2020全球必看展覽！愛麗絲夢遊仙境、安迪沃荷回顧展、日本北阿爾卑斯國際藝術祭等10+

儘管2020年有個浪漫到極點的「愛你愛你」諧音，然而開春之際全球就顯得不平靜，從火勢猛烈的澳洲森林大火、非洲蝗災，到全球聞風喪膽的新冠病毒疫情，不到一季時間人人都壟罩在不安情緒之中，也許有些不確定，然而世界仍舊運轉中，前方依然有美好是物等帶著你挖掘。若你身為藝術迷，除了先前預告過的2020北美館大展、2020威尼斯建築雙年展台灣館外，在全球各地同樣有許多展覽、藝術節與博物館向你敞開大門。

東京21_21 DESIGN SIGHT特展6月華山登場

繼單位展後，東京 21_21 DESIGN SIGHT展覽再度來台！結合音樂、影像與空間的設計大作《AUDIO ARCHITECTURE：聲音的建築展 》預定於 6 月27 日至 9 月20 日在台北華山1914 文創園區登場。 

《 AUDIO ARCHITECTURE：聲音的建築展 》由日本世界級互動設計大師中村勇吾 ( Yugo Nakamura ) 擔任展覽總監，澀谷系知名音樂人小山田圭吾 ( Cornelius ) 替展覽創作同名樂曲；展覽試圖以聲音為經、影像為緯，透過一個動態空間，以不同影像重複表現同一首樂曲，來構建出一場視覺與聽覺完美熔接的聲音建築展。當觀看者走進這個由聲音所建築而成的空間裡，將忘卻時間的流逝，可以任性的把所有感受，留給聲音及藝術的純粹，盡情享受、沉浸其中。(點此看更詳細介紹)

地點：華山 1914 文創園區 東 2 AB 館

展期：6月27日- 9月20日

山湖畔的魔幻時光 2020北阿爾卑斯國際藝術祭

若去年與瀨戶內國際藝術祭擦身而過，今年登場的第二屆北阿爾卑斯國際藝術祭（北アルプス国際芸術祭）可得好好把握。藝術祭在素有「北阿爾卑斯」之稱的飛驒山脈小鎮大町市舉辦，與瀨戶內國際藝術祭、越後妻有國際藝術祭同樣由北川富朗操刀，於今年5月31日正式開場。已延期

日本設計師皆川明，2017年負責主題圖樣及部分商品設計的他，在第二屆則擔綱視覺設計總監，全面負責海報、傳單、官方商品設計；屆時除了新加入的韓國藝術家姜希俊、日本藝術家持田敦子、木村崇人外，首屆藝術季中迷人的幾米繪本書店《我在大町遇見一本書》、日本創作組合「目」的《信濃大町實景舍》等也將持續展出，歡迎造訪長野縣大町市，在北阿爾卑斯山的湖泊與群山環抱下，享受自然與藝術交織的魔幻時光。

地點：日本長野縣大町市

展期：5月31日－7月19日

https://shinano-omachi.jp/

紐約古根漢美術館建築特展《Countryside, The Future》

荷蘭建築大師雷姆庫哈斯（Rem Koolhaas）和其領軍OMA大都會建築事務所（Office for Metropolitan Architecture）的研究團隊AMO，在紐約古根漢美術館（Solomon R Guggenheim Museum）帶來建築特展《Countryside, The Future》。目標瞄準地球上98%未被城市佔據的表面，透過作品探索這些地方會帶來怎樣的未來。在這個圍繞社會和現下環境的主題展中，藉由AMO實地調查解構鄉村發展的六大面向，開啟ㄧ場從鄉村出發的思維想像。

