《聲音的建築展》台北華山12月登場!東京21_21 DESIGN SIGHT融合視覺、聽覺沉浸式展覽

一場視、聽覺完美熔接的沉浸式體驗!「 AUDIO ARCHITECTURE:聲音的建築展 」今年六月華山登場

繼「 單位展 」後,INCEPTION 啟藝和東京 21_21 DESIGN SIGHT 再度攜手,將結合音樂、影像與空間的設計大作《AUDIO ARCHITECTURE:聲音的建築展 》帶來台灣,而台北場展期也確定於2020年12月25日至2021年4月6日在台北華山1914 文創園區登場!

2016 年夏天,由 INCEPTION 啟藝主辦,東京 21_21 DESIGN SIGHT 企劃的《 單位展:This much, That much, How much? 》自日本移展台灣。從日常取材,另闢觀點重組、創作的策展思維,替台灣設計圈投下震撼彈,掀起美感教育的啟蒙與反思,創下 10 萬人次的佳績。四年後,雙方再度合作的《 AUDIO ARCHITECTURE:聲音的建築展 》,將於 2020 年底移展台北,期待用音樂和視覺藝術的跨界對話,再創觀展人次新高!

將聲音視覺化 

《 AUDIO ARCHITECTURE:聲音的建築展 》由日本世界級互動設計大師中村勇吾 ( Yugo Nakamura ) 擔任展覽總監,澀谷系知名音樂人小山田圭吾 ( Cornelius ) 替展覽創作同名樂曲;展覽試圖以聲音為經、影像為緯,透過一個動態空間,以不同影像重複表現同一首樂曲,來構建出一場視覺與聽覺完美熔接的聲音建築展。當觀看者走進這個由聲音所建築而成的空間裡,將忘卻時間的流逝,可以任性的把所有感受,留給聲音及藝術的純粹,盡情享受、沉浸其中。

一場視、聽覺完美熔接的沉浸式體驗!「 AUDIO ARCHITECTURE:聲音的建築展 」今年六月華山登場

展覽總監中村勇吾 ( Yugo Nakamura ) 是世界級的互動設計大師,有著建築專業的背景,更熟稔新媒體創作的靈活思維,集各種傳播形式之大成,成為本展的重要基底。對於本次移展,他開心表示:「 音樂是跨國界的共通語言,原先在東京展出、由日本人創作的內容,移至台北後,將產生怎樣不同的化學反應,是我期待看見的。 」

一場視、聽覺完美熔接的沉浸式體驗!「 AUDIO ARCHITECTURE:聲音的建築展 」今年六月華山登場

對於再度與啟藝合作,21_21 DEISGN SIGHT 則表示:「 繼『 單位展 』後,能再次與INCEPTION 合作,感到非常開心且放心。希望透過這個展,能和台灣有更深一層的連結,並讓人更感受到 21_21 DESIGN SIGHT 或設計,其實都是平易近人的存在。」INCEPTION 啟藝執行長 − 梁浩軒,也分享自己的期待:「 沉浸式的展覽體驗是近年來的重要趨勢,多數以娛樂掛帥、著重聲光效果,雖然當下的感受性強,在內心產生的漣漪卻不持久 — — 但『 AUDIO ARCHITECTURE:聲音的建築展 』卻讓我看見另一種可能。一樣是巨型投影,卻以聲音和影像跨界整合不同創作形式,藝術含量高,讓沉浸式的體驗更加完整。期待展覽能再次讓台日雙方的設計觀點,以策展的形式對話,融合音樂的元素,跨越文化及語言,持續激盪出前所未有的火花。」

▶專訪/《聲音的建築展》策展奧秘!佐藤卓、中村勇吾親解如何打造感官個性展覽 

音樂建築空間三大看點

 25 公尺巨幅投影 

你就是畫面中的主角!走入全⿊的空間內,觀展者需花時間走進畫⾯、體會影像氛圍,且沈浸其中。藉由策展⼈細膩地編排,⼈們便在共同的空間與時間下,重複性鑑賞同⼀⾳樂。全場將重點留給感官與創作之間的互動。 

為了在有限的空間內呈現多部影像作品,空間設計師片山正通 ( Masamichi Katayama / Wonderwall® ) 靈活調度虛實,不切割有形的空間,而是切分無形的時間,讓不同創作輪流播映,以此保留偌大的空間,讓觀眾可以在 25 公尺寬的巨幅投影打造的沉浸式劇院內,享受一場藝術與娛樂兼具的大秀。化繁為簡的動線規劃,不僅提供創作者不設限的揮灑空間,也能更聚焦在抽象的感受,而非物質的變動。

9 位日本藝術家,闡述聲音多元樣貌

跳脫習以為常的⾳樂媒介,借助 9 位⽇本藝術家創作影像,添加⾃⼰的情感波動,實現 「AUDIO ARCHITECTURE」的聲⾳想像,將5分鐘的歌曲,轉譯為聲⾳即視感。每個影像與聲⾳交融的長相與姿態,在這個空間⼀次⼜⼀次幻化成不同形貌投射輪播。 參展創作者包括稲垣哲朗、梅⽥宏明、⼤⻄景太、折笠 良、辻川幸⼀郎(GLASSLOFT)× Bascule × 北千住設計、勅使河原⼀雅(Qubibi)、⽔尻⾃⼦、UCNV、EUPHRATES ( ⽯川將也 )+阿部舜。

