「無論身處在哪個角落，在這裡你都能感受到聲音、光和空氣的流動。」這是國際建築大師伊東豊雄建造臺中國家歌劇院時，對於建築體的期盼；隨著場館營運，臺中國家歌劇院也蔓延了這座三維建築體所給予的「自由度」，跳脫臺中國家歌劇院的既有框架，以「藝術翻新基地」為出發；從2017年首屆到今年第二屆的「駐館藝術家計畫」，藉由座談會、工作坊、劇場導覽、校園講座、演出等活動，讓「藝術」隨著場域，自然走入日常。

身為臺灣首屈一指的藝文國際型場館，臺中國家歌劇院（後簡稱歌劇院）的精彩，不僅擁有世界頂尖建築的鋒芒，還有隨著體積律動、紮實而靈活的當代視野；除了國際間重量級的邀請與交流，更致力推廣臺灣在地的青年藝術創作。2017-2018年，歌劇院首次舉辦第一屆「駐館藝術家計畫」，剔除國際場館的疏離感，化場館資源為創作助力，串連創作者與觀眾本來平行宇宙的思維，在龐大基地內，點燃中部藝文圈引信，形成一股能量和對話平台。今年，歌劇院邀請新媒體藝術家王連晟、莊志維及編劇林孟寰、繪本作家包大山，成為2019-2020年駐館藝術家；La Vie編輯部也特別走入這個中臺灣的「藝術翻新基地」，採訪王連晟與莊志維，通過他們與場館「發生關係」的切身感受，瞭解到空間、藝術、觀者與生活的群落思潮。

當新媒體藝術成為改變生活的催化劑—王連晟

「身為數位藝術創作者，我逐漸想要為臺灣土地做些什麼，比如改善藝術環境。」作品常以裝置群形式呈現於空間內的王連晟，這次在歌劇院的駐館期間，以擅長的互動裝置和聲音表演，作為駐館發想；「我認為所謂的互動藝術，有一個要降低觀眾觀看作品門檻的意圖；某一個程度上，它是邀請觀眾進入或參與，把主導權相對交給觀眾，讓作品在整個論述上，不是單方面的，而是更趨完整。我覺得這個在我的創作裡，是蠻重要的概念。我覺得這個思維，也正在歌劇院發酵。」

從王連晟的角度看駐館計畫，歌劇院在藝術教育路上，形成一股不可忽視的影響力。把格局從一場展演，擴大到藉此改善藝術環境的計畫，這場藝術與生活的織合步伐，正如火如荼地邁開。今年，王連晟不僅針對中部藝才班，提出數位藝術相關課程，結合穿戴式裝置、電腦程式互動與動態影像啟發在地新生創意，也將於12月與一般民眾進行公民美學教育推廣，以講座形式來探討數位藝術跨領域表演，從上至下，形成金字塔型的藝術構築。就像他舉例德國明斯特雕塑展（Sculpture Projects Münster）藝術家Aram Bartholl利用露營篝火聲效裝置，將熱能轉換供給手機充電（電能）的作品，「這個企圖解構科技、卻又重新再建構對未來科技想像的過程，是非常具有幽默性的；從新媒體藝術的角度切入，不僅能給予當代反思，也能用大眾瞭解的語言，去突破傳統場域的框架，讓藝術更能走入生活。」

至微觀察，回到空間的本身—莊志維

「歌劇院還沒有完成時，對我來說，就是一個空間。所以我一直停留在對空間的想法上，衍生到我現在以空間為主的駐館計畫。」抽掉「劇院」的限制，以一個場域跟場所的觀念，去看待這棟建築，如果它是一個展出的空間，一個發生事情的空間，它可以發生什麼事？這是莊志維在採訪時，說出的駐館起始句。雖然被定位為新媒體藝術家，莊志維並不以此為限，不管是過去駐村還是這次的駐館經驗，對他而言「脫離既有軌跡與創作方式」是必然的，甚至削弱科技媒材占比，都沒關係，只要仍然依循那份重要的溫度與情感。這次，他不設限作品未來的樣貌，而是透過「觀察」的工作坊形式，帶領民眾，一同探索歌劇院從未對外開放的「有料私房點」。

「我的眼睛已經有自己既定的習慣了，如果透過民眾參與，他們也許能提供更多；每個人不同的五感，能化為龐大的資訊，成為另一種創作養分。」透過這次的駐館經驗，莊志維讓民眾一同參與這個未知的作品，進到空間來，從「卸貨碼頭」、「佈景修補室」到「洗衣房」，一窺公共空間之下，隱密的探索點，「再次」觀察隱藏在曲面建築體之下的空間、質地、氣味與其他狀態，以一種「活性」的通觀，來呼應新媒體與外界多元接觸的特質；在流動、舒適的場域內，開展任何事件發生的可能性。「作為一個國際型場館，歌劇院不框限藝術家駐館的作品，而是在意這個場館，能帶給臺灣藝術家和民眾什麼樣的過程，我覺得這是在這裡駐館，感到深刻的部分。」

