輕盈卻有療癒力量！窺探台灣光藝術家莊志維引人注目的光影創作

如果要運用光作為創作媒材，你會如何構思？擁有藝術和建築背景的藝術家莊志維，透過雷射光建構浮在空中的大型雕塑，也運用光影打造自我療癒的裝置創作。光在他的手裡，成了最輕盈卻也最有力量的創作媒材。

一束一束的雷射光，在黑夜裡構成神祕的虛擬結構，這是藝術家莊志維近期引人注目的作品《裝置微光計畫：台中車站 1908》。然而，他的作品不限於探討空間與光線的關係，還有運用機械、植物等媒材創作，傳遞他對生命、時間和族群等主題的所思所感。在他的創作歷程中，「光」與「裝置」兩大元素，揉合為探討生命主題的內在系統和空間關係的外在系統，它們像是兩條活躍的軸線，或隱或顯地出現在莊志維的每個創作中。

用光做起空間雕塑

剛完成韓國釜山市立美術館的《植物學– 東亞當代藝術展》展覽開幕的莊志維，接著又馬不停蹄地回到故鄉台中，完成了三件在火車站、高鐵和花博的現地創作裝置。談到從大學時期就愛上光這項媒材，莊志維認為光在視覺上能給人最直接的訊息，而當光亮起的時候，也有牽引情緒和感受的作用。「就像廚師做了一道菜，當他加入關鍵的調味料時，菜色也開始產生不同的變化。」莊志維說。

在他的光創作中，令人印象深刻的莫過於在空間中投射雷射光的《裝置微光計畫》系列。對莊志維而言，雷射光是一種可以隨空間條件被擴張的創作元素，「因此在不同場域或空間條件裡，可以融合景觀和歷史背景，打造出不一樣的作品。」以近期在台中舊火車站完成的《裝置微光計畫：台中車站1908》為例，創作靈感來自1908 年，是南北兩端鐵路在中部接軌的重要年份。莊志維在月台上順著鐵軌方向，投射了數道雷射光，夜晚時分，鐵軌上這些向四方飛去的光束就像是火車快速行駛的狀態，具有十足的動態感，而結合現代科技和舊火車站空間的創作方式，也讓這件作品充滿新舊交織的衝突視覺。另一項與勤美學合作的《雨天沐》，則是莊志維創作至今最大型的雷射光裝置。這個現地創作作品，位在苗栗不受光害影響的山谷裡，從四面八方投射而來的雷射光，形塑出像是懸浮在草原之上的綠色穹頂。當夜晚天空下起雨時，這些雷射光會因為雨滴，形成朦朧且一絲一絲的畫面，別具詩意。

除了雷射光創作，莊志維也運用LED燈條，在城市裡打造出有趣的圓形「洋流」裝置。例如去年在勤美術館展出的《微光島嶼》、《森林裡的洋流》，創作靈感便來自於自然，「在空間的配置上，我想像這是一個人穿過洋流尋找島嶼的過程。」相較於過去在視覺上運用強烈的光束建構地景裝置，這些作品則因為繽紛的光暈，為夜晚的城市空間帶來更溫馨且愉悅的氛圍。而《森林裡的洋流》在今年也展出於新竹護城河裡，是莊志維首度放置於水中的作品。他使用白色的LED 燈條，讓光線投射在水面上，夜晚時，可以看到光因水的流動、陣陣漣漪，形成波光粼粼的效果。在莊志維的光束或光圈作品中，因現地創作讓光形成有機的變化，不僅展現莊志維對環境的深刻觀察，也讓人們再次看到環境的不同面貌。

讓感性凝結成光的裝置

不論是以雷射光裝置打造大型空間作品，還是運用LED 燈光勾勒城市裡的自然地景，莊志維都將光放在視覺的最前線，讓觀者能直接感受到他建構的空間樣貌。然而有光必有影，莊志維另一個重要的創作軸線，便是運用影子比喻生命的起落。

今年受邀至釜山市立美術館展出的《轉生樹》，是莊志維創作歷程中最重要的作品。這項裝置的創作概念，源自於就學時期目睹陌生生命在眼前消逝，於是他開始重新思考生命的意義，並用創作展開自我療癒的過程。釜山《轉生樹》的原型，來自2015 年的同名作品。在盛開著花朵的植物上安置許多細線，並藉由動力機械裝置牽引植物的枝葉。隨著時間流逝，花將慢慢凋零，最後植物的枝幹會因為光線投射在空間中，成為巨大的影子。「在這個創作中，我想拉出兩個時間點，一個是美麗，一個是殘忍。從美麗過渡到殘忍，會有個緩慢的過程，象徵著生命的運轉。」莊志維說。

