專訪／探索聲音、光、空氣和「藝術」！走進臺中國家歌劇院駐館藝術家王連晟、莊志維的美學世界

「無論身處在哪個角落，在這裡你都能感受到聲音、光和空氣的流動。」這是國際建築大師伊東豊雄建造臺中國家歌劇院時，對於建築體的期盼；隨著場館營運，臺中國家歌劇院也蔓延了這座三維建築體所給予的「自由度」，跳脫臺中國家歌劇院的既有框架，以「藝術翻新基地」為出發；從2017年首屆到今年第二屆的「駐館藝術家計畫」，藉由座談會、工作坊、劇場導覽、校園講座、演出等活動，讓「藝術」隨著場域，自然走入日常。

身為臺灣首屈一指的藝文國際型場館，臺中國家歌劇院（後簡稱歌劇院）的精彩，不僅擁有世界頂尖建築的鋒芒，還有隨著體積律動、紮實而靈活的當代視野；除了國際間重量級的邀請與交流，更致力推廣臺灣在地的青年藝術創作。2017-2018年，歌劇院首次舉辦第一屆「駐館藝術家計畫」，剔除國際場館的疏離感，化場館資源為創作助力，串連創作者與觀眾本來平行宇宙的思維，在龐大基地內，點燃中部藝文圈引信，形成一股能量和對話平台。今年，歌劇院邀請新媒體藝術家王連晟、莊志維及編劇林孟寰、繪本作家包大山，成為2019-2020年駐館藝術家；La Vie編輯部也特別走入這個中臺灣的「藝術翻新基地」，採訪王連晟與莊志維，通過他們與場館「發生關係」的切身感受，瞭解到空間、藝術、觀者與生活的群落思潮。

當新媒體藝術成為改變生活的催化劑—王連晟

「身為數位藝術創作者，我逐漸想要為臺灣土地做些什麼，比如改善藝術環境。」作品常以裝置群形式呈現於空間內的王連晟，這次在歌劇院的駐館期間，以擅長的互動裝置和聲音表演，作為駐館發想；「我認為所謂的互動藝術，有一個要降低觀眾觀看作品門檻的意圖；某一個程度上，它是邀請觀眾進入或參與，把主導權相對交給觀眾，讓作品在整個論述上，不是單方面的，而是更趨完整。我覺得這個在我的創作裡，是蠻重要的概念。我覺得這個思維，也正在歌劇院發酵。」

從王連晟的角度看駐館計畫，歌劇院在藝術教育路上，形成一股不可忽視的影響力。把格局從一場展演，擴大到藉此改善藝術環境的計畫，這場藝術與生活的織合步伐，正如火如荼地邁開。今年，王連晟不僅針對中部藝才班，提出數位藝術相關課程，結合穿戴式裝置、電腦程式互動與動態影像啟發在地新生創意，也將於12月與一般民眾進行公民美學教育推廣，以講座形式來探討數位藝術跨領域表演，從上至下，形成金字塔型的藝術構築。就像他舉例德國明斯特雕塑展（Sculpture Projects Münster）藝術家Aram Bartholl利用露營篝火聲效裝置，將熱能轉換供給手機充電（電能）的作品，「這個企圖解構科技、卻又重新再建構對未來科技想像的過程，是非常具有幽默性的；從新媒體藝術的角度切入，不僅能給予當代反思，也能用大眾瞭解的語言，去突破傳統場域的框架，讓藝術更能走入生活。」

至微觀察，回到空間的本身—莊志維

「歌劇院還沒有完成時，對我來說，就是一個空間。所以我一直停留在對空間的想法上，衍生到我現在以空間為主的駐館計畫。」抽掉「劇院」的限制，以一個場域跟場所的觀念，去看待這棟建築，如果它是一個展出的空間，一個發生事情的空間，它可以發生什麼事？這是莊志維在採訪時，說出的駐館起始句。雖然被定位為新媒體藝術家，莊志維並不以此為限，不管是過去駐村還是這次的駐館經驗，對他而言「脫離既有軌跡與創作方式」是必然的，甚至削弱科技媒材占比，都沒關係，只要仍然依循那份重要的溫度與情感。這次，他不設限作品未來的樣貌，而是透過「觀察」的工作坊形式，帶領民眾，一同探索歌劇院從未對外開放的「有料私房點」。

