臺北市立美術館（簡稱北美館）藝術家研究大展《未完成，黃華成》正式開展，從5月9日至11月8日半年時光，讓台灣人得以一窺這位藝文及設計界的前衛先鋒。 本次大展邀請客座策展人張世倫擘劃，並徵得資深藝術家張照堂擔綱歷史諮詢與史料提供的重任，重現藝術家黃華成生前重要展覽事件中發表的「作品」、「行動」及相關文獻。本展涵蓋其繪畫創作、300本書封設計及手稿、影片和舞台裝置，呈現藝術家在跨領域創作所引領的多方概念思維。

台灣前衛藝術設計先驅

黃華成於1954年進入台灣師範大學藝術系，在學期間展現獨樹一格的藝術觀念，1958年自師大藝術系畢業後，旋即踏入現代藝術創作，1960年代起實踐橫跨多種領域，舉凡繪畫、文學、廣告、設計、現成物、裝置、觀念藝術、劇場、實驗電影等等皆有涉獵，除了是《劇場》季刊核心份子，並曾創立成員僅有一人的「大台北畫派」，所展現的創新概念與不妥協態度，讓他成為台灣戰後前衛藝術的先鋒。1970年代黃華成專注書封設計，開創運用現成物拼貼、攝影手法表達書籍的意象與概念，以大膽新穎的風格為台灣書封設計開闢新方向。

黃華成生前曾換過30幾次工作，活躍時期使用諸多化名發表作品並參與展覽活動。誠如藝術家所示：「介入每一行業，替他們作改革計畫」(節錄自《大台北畫派宣言》第三條)，他超越當時創作的環境限制，於1960年代起不斷激盪、導引一股新的社會文化革新運動。然而隨著黃華成的早逝、壯志未酬，及缺乏後續研究，許多作品佚失不存，為台灣現代藝術史留下許多未解之謎。

黃華成曾言：「藝術是會腐朽的，而且立即腐朽，新的總比舊的好。」但然而這位藝術先驅即便已離世近25年，其獨樹一幟的設計概念，仍舊持續影響著新一代各領域創作者。本次特展以黃華成遺留手稿、工作文件與史料研究為主軸，試圖追尋其創作生涯中的重要軌跡。策展人張世倫在缺乏足夠藝術家「真跡」的限制下，以僅存、保留於臺師大的三件原作為起點：一方面「以黃華成為線索」，將其參與的各類活動為史料支點，探索當年文藝青年在現代主義氣氛下嘗試創作的集體實踐；二方面嘗試彰顯黃華成個人突出破格、持續翻新、顛覆擾動、實驗辯證的前衛精神。在原件匱乏的情況下，攝影家張照堂曾為黃華成摯友的情誼與時代見證的角色，以及其珍藏的檔案文獻，至為關鍵，得以還原藝術家在歷史情境中的真實面貌。

大台北畫派

1966年黃華成發表《大台北畫派宣言》共81條宣言，打破當時人們對於神聖藝術展覽的想像界線，其《大台北畫派一九六六秋展》更將觀念藝術、現成物、裝置藝術置入其中，擱在入口的是一塊木板，被策展人從畫冊上東撕西扯下來的名畫包覆著，而想進一步觀看那沒有畫作的展覽，你得先踩著那塊彷彿承載滿滿藝術能量的地毯當踏板，就當時而言，幾乎像是褻瀆了藝術領域。

板凳、沙發、鍋碗瓢盆、畫框等日常之物散放於展中，就是不見任何畫作，然而回過頭看，這正是現今大眾再熟悉不過的裝置展，有如走進創作者最真實的想像世界，而黃華成無疑是台灣裝置與複合藝術的先驅。

▶台灣前衛藝術設計先驅！走進黃華成神祕的《未完成》創作世界

300本以上書封設計展出

「好的封面設計是這本書的第一次書評。」黃華成說道。隨著1970年代台灣出版業逐漸企業化，中小型出版社對於裝幀設計的需求逐漸增加，當時黃華成至少設計出300多本書封，每個月甚至高達20多本，而水準最齊的莫過於在遠景出版社時期（遠流前身）。像七等生的著作《我愛黑眼珠》封面，他找來莊靈老師的女兒擔任女主角，手拿剪刀、眼矇布巾、布巾上還畫眼珠，引起轟動和批評，說這設計太聳動和小說精神不符，但黃華成根本不會在意這些。」

