瘋狂藝術大師達利的繆思女神!揭開愛妻卡拉如何成為達利畫中最佳「靈感」

達利與愛妻卡拉

「要成為畫家,要知道為什麼卡拉愛繪畫,而繪畫也愛卡拉的秘密。」

 

「卡拉,我將每天為著妳的幸福而努力作畫,以我的靈感浸著妳的血塗在畫面上,並決定在作品裡簽上我們兩個人的名字。」這樣血淋淋的告白,可以看出達利不僅是在創作上義無反顧,對於愛情,更是瘋狂而執著。

 

1929年,對於達利是非常關鍵的一年,他不但透過米羅認識了超現實主義運動核心人物法國詩人安德烈布魯東(André Breton)與艾呂亞(Paul Éluard),正式加入了超現實主義的陣營,並且,也認識了他生命中最重要的女人——卡拉(Gala Dali)。雖然他們相遇時,卡拉已是艾呂亞的妻子並育有一女,甚至足足年長達利十歲,但這一切都阻止不了他對於這個女人的迷戀,很快地他們雙雙墜入情網並且結婚。對於達利而言,卡拉是給予他無盡靈感的繆思女神,也是安定他靈魂的力量,在達利許多作品中都可看到卡拉的影子,1930年他的作品中甚至開始出現兩個人的聯名簽名,在現實生活中她也扮演了達利的超級經紀人。

 

事實上,在與達利相遇之前,聰明而性感的卡拉已是超現實主義運動成員包括阿拉貢、恩斯特與布魯東等人的靈感之源,即使布魯東後來說卡拉對於他們是破壞性的影響,但也足以證明這位來自俄羅斯的女子身上,擁有超凡的特質與魅力。卡拉的身影可以說是西方藝術史中最被投入深情與性感特質的中年女子意象,她頻繁地出現在達利宗教題材的繪畫裡,化身為聖母的形象,而從達利多次表達卡拉是他的「聖餐麵包」或「用她的血作畫」,可以說,達利的上帝就是他的妻子卡拉。

 

愛的路上三人行

即使達利對於卡拉深情款款,但她卻常不安於室,對於妻子無數次的出軌,達利不但完全包容甚至予以鼓勵,只能說達利對於她的愛是超越佔有。

 

只剩麵包的關係

挪用拉斐爾描繪他的麵包店情人之作〈La Fornarina〉的古典畫法,達利花了一年多完成這張卡拉肖像,裸露的半邊乳房正象徵了讓人滿足溫飽的麵包,也是聖餐中基督的肉。無奈此時的達利雖有不惑之年的成熟魅力,但卡拉卻只愛青春的肉體,即使她自己也已五十。

 

身體裡的純淨聖殿

達利曾回憶小時候發現一隻被螞蟻啃食成只剩外殼的昆蟲,他把昆蟲舉高,透過昆蟲軀體的空洞看到了天空,「每次當我想要達到純粹的境界時,我就會透過肉體望向天空。」這件在二次大戰結束時完成的作品,將卡拉的裸背轉化成教堂裡的階梯、柱子、天空與建築,妻子的身體化身為神聖的殿堂,也是他最純粹的愛之源。〈我的妻子,裸體,看著自己的身體〉1945

 

卡拉,達利的宇宙之核

廣島核爆之後,達利開始對於核物理產生興趣,他說原子就是他的最佳思想糧食。這幅原子時期的作品,一粒粒的球體如原子般保持著距離卻又形成和諧的秩序,在原子排列與金屬色澤的變化中,卡拉如聖母般的肖像浮現在空間裡,臉龐與頸部的優雅線條,充滿聖潔之美。卡拉,就是達利的宇宙觀與信仰。〈Galatea of the Spheres原子卡拉的領域〉1952

 

黃金般的神聖之愛

1966年開始的十年間,達利創作了一系列以金幣為元素的金飾作品,名為「Dalíd'Or」。金幣墜子的幣面上,是達利與卡拉兩人重疊的側面肖像浮雕,而兩人的姓名字母則成為重要的裝飾元素,上下對稱地將金幣襯托出來。〈達利-卡拉金幣墜子〉

 