「我的眼睛已經有自己既定的習慣了，如果透過民眾參與，他們也許能提供更多；每個人不同的五感，能化為龐大的資訊，成為另一種創作養分。」透過這次的駐館經驗，莊志維讓民眾一同參與這個未知的作品，進到空間來，從「卸貨碼頭」、「佈景修補室」到「洗衣房」，一窺公共空間之下，隱密的探索點，「再次」觀察隱藏在曲面建築體之下的空間、質地、氣味與其他狀態，以一種「活性」的通觀，來呼應新媒體與外界多元接觸的特質；在流動、舒適的場域內，開展任何事件發生的可能性。「作為一個國際型場館，歌劇院不框限藝術家駐館的作品，而是在意這個場館，能帶給臺灣藝術家和民眾什麼樣的過程，我覺得這是在這裡駐館，感到深刻的部分。」

當年輕的場館與兼具創作經驗與熱情的藝術家相遇，透過國際型場館的駐館號召，藝術不再是一種圈內人的對話；這點，我們既可在歌劇院看見不限種類的策展核心，也能無形在身處空間與內化觸動情感的裝置中，自在拋出各式美學議題。「駐館藝術家計畫」讓歌劇院不僅是空間，更是豐沛交流藝術、聚合熱忱的載體。

2019臺中國家歌劇院 駐館藝術家系列講座/工作坊

時間：即日起~12/7(六)

地點：臺中國家歌劇院 角落沙龍

參加方式：活動通免費報名參加

報名網址： https://www.accupass.com/go/Artist

了解更多： https://www.npac-ntt.org/artist?uid=101

文字：Qbee

圖片提供：臺中國家歌劇院、莊志維、王連晟

從台灣隊TEAM TAIWAN勇奪2024年世界12強棒球賽冠軍，到2026年初於WBC世界棒球經典賽小組賽奮力拼搏，棒球熱潮席捲全國。然早在此前，棒球就是台灣最受歡迎的球類運動，甚至被封為「國球」，這份熱情究竟從何而來？

嘉義文學館推出《球者魂也——嘉義棒球文學特展》，以「棒球文學」為核心，聚焦「台灣棒球原鄉」——嘉義，梳理台灣棒球百年來的歷史脈絡，及其在文學中的多元呈現，全展集結小說、散文、報導、傳記、漫畫等類型選書，交織還原棒球場場景的展間、及棒球名人珍貴收藏，邀請人們以文學為路徑看棒球。

台灣人為什麼那麼愛棒球？

1931年昭和6年，嘉義農林棒球隊（嘉農，KANO）征戰日本甲子園，締造亞軍佳績，讓台灣人第一次透過棒球看見自己的可能。這不只是一回大賽的勝負，更深刻影響了當時台灣的社會認同、族群精神及體育發展。當時，嘉農由漢人、原住民、日本人共同組成「三民族」混合球隊，在教練近藤兵太郎的帶領下，成功拿下全島冠軍，打破過去北強南弱的局面，前進甲子園，最終獲得第二名的佳績，這證明了台灣球隊能與當時日本的一流強隊抗衡，且球場上不分族群、只論球技和團結的精神，在殖民時期更顯難能可貴。

時間來到1968年，台東紅葉少棒隊以比分7:0大勝來訪的日本球隊，成了當時引爆棒球熱潮、激勵民心的國族英雄；隔年，金龍少棒隊更在美國威廉波特少棒賽奪得冠軍，其後27年間台灣更接連封王17屆，寫下台灣少棒稱霸世界的傲人紀錄，棒球也因這些歷史榮光成為台灣人的驕傲，近年TEAM TAIWAN於世界12強奪冠，更是喚起人們心中的棒球魂。

展名「球者魂也」致敬嘉農傳奇教頭

《球者魂也》展名取自台灣傳奇棒球教頭近藤兵太郎的經典名言：「球者魂也，球不正，就是魂不正！球正，魂亦會正矣！」策展人黃銘彰表示，這份「球魂」所指不僅是球員在球場上的奮力一搏，在這次展覽中，也內化為嘉義「永不放棄」的城市性格，因此視覺設計特別融入「TEAM KAGI（嘉義隊）」識別，凝聚嘉義精神與在地認同感。