失傳影片再現

2017年藝術家蘇育賢曾以《石膏鑼》重新演示黃華成重要劇作《先知》（1965）向其致敬，亦在本展呈現，引領觀眾穿越時空理解黃華成對於前衛的詮釋。展覽亦擇選復刻黃華成臨終前所作「大台北畫派三十年」發表會現場，聚焦在藝術家凝視生命盡頭的重要時刻。值得一提的是，原片已佚失的黃華成實驗電影作品《生之美妙》（1967），這部與劇作《先知》互為表裡地象徵六〇年代文藝青年精神狀態與心靈世界的實驗電影，亦在籌展期間時重新尋獲，將於本展進行睽違半世紀的特別放映。

黃華成，《先知》劇照，1965，©莊靈，臺北市立美術館提供。

北美館林平館長表示：「本次啟動多年來近乎不可能的展覽企劃，透過難能可貴的史料集結，除試圖呈現黃華成創作研究的整體觀，更藉由其藝術行動檔案化的歷程，引領觀眾召喚更多樣的文化記憶，深具有補綴台灣現代藝術史空缺的積極意義。」本展展出歷時6個月，專輯預計於8月底出版，一套三冊分別以專文論述、手稿文字、作品圖像的方式，收錄藝術家言語、策展及專家觀點，亦難能可貴納入策展顧問張照堂對黃華成的觀察與回顧，希望為台灣前衛藝術先鋒黃華成留下跨時代研究的印記。

《未完成，黃華成 》（An Open Ending: Huang Hua-cheng）

展覽日期｜2020/05/09 （六）- 2020/11/08 （日）

展覽時間｜週二至週日 9:30-17:30，週六 9:30-20:30，週一 休館 

展覽地點｜臺北市立美術館 3樓 3B展覽室（臺北市中山區中山北路三段181號）

*即日起須配戴口罩且額溫未超過37.5度者，始得入館，並於入館時實名制登記聯絡資料。

via 北美館

2026北美館X-site計畫由「做白工作室」作品《鏡・亭・山：相看兩不厭》獲得首獎，即日起至7月26日展出。本作結合鏡面、涼亭、山形3大元素，以「掀起地表」為核心意象，利用鋼板和懸索結構，在北美館廣場創造出一片完全穿透、不靠柱和牆支撐的自由場域，邀訪客在此停留、感知和參與，讓藝術之旅在入館前就啟程。

把「經過」轉化成一種參與行動

「廣場」如城市裡的留白，為人們提供歇息之處，也在訪客抵達目的地之前，有片過渡地帶得以轉換情緒——但除了「經過」，我們還可以從廣場中獲得什麼樣的感知體驗？臺北市立美術館（北美館）邁入第13屆的「X-site計畫」，正是從這道提問出發，以館前廣場為基地，每年透過公開徵件，邀不同創意團隊透過建築、藝術、設計等方式介入，為人們開啟體驗北美館廣場的新路徑。

在北美館廣場掀起一座鏡面小山

2026 X-site計畫首獎得主——做白工作室，是以「創造有意義的空白」為核心概念的跨領域設計團隊，這次他們透過對基地脈絡的細膩閱讀與材料語彙的深入研究，將《鏡・亭・山》視為一種介入環境、重構人與廣場關係的行動實踐。

做白工作室以鋼板和懸索結構為主要材料，在廣場創造一片不靠樑柱和牆支撐的穿透場域，且作品未錨定於既有地坪，巧妙形成地表被「掀起」的視覺效果。像這樣透明而公開的結構，不僅讓訪客得以一覽作品結構組件之間的相互關係，也為人們在廣場上的停留時光注入更多遊逛、探索的趣味。

「鏡・亭・山」各有何涵義？

《鏡・亭・山》具有3種不同層面的解讀意涵，各個層面都讓「經過」成為一種參與：「鏡」反射空間下的動態互動，更在特定角度中映照出周遭自然、北美館建築等環境現況；「亭」意指傳統上遮蔽或供人停留的空間，也代表「從地表拉起的結構」所形成的新空間；「山」則可連結至雙向掀起的屋頂與地板共同構成的休憩空間，訪客可在此歇息，也能自由穿梭其中。

