英國V&A年度大展《愛麗絲:越奇越怪》亮點!手繪插畫、服裝、藝術大師創作走進愛麗絲夢遊仙境

令人醉心的愛麗絲奇幻世界!《愛麗絲:越奇越怪》展走進從柴郡貓、瘋帽客古老童話故事中

不少人都曾幻想能夠像愛麗絲一樣進入美妙的仙境,國外甚至有人耗費多年的時間,只為打造書中的夢幻花園,自1865年《愛麗絲夢遊仙境》(Alice's Adventures in Wonderland)出版以來,這位人小鬼大,頑皮卻善良的小女孩,擄獲了無數人的心與想像力,由倫敦維多利亞與亞伯特博物館(Victoria and Albert Museum,簡稱V&A)所製作的《愛麗絲:越奇越怪》(Alice: Curiouser and Curiouser)特展,正是從本書迷人的文字出發,帶領大家逐一回顧過去150多年來,世界各地的讀者、觀眾如何藉由圖畫、影像重新詮釋、想像這個魅力無窮的奇幻世界。

作為一個展現超過百年《愛麗絲夢遊仙境》想像世界的展覽,從V&A將展覽名稱定為Alice: Curiouser and Curiouser,就可以看出愛麗絲故事對英語世界的深遠影響,原本形容詞curious的意思是「古怪、不尋常的」,比較級應該寫成more curious,但故事中的愛麗絲,在掉進兔子洞之後,對身邊的情況大為困惑,吃驚到連文法都弄錯了,後來這個用法被英語使用者延續下來,用來形容事物「變得越來越奇怪」。

「透過我們世界級的藝術、設計及展演資料收藏,以及啟發下一代的基礎性任務,V&A是展示愛麗絲故事跨越藝術、文化邊界影響力的完美地點。」V&A劇場與展演資深策展人Kate Bailey表示,「愛麗絲鼓勵我們去質問、學習、探索、與夢想,理解為何她能夠成為世界上最偉大創作者的靈感,這本身就是超凡的冒險。我們期待各年齡層的參觀者能夠進入愛麗絲魔幻且動人心弦的神奇幻境,想像鏡子另一端屬於我們自己的世界。」



《愛麗絲:越奇越怪》特展,總共呈現超過300件展品,類型包括影片、展演紀錄、時尚單品、藝術創作、音樂,以及攝影作品,帶領觀眾跳進兔子洞,走進充滿奇異感的展示空間,藉由超現實主義大師達利(Salvador Dalí)、披頭四樂團(The Beatles)、饒舌歌手Little Simz,以及時裝設計師Thom Browne、Iris van Herpen與Viktor & Rolf的創作,探索過去超過百年來,人們對愛麗絲故事的各種出奇想像。

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展覽的空間呈現,由著名劇場設計師Tom Piper操刀,其過去的知名作品包括2014年為紀念一次大戰陣亡將士,與藝術家保羅科明斯(Paul Cummins)合作,在倫敦塔周圍植入888,246朵陶瓷紅罌粟花;而在《愛麗絲:越奇越怪》特展中,他將秘密通道與互動式展品相結合,打造出宛如時光隧道的展示空間。

《愛麗絲:越奇越怪》展覽,首先以名為「創造愛麗絲」(Creating Alice)的展區開始,帶領觀眾回到19世紀愛麗絲故事誕生的牛津郡(Oxfordshire)鄉村,探索那些曾啟發作者路易斯卡羅(Lewis Carroll)的人、事、時、地、物,包括小女孩愛麗絲的原型人物。此區同時也回顧路易斯卡羅與原著《愛麗絲夢遊仙境》插畫家約翰坦尼爾(John Tenniel)之間的合作歷程,展出的作品包括啟發原著角色「公爵夫人」插圖的16世紀畫像《醜公爵夫人》(The Ugly Duchess)。

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第二展區名為「拍攝愛麗絲」(Filming Alice),以1951年迪士尼所製作動畫中的巨大毛毛蟲為起點, 展示了從1903年起,至21世紀的經典電影、電視改編,以及相關戲服設計,最後帶領觀眾來到2010年由鬼才導演提姆波頓(Tim Burton)執導的《魔境夢遊》(Alice in Wonderland)電影海報前。