跟著「TEAM KAGI」回望棒球在嘉義萌芽的歷史

踏入展場，彷彿來到了「TEAM KAGI」即將上場的球場——觀眾席般的座椅錯落其間，加油棒點綴其中，熱血氛圍隨之蔓延。在此，展覽故事從「為什麼我們在這裡，談棒球？」為開端，帶觀眾一探嘉義作為「棒球原鄉」的歷史脈絡，回溯1920年代棒球在嘉義公學校萌芽的歷史。

隨著敘事推進，嘉農時期的教練近藤兵太郎、麒麟子吳明捷，到嘉農二代球員吳波（吳昌征），再到奧運銀牌教頭李來發、名將曾智偵等10位嘉義棒球代表人物也逐一浮現，不同世代的身影交會，組成象徵集體記憶的「TEAM KAGI」。

同一空間也展出雕塑家蒲浩明取材自嘉農吳明捷投球英姿的〈一隻展開翅膀的老鷹－KANO 1931〉銅像作品、嘉義歷史悠久的民生國中棒球隊現任球員簽名球與手套，及出身嘉義並在此完成三級棒球資歷的統一獅隊球員陳重羽的簽名手套等。這些物件既見證了城市記憶，也承載著代代之間未曾中斷的棒球精神。

作家朱宥勳為展覽創作短篇小說

回應嘉義文學館場域特質，「文學裡的棒球」展區以朱宥勳為展覽創作的短篇小說《另一場遊行》為亮點，朱宥勳不僅是知名作家，也是21年資歷的資深棒球迷，還曾經營PTT論壇La New熊版，對棒球極其熱愛。小說故事以文學館前身「東門町派出所」為背景，從日治時期參與嘉農棒球隊凱旋遊行的台籍警察視角出發，細膩描繪野球如何成為跨越族群的情感媒介，並在時代劇變之中，轉化為人們難以忘懷的共同記憶。

隨小說、散文、報導等豐富選書讀「棒球文學」

讀完《另一場遊行》後，不妨透過知識背板、互動裝置打開「棒球文學」的多重面向。其中，「棒球文學九宮格」打擊板則以提問形式，引導觀眾思考並理解何謂棒球文學，及其在台灣文學中的獨特性。此外，「棒球文學年表」交錯文本和歷史，展出包含李遠《封殺》、朱宥任《球魂的軌跡：日本野球誕生物語》等選書，既回望台灣棒球發展，也呈現台灣棒球與文學發展如何兩相呼應。

為展覽收尾的「棒球文學，持續進行中」展區，精選小說、散文、報導、紀實、傳記、漫畫等多樣形式的近代棒球文學作品，帶領觀眾探索棒球文學的各種可能。最後離場之前，不妨在棒球票卷背面寫下為「TEAM KAGI」加油的語句留在展間，為這座城市和台灣棒球應援。

《球者魂也——嘉義棒球文學特展》

展期｜2026.03.27－07.12

開放時間｜10:00－18:00（週一休館）

展場｜

・主展區｜嘉義文學館：東門町1923（嘉義市東區公明路236號）

・衛星展區｜嘉義市世賢圖書館一樓入口處（嘉義市西區世賢路一段685號）

從長居花蓮、對地震的感知記憶出發，台灣藝術家邱承宏用403花蓮大地震的斷垣殘壁，及其他震災後留下的建築遺構為材料，重構了書櫃、螺旋樓梯等生活物件，試圖在崩壞後，以物質材料為媒介、自身經驗為見證，建構一種生活新秩序。這片由災後廢墟重生的風景，現正於台北耿畫廊旗下藝術空間TKG+《柔韌之餘》展覽展出中。

為何以震災遺構為材？

台灣島位處環太平洋火山帶，地震等天災對生活在這座島上的人們並不陌生——從經歷震盪時的不安、面對生死的苦痛，到災後如何面對、感受、記憶那破碎後的日常，是伴隨台灣人成長經歷的個人和集體經驗。《柔韌之餘》主角藝術家——邱承宏，生於花蓮，現也在花蓮居住和工作，對此感受尤為深刻。