地點：紐約古根漢美術館

展期：2月20日－8月14日

https://www.guggenheim.org/exhibition/countryside

紐約大都會藝術博物館150周年大展《關於時間：時尚與存續》

今年適逢紐約大都會藝術博物館（The Metropolitan Museum of Art）150周年，在這特別的時刻，展方以《關於時間：時尚與存續》（About Time: Fashion and Duration）為年度時尚大展主題，以「倒敘」和「快轉」形式，藉由逾160件不同時代、風格的展品，表現時尚的線性和循環。而在展覽開幕首日，有「時尚界奧斯卡」之稱的Met Gala開幕慈善晚會也盛大登場，此次主持人除了長期負責晚宴的美國版《VOGUE》雜誌總編輯安娜溫圖之外，也包含艾瑪史東、梅莉史翠普、LOUIS VUITTON女裝創意總監Nicolas Ghesquière等人，將是攻佔社群話題的盛會。

隨著美國疫情一發不可收拾，Met Gala也確定無限期延期，而已閉館的博物館能否如期舉辦展覽，一切都是未知數。

地點：紐約大都會藝術博物館

展期：5月7日－9月7日 

https://www.metmuseum.org/exhibitions/listings/2020/about-time

倫敦V&A上演愛麗絲夢遊仙境《Alice: Curiouser and Curiouser》

19世紀出版的《愛麗絲夢遊仙境》究竟有何魅力，能風靡全球老少超過157年這個大哉問？就由倫敦V&A博物館來解答。2020年V&A年度大展《Alice: Curiouser and Curiouser》將從故事原著開始講起，進而探索各領域的改編與重著，藉由超過300件電影、攝影、時尚、音樂等作品，帶觀眾了解《愛麗絲夢遊仙境》如何從文本一路演變為全球文化現象。

展覽亮點更包含原著路易斯（Lewis Carroll）手稿、知名時尚攝影師Tim Walker、美國20世紀最偉大女攝影師Annie Leibovitz等人的攝影作品，讓觀眾看見百年來最有創意的心靈，如何被這古老而奇幻的故事所吸引。

地點：V&A The Sainsbury Gallery

展期：6月27日－2021年1月10日

https://www.vam.ac.uk/exhibitions/alice-curiouser-and-curiouser

倫敦V&A遇見日本和服時尚 

日本和服向來是時尚界永遠的謬思。英國倫敦V&A博物館舉辦《和服：從京都到伸展台》（Kimono: Kyoto to Catwalk），是歐洲首次以和服為主題的大型會展，從16世紀在日本的緣起，一路溯及到現今成為時裝的元素。展出作品超過315件，服飾、配件、繪畫、版畫、電影等一應俱全，綜觀和服對全球文化的影響。除了細究和服的顏色與圖案象徵，日本時尚大師川久保玲、山本耀司，西方時尚鬼才Alexander McQueen、John Galliano等都曾以和服為元素創作；《藝妓回憶錄》獲得奧斯卡最佳服裝的和服固然值得一看，但《星際大戰》的武士服、歌手Christina Aguilera在演唱會上的和服裝，更是日本文化對西方美學影響的見證。

開展之前有個小插曲，2019年網紅Kim Kardashian將自己的塑身衣品牌命名「Kimono」，引來各界撻伐對日本文化的不尊重，V&A博物館也藉此新聞做了波機會教育，在官方Instagram接連發布關於和服的深度介紹。今年將和服搬上展覽，除了傳遞其深遠影響，也讓歐洲跳脫本位思想，看見世界的多樣文化。

地點：V&A Gallery 39 and the North Court

展期：2月29日－6月21日

https://www.vam.ac.uk/exhibitions/kimono-kyoto-to-catwalk

倫敦泰特現代美術館20週年 安迪沃荷回顧大展

作為普普藝術重要開創者，安迪沃荷（Andy Warhol）可說是20世紀最具知名度的藝術家之一。迎來開館20週年的倫敦泰特現代美術館（Tate Modern），除了獻上草間彌生等一夕列裝置藝術展外，也為普普大師舉辦《安迪沃荷》（ANDY WARHOL）回顧展，將帶領藝術迷以新的視角認識這位藝術家。