除了探討生命，莊志維也運用光創作，企圖喚醒人們反思族群議題。例如去年在台北當代美術館門口廣場展出的《黑暗中的彩虹》，邀請民眾在8 個塗上黑色漆料的箱子上，刻出想要訴說的文字或圖案，藉以開啟同志平權議題的互動對話。到了夜晚，箱內的LED 燈條會在刻痕中透出彩虹光芒，象徵同志因壓迫而產生的傷痕，以及仍然勇敢面對逆勢的正向力量。「創作這件作品時，我思考如何在一個開放式環境裡，製造出封閉的空間，而8個箱子的存在就像是紀念碑，記錄著邁向平權的歷史時刻。」莊志維說。

在他的創作歷程中，除了有構築外在空間的創作能量，也有傳達內在省思的裝置作品。這些由理性與感性交融而出的精彩創作，恰如光和影的關係，同時展現了莊志維的細膩與張力。

莊志維

畢業於台北藝術大學新媒體藝術研究所和交通大學建築研究所。擅長運用光和空間探討人與環境的互動關係。2014年獲選至東京Tokyo Wonder Site 創作駐村，並曾受邀參加台灣美術雙年展、韓國平昌雙年展，以及釜山市立美術館的東亞當代藝術展等。過去也曾與勤美術館、勤美學、沛納海（Panerai）、賓士（Mercedes-Benz）、CN Flower 等品牌合作發表藝術作品。

文／陳岱華　 

圖片提供／莊志維、台北當代藝術館

【完整內容請見《LaVie》2019年1月號】

身為義大利品牌Max Mara旗下國際獎項「Max Mara女性藝術獎（Max Mara Art Prize for Women）」最新出爐的第10屆優勝得主，印尼藝術家Dian Suci將緊接展開為期6個月的義大利巡迴駐村計畫，後攜完成作品回鄉舉辦個展。隨本篇認識這位以工藝探問父權體制等多重社會議題的單親媽媽藝術家、其身分與創作願景關聯性的複雜脈絡，並綜觀Max Mara女性藝術獎設獎宗旨和未來系統性發展目標。

旨在支持與推廣全球女性藝術家，創立於2005年、至今兩年一度舉辦（除第8屆2019-2022年因疫情延展為3年）的Max Mara女性藝術獎，近期方由Max Mara品牌、藝術獎策展人暨評審團主席Cecilia Alemani，偕同義大利當代藝術館Collezione Maramotti及首個巡迴展合作夥伴印尼努桑塔拉現當代藝術博物館（Museum MACAN）正式宣布2025-2027年度優勝者為印尼藝術家Dian Suci。

Dian Suci除能獨得Collezione Maramotti針對她向評審團提出之計畫量身訂製的6個月駐村機會，還可挾此經歷於2027年夏季回返印尼雅加達，進駐努桑塔拉現當代藝術博物館舉行個展，再於同年秋季移師坐落義大利北部城市雷焦艾米利亞（Reggio Emilia）的Collezione Maramotti展出，作品且為該館所收藏。

5位印尼出身入圍者，由策展人X藝術家共同評選最終得主

適逢第61屆威尼斯國際美術雙年展開幕，第10屆Max Mara女性藝術獎日前甫在策展人暨評審團主席Cecilia Alemani領銜（註）下，自同屬評審團一員的Collezione Maramotti館長Sara Piccinini、努桑塔拉現當代藝術博物館館長Venus Lau，以及Max Mara與Collezione Maramotti家族代表Elia Maramotti手中揭曉得獎名單：Dian Suci與Betty Adii、Dzikra Afifah、Ipeh Nur、Mira Rizki共5位藝術家於決選中競逐優勝榮譽，最終從中脫穎而出。

註：評審團成員除策展人Cecilia Alemani和兩位藝術館館長Sara Piccinini、Venus Lau外，尚包括另名策展人Amanda Ariawan、另名藝廊經營者Megan Arlin，以及藝術家Melati Suryodarmo和收藏家Evelyn Halim。

是藝術家也是單親媽媽

——Dian Suci從自身經驗出發，用工藝談父權等多重議題

1985年出生於印尼克布門，Dian Suci現居日惹工作生活。憑藉對空間構圖的極高敏銳度，她擅用繪畫、錄像、雕塑、裝置等多種媒材；其交織家庭敘事與國家權力的作品，從身為單親媽媽的日常經驗出發，申論法西斯主義、威權主義、資本主義及父權體制和女性政治家庭化議題。此次奪得Max Mara女性藝術獎的創作計畫《Crafting Spirit: Cultural Dialogues in Heritage and Practice》欲透過印尼與義大利的比較研究，探討宗教工藝傳統與資本主義系統碰撞後產生的影響；而後並預計以祭祀物件與富宗教意象的手工製作為核心，調查信仰究竟在當代文化情境裡遭到何等剝削——然即便身處充斥不公與壓迫的體系，靈性是否能、或言該怎麼樣能作為一種文化韌性延續下去？

