不見？2010年在紐約現代藝術博術館（MoMA）舉辦回顧展《藝術家在現場》（The Artist is Present）的瑪莉娜，當時她持續75天，每天7小時以上的不動、靜默，與坐上對面椅子的觀眾凝視。眾人徹夜外宿等待，皆只為與她對坐而視，畢竟對一個人最深情的事，就是給他全部的注意力，深知這箇中道裡的烏雷，也成為此次體驗的坐上嘉賓。時隔22年，昔日情侶檔再次見面，再度帶來一場兩人限時行為藝術，對坐凝視的兩人皆紅了眼眶，為早已逝去的愛情重燃一些短暫花火，而這段相遇也被記錄在《凝視瑪莉娜》（Marina Abramovic: The Artist is Present ）紀錄片中。

只不過原先以為美麗的重逢，烏雷卻在2015年上告法院，表示當時拍成紀錄片的瑪莉娜並未支付他相關版權費，最終烏雷勝訴獲賠25萬歐元。2017年時，兩人終於在電影《The Story of Marina Abramović & Ulay》中公開和解，表明放下過去所有難斷恩怨。

而今烏雷與世長辭，瑪莉娜也在第一時間哀悼，形容烏雷是「非凡」的藝術家，在《藝術論壇》（Artforum） 上，瑪莉娜回憶彼此第一次在阿姆斯特丹相見的過程，「我們在 11 月 30 日第一次見面時，那天是我們共同的生日，我們彼此認定自己找到了生命的另一半。我們的相遇不只是男性與女性能量加乘，更創造出了嶄新的力量，我們將之稱為『That Self』，我們對彼此的暱稱是 Glue（黏膠），恰巧說明了我們在這段感情的相處方式。」
　

「過去多年來，我們之間發生過衝突，但此刻僅存的，唯有愛與感激。」縱然對昔日戀人離世感到極度傷悲，然而值得欣慰的是烏雷藝術創作生涯的作品將永流傳於世。
　 

《呼吸進／出》（Breathing In/Breathing Out），1977

兩人用香煙濾嘴堵住彼此鼻孔，口對口呼吸近20分鐘，直至過多二氧化碳充滿彼此肺部，使得兩人幾乎昏厥。作品像是戀人親吻般，相濡以沫維繫生命，然而浪漫背後卻也帶著一絲危險詭譎。

《時間中的關係》（Relation in Time），1977

兩人將頭髮綁在一起17個小時，只要有另一方的人動到就會扯到對方的頭髮，藉以表現密不可分的情感。

《無法估量》（Imponderabilia），1977

兩人裸體坦見相見面對面，站在美術館的入口，每位入場的觀眾都要從中間空隙穿越。

《殘餘能量》（Rest Energy），1980

兩人共執弓箭，烏雷持箭，瑪莉娜拉弓，而箭正對著瑪莉娜的心臟，如果烏雷放手，瑪莉娜將會立刻中箭而亡。兩人以此表達男性在社會上相對於女生的優勢，但也有人認為這個作品同時說明了兩人作為情人、工作夥伴之間劍拔弩張的關係。

《愛人—長城行》（The Lovers–The Great Wall Walk），1988

1988年，愛情走到盡頭的兩人，終於獲准進入中國，並在長城上演行為藝術《愛人—長城行》；瑪莉娜從山海關出發，向西前進，烏雷則從嘉峪關往東行，兩人在途中相會，給予彼此最後的擁抱，就此告別，再不相見。然而其實原先計畫並非以悲傷結局做為主軸，而是相遇的兩人將結為夫妻，可惜計畫趕不上變化，擁有浪漫名稱的作品，成了兩人分手之作。

《藝術家在現場》（The Artist Is Present），2010

兩人在紐約MoMA美術館再次相見，時隔22年的見面重聚，也被外界形容為世紀大和解時刻。

text / Ian Liu

從台北Restaurant A到倫敦Restaurant Gordon Ramsay等米其林星級餐廳，都可見到陶瓷藝術家劉子瑜的食器作品，它們低調襯托料理、也細緻為餐桌增色。可劉子瑜的創作不僅止於功能性，更延伸出獨樹一幟的藝術性，她將兼容並蓄、有機而和諧的美學，貫穿於嚴謹的創作實踐之中，展現出陶瓷創作、原始的自然力量與自我意志之間的深刻連結。