展覽以「安迪沃荷及他的作品，如何標誌了一個時代的文化轉型」為主軸，羅列超過百件作品，探討安迪沃荷與20世紀文化圈的互動，除了經典的康寶湯罐頭（Campbell's Soup Cans）、瑪麗蓮雙聯畫（Marilyn Diptych）之外，也將展出30年來首度面世的《紳士與淑女》系列作品（Ladies and Gentlemen）。 泰特現代藝術館20年來首場安迪沃荷大展，勢必將成為藝術迷2020行事曆上的重要一筆。

地點：The Eyal Ofer Galleries

展期：3月12日－9月6日

https://www.tate.org.uk/whats-on/tate-modern/exhibition/andy-warhol

▶英國泰特美術館20週年！草間彌生《無限鏡屋》展覽走進圓點女王璀璨世界 

倫敦泰特現代美術館 《史提夫麥昆：三年級生》拍下城市的未來希望

小孩笑開了嘴，門牙還缺了一顆，稚嫩童心在照片表露無遺。這不是學校的教學觀摩，而是泰特現代美術館的《史提夫麥昆：三年級生》（Steve McQueen Year 3）展覽，發起人正是以《自由之心》榮獲奧斯卡最佳影片的導演史提夫麥昆（Steve McQueen ）。他認為7∼8歲的三年級學童，正值養成自我性格與自信的重要階段，同時也開始受到外界負面情緒影響。因此他與泰特現代美術館合作，拍攝倫敦地區超過1,500所學校、76,000名的三年級生，將照片從畫廊一路展至街道，共有600個大型看板，遍布33個行政區。

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每張照片皆大異其趣，面對鏡頭的孩子，有的活潑有的害羞，有的制服宛若哈利波特般夢幻，有的則顯得平淡簡樸；倫敦社會的種族、階級、文化差異，在照片中毫無掩飾地呈顯。開展至今，每天吸引超過600名孩童湧進，除了想一睹自己出現在藝術殿堂的照片，也反映了孩子對藝術的好奇。麥昆也希望藉由此計畫，呼籲政府正視學童藝術教育，因為三年級生不僅是社會的縮影，也承載了城市的未來。

地點：Duveen Galleries

展期：即日起－5月3日

https://www.tate.org.uk/whats-on/tate-britain/exhibition/steve-mcqueen-year-3

PRADA百年大展《Prada. Front and Back》倫敦登場

PRADA今年將在倫敦設計博物館（the Design Museum）舉辦品牌百年重量級回顧展《Prada. Front and Back》！這檔大展由倫敦設計博物館（Design Museum）總監Deyan Sudjic親自操刀，不僅回顧品牌歷史，也將展示現任創意總監Miuccia Prada如何讓品牌從家族企業蛻變為國際時尚精品，以及品牌在全球化潮流下的新布局。

此外，PRADA歷年代表作品、與其他品牌或創作者的聯名設計，也將同步呈現給觀眾，帶領大家從設計與經營等多元視角，一窺百年時尚品牌的前台（Front Row）與後台（Backstage），是2020年不容錯過的時尚大展！(點此看更完整介紹)

地點：倫敦設計博物館

展期：9月21日－12月31日

https://designmuseum.org/exhibitions/prada-front-and-back

倫敦設計雙年展 探索生活對設計的回聲

從2016年開始，倫敦設計雙年展（London Design Biennale）每兩年在薩默塞特府（Somerset House）舉辦，匯聚來自全球各地、充滿野心與想像力的設計師及策展人。今年9月登場的第三屆倫敦設計雙年展則以「回聲」（Resonance）為主題，由倫敦知名藝術家及舞台設計師埃思（Es Devlin）擔任藝術總監，邀請包括台灣以及來自50個地區設計人，以裝置藝術或表演活動回應主題。希望能透過前衛、原創的設計，引起觀眾思考設計對於當代社會的影響，也讓人看到設計作為一個具有改革力量的工具，如何啟發全世界的人們。