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「重新想像愛麗絲」(Reimagining Alice),則從第二次世界大戰後的超現實主義及迷幻藝術(Psychedelic Art)浪潮著手,展示包括達利、草間彌生(Yayoi Kusama)、馬克思恩斯特(Max Ernst)、彼得布雷克(Peter Blake)等藝術家的作品,以及披頭四樂團的音樂作創,Tom Piper以瘋帽客(Mad Hatter)的茶會為靈感,為展場暈染上一層迷炫的色彩,最後引導觀眾走向那場把紅鶴當成球桿的詭異槌球比賽。

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展演的第四部份為「演出愛麗絲」(Staging Alice),展示歷年來舞蹈、音樂及劇場演出對《愛麗絲夢遊仙境》的各種劇場改編成果,以及所使用的舞台設計、道具,以及戲服。

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《愛麗絲:越奇越怪》展覽的最後,觀眾被引導進入名為「成為愛麗絲」(Being Alice)的展廳,藉由時尚攝影大師提姆沃克(Tim Walker)、安妮萊柏維茲(Annie Leibovitz)、安娜蓋斯凱爾(Anna Gaskell)等人的作品,呈現現代世界對愛麗絲的想像與再創作;此區展示的作品,包括時裝設計師Iris van Herpen與Viktor & Rolf的服飾、政治抗爭的影像資料、饒如歌手Little Simz的唱片封面設計,以及日本次文化中的愛麗絲形象。

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展覽的最後,Tom Piper以路易斯卡羅的續作《愛麗絲鏡中奇遇》(Through the Looking-Glass)啟發的數位裝置藝術作結,從帶領觀眾從鏡子的另一端回到現實世界,《愛麗絲:越奇越怪》特展帶領大家親身經歷了一場由愛麗絲故事當作指引,跨越時代、文化、地域的非凡旅程。

《愛麗絲:越奇越怪》特展預計於2020年6月27日開幕,展出至2021年1月10日為止,但近期由於新冠病毒疫情,英國實施封鎖政策,V&A也於三月底起閉館,是否能如期亮相,仍等待博物館官方進一步公布。

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資料來源:Victoria and Albert Museum

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從城市觀察走向產業對話,創意台中Design Hub全新實驗:臺中的製造動力,如何與文化藝術共生?

2026創意台中以「WHIRRR:POWER CITY 動力城市」為題,將目光轉向臺中深厚卻相對隱形的製造產業,從機械、技術與歷史出發,以創意為媒介,思考文化如何與製造搭建起溝通的雙向橋樑。

對臺中而言,製造業是城市性格的一部分,不同於以大型企業或單一產業聚落為核心的城市,臺中長期累積出綿密的中小型製造網絡,從機械、金屬加工到工具機,彼此分工、相互支援,也在一次次客製需求中培養出面對問題、調整方法的能力。

當製造網絡遇上藝術文化,當創作者走進製造現場,兩個完全不同領域的碰撞,如何產生「觀測、對話、重組」?2026創意台中便以此為題,打造「WHIRRR:POWER CITY 動力城市」,讓設計創作者與製造工作者共同編輯一座城市的文化內容。

(圖片提供:樸實創意)
策展團隊深入在地黑手工廠採集機械聲響與視角,捕捉臺中「製造動力」的真實紋理。(圖片提供:樸實創意)

兩種不同的語言,嘗試開始對話

由臺中市政府文化局主辦的「創意台中」,自2024年開始發展的Design Hub概念;2026年,由擅長跨域整合的樸實創意延續操刀,將視線從人生活的地方轉向城市的原始動能。三年的路徑,從街區、聚落走向工廠,始終圍繞著同一件事:靠近城市,理解城市,然後重新編輯城市。

(圖片提供:樸實創意)
(圖片提供:樸實創意)

臺中的製造業非常發達,天心工業、以盛工業、仕興機械工業、台中精機廠、利茗機械、漢翔航空工業等許多精密加工、零件製造都從這座城市出發、走向世界,卻長期存在於一般人的視線之外;它們支撐著城市運轉,卻未必成為城市文化的一部分。因此,Design Hub所提出的「觀測、對話、重組」,便希望把製造現場往前推,讓它成為可以被觀看、被理解,甚至被重新想像的文化現場。

(圖片提供:樸實創意)
(圖片提供:樸實創意)