一場視、聽覺完美熔接的沉浸式體驗!「 AUDIO ARCHITECTURE:聲音的建築展 」今年六月華山登場

音樂如同貫穿虛實之間的鋼筋樑柱 

為實現對「 AUDIO ARCHITECTURE 」的想像,日本澀谷系奠基者、知名音樂人小山田圭吾( Cornelius ),特地為展覽創作同名樂曲,用他獨有的迷幻聲線,搭配前衛具實驗性的樂音,像是位處虛實之間的鋼筋樑柱,替展覽搭建出超現實場域。而其為展覽所創作同名樂曲,歌詞中不斷重複「 Into the music / Music don’t stop / Time, space and music」(在⾳樂裡 / ⾳樂不停歇 / 時間、空ㄩ間、⾳樂),濃縮著展覽核⼼概念。用他獨有且前衛實驗性的樂⾳,像是位處需 之間的鋼筋樑柱,搭建出超現實場域,盛載⾳樂寬闊的可能性。 

在這個由聲音建築出的空間裡,有 9 位來自不同領域的藝術家,分別透過錄像、動畫、舞蹈、程式編碼、平面設計、插畫的多元手法恣意創作,將聲音轉化為視覺藝術,各自把耳朵聽到的細小變化、情緒感知到的劇烈波動,濃縮在 5 分鐘的作品中。當同一首樂曲被重複表現時,竟能有如此百變的面貌,成為《AUDIO ARCHITECTURE:聲音的建築展 》令人流連忘返的主因,讓觀眾渴望長時間停留在這個「 音樂建築空間 」內。

預售票好禮

重新啟動售票,也特別推出四款獨家預售套票組合,無論是獨享或雙享、實⽤或收藏,各種期待⼀次 滿⾜。主辦單位為感謝粉絲們半年來的耐⼼等待,特別推出展覽收藏級別預售禮,包含由⼩⼭⽥圭吾 ( Cornelius ) 創作的單曲⿊膠套組(台灣限定⿊⾊版);以及由曾經登上紐約 時報的知名台灣設計品牌「Ystudio 物外設計」推出聯名款鋼珠筆套組,邀請觀展者與 「 AUDIO ARCHITECTURE:聲⾳的建築展」用視覺感受聲音的形狀 ,⽤⾳樂熔接設計的力量! 

博客來 l 單曲黑膠套組(台灣限定黑色版) 由⾳樂⼈⼩⼭⽥圭吾 ( Cornelius )創作的展覽同名單曲,⽤他獨有且前衛實驗性的樂 ⾳,像是位處虛實之間的鋼筋樑柱,替展覽搭建出超現實場域,即便展覽結束,⿊膠迷也 可在⽣活⽇常,重複聆聽與鑑賞。

01_博客來_單曲黑膠套組( 台灣限定黑色版 )

全家 l 「Ystudio 物外設計」聯名款鋼珠筆套組(黑色限定版) 曾被紐約時報等國際媒體報導的台灣設計⼯作室「Ystudio 物外設計」,與展覽聯名共同 詮釋「聲⾳即視感」核⼼價值,進⽽打造台灣獨家限定鋼珠筆,將腦中浮現的聲⾳,寄託 於字裡⾏間的⽂字重量。

02_FamiPort|聯名款鋼珠筆套組( 黑色限定版 )

Taketla l 官⽅海報限定套組 預售價 280 元(原價 350 元)

 21_21 DESIGN SIGHT 企劃展「 AUDIO ARCHITECTURE:聲音的建築展 」in Taipei 

▩ 展覽地點:華山 1914 文創園區 東 2 AB 館

▩ 展覽期間:2020年12月25日至2021年4月6日

▩ 主辦單位:INCEPTION 啟藝

▩ 企劃單位:21_21 DESIGN SIGHT

全票:350 元 ( ⼀般⺠眾 ) 、學⽣票:320 元( ⼤專以下學⽣,憑證 )、愛⼼票:175 元 ( 65 歲以上長者憑證,⾝障者本⼈憑證及⼀名必要陪同者 ) 

免票與陪同:未滿 3 歲 ( 憑證 ) 或 90 cm ( 含 ) 以下之幼童免票,但需有⼀位⼤⼈購票陪同入場


via/INCEPTION 啟藝

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「美國大都會博物館名作展:從印象派到現代主義」6月故宮登場!集結梵谷、塞尚等大師名作

美國大都會博物館(The Met)首度來台展出!故宮博物院將於2025年6月至10月呈獻《從印象派到現代主義─美國大都會博物館名作展》。

本展集結大都會博物館多達81件繪畫及素描珍藏,它們分別來自梵谷、雷諾瓦、馬諦斯、塞尚等38位大師級畫家,帶觀眾一覽1920世紀中,自現實主義遞嬗至印象派、現代主義等的藝術流變;更特別精選多位知名女性藝術家之作,如印象派名家瑪麗‧卡薩特、貝絲‧莫莉索等,藉此呈現女性在西方現代藝術發展中的崛起與獨特風格。