聲音裝置、蛇紋磚片藏彩蛋

本作更有由環境發想延伸的「可觸碰發聲互動裝置」與「蛇紋磚板片」。團隊將抵抗風浮力的鋼纜，進一步結合為互動裝置，其猶如樂器中被繃緊的琴弦，當「弦」被觸碰時，便會發出自基地蒐集而來的日常聲響，包含展間中的低聲交談、觀者行走於建築內的腳步聲，揭露潛藏在美術館之中、平時不易被察覺的細微聲音。

而對於蛇紋磚板片，團隊表示：「塞尚晚年反覆描繪聖維克多山，不只是繪畫練習，更是一種追索真理的實踐。此次作品屋頂上的蛇紋磚板片，便是以此為靈感，並將自第1屆X-site舉辦以來的廣場衛星空拍圖作為像素，重新組構成蛇紋石地磚圖案。」北美館廣場的蛇紋石地磚，不僅是場域的重要視覺特徵，也承載著觀眾造訪美術館的共同記憶。

《鏡・亭・山》展出期間，亦規劃團隊座談及多項公眾活動，涵蓋現場演出、參與行動、聲音、文學與工作坊等，邀請觀眾在人與環境、內與外之間，與環境共同感受那片「有意義的空白」。

2026 X-site《鏡・亭・山：相看兩不厭》

展期｜2026.05.16－07.26

地點｜臺北市立美術館 戶外廣場

呼應夏日的燠熱暑氣，綠美圖之臺中市立美術館（中美館）推出《熱暑人》特展，展期自5月中旬延伸至8月底，在台灣烈日炎炎的時節，以「熱／暑的文化和當代藝術」為主軸，匯聚來自16國的33組藝術家，透過繪畫、雕塑、錄像、聲音裝置等媒介，展演熱帶氣候如何影響人們的生活和身體感受。

3國聯合呈獻「熱文化」的多元面向

《熱暑人》是中美館開館以來首次串聯國際館舍的展覽，由台灣、菲律賓、巴拿馬3國機構聯手呈獻。展覽以台中作為首站，後巡迴至菲律賓、巴拿馬，並結合國際駐村計畫，邀國外藝術家來台駐地創作，勾勒出台中與其他熱帶地域的關聯，邀觀者以藝術為窗口，發掘熱帶國家與「熱文化」的多元面向。

展覽內容涵納熱帶醫學史、民俗療法、氣候地理、跨域文化等面向，回應「熱」如何在日常身體感受與殖民歷史脈絡中被理解與建構，並在不同文化與生態環境中，衍生出多樣的生命經驗與藝術表達。回應策展命題，參展藝術家透過田野調查與跨地域研究，以氣候、身體、記憶與自然為關鍵線索，描繪台灣與熱帶國家之間彼此呼應的生活圖譜。

《熱暑人》亮點作品搶先看！

▌台灣在地的熱暑記憶

《熱暑人》回扣台灣在地文化記憶，展出中美館典藏的王守英油畫〈夏日時光〉、廖瑞芬膠彩作品〈夏晨〉，透過畫作對光線、空氣與時間的細膩描繪，再現台灣夏日的日常景象與身體感受。這2件作品不僅呈現燠熱氣候下的生活樣態，也讓「熱」成為一種帶有情感溫度的記憶媒介，令觀者憶起與暑氣共度的生活片段。

▌在暑氣之中，聽見社會的節奏

在國際藝壇享有高知名度的巴拿馬藝術家Donna Conlon與Jonathan Harker，這次帶來〈熱帶鋅鳴曲〉及〈飲酒歌〉2件錄像作品，取材自巴拿馬日常物件與街頭聲響，透過節奏編排與幽默的視覺轉化，將日常轉化為對國族認同、身份與集體經驗的隱喻，呈現「熱」如何滲透於生活細節之中，並成為築起社會結構的線索。