一場沒有主從關係的跨域實驗

一件作品的生成,是許多人共同編輯的結果;一座城市的製造力,也不是由單一個體完成,而是在彼此連結、分工與合作之中形成。臺中製造業特殊的地方,便在於數十年產業發展所形成的密集協作關係:一間工廠可能專注於某一道加工程序,另一間掌握不同材料與技術,彼此透過長期合作完成一件產品。材料如何處理、機器在什麼狀態下最穩定、一道工序該如何微調,往往都來自老師傅們長時間累積的經驗判斷。工廠裡可能同時存在「人的手感」與「機器的精準」,因此臺中的製造業很適合談新舊融合。

(圖片提供:樸實創意)
(圖片提供:樸實創意)
(圖片提供:樸實創意)
(圖片提供:樸實創意)

在Design Hub的實驗裡,創意實地走進了工廠,工廠也嘗試打破既有的框架,讓創作者提出想像。對創作者而言,工廠是一個陌生的世界;對製造企業而言,文化與藝術如何介入生產現場,同樣充滿未知。正因為彼此陌生,才可能產生新的觀看方式。

(圖片提供:樸實創意)
斑駁牆面與歲月感十足的鑽床設備,凝結了臺中精密機械與黑手窟的在地記憶。(圖片提供:樸實創意)

透過現地採集,與不同角色間的對話建立關係,最後以設計轉譯成文化內容。藝術與設計像是溫柔地替技術現場編織一件美麗的斗篷,展現在觀眾眼前,斗篷底下仍是那座擁有自己產業語彙的穩健網絡。策展團隊想做的,是將工廠、創作者與觀眾連結共享,讓彼此都成為一座座城市裡的Hub。

(圖片提供:樸實創意)
展覽團隊深入廠房採集切削與焊接等動態光影與音訊。(圖片提供:樸實創意)

製造現場也可以成為藝術發生的地方

在這次展覽中,可以發現許多作品裡刻意保留著製造業的痕跡:原始機械、工廠空間、製造後的廢棄物、使用過的手套工具們,這些元素沒有被消除,反而成為展覽的一部分。當我們真正走進製造現場,會發現「製造」本身就存在創作性。創作者進入工廠後,取材的是製造現場裡原本容易被忽略的美:機械運作的節奏、材料的型態、空間裡的光線,或者職人長年累積於手上的經驗痕跡。這些平凡日常透過影像、設計與文學等方式被重新轉譯,於是製造開始與文化產生對話。

(圖片提供:樸實創意)
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這樣的跨域實驗之所以適合在臺中發生,正因為製造深深嵌入居民的城市生活。工廠提供生產的動量,職人承載技術與經驗,創作者負責提出新的觀看方式,而市民則透過展覽與文化活動,重新認識一座城市原本隱形的力量。

(圖片提供:樸實創意)
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(圖片提供:樸實創意)
(圖片提供:樸實創意)

一座仍在運轉的Design Hub

如果說過去的Design Hub是不同視角觀看城市的實驗,那麼今年的「WHIRRR:POWER CITY 動力城市」,則是進一步追問:一座城市究竟是如何被製造?答案不只存在於建築、街道與文化場館,也存在於工廠裡不停運轉的機械、職人的雙手,以及那些從臺中出發、卻鮮少被看見的技術。

(圖片提供:樸實創意)
(圖片提供:樸實創意)

藝術與製造,策展團隊讓兩條平行線開始有了交會點,或許這也是創意台中在今年最重要的轉變——不只把設計帶進城市,而是開始發現:城市本身就是一座持續製造、持續創作,也持續重新定義自己的Design Hub。

(圖片提供:樸實創意)
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WHIRRR:POWER CITY 動力城市
𝟮𝟬𝟮𝟲 𝗖𝗿𝗲𝗮𝘁𝗶𝘃𝗲 𝗧𝗮𝗶𝗰𝗵𝘂𝗻𝗴 𝗗𝗲𝘀𝗶𝗴𝗻 𝗛𝘂𝗯

展覽日期| 2026.10.03 (六) — 10.18 (日) 

開放時間|10:00 - 17:00

主展場|臺中州廳 中山廳
衛星展區|驛前社 / 繼光診療所 / 富興工廠1962文創聚落 / 樂田活版工房 / 民生路老宅56-3

更多資訊請見官網

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把時尚帶進古蹟中!臺北時裝週SS27即將登場,以「身體」為創作原點,在紅色光譜中生成多重輪廓