「美國大都會博物館名作展:從印象派到現代主義」6月故宮登場!集結梵谷、塞尚等大師名作
(圖片來源:《從印象派到現代主義─美國大都會博物館名作展》官方Facebook)
「從印象派到現代主義—美國大都會博物館名作展」即日起於國立故宮博物院北部院區第二展覽館隆重開展。(圖片提供:時藝多媒體)
「從印象派到現代主義—美國大都會博物館名作展」即日起於國立故宮博物院北部院區第二展覽館隆重開展。(圖片提供:時藝多媒體)

穿越橫跨一世紀的藝術浪潮

美國大都會博物館被譽為全球四大博物館之一,收藏近200萬件橫跨5000年歷史的珍貴藏品,涵蓋世界各大文明與藝術流派。而故宮本次展覽時區鎖定1920世紀中,類別涵蓋現實主義、學術繪畫、印象派、後印象派至早期現代主義。印象派的出現,讓畫家們從室內走向戶外、繪畫主題自人物與肖像延伸到自然景致,藉畫筆捕捉光影流動,並影響了後續藝術流派如點描派、野獸派、現代主義等的誕生及演變,留下許多經典佳作。

「美國大都會博物館名作展:從印象派到現代主義」6月故宮登場!集結梵谷、塞尚等大師名作
美國大都會博物館。(圖片來源:The Met)

以人體、肖像、大自然等「畫面主題」劃分5大展區

策展敘事跳脫傳統上以「時序」、「畫派」分類的形式,改以「畫面主題」引導觀眾透過「直覺」展開探索,感受畫中色彩、筆觸及其蘊藏的人文情感,沈浸於作品所營造的氛圍情境。讓我們分別看向5大展區亮點:

▍身體姿態

此區梳理自1860年代起不同藝術家對人體的詮釋,並闡述鉛筆、顏料等不同媒材與技法對裸體描繪的特殊性,看人體如何成為藝術表達的試驗場。

「美國大都會博物館名作展:從印象派到現代主義」6月故宮登場!集結梵谷、塞尚等大師名作
《大溪地的出浴女子 Tahitian Women Bathing》,高更 Paul Gauguin,1892。(圖片來源:The Met)
展區一隅(圖片提供:時藝多媒體)
展區一隅(圖片提供:時藝多媒體)
展區一隅(圖片提供:時藝多媒體)
展區一隅(圖片提供:時藝多媒體)

▍肖像與人物

18世紀歐洲迎來工業革命,撼動社會階層與城市風貌,藝術也從國家資助轉向更開放的大眾市場,肖像畫趁勢崛起為中產階級展現財力、地位之物。這一時期,藝術家描繪現代生活中的社交互動,讓親朋好友成為畫中人,賦予肖像更風格化的表現,模糊肖像畫與風俗畫的界限,開啟人物畫的新風貌。

「美國大都會博物館名作展:從印象派到現代主義」6月故宮登場!集結梵谷、塞尚等大師名作
《彈鋼琴的兩位少女 Two Young Girls at the Piano》,雷諾瓦 Auguste Renoir,1892。(圖片來源:The Met)
「美國大都會博物館名作展:從印象派到現代主義」6月故宮登場!集結梵谷、塞尚等大師名作
《春日 Springtime》,皮埃爾·奧古斯特·考特 Pierre-Auguste Cot,1873。(圖片來源:The Met)
展區一隅(圖片提供:時藝多媒體)
展區一隅(圖片提供:時藝多媒體)
展區一隅(圖片提供:時藝多媒體)
展區一隅(圖片提供:時藝多媒體)

▍徜徉自然

在歐洲各國隨政治與工業革命的推進逐漸轉變之時,藝術家將視野轉向自然風光,以風景為畫作主角,並在其中融入自身獨特視角與繪畫風格,徹底改變1920世紀初的畫風。

「美國大都會博物館名作展:從印象派到現代主義」6月故宮登場!集結梵谷、塞尚等大師名作
《花朵盛開的果樹園 The Flowering Orchard》,梵谷 Vincent van Gogh,1888。(圖片來源:The Met)
展區一隅(圖片提供:時藝多媒體)
展區一隅(圖片提供:時藝多媒體)

▍城市到鄕村

1920世紀之交,藝術家們不僅徜徉自然,也探索各地人們的生活方式,及人們與環境的互動,眾多畫作描繪的主角從不斷變化的巴黎城市景觀、塞納河畔及度假勝地享受悠閒時光的漫遊者,再到鄉村小鎮和田園風光。藝術家以現代眼光及創新技巧,各自展開對所處地方的景觀與人群的獨到詮釋。

「美國大都會博物館名作展:從印象派到現代主義」6月故宮登場!集結梵谷、塞尚等大師名作
《大碗島的星期天下午 A Sunday on La Grande Jatte》習作,喬治·秀拉 Georges Seurat,1884。(圖片來源:The Met)
「美國大都會博物館名作展:從印象派到現代主義」6月故宮登場!集結梵谷、塞尚等大師名作
《冬天早晨的蒙馬特大道 The Boulevard Montmartre on a Winter Morning》,卡米耶・畢沙羅 Camille Pissarro,1897。(圖片來源:The Met)
展區一隅(圖片提供:時藝多媒體)
展區一隅(圖片提供:時藝多媒體)

