德國當代視覺藝術家Alicja Kwade台灣首展！走進「Trans-For-Men11」魔幻石陣超現實世界

波蘭裔德國籍當代藝術家 Alicja Kwade，利用鋼鐵和石頭完成了作品，但她真正使用的材料，其實是時間和空間。」2019年春天，《紐約客》（The New Yorker）替Alicja Kwade的創作下了這樣詩意的短評，搭配幾乎滿版的照片，裡頭是她替紐約大都會博物館屋頂花園展覽（The Roof Garden Commission）製作的「ParaPivot」：方框造型的巨大鋼構和彩色玉石交錯並置，觀者在其中每走一步，都能重新感受「方」和「圓」共譜的視覺韻律。

這不是Alicja Kwade首次躍上世界級的舞台。2017年，她在威尼斯雙年展，用石、木、鐵、鏡子等材料做出的現地裝置「WeltenLinie」，同樣獲得極高評價，被《紐約時報》封為該屆展覽最傑出的十件作品之一。投身創作近20載，Alicja Kwade近年在全球當代藝術界大放異彩，作品更獲龐畢度藝術中心、德國納粹防空洞（Sammlung Boros）等知名機構收藏。2020年，其作品終於在台灣文心藝所首度展出。由文心藝所基金會策畫的《ALICJA KWADE—Hypothetical Reality》，帶來她最著名的創作之一「Trans-For-Men11」。

從「相對性」看見人類的微小

「我並非認為萬物皆幻象（illusion），我只是覺得，並沒有所謂針對物件真正『獨立』或『中性』的認知。物件被定義的方式，必和所處的脈絡，以及你的主觀想法有關。而這就是我創作的主軸。」2019年「Trans-For-Men11」被借展於麻省理工學院的當代美術館時，Alicja Kwade曾對波士頓媒體WBUR如此說道。

替Alicja Kwade策畫大都會博物館屋頂花園展覽的策展人Kelly Baum，曾詮釋其創作是從「懷疑」（disbelief）出發，因為所有一切都是相對。物件是什麼（What），來自你何時（When）、何地（Where）、如何（How）觀看，當然也與你是誰（Who）有關。從這個哲學式的思辨出發，她拉出空間、時間、物質性等多層次的辯證。例如，相較於浩瀚的宇宙，我們各自不過是地球上70億人口分之一；相較於永恆的時間之流，我們能擁有的也僅是一剎那的生命。倘若理解這點，人類的煩惱、甚或互相殘殺，不都顯得愚蠢嗎？

一列石頭的自我辯證

不論大都會博物館的「ParaPivot」，或威尼斯雙年展的「WeltenLinie」，觀者都會在穿梭其中時，看見非常物理和數學式的「點」「線」「面」不斷重組又解構的過程，進而體驗何謂「相對性」。「Trans-For-Men11」也是如此：這件作品以置於中心的花崗岩為起點，以費式數列演算，分別向左右各延伸出五枚體積相同，但一邊逐漸變化成正方形，另一邊則逐漸轉為圓形的複製石。複製石因混凝土、陶瓷、拋光冰晶等不同材料的顏色，整體構築出一種淡雅的印象。

總共11枚石頭排成筆直一列，兩兩中間又豎立鏡子，讓視覺既延伸、又夾藏材質的斷然轉換，就像上帝親手落下的暗號，簡單卻深奧，是自然與人造物永無止境的對話。自然和人為的分界何在？自然如何（被）決定要往哪一端變化？自然的真實又存於何方？宛如柏拉圖洞穴寓言（Allegory of the Cave）的辯證，藝術家藉由平凡的石與鏡，叩問這人類始終難解的哲學問題。

繼之前的韓國藝術家梁慧圭（Haegue Yang）、丹麥藝術家傅丹（Danh Vo），鎖定當代藝術展為主軸的文心藝所，這次再度獻上國際重要當代藝術家的大作。配合展覽，現場同步展售許多Alicja Kwade的作品集和相關出版品。來這裡點杯招牌冷萃咖啡，到二樓收藏建築和藝術書籍的文心書店逛逛，當然最重要的，還是親身體會「Trans-For-Men11」的魅力。從你的角度，在石列中能發現什麼？轉換對眼前世界的思考邏輯，就從這裡開始。