睽違三年，TAO ART推出劉子瑜個展《漸變》

即日起至2025年4月19日，台北藝術空間TAO ART推出劉子瑜最新個展《漸變 Gradations》，集結藝術家過去7年來累積的作品及創作靈光。展名「漸變」一方面點出了釉燒過程中所經歷的質變，與物質本身的可變性；另一方面則隱喻藝術家多年來的探索與創作軌跡，及作品逐漸長出的豐富樣貌。

談及創作時的心境，劉子瑜說：「在我的作品中，我最享受的是去實驗色彩的漸層變化、各種色調之間過渡的微妙差異。」上述特質也能見於《漸變》個展之中，以下精選幾件亮點作品帶看。

用陶瓷凝結自然美景

近展場入口處的細長圓柱造型陶瓷作品，是劉子瑜從2020年延續至今之作。她藉由流釉質感和高低排列組合，敏銳捕捉不同光線、不同時間之下的感性經驗：〈春寒料峭〉色彩細緻、富漸層變化，令人聯想台灣山林間的濕潤綠意，襯著藍天與雲霧繚繞的遠景；〈秋老虎〉的瑰麗釉色混合了草葉綠、橄欖綠、冷杉綠和芥黃，宛若秋陽斜落於山林、穿越樹葉間隙，瞬息萬變的景色。

對劉子瑜而言，暫時放下對器皿實用性的思考，追求自由表達，是一種嶄新的發現；這次她也首次展出全新水彩紙本創作，呼應陶瓷作品對自然意象的捕捉。

最大展間中呈現寧靜的暖色家居氛圍，以劉子瑜最為人熟知的「餘」系列為主角，並展出精彩的大幅作品〈春夏秋冬〉。其中的亮眼新作還有「池塘深處」系列，她運用礦物塗料創造具流動感、空間感的背景，並在閃爍溫潤光澤、富動態感的魚群之間覆上一層金葉，重現一幅池塘落葉的場景，將瞬間凝結為永恆，寧靜而雋永，蘊含藝術家對生命與自然的深刻感受。

融有趣想像，轉譯古典器物

這次個展中，劉子瑜也再度挑戰由傳統形制的器物發想，融入有趣和想像性的當代元素。她讓南宋青釉龍虎尊上經典的靈獸形象，變身為既像龍又像蟲的龍蝦；器蓋上，在中國傳統中象徵朱雀的鳥被巧妙地換成小螃蟹。而傳統形制的鳳耳紙槌瓶上，則棲息著優雅的蒼鷺，以她特別喜歡的灰藍色調與漸層釉色效果表現。

自在遊走於功能性、藝術性陶瓷創作間

劉子瑜與陶瓷藝術的相遇，是美好的偶然。她出生於美國加州，大學修讀商業經濟學和法語，畢業後曾想赴法國烹飪學校進修，但在啟程前邂逅並愛上陶瓷藝術，因此決定攻讀陶瓷碩士學位，以結合自己對陶土和美食的熱情。如今，劉子瑜的陶瓷作品散見於全球多間米其林星級餐廳，儘管她的創作著重於功能性，但並不受其限制，她以功能性的形式作為設計的起點，最終成品遠不止於實用的餐盤或碗具，而是蘊含深刻意義、質樸與奢華並存的獨特作品。

劉子瑜個展《漸變》

展期｜即日起至2025年4月19日

開放時間｜週二至週六 11:00－19:00

地點｜TAO ART（台北市內湖區洲子街79-1號8樓） 

坐落台東金樽的「江賢二藝術園區」，將於2025年3月15日正式開幕。園區建築依著海岸山脈低調棲於坡地，與太平洋相望；現已開放的5座場館包含展覽廳、藝術家駐村空間、「靜池」觀景台、德布西咖啡廳等場域，未來將持續發掘花東在地的藝術能量，同時積極與國際藝術界交流，實踐將花東打造為國際藝術聚落的想望。

源於美國東岸的夢想，在台灣東岸落地

「江賢二藝術園區」的構想，在1980年代就隱隱埋下伏筆。當時，江賢二在紐約長島東漢普敦（East Hampton）擁有一間小畫室與一塊五英畝的地，便起心動念，構想著每年夏天開放畫室給民眾參觀，讓人們有機會和自己一樣被大自然的美所啟發，這對常說著「藝術家對社會沒什麼貢獻」的他來說，是作為藝術家所能為社會做的小小回饋。