當年輕的場館與兼具創作經驗與熱情的藝術家相遇，透過國際型場館的駐館號召，藝術不再是一種圈內人的對話；這點，我們既可在歌劇院看見不限種類的策展核心，也能無形在身處空間與內化觸動情感的裝置中，自在拋出各式美學議題。「駐館藝術家計畫」讓歌劇院不僅是空間，更是豐沛交流藝術、聚合熱忱的載體。

2019臺中國家歌劇院 駐館藝術家系列講座/工作坊

時間：即日起~12/7(六)

地點：臺中國家歌劇院 角落沙龍

參加方式：活動通免費報名參加

報名網址： https://www.accupass.com/go/Artist

了解更多： https://www.npac-ntt.org/artist?uid=101

文字：Qbee

圖片提供：臺中國家歌劇院、莊志維、王連晟

台北藝廊TAO ART現正展出Alex Prager個展《Echoes of Dissonance》，這位身兼攝影師、電影製片人身份的藝術家，帶觀者潛入她以精湛技術構築的視覺迷宮，感受人類對災難與未知的複雜迷戀；在不安與快感交織的奇異感受裡，解鎖影像中暗藏、那些關於當代人悲喜交織的集體記憶。

一座寧靜小鎮被巨球闖入，一群盛裝打扮的觀眾對著你拍手——在Alex Prager建構的影像世界裡，平凡日常總是被某種神祕的不和諧感所戳破。這位深受好萊塢電影文化薰陶的藝術家，擅長在影像中置入懸疑與渴望，讓觀者在「窺探」的過程中，感受到一種被反向凝視的顫慄。

揉攝影「窺探」本質與電影「虛構真實」表現手法

身兼攝影師、電影製作人身份的Alex Prager，創作深受電影藝術啟發，無論是好萊塢大眾電影或實驗電影，皆形塑了她慣用的創作語彙，另可見流行文化、街頭攝影的影響。Prager生於美國加州，從小在洛杉磯長大，出社會後也在這座電影之城工作生活，這樣的背景讓好萊塢電影對她創作的深刻影響，顯得自然而然。

在Prager的影像作品中，無論是靜或動態，都可看出精心調度與鋪排的場景、演員充滿戲劇張力的表演、懸疑未解的敘事情節，以及融合當代與過去元素所製造、一種令人感到模稜兩可的懷舊感覺。這些特質交織成為Prager式美學，她遊走在小眾與大眾之間、虛構與真實之界，結合攝影的「窺探」本質及電影「虛構真實」的表現手法，透過精妙的場面調度，打造細膩、卻充滿視覺與情感張力的瞬間，為觀者營造一種介於熟悉與陌生之間的奇異感受——看著眼前的畫面略感不安，卻又因那股「可能發生在自己身上」的莫名熟悉感，忍不住想一探究竟。

為何我們對災難場景感到著迷？

此次TAO ART《Echoes of Dissonance》展覽中，主要作品為Alex Prager於2022年創作的〈跑（Run）〉。片中一座循古典好萊塢電影風格打造的小鎮，本應寧靜安穩，卻不知怎地被一顆巨大的鏡面球闖入，它恣意滾過街道、入侵人們的日常，整座小鎮彷彿變成一座巨型彈珠台。

本片帶著觀眾隨鏡頭感受球體沿途造成的衝擊，敘事擺盪於悲劇與喜劇之間，揭示了現實生活中普遍存在的焦慮、不安與失控感。而在觀眾越感刺激、想著接下來要發生什麼時，作品更映照出一種人類的有趣心理——在現實生活中，我們極力避免災難的發生，可電影中的災難場景卻始終有著令我們難以抗拒的吸引力。

「荒謬美景」藏未竟的故事線

與〈跑〉同步拍攝的影像作品〈眠（Sleep）〉，有別於前者的鮮活，反倒呈現了一片靜寂場景。畫面中演員遍地倒臥，觀眾沒有故事脈絡去推敲前因後果，也不知該如何解讀這起事件的意義，只能眼看這曖昧而荒謬的一幕揣測。若要編輯來猜，也許跟〈跑〉中發生的巨球滾動事件有關也說不定？

讓觀眾感受「被反向凝視」的顫慄

在較早期的錄像作品〈掌聲（Applause）〉中，Prager翻轉了表演者與觀眾之間的關係：觀者所面對的，是一群身穿戲服、妝容完整、扮演「觀眾」角色的表演者。在這群「觀眾」滑稽的外表與重複拍手動作之下，一種帶有窺視意味的不協調感悄然浮現——我們在觀看的同時，也感受到自己在被觀看。

懸疑感中藏當代人的集體焦慮

無論就物理或心理層面的意義而言，「懸置／懸疑（Suspense）」始終是貫穿Prager創作實踐的核心。她以影像建構的夢幻場域，將情感經驗自然地納入其中，並映照出當代人「集體性的認知失調」。