《ALICJA KWADE—Hypothetical Reality》

展覽地點：文心藝所（台北市內湖區寶湖里13鄰民權東路六段180巷10弄6號1樓）

展覽日期：即日起~7.19

Facebook：文心藝所Ｗinsing Art Place

文／歐陽辰柔 

圖片提供／文心藝所

via / 文心藝所

藝術家Stella個人展覽《成石記》即日起至11月8日於Whimsy Works奇想會展出。她以毛線為材，透過簇絨（tufting）手法，結合3D列印技巧，探索「石頭」的形體與成形之道。展覽不僅視覺充滿趣味，敘事也藏哲思。

長期以「石頭」為創作題材，Stella融入奇想，利用織品再現礦石的斷面、色澤和紋理。從傾力重現石頭的「形」，到創作和人生歷程推進，轉向思考和感知石頭「如何成形」，Stella逐漸捏塑出一套獨屬自己的石頭語言，行經一段「見山是山，見山不是山，見山還是山」的創作修煉之路。

以還原石頭的「形」為始

展覽《成石記》取自《紅樓夢》別名，因Stella覺得故事設定有趣，且「成石」字面上的意思恰巧呼應了她的創作探索之途。Stella早期的創作視角，著重於觀察石頭外在形體，並將其轉化到簇絨表面，力求作品接近石頭的「形」。她透過自學並使用兒童編織工具，在反覆調整與重新製作中，建立自己與石頭的關係。

毛線的柔軟與石頭的堅實，為作品創造鮮明而有趣的對比，也成為Stella持續探索材質與感知的起點。她的創作始終保有直覺式的本能，帶點笨拙，如孩童理解世界的方式，透過觸摸與模仿，憑直覺理解一個遠比自身龐大的世界。反覆揣摩石頭的過程如牙牙學語，也像是在學習一種原本並不存在的「石頭語言」。

轉向探索石頭「如何成形」

持續創作5年左右，Stella的想法有了轉變，不再執著於表面細節的多寡，不再迷戀如何精準複製一顆礦石的樣貌，轉而捕捉石頭「成形的力量」。她藉由毛線的密度、纖維傾倒的方向，以及表面起伏形成的陰影，表現礦石在漫長時間裡堆積、擠壓、流動與凝結的節奏。另外，她也進一步與工研院合作，利用3D列印技術，創造出有別以往的異材質軟雕塑。自此，石頭在Stella的作品中呈現出不同於日常認知、永遠堅硬的樣貌：時而硬實，時而柔軟，有時甚至帶有流動的姿態。

這個轉變的有趣之處在於，即使Stella的作品逐漸遠離石頭既有的物理結構，觀者仍可能從中感受到石頭的存在。而藝術家也不再需要一次次透過那些構成石頭的條件，去證明自己的作品有「多像一顆石頭」，而能著重傳達其「石性」。

異材質軟雕塑揉手作和科技痕跡

《成石記》集結Stella歷年代表作，從巨型簇絨地毯、裝置，到3D列印軟雕塑都在場。其中〈Crystal Cave〉系列作品，是她與ROSO機器人建造實驗室共創之作，其透過演算法轉譯自然礦石的有機輪廓，借用大型機械手臂進行3D列印，以絢麗色彩逐層堆疊出幾何與材料交融的形態。材料流動與冷卻所形成的獨特分層，將列印過程中的動態與時間凝結為可觀看、可觸摸的立體紋理，為展覽注入科技與手作交織的美學語彙。

5年的時間，或許不足以使一粒砂礫成岩，卻讓Stella作品中繁複的礦脈逐漸退去。《成石記》呈現這段從「似石」走向「成石」的創作歷程，更由石頭的存在主義，延伸意義至物質內在的本質，也就是所謂「石性」。當觀者踏入展場，眼前所見是石的進化，所感則是一位藝術家摸索未歇、終於「悟道」的自省過程。

《成石記》Stella 軟雕塑個展

展期｜即日起至2026.11.08（日）

時間｜13:00－19:00

地點｜Whimsy Works 奇想會（台北市大安區安和路一段21巷7號）

廚房那瓶清透的橄欖油，或墜入鍋裡與義大利麵交融、或淋在沙拉和麵包上注入一抹清香，理所當然地陪伴著我們的餐食日常。那你是否曾好奇，這我們習慣從超市貨架取下的食品，在抵達日常之前，經歷過怎樣的土地淬鍊與生產系統的運轉？