展期：9月8日－9月27日

https://www.londondesignbiennale.com/

2020杜拜世界博覽會 百年來首度由中東國家作東　

2020年萬眾矚目的全球盛會，除了將於盛夏舉辦的東京奧運外，另一場則為秋冬時節登場的杜拜世界博覽會（Expo 2020 Dubai） ，將於10月20日至2021年4月10日舉行。2020杜拜世界博覽會是世界博覽會創立168年來，首度在中東國家舉行。為了爭取全世界的目光，杜拜政府豪擲逾2,000億新台幣打造超高規格盛會，由於各主場館都出自大師手筆，從設計圖曝光之時，便引起全球建築迷高度關注。

此次杜拜世界博覽會以「思想連結，創造未來」為主題，園區規畫上則以外形狀似阿拉伯傳統市場的園區為範圍，四周圍繞著行動（Mobility）、可能（Opportunity）以及永續（Sustainability）三大主場館等。其中行動場館由英國Foster+Partners建築事務所設計，以三葉草外型和光影照明，打造充滿未來感的場域；可能場館則由澳洲Cox Architecture建築團隊打造，其吸睛的螺旋穹頂由逾100公里的繩索編織而成，以交織的繩索，象徵人類的合作與共創；最後永續場館外型恰似佇立的大圓盤，是英國Grimshaw Architects建築事務所的得意之作，建築可以收集太陽能與淡水，正好呼應場館永續主軸。而在三大主場館之外，園區內也另設有各國展館，有些優雅詩意、有些大膽奇幻，擴大人類對於文化與未來的多元想像。

展期：10月20日－2021年4月10日

https://www.expo2020dubai.com/

Text：Ian Liu、郭慧、張以潔

via Tate Modern、V&A、PRADA、The Metropolitan Museum of Art、北アルプス国際芸術祭

廚房那瓶清透的橄欖油，或墜入鍋裡與義大利麵交融、或淋在沙拉和麵包上注入一抹清香，理所當然地陪伴著我們的餐食日常。那你是否曾好奇，這我們習慣從超市貨架取下的食品，在抵達日常之前，經歷過怎樣的土地淬鍊與生產系統的運轉？

藝術家黃麗音走進西班牙第一線生產現場，蹲點尋找答案，並將收穫集結為個展《丘之粼粼》，其現正於台北藝廊TKG+展出。踏入展場，枝葉婆娑的採收聲響與落果影像鋪展開來，將分散於自然、勞動與資本之間的片段，重新組構成身體化的觀看經驗。在看似平靜的場景中，一場關於制度和價值的反思，正靜靜展開。

圍繞著「食物」展開的藝術實踐

從裝置、攝影到多媒材雕塑，黃麗音的作品多圍繞著生活中不可或缺的「食物」展開，她關注食物在全球化經濟中的生產、流通與消費，從市場、貿易、產業、生產勞動，延伸至消費、包裝與剩餘物，探索著跨文化、也跨時代的物質流通系統。2025年，黃麗音曾在北美館打造一間「小吃店」，那是她的個展《Lili Deli 麗麗食品》——展場內堆砌出日常飲食消費的微景觀，反思現代人追求廉價和效率，方便與實用至上的生活方式。

2026年來到TKG+呈現個展《丘之粼粼》，她將視線推向食品生產鏈的上游，進一步回到食品生產的源頭，從橄欖園到工業流水線，追問一瓶橄欖油如何在自然、勞動與資本的交織之中，成為我們熟悉的形式。

到西班牙橄欖園實地踏查

黃麗音走進西班牙南部的橄欖園，追溯橄欖成為日常食物之前，所經歷的土地、時間淬鍊和身體勞動。接著將生產背後不同尺度的現實，諸如土地與工廠、植物與機械、勞動與消費……重新組構，讓原本分散於生產鏈不同位置的事物被置於同一展場，使觀者得以從橄欖油出發，看見橄欖從土地走向市場的歷程。從果實到成品，橄欖並未發生根本性的改變，改變的是圍繞它形成的制度、生產方式與價值判斷。