▍水岸風光

工業革命帶動鐵路運輸,人們能以更便捷的方式前往海灘、漁村、港口等各地觀光,藝術家們也踏上旅途,留下許多描繪水景風光的美作,無論在法國各海岸、威尼斯或阿爾及爾等地,都能看到不同藝術家詮釋的畫作紀錄。

皮耶‧波納爾,《聖特羅佩舊港一景》,1911年。(圖片來源:The Met)
皮耶‧波納爾,《聖特羅佩舊港一景》,1911年。(圖片來源:The Met)

票價資訊總整理

《從印象派到現代主義美國大都會博物館名作展》規劃3波售票期間,提供各式票組選擇,有興趣者請見下方詳細售票資訊。

《從印象派到現代主義美國大都會博物館名作展》

展期|2025.06.1410.12

展場|國立故宮博物院 第二展覽館 一樓特展廳

開放時間|每日 9:0017:0016:30展覽現場停止售票及入場)

 

▬▬▬ 購票請點此 ▬▬▬

▍早鳥票 3/13-3/31

・雙人紀念套票|$770

內附雙人入場憑證1組、紀念套票1

請於觀展驗票時出示入場憑證,以兌換紀念套票組

▍預售票 4/7-6/13

・單人票|$400

THE MET 限定零錢包套票|$499

內附單人入場憑證1個、THE MET限定零錢包1

請於觀展驗票時出示入場憑證,以兌換限定零錢包

▍展期票 6/14-10/12

・全票|$500

・優待票|$4506歲以上持有效學生證件者,每證限購一張(碩博士生、社區大學、空中大學及在職進修等恕不適用)

・特惠票|$25065歲(含)以上者、持本國或外國身心障礙手冊之陪同者,需出示證件正本,每證限購1

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2025大阪世博盛大進行中,La Vie編輯在4天內密集參觀超過35座展館,繼上篇推薦的5座展館後,此次再推6座!除了分享第一手體驗心得,也分析參觀方式、主題策劃等,探索什麼是能留存心中的展覽。

▸ Better Co-Being

必須在場的「共鳴」體驗

先說結論,「Better Co-Being」是此次我個人綜合排名的第1名。除了在視覺上極美(大推在傍晚或晚上預約),展館的整體性、建築與展覽內容的創新性,都屬高分評價。且在網路可以取得眾多訊息的現在,「Better Co-Being」展館具有「必須在場」的特質,是照片與文字難以完整感受的獨特體驗。

「Better Co-Being」展館由獲普立茲克獎的SANAA(妹島和世+西澤立衛)操刀。(攝影:蔡耀徴)
「Better Co-Being」展館由獲普立茲克獎的SANAA(妹島和世+西澤立衛)操刀。(攝影:蔡耀徴)

本屆世博會場正中心,座落的並非雄偉建築,而是名為「寂靜之森」的森林,而SANAA設計的「Better Co-Being」也融入其中。這裡的「融入」是意象上的,也是物理上的。呼應「Better Co-Being」展館強調連結、開放的理念,他們打造了一座11公尺高,無牆、無天花板的銀色網格狀罩棚;地面僅用纖細柱體支撐,讓網格如雲朵般飄浮空中。從白天到夜晚,從晴天到雨天,建築將與天色和天氣交織出不同景象。在「Better Co-Being」官網刊登的採訪中,西澤立衛表示:「建築本身就有『占據』空間的特質。從這個意義來看,如果能在空間上表達出『共享』的概念,將是一件非常有趣的事情。」妹島和世則說:「這是一個無法完全控制的空間,我認為這正是有趣之處,人們可以在這裡感受天氣變化,進行互動式的體驗。」

「Better Co-Being」的銀色網格在不同天色下映照出不同氛圍。(攝影:蔡耀徴)
「Better Co-Being」的銀色網格在不同天色下映照出不同氛圍。(攝影:蔡耀徴)

展覽透過感應石頭、作品、觀眾的互動,表達了「共鳴」此一抽象主題。現場採小規模團體導覽,入場前每人會拿到一顆「echorb」石頭感應器,與手機完成連結後,登入體驗網站,將看見包括自己在內的同場觀眾的石頭顏色與位置分布;手握石頭,其震動將自然帶動手往左或右移動。

左:「echorb」石頭感應器,會有發光與震動的效果。右:「echorb」連結手機後的畫面,可看到同場觀眾的石頭顏色與位置分布。(攝影:張以潔)
左:「echorb」石頭感應器,會有發光與震動的效果。右:「echorb」連結手機後的畫面,可看到同場觀眾的石頭顏色與位置分布。(攝影:張以潔)

接著跟隨工作人員引導,依序體驗塩田千春〈言葉の丘〉、宮島達男〈Counter Voice Network〉,以及策展人宮田裕章的〈共鳴の空〉、他和創意團隊EiM共創的〈最大多の最大幸福〉等作品。走在不同路段、靠近不同作品時,將石頭輕輕放在耳邊搖晃,還會聽到不同聲響。最後登場的球體LED裝置,會即時搜集本場觀眾的體驗行為、當下天氣等數據,呈現僅只一次、屬於此時此地的影像。