藝術家黃麗音走進西班牙第一線生產現場，蹲點尋找答案，並將收穫集結為個展《丘之粼粼》，其現正於台北藝廊TKG+展出。踏入展場，枝葉婆娑的採收聲響與落果影像鋪展開來，將分散於自然、勞動與資本之間的片段，重新組構成身體化的觀看經驗。在看似平靜的場景中，一場關於制度和價值的反思，正靜靜展開。

圍繞著「食物」展開的藝術實踐

從裝置、攝影到多媒材雕塑，黃麗音的作品多圍繞著生活中不可或缺的「食物」展開，她關注食物在全球化經濟中的生產、流通與消費，從市場、貿易、產業、生產勞動，延伸至消費、包裝與剩餘物，探索著跨文化、也跨時代的物質流通系統。2025年，黃麗音曾在北美館打造一間「小吃店」，那是她的個展《Lili Deli 麗麗食品》——展場內堆砌出日常飲食消費的微景觀，反思現代人追求廉價和效率，方便與實用至上的生活方式。

2026年來到TKG+呈現個展《丘之粼粼》，她將視線推向食品生產鏈的上游，進一步回到食品生產的源頭，從橄欖園到工業流水線，追問一瓶橄欖油如何在自然、勞動與資本的交織之中，成為我們熟悉的形式。

到西班牙橄欖園實地踏查

黃麗音走進西班牙南部的橄欖園，追溯橄欖成為日常食物之前，所經歷的土地、時間淬鍊和身體勞動。接著將生產背後不同尺度的現實，諸如土地與工廠、植物與機械、勞動與消費……重新組構，讓原本分散於生產鏈不同位置的事物被置於同一展場，使觀者得以從橄欖油出發，看見橄欖從土地走向市場的歷程。從果實到成品，橄欖並未發生根本性的改變，改變的是圍繞它形成的制度、生產方式與價值判斷。

變的不是橄欖，而是⋯⋯？

橄欖在大地中歷經熟成與採收，進入以效率、速度、產量與標準化為核心的生產系統；來到TKG+台北生產階段中，也被賦予了不同的價值與意義。然而，有趣的是，從果實到成品，橄欖其實沒有發生根本性的改變，改變的是圍繞它形成的制度、生產方式與價值判斷。

走進橄欖油的一生

走入《丘之粼粼》展場，先能隱約聽見橄欖採收時枝葉間接觸的婆娑聲響，像是從土地深處滲出。雙眼所見是黃麗音在田野調查時所拍攝的影像，被轉化為覆蓋展牆的壁紙。此外，掉落在地上的橄欖、散落的枝葉……這些作物生長的尋常痕跡，經歷從植物、攝影對象到空間表面的身分轉換，在展場中成為了身體化的觀看空間，重新連結了生產現場與展覽。那些原本不會出現在商品最終樣貌中的滿地橄欖與枝葉，經由藝術家的選擇，成為展覽中的視覺主體，使被生產過程排除在外的痕跡，重新進入觀看。

對現實的「重新組構」

自20世紀初「現成物」進入藝術實踐以來，物件的藝術身份便不再僅由其自身決定，展示場域、藝術制度與觀看關係也逐漸成為作品意義的一部分。黃麗音延續並轉化這項實踐，將屬於日常的橄欖油及其生產過程中帶入作品，讓它脫離原有的使用脈絡，同時保留材質、功能、價格，以及生產、消費與丟棄等社會痕跡，成為承載勞動與資本關係的具體物件。

對黃麗音而言，現成物的創作並非單純的拼湊，也不是對既存現實的再現，而是一種「組構」：藝術家透過選擇與配置，將分散於不同社會位置的生產、消費與勞動關係帶入同一觀看空間，使隱藏於日常物件背後的社會關係得以浮現。

《丘之粼粼》呈現了對「習以為常」發出的遲疑，當物件從原有的使用脈絡中被抽離，生產現場的聲音、影像與痕跡也隨之進入展場，使那些我們熟悉的日常物產生陌生感。在離開展場後，貨架上的瓶罐或許仍維持原來的模樣，但我們觀看它們的方式，已經有所不同。

《丘之粼粼》黃麗音個展

展期｜2026.09.19－11.14

地點｜TKG+ （台北市內湖區瑞光路548巷15號B1）