變的不是橄欖，而是⋯⋯？

橄欖在大地中歷經熟成與採收，進入以效率、速度、產量與標準化為核心的生產系統；來到TKG+台北生產階段中，也被賦予了不同的價值與意義。然而，有趣的是，從果實到成品，橄欖其實沒有發生根本性的改變，改變的是圍繞它形成的制度、生產方式與價值判斷。

走進橄欖油的一生

走入《丘之粼粼》展場，先能隱約聽見橄欖採收時枝葉間接觸的婆娑聲響，像是從土地深處滲出。雙眼所見是黃麗音在田野調查時所拍攝的影像，被轉化為覆蓋展牆的壁紙。此外，掉落在地上的橄欖、散落的枝葉……這些作物生長的尋常痕跡，經歷從植物、攝影對象到空間表面的身分轉換，在展場中成為了身體化的觀看空間，重新連結了生產現場與展覽。那些原本不會出現在商品最終樣貌中的滿地橄欖與枝葉，經由藝術家的選擇，成為展覽中的視覺主體，使被生產過程排除在外的痕跡，重新進入觀看。

對現實的「重新組構」

自20世紀初「現成物」進入藝術實踐以來，物件的藝術身份便不再僅由其自身決定，展示場域、藝術制度與觀看關係也逐漸成為作品意義的一部分。黃麗音延續並轉化這項實踐，將屬於日常的橄欖油及其生產過程中帶入作品，讓它脫離原有的使用脈絡，同時保留材質、功能、價格，以及生產、消費與丟棄等社會痕跡，成為承載勞動與資本關係的具體物件。

對黃麗音而言，現成物的創作並非單純的拼湊，也不是對既存現實的再現，而是一種「組構」：藝術家透過選擇與配置，將分散於不同社會位置的生產、消費與勞動關係帶入同一觀看空間，使隱藏於日常物件背後的社會關係得以浮現。

《丘之粼粼》呈現了對「習以為常」發出的遲疑，當物件從原有的使用脈絡中被抽離，生產現場的聲音、影像與痕跡也隨之進入展場，使那些我們熟悉的日常物產生陌生感。在離開展場後，貨架上的瓶罐或許仍維持原來的模樣，但我們觀看它們的方式，已經有所不同。

《丘之粼粼》黃麗音個展

展期｜2026.09.19－11.14

地點｜TKG+ （台北市內湖區瑞光路548巷15號B1）

在台北，秋季是屬於藝術的季節。「2026台北藝術週」將於10月24日至11月2日登場，這段期間，各家美術館、畫廊等藝文機構將祭出特展響應，從北到南、由東至西，在城市間編織出一張得以映射內心、療癒精神的藝術之網。本篇編輯精選10場展覽，不妨趁此親訪觀展。

《露水幻夢》Benjamin Spiers X 曾建穎雙人展

📍TAO ART

《露水幻夢》由來自英國的Benjamin Spiers（班傑明．斯皮爾斯）與台灣藝術家曾建穎，攜手策展人陳若盈一同呈獻。兩位藝術家的創作根植於截然不同的繪畫傳統，卻同樣著迷於身體作為「蛻變」場域的可能性。展覽由此出發，探索「可見之物」和「內在感受」之間持續流變的感知狀態，讓不安的美與張揚的怪誕彼此交織，形成一場矛盾又超現實的視覺對話。

Benjamin Spiers的作品充滿原始生命力，亦可見幻想交疊的幻象。他擅長運用油彩，以驚人的寫實感刻畫出奇幻的形體，細膩的肌膚質感彷彿觸手可及，令人難以抗拒。

曾建穎則以墨、膠彩與礦物顏料於細緻的紙材上創作，從宗教圖像中汲取靈感，將繪畫視為精神性的容器，創造出新的人體圖式，並與既有文化脈絡對話。比如在桃形屏風〈仙果〉作品中，他在屏風正面描繪一顆熟桃，切開的缺口微微露出桃的內部，下方的舌狀葉片則暗示感官慾望和生命無常；另一面則是近距離重疊的後腦勺與臉龐，既可能是鏡子前的自我凝視，也可能是兩個人物之間的親密舉動——自我與他者之間的界線因而模糊。