對此TAO ART創辦人Vicky Chen分享自身看法：「 這次《Echoes of Dissonance》展出的系列，呈現了我們這個世代共享的特殊經歷。作為觀眾，我們得以透過作品所帶來的情感經驗，回望並反思這些集體記憶。Alex Prager是一位我關注已久的女性藝術家。她在創作初期就發展出相當前衛的拍攝方式，她的每一件作品，都能看出是投入很多心力和成本去製作的，充滿了豐富的技術細節，才能創造出如此精準而衝擊的畫面。」

Alex Prager個展《Echoes of Dissonance》

展期｜2026.03.07－05.02

地點｜TAO ART （台北市內湖區洲子街79-1號8樓）

開放時間｜週二至週六 11:00－19:00

香港科技藝術實驗計畫「FutureScope」結合直徑約12公尺的「半球體」巨大裝置，及360度投影與聲響系統，引領體驗者墜入宇宙般的神秘異域。將於3月20日揭幕的最新展覽《浪書——筆陣圖》，融水墨、書法、粵劇於以「腦電波數據」驅動的科技藝術，並將水袖舞者的優雅舞姿，實時轉化為動態視覺，透過當代藝術語言轉化東方傳統藝術之美。墨態、身姿、腦電波、機械臂之舞交織，在穹頂之下帶來一期一會、僅存於當下的書寫。

融合哲學思想、科技藝術的球形異域

坐落於香港啟德體育園的FutureScope，並非永久性的藝文展演空間，而是自2025年12月底啟動、僅為期5個月的實驗藝術計畫，由致力推廣科技藝術的平台FutureTense發起。這座巨大裝置以狀似中國古代天文儀器——渾天儀——的半球體構造，搭載新媒體藝術為主軸的展演內容，詮釋源於《易經》的哲學思想和宇宙觀——「形而上者謂之道，形而下者謂之器。」

策展團隊認為，FutureScope既是超越物質世界的「道」，也是具體可感的「器」，前者對應了藝術作品的理念和語境，後者則指裝置可被觸及的形體，兩者相互依存，處於不斷消長、變換的過程中，持續推演出新的狀態；而觀者將能透過展演的影像、聲響流動，參與並感受場（宇）域（宙）狀態之變動。

科技藝術 X 書法 X 粵劇跨界共演

即將於3月20日開展的《浪書——筆陣圖》，是FutureScope啟動後的第3檔展演，也是壓軸鉅獻。本作由3位來自不同領域的創作者共創，交織書法家許靜獨創的「酒書」筆勢、粵劇演員梁非同表演水袖舞的身段，以及藝術家張瀚謙（h0nh1m）以腦電波驅動的動態視覺，為書法、水墨、粵劇等東方傳統藝術形式，創造令人耳目一新的當代樣貌。

用藝術填補「歷史留白」

中國東晉女書法家衛夫人（衛鑠）所撰的書法理論經典《筆陣圖》，將寫字視作「排兵佈陣」，強調筆力與骨氣，詳述執筆與用墨技法，為後世書法美學奠定基礎。相傳衛夫人為王羲之的書法啟蒙老師，然而她的作品並無清晰記載流傳後世，只留一段模糊的歷史。《浪書——筆陣圖》便以此為切入點，透過新媒體藝術詮釋這段歷史空白。

《浪書——筆陣圖》展演3大亮點

⟢ 意識化為視覺

《浪書——筆陣圖》全作分為3個部分，由「展」與「演」交織而成。首部份由許靜以其獨創的「酒書」開場，這項技法將墨與陳年紅酒融合，藉氧化作用讓書法筆觸呈現獨特肌理；同時，張瀚謙延續自身將「腦電波」引入創作的手法，以此技術捕捉許靜揮毫當下的腦電波數據，將書法家創作時的「意識」生成為動態視覺，讓觀者觀賞書法筆觸之美時，亦有潛入書寫者大腦、窺探其意識的奇異感受。

⟢ 機械臂寫書法

首部分由許靜親書，第二部分則交由「機械臂」書寫。360度的穹頂空間幻化為「立體宣紙」，機械臂隨球體的輪廓舞動，像是在效法書法家運筆的力度、速度和節奏；筆跡隨機械臂擺動逐漸浮現，在穹頂中自由延展，將書法從平面的紙面解放。

⟢ 水袖舞身姿成數位墨跡

展期間還將有粵劇演員梁非同帶來的特別演出，其以水袖舞與戲曲身段，重新演繹衛夫人的故事與筆法精神，將《筆陣圖》中的7種基本筆法意象，如千里陣雲、高峰墜石、百鈞弩發等，一一轉化為當代粵劇舞步。張瀚謙亦參與其中，將筆法重新詮釋為動態視覺影像，讓「數位水墨」灑落於舞者，使其每一寸身段都如毛筆於紙上靈活遊走。 

《浪書——筆陣圖》

展期｜2026.03.20－04.05（每日3個時段）

開放時間｜週一至週五 11:00－20:00／週六日 11:00－22:00

地點｜啟德體育園緣緣堂

門票資訊｜展覽免票入場／03.20－03.22特別演出需購票，詳細資訊請見此