塩田千春〈言葉の丘〉,紅線和漂浮的文字聯繫起無法言喻的情感。(攝影:蔡耀徴)
塩田千春〈言葉の丘〉,紅線和漂浮的文字聯繫起無法言喻的情感。(攝影:蔡耀徴)
宮田裕章〈共鳴の空〉會觸發人造雨並形成彩虹,他和EiM共創的〈最大多の最大幸福〉鋼絲上的裝飾也在雨水和光線下,散發各種色彩。(攝影:蔡耀徴)
宮田裕章〈共鳴の空〉會觸發人造雨並形成彩虹,他和EiM共創的〈最大多の最大幸福〉鋼絲上的裝飾也在雨水和光線下,散發各種色彩。(攝影:蔡耀徴)

有趣的是,連結「echorb」與手機的體驗網站,就像是一個「參加過Better Co-Being館的人的社群網站」,你可以上傳照片,也可以看到他人拍攝的照片,彼此分享在世博捕捉到的風景,即便離開展場也能使用。從建築與環境的共享、藝術作品與人的互動,到應用程式將參觀者聯繫在一起,沒有想過「共鳴」可以用展覽的形式訴說,且說得新穎又深刻。

展覽最後,觀眾的行動數據和當下氣象,會轉化為球體LED影像。(攝影:蔡耀徴)
展覽最後,觀眾的行動數據和當下氣象,會轉化為球體LED影像。(攝影:蔡耀徴)
非常推薦在傍晚或晚上預約參觀「Better Co-Being」,作品亮起的瞬間非常令人難忘。(攝影:蔡耀徴)
非常推薦在傍晚或晚上預約參觀「Better Co-Being」,作品亮起的瞬間非常令人難忘。(攝影:蔡耀徴)

Better Co-Being
需預約。採分批導覽,編輯參觀時間約1小時。
更多資訊可至官方網站查詢

▸ 荷蘭館

一顆發光球體,貫穿建築與展覽

展館的「整體性」是我相當偏好的特質,與其建築、視覺、展覽、吉祥物等各個都很厲害、但欠缺聯動的整體性,我更偏好每個元素都彼此連結,完好地收斂在同一個概念下。「荷蘭館」可謂本屆在「整體性」上做得相當出色的展館,以「球」貫穿建築與展覽,連吉祥物也推出米飛兔抱著大球的限定款(甚至開幕第3天隨即完售)。

「荷蘭館」建築由RAU Architects操刀。(攝影:蔡耀徴)
「荷蘭館」建築由RAU Architects操刀。(攝影:蔡耀徴)
球體接觸展館內的感應點後即會發亮,也會觸發牆面的聲光裝置。(攝影:蔡耀徴)
球體接觸展館內的感應點後即會發亮,也會觸發牆面的聲光裝置。(攝影:蔡耀徴)

荷蘭館講述的主題為「永續」,坦白說在參觀前不抱期待,因為直覺此題很容易淪為說教,或讓看展有種「在上課」的感覺。但實際體驗後,發現它並不是對你說道理,而是讓你「感受」到此議題的重要與迫切性。觀眾在入場前,會拿到一顆白色小球,球上設有感應裝置,只要碰觸牆上的感應點,球就會發亮,牆面也會出現不同的聲光變化。有趣的是,荷蘭館將「使用球的方式」與永續概念連結,例如要啟動牆面的聲光裝置,必須多顆球同時接觸,僅有一顆是無效的,隱喻人類必須攜手合作以迎向未來;當觀眾拿著尺寸比手掌略大的球在展場走動時,勢必會雙手捧著,小心呵護其不掉到地上,這個舉動也象徵了人類得悉心照料地球。

同梯的觀眾會聚集在一個環形劇場內,觀看上方穹頂的影像,播放期間大家手裡的球也會跟著變換顏色。(攝影:蔡耀徴)
同梯的觀眾會聚集在一個環形劇場內,觀看上方穹頂的影像,播放期間大家手裡的球也會跟著變換顏色。(攝影:蔡耀徴)

「球」不僅貫串展館視覺,甚至聯動了永續主題。也許就內容、手法等個別項目來說均不是最強,但綜合起來成就了「荷蘭館」深刻的品牌印象。我想即便過了多年再回想起本屆世博,還是會清晰記得「荷蘭館就是那個有著大球」的館。

直徑10.6公尺的「人造太陽」球體是荷蘭館的核心,也象徵從水中汲取的再生能源。(攝影:蔡耀徴)
直徑10.6公尺的「人造太陽」球體是荷蘭館的核心,也象徵從水中汲取的再生能源。(攝影:蔡耀徴)