《喜悅與棲所：捷克當代攝影聯展》

📍圓山別邸 MAISON ACME

一百年前的巴黎，曾是捷克前衛藝術家追尋自由與實驗精神的中心。如今，策展人Štěpánka Stein集結14位捷克當代攝影師，回應前人追尋藝術的精神，展開一場跨世紀的對話。展覽中，攝影師們透過鏡頭，在動盪而撕裂的數位世代，藉影像追問著喜悅從何來？哪裡才是讓我們安心的棲所？影像作品擺盪在虛與實、紀錄和擺拍之間，邀請觀者在其中找尋自己的答案。

《C-GRAPHIC/TAIPEI——2020年代台北平面設計展》

📍NOKE忠泰樂生活

由香港平面設計師毛灼然、日本編輯暨設計師後藤哲也共同策展。展覽源自後藤哲也主編的《C-GRAPHIC INDEX》一書，其中「C」代表「Chinese」，從漢字文化圈出發觀察當代華語平面設計；進入策展環節後，則進一步聚焦於使用繁體中文的城市「台北」，並選擇1980至1990年代出生的設計世代作為主要觀察對象。

展覽除了呈現海報、出版物、品牌識別與影像等作品，也試圖理解設計師如何學習、生活、受到什麼影響，以及這些創作如何與城市文化及社會脈絡相互交織。

《小日夢》寺倉京古個展

📍白石畫廊

以陶土為材，日本新銳藝術家寺倉京古常以「孩童」為創作主題，用陶捏塑出圓潤形體，重現孩子樸稚姿態，藉此捕捉日常生活中微小卻珍貴的希望，以及近乎被遺忘的純真。《小日夢》集結各式姿態的孩童雕塑，他們或靜靜沈睡、或乘著雲朵眺望，乘載著存於人們心中的細膩情感，也象徵著每個人「曾經擁有的自己」。

《銀河脈輪》

📍Bluerider ART 台北・微風廣場

在百貨公司也能看展！Bluerider ART位於微風廣場的據點，推出《銀河脈輪》藝術家群展，集結美國藝術家Carol Prusa、德國藝術家Eberhard Ross、捷克藝術家Jan Kaláb等多位國際藝術家之作，共同叩問一個古老而雋永的命題——宇宙秩序如何映照於身體與心靈之中。

展覽以卷軸雙面畫《奇異吸引子》為亮點，9米長的巨大尺度令人路過櫥窗很難不多看一眼。卷軸一面描繪人體脈輪、能量向外流動的軌跡，另一面則以詩句與物理方程式，描述宇宙均勻與空間擴展，使「內在」的脈輪能量線與「外在」的宇宙演化在兩面對望。

《丘之粼粼》黃麗音個展

📍TKG+

2025年曾於北美館推出個展《Lili Deli 麗麗食品》的黃麗音，長期關注食物在全球化經濟中的生產、流通與消費，創作從市場、貿易、產業到生產勞動，延伸至消費、包裝與剩餘物的重新組構。這次她在TKG+呈現的《丘之粼粼》，將視線推向食品生產鏈的上游，進一步回到食品生產的源頭，從橄欖園到工業流水線，追問一瓶橄欖油如何在自然、勞動與資本的交織之中，成為我們熟悉的形式。

她走進西班牙南部的橄欖園，追溯橄欖成為日常食物之前，所經歷的土地、時間淬鍊和身體勞動。接著將生產背後不同尺度的現實，諸如土地與工廠、植物與機械、勞動與消費……重新組構，讓原本分散於生產鏈不同位置的事物被置於同一展場，使觀者得以從橄欖油出發，看見橄欖從土地走向市場的歷程。從果實到成品，橄欖並未發生根本性的改變，改變的是圍繞它形成的制度、生產方式與價值判斷。