▌用藝術表達「與熱共處」的生活知識

藝術家也從身處熱帶與亞熱帶地區的生活經驗出發，展現「與熱共處」如何成為一種順應自然、且深植於文化之中的實踐與知識系統。

巴拿馬藝術家Andrea Santos的〈太陽雨〉系列作品，透過錄像、繪畫與雕塑方式呈現，轉化加勒比海與拉丁美洲流傳的諺語：「太陽雨，是老太婆談戀愛！」在陽光與雨水同時存在的矛盾情境中，構築魔幻的視覺語言，並延伸出對身份認同、情感投射與土地關係的想像。

菲律賓藝術家Costantino Zicarelli經常結合史實與虛構，反思神話、身分與文化記憶的建構。這次展出的油畫作品，將菲律賓熱帶叢林的自然紋理，與影像製作中的「綠幕」機制並置，呈現方式呼應在地電影工業的綠幕概念。

▌氣候變遷，熱成了全球共同面對的現實

當氣候暖化帶來的衝擊逐一影響全球時，「熱」也從個體身體的感知，轉變為當代社會共同面對的環境現實。南方國家長期發展的避暑與解熱方式，不僅回應環境條件，也蘊含面對環境壓力時的生命韌性。

台灣藝術家蔡宗祐以獨特的當代水墨風格呈現〈拔罐圖〉、〈刮痧圖〉及〈針灸圖〉，表現應對中暑的民俗療法，描繪令台灣人會心一笑的「背部圖騰」，使身體成為文化書寫的載體。

設置於綠美圖大廳的作品〈It’s too late to give up〉出自克羅埃西亞藝術家Neli Ružić，她為台灣特別設計中文版燈光文字作品〈來不及放棄〉，其作品名原文被翻譯成多種語言，透過光讓一句文字在公共空間中形成可被理解的訊號，既指涉當代社會的壓力與臨界狀態，也隱含保有力量、繼續前行的希望。

▌熱竟也影響殖民歷史、地緣政治？

展覽也進一步觸及「熱」與殖民歷史及地緣政治之間的關係。台灣、菲律賓與巴拿馬都曾經歷殖民統治，殖民政權所引發的政治衝突，以及以利益為導向發展的「熱帶醫學」，在當前全球地緣局勢變動之際，透過歷史文獻與當代影像的並置，提供觀眾重新理解歷史並反思當代議題的契機。

策展團隊特別與國家攝影文化中心、台大醫院合作，展出醫療防疫史上珍貴的儀器與影像，揭示「熱帶醫學」在公共衛生發展與殖民治理之間的雙重角色。

以紀實攝影關注社會的台灣藝術家張乾琦，隻身前往坦尚尼亞，於混亂危險的現場拍攝錄像作品〈邦戈熱〉，記錄當地毒品氾濫及傳染病問題，呈現「熱」在社會失序與生存壓力的意涵。

邱子晏的錄像作品〈高砂深山鍬形蟲〉，回望日本殖民時期的科學研究與知識建構，揭示其中隱含的權力關係與意識形態，映照台灣在歷史轉換中，身份拉扯的矛盾。

葉忠宜以「熱扭曲影像」為主軸設計主視覺

展覽主視覺由設計師葉忠宜操刀，畫面呈現熱擾流造成的熱扭曲影像，像是滾水蒸氣、炎夏模糊街景、海市蜃樓……各種日常熱感的物理表徵。視覺概念直觀地以紅色熱浪為主題，搭配冷藍底色形成強烈冷暖對比，讓扭曲光影更具層次和深度，引導觀者藉此感受熱暑的體感晃動。

從台中出發，連結世界的藝術行動

《熱暑人》不僅是一檔展覽，更是一項跨國藝術行動。本展推動2組國際駐村計畫，邀請國外藝術家深入台中在地進行創作：菲律賓藝術家Corinne de San Jose與東海大學合作，從城市環境聲音出發，建構與地方節奏相關的聲音作品；瓜地馬拉藝術家Edgar Calel則與台中在地鯉魚藝廊合作，呈現瑪雅文化與傳統儀式，使文化記憶在跨地域的交流中重新被感知與理解。

《熱暑人》

展期｜2026.05.13－08.30

地點｜綠美圖 臺中市立美術館

門票資訊｜全票100元／臺中市民、兒童及樂齡族群享優惠票50元