營養

達利說:「我既喜歡妻子,也愛吃肉,沒理由不將二者畫在一起。」達利常將諸如豆子、培根、羊排、荷包蛋等食物與人物並置,而呈現出怪異虛幻的畫面。這件僅有6.8╳8.8公分大的木板油畫,是用只有三根毛的畫筆細細畫出的,可見他精湛的工筆技巧。〈肩上置放兩塊羊排的卡拉肖像〉1933

 

撰文/高麗音 、張素雯

插畫/藍找威 

攝影/劉信佑

圖片提供/Salvador Dali Museum、The Stratton Foundation & United Exhibition Group、Oali、The Dali Museum、Piaget、時藝多媒體、鋒恩國際

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史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡

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史上規模最大的David Hockney登陸巴黎路易威登藝術基金會(Fondation Louis Vuitton),匯聚近70年藝術生涯、超過400件作品,從加州時期以泳池為題的一系列作品,到近年以iPhone與iPad創作的數位繪畫,展現David Hockney對於創作與創新的執著不懈。

史上最大規模的David Hockney特展

這場展覽由David Hockney親自參與策劃展覽敘事與空間配置,並與他的伴侶兼工作夥伴Jean-Pierre Gonçalves de Lima共同構思。展覽除了聚焦其過去25年的創作,也同時回顧David Hockney早期的代表性作品,帶領觀眾走進他多元且持續進化的藝術世界。他表示:「《David Hockney 25》是我有史以來規模最大的展覽,連我現在正在創作的畫作也會展出,我想這一定會非常精彩。」

史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
《David Hockney 25》展覽現場(圖片來源:Fondation Louis Vuitton)

持續帶來創新與驚喜的藝術旅程

自1960年代初嶄露頭角以來,David Hockney一直是英國當代藝術的重要代表。活躍藝壇至今超過六十年,他的創作生涯豐富且多產,無論媒材或技法皆持續創新,從未停下腳步。

史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
David Hockney(圖片來源:Fondation Louis Vuitton)

David Hockney著迷於各種風格的藝術語言,並從自身的觀察、記憶與想像中汲取靈感。《David Hockney 25》首先以1950至1970年代的重要創作揭開序幕,像是1960年代David Hockney移居美國洛杉磯,以當地明媚的陽光、泳池與自由氛圍創作出的《更大的水花》與《藝術家的肖像(泳池與兩個人像)》等作品,以及《我父親的肖像》、雙人肖像系列如《克拉克夫婦與貓》等。

史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
Portrait of an Artist (Pool with Two Figures)(圖片來源:David Hockney)
史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
Christopher Isherwood and Don Bachardy(圖片來源:David Hockney)

1980至1990年代,David Hockney轉而描繪自然景觀,並持續挖掘風景畫的可能性。本展將呈現該時期代表作如《更大的大峽谷》等。

展覽的重點部分,則聚焦David Hockney近25年回到英國,於約克郡、諾曼第與倫敦的創作。在這段時期,他以色彩明亮、視角大膽的自然主題畫作為主,像是描繪春日山楂叢盛開的《五月的白花灌木》,以及巨幅冬景《沃特附近較大的樹》等,都展現了他對季節與光線變化的敏銳觀察。

史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
May Blossom on the Roman Road(圖片來源:David Hockney)

這些畫作後來也成為David Hockney數位創作的基礎。新冠疫情期間,他以iPhone與iPad捕捉春日與重生意象的景色,透過科技筆觸描繪生活的希望,持續為人們帶來充滿驚喜的作品如《220 for 2020》系列。同時,他也持續以iPad和壓克力媒材為親友繪製肖像,並以傳統畫框裝裱數位畫作,產生時空交錯的視覺效果。

史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
Full Bloom, 27th March 2020, No. 1(圖片來源:David Hockney)

來到展覽的尾聲,則將揭曉David Hockney自2023年7月搬至倫敦後的最新作品,其創作過程深受孟克與布萊克等人啟發,畫中結合天文、歷史、地理等元素。除此之外,David Hockney更將在此帶來他最新的自畫像,為這場規模空前的回顧之旅收尾。

史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
After Munch: Less is Known than People Think(圖片來源:David Hockney)
史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
Bigger Trees near Warter or/ou Peinture sur le Motif pour le Nouvel Age Post-Photographique(圖片來源:David Hockney)