荷蘭館
需預約,也可現場排隊。採分批導覽,編輯參觀時間約40分鐘。
更多資訊可至官方社群查詢

➥ 延伸思考:引導物件的運用

這裡也想談談「引導物件」的使用方式,包括上述介紹的「荷蘭館」、「Better Co-Being」,本屆許多展館均採物件引導的參觀模式——入場前會發放一個「物件」,該物件會有感應裝置或需與個人手機連結,由它觸發展場內的體驗。例如「德國館」的物件為吉祥物「Circulars」,將其頭部碰觸展場接觸點、再放置耳邊,就會進行悄悄話般的語音導覽;「電力館」也選擇了蛋型吉祥物,透過互動遊戲可讓蛋發光,從中了解各種發電方式。不過物件的運用,無疑是給觀眾多一道的理解門檻與手續,加上世博有來自世界各地的觀眾,語言、文化甚至手機裝置型號都不同。如何讓大家都能夠輕易上手,且具有「加分」效果,實為關鍵。

「德國館」以吉祥物「Circulars」作爲引導物件,將Circulars頭部接觸展場感應點後再放置耳邊,就會對你進行悄悄話般的解說。(攝影:蔡耀徴)
「德國館」以吉祥物「Circulars」作爲引導物件,將Circulars頭部接觸展場感應點後再放置耳邊,就會對你進行悄悄話般的解說。(攝影:蔡耀徴)

Better Co-Being」的「echorb」石頭、「荷蘭館」的球,前者新奇後者直覺,且與展覽內容呼應,均是我覺得在引導物件上使用得很好的展館。不過談白說「Better Co-Being」的使用門檻偏高、手續繁複,必須步步跟著工作人員的解釋,才知道「echorb」怎麼使用、又怎樣跟作品互動;且同行攝影師的手機無法順利連結,現場也找不出解決方法。但因為石頭震動的感覺太微妙,與作品互動的方式也夠有趣,所以仍甘願且開心地學習操作方式。

▸ Future of Life

科技如何真的帶人類前行?

若說世博最初的起源,是展現人類最新發明以展望未來,儘管在現今的意義已有轉變,本屆仍有不少展館保有這分意味。不過也不諱言,有些主打科技和未來的展館,會淪為形式絢麗而內容空洞的展演。但由「人形機器人權威」、大阪大學教授石黑浩策劃的「Future of Life」,將此主題講述得既實際(有諸多研究基礎)又有想像力(開展到千年後的世界),也是我覺得本屆世博在「內容」上十分突出的館,將較嚴肅與複雜的科技議題,轉化為電影般的劇情,不說教且留白得宜。

「Future of Life」外觀不時有水流下,一來水為生命的起源,二來大阪有「水都」之稱。(攝影:蔡耀徴)
「Future of Life」外觀不時有水流下,一來水為生命的起源,二來大阪有「水都」之稱。(攝影:蔡耀徴)

入場前每人會拿到耳機,可選擇日文或英文、是否顯示字幕。建議可選擇字幕,因「Future of Life」是相當有「劇情」的展覽,角色對白會透過耳機傳送,若一時沒聽清楚可搭配字幕理解。展覽從「猴子」到「女學生」等各式機器人揭開序幕,探究人類在不同時代如何賦予機器「生命」。接著將故事線帶往50年後,並在此拋出「Future of Life」的主線劇情:50年後的世界,人類可以選擇自然死亡,或是將記憶移轉給機器人繼續存活。透過影片裡奶奶的選擇,引發觀眾思考:這個機器人是否還是原本的人?機器人能擁有真的情感嗎?人類是否需要無限地活下去?

「Future of Life」第1個展間,展示了「猴子」到「女學生」等各式機器人。(攝影:蔡耀徴)
「Future of Life」第1個展間,展示了「猴子」到「女學生」等各式機器人。(攝影:蔡耀徴)
「Future of Life」穿越到50年後,觀眾正和人形機器人一起坐在列車上。(攝影:蔡耀徴)
「Future of Life」穿越到50年後,觀眾正和人形機器人一起坐在列車上。(攝影:蔡耀徴)

懷著這些疑問,下個展間直接將「人機共存」的社會顯示眼前,只見主持人松子Deluxe正和機器人互動,還有已故文學家夏目漱石的機器人、能演奏鋼琴的機器人⋯⋯。之後耳機傳來:「接下來是1,000年後的世界。」迎面出現的是,難以定義是人是機是神的機器人隨音樂舞動,展示了不再受限於身軀與物理的人類樣態。

在50年後的世界,主持人松子Deluxe正和機器人互動。(攝影:蔡耀徴)
在50年後的世界,主持人松子Deluxe正和機器人互動。(攝影:蔡耀徴)
1,000年後的世界,「Future of Life」上演了一場未來「人」的奇幻表演。(攝影:蔡耀徴)
1,000年後的世界,「Future of Life」上演了一場未來「人」的奇幻表演。(攝影:蔡耀徴)

科技與人性的辯證、人機結合的探究,早已不是新命題,但許多作品會以荒謬、空虛或頹敗的近未來,反諷一味追求革新的人類。但「Future of Life」並沒有走這條路,而是要用科技帶著人性前行。展末亦展示了50年後可能會實現的「近未來技術」,包括與人體結合的機器人和AI、讓生活方式更自由的醫療、更永續的環境與能源技術等等。一如石黑浩在展覽尾聲留給觀眾的訊息:「人類可以設計自己的未來,活出自己想要的生命。」科技能帶人類走到多遠?其實這題不只關乎技術,也關乎人類對自己的生命、情感與需求,有多透澈的理解。