這份40年前因美國東岸而生的構想，如今在世界另一端的台灣東岸成真——園區在深耕花東多年的公益平台文化基金會董事長嚴長壽協助下逐漸成型；由江賢二與林友寒建築師一同構思園區樣貌，並在臺灣清水建築工坊、臺東在地的黃文榮建築師協助下落成。

融於自然環境的藝術園區

規劃園區之初，江賢二便向林友寒提出自己的想法：「希望園區能充分發揮大自然的美，將整體環境融入設計，而不只是展示藝術品的空間。」因此，園區規劃首重自然地景，園內5棟建築皆依海岸山脈的坡度融入環境的紋理，建材與工法以低調的清水模混凝土為主，每一棟都引進自然天光。

林友寒表示：「江老師的作品本身就具有空間性，他並不需要別人的美學意見來設計『代表他的建築』。我們建築師的角色應該『隱形』，思考如何在台東自然生態環境中，用江老師的作品精神建構一文化公共藝術平台。」

雕塑作品化為建築，框景設計讓太平洋成畫

入園首先看到的「恭源接待中心」和「承翰館」（第三展覽廳），以江賢二雕塑作品〈13.5坪〉為原型打造，兩棟建築的屋頂採用他偏愛的耐候鋼，隨著時間的鏽蝕，將呈現深邃的紅棕色；量體稜角分明的輪廓，如落於山坡上的巨大岩石，成為迎賓最亮眼的主視覺。

步入造型與氛圍都似教堂的「承翰館」，瞬間便能感受到類宗教建築予人的神性，整座場館幾乎不見任何直角，燈光幽暗，僅有江賢二親自創作的大型燈飾〈天使的簽名〉、自天窗流瀉的台東陽光微微點亮室內，呼應著藝術家作品中的天光、蠟燭、《百年廟》系列裡的廟宇香火……各種形式、無所不在的「光」，也引導人們在此靜思。

〈13.5坪〉從雕塑正式化為建築之前，還有段有趣的故事——十多年前江賢二剛移居台東，就有以〈13.5坪〉為原型打造自宅的想法，但因建造難度高，久久找不到願意承接的建築團隊；多年後，林友寒為發想園區設計前往江賢二工作室參觀，看見角落的〈13.5坪〉便主動提出：「或許我們可以把它變成建築！」繞了個彎實現藝術家心中的願望。

位於兩座展覽廳——「信義館」與「勤誠館」——之間的「靜池」，透過水景與天色相映，牆面則特意融入框景設計，巧妙襯托出與園區相望的太平洋海景。江賢二特別在此規劃一張長椅，邀訪客在此面向大海，感受啟發其創作的光線、空氣、大海和植物；轉向另一面，則能靜賞《銀湖》系列畫作感受其中靜謐。

若「靜池」象徵啟發江賢二創作的外在環境，那位於勤誠館內的「冥想空間」則代表內在世界，這裡展出一系列貼近江賢二內心的小尺幅作品，邀人們走入藝術家如苦行般的創作世界。

從暗沈到多彩，回望藝術家不同生命階段的心境流轉

園區開幕大展《光、美與淨化》由現任日本森美術館特別顧問的藝評家南條史生，及曾策劃臺東美術館《江賢二2022個展》的藝術家紀嘉華合作，從江賢二創作裡最重要的元素──光——展開敘事，劃分出三大切面：「追尋自由」、「音樂與自然」、「精神性與希望」，體現藝術家在不同生命階段的心境流轉。

談及江賢二藝術園區歷經十幾年籌備、終於對大眾開放的心路歷程，江賢二表示：「我一直認為完成作品後就是藝術家『退場』的時候，作品交由觀眾、評論家、策展人……去解釋和討論。」而這座藝術園區即是濃縮江賢二藝術生涯的重磅之作，凝練了他從封窗到開了片露台日日面海的過程，乍看是一位藝術家超越半世紀的創作生涯，卻也是一個人探尋生命的無盡旅程。

深入參與園區建設的林友寒建築師則說，江賢二藝術園區是極其獨特的作品，「園區離它『生命的源頭』很近，藝術家仍健康在世、他的生活就面向這個場域，所有建築都和藝術家的作品有所呼應。」擔綱開幕策展、同時也是園區榮譽館長之一的南條史生也有同樣感想：「園區開啟了一個『歷史的起點』，這個場域有十幾年來江賢二創作與生活的軌跡，從今而後，訪客的參與將與園區共同寫下新的歷史篇章。」

江賢二藝術園區

地址｜台東縣東河鄉台11線73號

開幕日期｜2025.03.15