David Hockney 25

展覽日期|2025.4.9 - 2025.8.31
展覽地點|Fondation Louis Vuitton

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讓自我如幻夢般流動!Ana Karkar個展《Pipe Dream》登台:以變形女體,挑戰對情色和親密的既定想像

TAO ART推藝術家Ana Karkar台灣首展!《Pipe Dream》以流動女體挑戰對情色和親密的既定想像

台北藝廊TAO ART與巴黎瑪戈畫廊(Galerie Marguo)攜手合作,推出法裔美籍藝術家安娜・卡卡(Ana Karkar)在台灣的首度個展《Pipe Dream》。女體和女性意識,幾乎從未缺席卡卡的繪畫作品中,她們總以彷彿在「變形」中的姿態面世,情緒張力飽滿,洋溢持續蛻變、解放與創造的生命力,帶觀者墜入鴉片幻覺般的夢境,穿越現實與幻想的邊界。

TAO ART推藝術家Ana Karkar台灣首展!《Pipe Dream》以流動女體挑戰對情色和親密的既定想像
(圖片提供:TAO ART)
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狂想般的視覺語言,包裹對「自我」的見解

東西方神話、實驗電影、克林姆等維也納分離派畫家……滋養著卡卡的創作養分,引領她發展出近似「狂想」的視覺語言。她用極具流動性的筆觸描繪女體、勾勒女性意識,像是種反叛,挑戰人們對情色與親密的既定想像;也是份宣言——自我沒有固定的形式、沒有清晰的邊界,而是如花般層層綻放,在關係中不斷展開、變形與再生。

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(圖片提供:TAO ART)

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(圖片提供:TAO ART)

《Pipe Dream》探索女性形態與意識的流動

此次個展《Pipe Dream》展出的最新作品,持續探索女性形態與意識的流動性。如〈Emergence畫中濃綠與青藍色調,喚起水與生命誕生的意象,與火的元素形成對比,象徵重生與轉化的力量。畫中的赤裸女體形象,神秘而無法被定義;她內心彷彿燃燒著渴望,只為蛻變成那最真實、最自由的自己。

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(圖片提供:TAO ART)

另一邊,〈Scales畫中女人的臉龐被飄逸頭髮所環繞,形態如火焰、煙霧或盤旋的蛇,白與紫的色彩對比空靈而神秘,營造近乎神話般的場景。

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藝術風格受維也納分離派、實驗電影啟發

卡卡的創作深受維也納分離派的影響,也受到地下電影與實驗電影的啟發。她筆下的裸體畫作中,糾纏扭曲的身體構成一場如死亡之舞般的景象,強烈筆觸令人聯想到埃貢·席勒(Egon Schiele);激情而自由的氛圍、裝飾性與感官性兼具的視覺語彙,則呼應了克林姆(Gustav Klimt)的《吻》。畫中的敘事風格靈感來自多位導演,從寺山修司、布萊恩·狄帕瑪(Brian De Palma)到達利歐·阿基多(Dario Argento),以及眾多當代攝影師與她私人收藏的情慾圖像。

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(圖片提供:TAO ART)

不論是技術上的探索還是角色的奔放張狂,都讓卡卡的繪畫像是一種「解放性的表達行動」,延續了舊金山迷幻藝術對維也納分離派的再詮釋。這樣鮮明的個人風格,根植於卡卡的生活背景,她出生並成長於舊金山,從舊金山藝術學院、巴黎索邦大學、巴黎國立高等美術學院畢業後,曾進入Louis Vuitton總部工作,於影像製作和數位媒體部門任職7年,現定居於巴黎。舊金山與巴黎的人文風貌、科班出身及工作經歷,皆深深影響她的創作。

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(圖片提供:TAO ART)

在畫中創造「心裡空間」

瑪戈畫廊共同創辦人Vanessa Guo認為,「卡卡畫的不是單純的身體,而是一種不斷變化的狀態——她的每一幅畫都像是一場關於慾望、轉變,還有被看見時那種既興奮又不安的夢。她用一種流動的女性視角,創造了一個心理空間,在那裡,身體不再是固定的,而是不斷變化、彼此交織,充滿了慾望、神話和記憶的張力。」

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(圖片提供:TAO ART)

Ana Karkar台灣首展《Pipe Dream

展期|2025.05.0707.12

開放時間|週二至週六 11:0019:00

地點|TAO ART(台北市內湖區洲子街79-18樓)