由藝術總監顏伯駿統籌創意與視覺方向,臺北時裝週SS27從80多年歷史的紅磚建築出發,讓當代時尚與城市文化展開新的對話。從姿態、光線、色彩與服裝,重新思考身體如何成為時尚與文化的載體。

邁入第9年的臺北時裝週,持續從時尚產業、創作與文化之間尋找新的可能。上半年AW26以回歸品牌、導入多元展演形式與強化產業輔導資源為方向,支持臺灣時尚品牌提升產製品質、拓展大眾市場。本季SS27則將於10月15日至18日首度移師空總國家文化基地,延續對當代時尚多元樣貌的探索。

取自空總國家文化基地紅磚建築的鮮明色彩,並轉化為影像中流動的紅色光譜,SS27系列視覺回到時尚最原初的載體——身體,透過光影、色彩與服裝探索身體;同時從傳統伸展台延伸至形象展演與風格展,集結13組品牌發表最新系列、53家設計師品牌參與展售,讓時裝週不只是展示創意的舞台,更成為連結產業與市場的平台。

(圖片提供:台北時裝週)
(圖片提供:台北時裝週)

從身體出發,看見時尚的不同輪廓

由藝術總監顏伯駿統籌創意與視覺方向,攜手攝影師周墨、造型師Poga完成的SS27主視覺,將身體視為持續變化的創作載體。服裝改變身體原有的比例與線條,身體則賦予服裝新的姿態與情緒;一次轉身、一個動作,都可能產生不同的視覺感受。

(圖片提供:台北時裝週)
(圖片提供:台北時裝週)

本季視覺創作將「觀看身體」作為重要命題,延續臺北時裝週近年持續強調的開放性與多元性,不同品牌、創作者與文化背景在同一平台匯聚。空總紅磚建築的鮮明色彩轉化為影像中的紅色光譜,讓光線穿梭於建築、身體與服裝之間,展現臺灣時尚具彈性與流動性的面貌。

13組品牌,從伸展台到沉浸式展演

SS27共規劃5場Runway與8場Presentation,13家品牌將以不同形式呈現最新系列。Daniel Wong、GIOIA PAN、INFDARK、INMORIES及JENN LEE將透過伸展台走秀,完整呈現服裝系列與品牌世界觀;AISH、CHARINYEH、Claudia Wang、JUST IN XX、oqLiq、Story Wear、WEITZUYUAN及Yentity則以形象展演登場,結合空間、影像、裝置與表演,打造更具故事性的觀看體驗。從伸展台到空間展演,服裝成為觀眾進入品牌創作語境的入口,也呈現臺灣時尚在設計、文化、科技與生活之間的多元樣貌。

(圖片提供:台北時裝週)
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除了品牌發表,本季首度推出「風格展」,於10月15日至18日在文化空總古蹟大樓1樓登場。集結53家具備品牌發展潛力的設計師品牌,分為當代生活、時尚客訂、風格配飾與時尚櫥窗四大類別,並導入自主策展方式,讓品牌依照自身定位規劃展示方式,呈現產品、風格與創作理念。

展期也開放一般民眾自由參觀與購買,相較於過去以產業交流為主的時裝週,SS27進一步加入B2C模式,讓觀眾看秀之餘,也能直接認識品牌、選購設計。同時,本季上線買家洽商與媒合系統,讓品牌與專業買家提前預約洽談,並與CLA Fashion Platform合作推出線上選購專區,從實體展會延伸至數位市場,讓臺灣設計進一步被看見、選擇。

打造更完整的時尚平台

延續AW26啟動的轉型方向,臺北時裝週SS27除了聚焦於服裝發表,也持續透過品牌培育、跨域合作與國際交流,支持臺灣設計走向更大的市場。當時尚進入文化基地,臺北時裝週逐漸成為串聯創作、文化與市場的平台;同時,也帶著全新的觀看方式:身體可以移動、服裝可以改變、文化可以混合,而時尚也始終在不同創作能量的交會之間尋找新的形狀。

(圖片提供:台北時裝週)
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臺北時裝週 Taipei Fashion Week SS27

展期|2026.10.15~10.18

地點|空總國家文化基地