「Future of Life」共展出20具人形機器人和30架機器人,館內也由機器人擔綱引導。(攝影:蔡耀徴)
「Future of Life」共展出20具人形機器人和30架機器人,館內也由機器人擔綱引導。(攝影:蔡耀徴)
「Future of Life」每個展間的區隔、轉場十分流暢,且與內容貼合。(攝影:蔡耀徴)
「Future of Life」每個展間的區隔、轉場十分流暢,且與內容貼合。(攝影:蔡耀徴)

Future of Life
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▸ BLUE OCEAN DOME

一場「水」的純粹展演

如果要說哪件「作品」最印象深刻?我的答案會是「BLUE OCEAN DOME」裡、由創意團隊nomena設計的水循環藝術裝置。「BLUE OCEAN DOME」為由非營利組織ZERI JAPAN策劃的民間展館,由設計師原研哉擔任策展人,將「水」這個主題用純粹且詩意的方式表達。

「圓頂A」以竹作為屋頂結構,由創意團隊nomena設計的水循環藝術裝置展示於此。(攝影:蔡耀徴)
「圓頂A」以竹作為屋頂結構,由創意團隊nomena設計的水循環藝術裝置展示於此。(攝影:蔡耀徴)

nomena設計的水循環藝術裝置展示於「圓頂A」,以超疏水塗層的純白盤面為舞台,模擬水從天空降下後,流經曲折地景,最終匯入大海的過程。白色的空間、白色的裝置、透明的水,觀眾進到展間會自然安靜下來,只聽得到玻璃管傾的碰撞聲,以及水流動的潺潺聲響。看著水滴在台面上匯聚,聚集到臨界點後終有一滴流入下個區域⋯⋯,沒有複雜或絢麗的聲光,卻足以引人定睛長時間觀看。在本屆世博眾多展館或現今各大展演中,聲光效果似乎成為了一種標配或趨勢,但此裝置展現了另一條路,把「單純」這件事做到極致與精緻,沒有想過「水」可以這樣被展示與觀看。

nomena設計的水循環藝術裝置,將「水」這件事做了極細膩的展示。(攝影:蔡耀徴)
nomena設計的水循環藝術裝置,將「水」這件事做了極細膩的展示。(攝影:蔡耀徴)

由坂茂操刀的「BLUE OCEAN DOME」建築也值得一看,他在記者會上說:「世博的本質應該是實驗未來的場所,如今卻過於追求表面上的獨特性與外觀,鮮少提出結構或技術的創新。」因此他期望透過「BLUE OCEAN DOME」,探索新的建築可能。

「BLUE OCEAN DOME」純白外觀會映照出天空色彩,甚至與天空融在一起。(攝影:蔡耀徴)
「BLUE OCEAN DOME」純白外觀會映照出天空色彩,甚至與天空融在一起。(攝影:蔡耀徴)

展館由3座圓頂組成:「圓頂A」的結構是「竹」,由於傳統竹材的直徑和厚度不均,且會因日光直射而裂開,因此團隊運用最新技術製成竹集成材,輕盈、強韌並易於加工;「圓頂B」則使用「CFRP(碳纖維強化聚合物)」,此材料重量比鐵輕、強度卻更優異,通常被用於航空、汽車等,本次為全球首次將CFRP作為屋頂主要結構,世博結束後也將回收,應用於坂茂參與設計的馬爾地夫海洋度假村開發案;而坂茂聞名的「紙管」則出現在「圓頂C」,此處的紙管不僅用於屋頂,連椅子都由3根紙管組成,讓觀眾直接感受其韌性。

「BLUE OCEAN DOME」在夜晚打燈後,更顯露出圓頂結構。(攝影:蔡耀徴)
「BLUE OCEAN DOME」在夜晚打燈後,更顯露出圓頂結構。(攝影:蔡耀徴)
「圓頂B」則是由視覺團隊WOW製作的全CG影像,呈現海洋、動物和塑膠垃圾彼此「共存」的影像,以美麗卻詭異的畫面直擊人心。(攝影:蔡耀徴)
「圓頂B」則是由視覺團隊WOW製作的全CG影像,呈現海洋、動物和塑膠垃圾彼此「共存」的影像,以美麗卻詭異的畫面直擊人心。(攝影:蔡耀徴)

BLUE OCEAN DOME
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▸ 韓國館

主題包裝下的科技國力

韓國館意外地讓我滿喜歡。其實它原本不在我想參觀的清單上,而是在世博開幕日傍晚,在大屋根廊道下方躲雨時,恰巧看到前方一面巨大的裸視3D牆——瞬間以為是某個世博官方的裝置,但隨即想到近年韓國經常使用此技術,看了一下周圍,確實找到「KOREA」的字樣。不用進到展館,韓國透過外牆就已大力輸出自家螢幕設備與設計實力。

「韓國館」的裸視3D牆。(攝影:蔡耀徴)
「韓國館」的裸視3D牆。(攝影:蔡耀徴)