考古藝術家的記憶修補術

邱承宏的創作過程，如一場又一場「修補記憶」的歷程。他常以「考古探險」般的姿態，潛入時空縫隙，挖掘那些曾經存在的身影和軌跡，並將這些細膩觀察，透過裝置、雕塑生動地重塑，藉此發展一套獨到的「記憶修補術」。在《柔韌之餘》展覽中，邱承宏從長居花蓮的經驗出發，以地震倒塌建築中回收的鋼筋、磚瓦與混凝土為材料，重構出旋轉樓梯、櫃體結構、燈具等雕塑，這些作品悄然佇立展間，彷彿在災難崩壞後形成一種生活新秩序。

斷垣殘壁重生後的生活場景

展間內，〈失衡的螺旋〉像是一座扭曲的螺旋階梯，其造型取法自然界生命生成與自我複製的基本法則——以0、1、1、2、3、5、8……為節奏的費波那契數列，以及DNA雙螺旋結構。然而在此，螺旋不再穩定向上、循環不息，而是帶著偏斜與裂縫，顯露出斷裂、錯置與再生的痕跡。每一階梯面承載來自不同災難場域的殘片，表面以磨石子封存時間與磨損的痕跡，像是將強烈的地質運動，凝結為一種看似建構、實則失衡的螺旋結構。

而在作品〈夜與靈魂〉中，邱承宏將地震災後遺留的鋼筋與混凝土，轉化為書櫃與書本雕塑，構築出一座承載記憶的微型圖書館。邱承宏提及，這件作品揉合了他在高壓狀態下反覆出現的夢魘，以及2024年403花蓮大地震中倒塌建築所留下的斷垣殘壁。他將扭曲的鋼筋，重構成書櫃的骨架，把碎裂的混凝土、混合水泥重新鑄造成書本的形體，交織創傷、夢境、物質，與工作燈投射出的微光，讓空間迷漫著一股幽謐、近乎潮濕的氣息，彷彿某段被覆於瓦礫之下的時間重新滲出表層。

回到《柔韌之餘》這一題目，邱承宏作品之「柔韌」不只是以人本出發所展現的堅韌，更是關於材料作為一種見證，也關於雕塑作為一種當代紀錄，側寫下了這個時代人類、物質與自然之間依存又緊繃的關係。

回顧更多邱承宏的「記憶修補術」

《柔韌之餘》是一場邱承宏對於災難的「記憶修補」，再回溯他的其他作品，主題更為廣泛。如雕塑作品〈繡燕〉，源自2020年他在花蓮找到一批老舊的水泥動物雕塑，這些斑馬、豹、老虎……出自不知名工匠之手，外表粗糙滑稽，用料和比例缺乏考究，在70年代的台灣蔚為流行，常見於校園或遊樂空間。

邱承宏對這些動物雕塑的缺口、風蝕痕跡等「傷口」進行掃描，並利用3D列印將其放大200倍，做成磨石子雕塑，表面以混凝土、礦物、銅線縫補點綴，讓缺陷再次豐盈，令人工雕塑以「石」的形態回歸自然。在〈繡燕〉當中，邱承宏是穿梭回70年代台灣搬運記憶的時空行者，也是用雕塑重構記憶的工藝家。

雕塑是「經修補後的圓滿」

隨時代演變，雕塑早已不像在古典藝術中，單純作為紀念碑或宗教、英雄史觀的載體，而從「崇高」象徵逐漸轉向對現實處境的回應，開始觸及勞動、性別、族群與記憶等具體而微的生命經驗；媒材也從講求「永恆」的大理石、不鏽鋼等，擴延至工業材料、現成物等，甚至引入聲音和行動。

邱承宏的雕塑也是如此，他不用雕塑重現某種形體、指涉特定事件，並將金屬工具、災難遺跡、吊車等素材融入創作，以作品作為回應時間、空間、身體的媒介，具象化自身抽象意念的視野。對他而言，雕塑是「經由修補後的圓滿」，無論是將缺口與殘片重新修復，或是讓缺口透過藝術的形式獲得美學上的新生——這樣如日本「金繼」工藝中對「碎片與缺失的關懷」，貫穿了邱承宏的創作價值觀。

《柔韌之餘 — 邱承宏個展》

展期 | 2026.03.07－04.25

地點 | TKG+（台北市內湖區瑞光路548巷15號B1）