《無筆之繪》Dirk Salz個展

📍Bluerider ART台北・敦南

拋開傳統形式，不以畫布和畫筆作畫，德國藝術家Dirk Salz（迪爾克．薩爾茲）用油漆滾筒創作，並借助樹脂潑灑時的重力流動，讓作品跳脫傳統極簡主義的框架，持續展現並探索透明度、色彩張力，以及光線與空間之間的關係。

展名《無筆之繪》指向Salz不使用畫筆的創作方式。他將顏料調入樹脂，以油漆滾筒鋪展色層，再順應重力讓樹脂自然流淌、趨於平整；每一層須待固化後，方能覆上下一層，作品在反覆堆疊與等待中逐步成形。薄如玻璃的色層彼此交疊，光線在其間穿透、折射、反射，色彩不再停留於表面，而是從深處緩緩浮現。沒有筆觸，也沒有手繪痕跡，畫面由材料、重力與時間共同完成，模糊了真實與虛幻的邊界，正如他所言：「我想要創造的，是一個不能被詮釋的情境，一個觀者與作品之間無法言說的感受，姑且稱之為『魔法』的地方。」

《夜的日光》

📍Taipei Lumitree 敦南之森

「光」是藝術家謝鎮璘DAMONXART的靈感泉源。在敦南林蔭大道下的藝術光廊Taipei Lumitree，他結合錯視、光柵材質及風力驅動裝置，將你我熟悉的日月意象轉化為持續變動的視覺經驗，讓觀者在夜色中看見日光，閱讀太陽與月亮之間的對話，深刻感受光是如何改變雙眼所見的景象。

多年來，謝鎮璘持續從旅行與日常觀察中提取色彩，將天空、海洋與地平線的印象轉化為創作語言。在《夜的日光》中，他將這份觀察聚焦於日與月的關係——光如何從一個地方抵達另一個地方，又如何在反射、材質與觀看位置的變化之中，被感知為不同的形態。

《溫柔災變》女性藝術家聯展

📍T Space

作為首場公開展覽，T Space邀請亞紀畫廊負責人黃亞紀策展此檔女性抽象藝術家群展，《溫柔災變》集13位女性藝術家，她們各來自不同時代、地域和文化背景，作品在此展相遇交會，共同呈現女性力量如何探問持續變動的世界，以及藝術能為我們帶來什麼療癒與啟示。

展名所提的「溫柔」，並非脆弱或被動承受，而是藝術家讓感知和直覺保持開放，持續面對無法完全掌控的變化，容許自己進入流動、矛盾與未知，並反覆思辨的狀態。展覽在女性的敘事下，呈現出生命經驗的不同面貌——當女性經驗不再只由疼痛、承受與犧牲所定義，人們能否看見女性作為獨立的認知主體，如何理解自然、身體以及自己所處的世界？

《代理之窗》張書瑋個展

📍洪建全基金會

洪建全基金會自2015年起舉辦的「問問題計畫」，每年都會提出一道問題，探討社會、文化與生命內涵，並妥託藝術家透過創作對答。今年度計畫探討的是什麼？在科技以親切形象滲透日常的今天，人與機器早已互為義肢。只要算力足夠，AI就能化身成為密友、戀人、心靈導師，甚至是神明——這種「不需要對等，不需要協商，也不會有拒絕」的新關係，正在悄悄改變我們對情感的認知。

展覽由此切入，由藝術家張書瑋擔綱答題者，藉影像裝置、互動雕塑和錄像，探討AI與人類之間的「親密關係」。

展覽將「你＋我＋AI」共同建構的世界封裝成一個情感景觀，一段「親密關係」的模擬現場，一場由裝置、介面、系統、使用者自身的投射共同鋪設而成的遊戲。動線如同一道逐步深入的程序，映照出人與機器緊密互動之間，所產生的肉體或情感上的關係變化。看展過程中，親近與不適的感受並存，觀眾將能感覺到身體與意識逐漸被切片、解構，隨後迷失於遊戲之中。