韓國館以「With Hearts」為主題,講述科技與人性間的關係。入場前,觀眾會先依序進入如電話亭般的小錄音間,對著麥克風回答「最重要的東西是什麼?」每位觀眾錄下的聲音,將會在第1個展間轉化為聲光藝術,在全黑場域隨著音樂打下道道光束。第2個展間設有眾多如喇叭般的裝置,只要對其吹氣,上方就會產生泡泡落下(同場加映:瑞士館也有類似手法,但泡泡是由下往上升起)。

「韓國館」第2個展間裡,只要對如喇叭般的裝置吹氣,就會有泡泡從上方落下,亦展現了人和科技之間的連結與轉化。(攝影:蔡耀徴)
「韓國館」第2個展間裡,只要對如喇叭般的裝置吹氣,就會有泡泡從上方落下,亦展現了人和科技之間的連結與轉化。(攝影:蔡耀徴)
「瑞士館」也有與「韓國館」相似的泡泡裝置,不過泡泡是由下往上升起。(攝影:蔡耀徴)
「瑞士館」也有與「韓國館」相似的泡泡裝置,不過泡泡是由下往上升起。(攝影:蔡耀徴)

最後的第3展間,則播放一段「女高中生與爺爺」的音樂戲劇影片,融合K-Pop的音樂與舞蹈,講述科技如何聯繫情感,以及不隨時間改變的價值。其實各展間均強烈置入科技與娛樂產業等韓國國力,但因為收攏在科技與人性的連結此一主題下,並不會有太生硬或直接的「置入」感,可謂一場好看的展演。

「韓國館」第3個展間播放「女高中生與爺爺」的音樂戲劇影片,融合了K-Pop音樂與舞蹈。(攝影:蔡耀徴)
「韓國館」第3個展間播放「女高中生與爺爺」的音樂戲劇影片,融合了K-Pop音樂與舞蹈。(攝影:蔡耀徴)
「韓國館」第3個展間,影片講述科技與情感的聯繫。(攝影:蔡耀徴)
「韓國館」第3個展間,影片講述科技與情感的聯繫。(攝影:蔡耀徴)

韓國館
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➥延伸思考:國家這件事怎麼表現?

國家館打著國家的名義參展,這件事其實很有趣——「國家」的比重要占到多大?要呈現國家的哪些特質或特色(以及怎麼呈現)?又或者再深一層思考,哪些東西能夠代表國家?上述提及到的兩個國家館(荷蘭、韓國),對我來說都是「主題」走在「國家」前面,也是我個人較偏好的國家館形式。這個意思是,它們是運用國家的元素(例如荷蘭的水能源、韓國的科技與娛樂產業),來講述一個主題,「國家」這件事有經過一定程度的轉化與包裝。

相反地,本屆我看到的大多國家館,都是讓「國家本身成為主題」,以博物館式的方式,介紹該國的地理、人文、產業、歷史,或是最新/自豪的科技、品牌、政策等等。雖然也不乏精彩之作,但就我個人而言,仍不免有種說教感。不過在直白介紹國家的國家館中,想特別推薦一個讓我印象深刻的展館:

「巴林館」運用約3,000根未經工程處理的木材,以榫卯組合成4層結構,形成前後高17公尺、中間低13公尺的弧線,宛如一艘木船。(攝影:蔡耀徴)
「巴林館」運用約3,000根未經工程處理的木材,以榫卯組合成4層結構,形成前後高17公尺、中間低13公尺的弧線,宛如一艘木船。(攝影:蔡耀徴)

▸ 巴林館

視覺之外,用觸覺與嗅覺感受巴林

其實在此之前,我並不知道巴林這個國家,但由黎巴嫩建築師Lina Ghotmeh(近年贏得「大英博物館」西翼展廳改造計畫國際競圖,是備受矚目的女建築師)操刀的建築,以3,000根木材製成木船般的展館,外觀就十分搶眼。

「巴林館」的木構運用相當值得一看。(攝影:蔡耀徴)
「巴林館」的木構運用相當值得一看。(攝影:蔡耀徴)

展覽內容不外乎介紹這個位於西亞、波斯灣西岸附近的島國,其自然與航海資源。但參觀方式的設計,是先進行一小段的團體導覽,讓觀眾對巴林有基礎認識後,再自由參觀,解說員也清楚交代「展館裡每一項東西都可以摸和聞」。對於用看或聽的方式來接收一國文化,總顯得有點制式,但透過觸覺和嗅覺,意外地讓我更有好奇心地探索。布幔染上的巴林海洋氣味,我到現在都還記得那股怪異酸味。

左:「巴林館」咖啡廳。右:「巴林館」館內展示,邀請大家親自觸摸船隻。(攝影:蔡耀徴)
左:「巴林館」咖啡廳。右:「巴林館」館內展示,邀請大家親自觸摸船隻。(攝影:蔡耀徴)

還有,巴林館商店超、好、逛!除了有許多當地工藝,同行攝影師還在裡面挖到巴林攝影師Ishaq MadanZine,照片和印刷品質都在線。另外亦可關注,目前也在開展中的威尼斯建築雙年展,國家館最高榮譽金獅獎就是由巴林館奪下,也讓我更好奇這個過往相對陌生的島國,還擁有什麼樣的創意能量。

巴林館
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文|張以潔 攝影|蔡耀徴
更多精彩內容請見 La Vie 2025/6月號《2025大阪世博設計攻略》

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