Dian Suci將工藝視為「活的檔案庫」，不僅見證國家的傳統與記憶，甚是文化、社會與經濟轉型的寫照。其願景深植印尼文化，延伸靈性概念自純粹的宗教領域，至人類藉由基於身體的細緻重複動作，為難以言表之物賦予意義的維度。《Crafting Spirit》系列新作意在重新追溯信仰、關懷與儀式感如何體現於身體姿態與體力勞動上，進而叩問信仰與工藝的交織態勢，尤其受利潤與全球化力量侵蝕下，神聖性如何轉化為具體的物質存在。

依循特定領域專家指導，她將透過研究、實地考察與工作室創作，摸索在大量生產與商品化進程中，淌於雙手與材料間那股靜謐的精神流動；亦將與宗教團體、大學教授、工匠及其他藝術家展開對話，由他們引導她深化研究，乃至助她掌握打造全新作品所需的技術能力。

4階段駐村計畫巡迴義大利城市

第1階段駐村計畫預定前往有「義大利綠色心臟」之稱的翁布里亞大區內城市阿西西，在被公認承載方濟各精神（Franciscanism）的聖城，體驗當地僧侶生活方式，同時審視宗教信仰及其商業化發展間存在的矛盾。第2階段則至羅馬參與聖彼得大教堂（St Peter's Basilica）的特別彌撒，針對其中的象徵意義與隱含寓意進行分析。第3階段轉而安排在普利亞大區雷契省首府雷契，經由專為她設計的培訓計畫，深度沉浸紙漿藝術歷史。最後階段將落腳佛羅倫斯，琢磨「蛋彩畫（Egg Tempera）」技術演變，兼習古老手工編織技能，從而擴展該技能在教會背景下的應用知識。

Dian Suci說明自身創作計畫《Crafting Spirit》發想自女性工匠的生活故事和勞動中所蘊含的身體記憶，「她們的工作往往徘徊在虔誠奉獻與維持生計當中。」對於此次獲獎她榮幸地說，「這份肯定為我提供擴展研究的契機，讓我在印尼與義大利之間尋求對話，且向那些將精神性封存於創造者體內的傳統與儀式學習。我帶著感激之心接下這個機會，承諾將傾聽、鑽研，並轉化這些際遇為藝術形式，致敬人類勞動的親密性和文化延續的深度。」

搭建通往世界的橋樑，巡迴首展落地雅加達首座當代藝術館

繼過去20年來與倫敦白教堂美術館（Whitechapel Gallery）的成功合作後，2025-2027年度起Max Mara女性藝術獎將轉為巡迴形式以拓展地理版圖；本屆率先攜手成立於2017年的印尼首座當代藝術博物館努桑塔拉現當代藝術博物館，開啟嶄新篇章，此後每兩年登陸世界各地不同城市。革新後的首屆獎項邀來紐約公共藝術計畫High Line Art總監暨首席策展人Cecilia Alemani，由其沿襲Max Mara品牌精神，為每屆獎項指定不同國家與機構為焦點，通過更系統化且具結構性的方式，支持新銳及中生代女性藝術家的創作發展。

作為當地重要文化機構，努桑塔拉現當代藝術博物館致力藉由展覽與互動式公共計畫，呈現在地及國際跨領域藝術家創作。Museum MACAN館長Venus Lau對外表示，在Max Mara女性藝術獎首次於亞洲和印尼亮相之際，能與品牌及義大利當代藝術館Collezione Maramotti合作，館方深感榮幸。「作為國際藝術界放大女性聲音的領先平台，此獎項在形塑當代藝術論述及拓展女性藝術家發展機會等面向上扮演關鍵角色，我們自豪能參與這項倡議，促進跨越本屆活動框架的文化交流。此獎項提供為期6個月的義大利藝術環境駐村計畫，讓獲獎者得以進行深度研究、拓展人脈網絡，並發展在地尚未普及的工作方式；其影響力不僅在獲選藝術家（身上），更將強化印尼整體藝術生態系對女性藝術家的支持，激發關乎視角的全新對談，將印尼女性藝術家的創作實踐置於更平等的全球對話之中。」

不懈培育創意多樣性

自創設以來，Max Mara女性藝術獎始終保有鮮明特色與核心目標，如今再闢國際行動範疇、觸及相異文化版圖，以期豐富獎項傳承，持續成為推動女性藝術家獲得真正平等的重要力量，無疑更為新一代藝術家提供靈感與正向榜樣。

2026.06.12更新：英國藝術家大衛·霍克尼（David Hockney）於6月11日在家中安詳離世，享壽88歲。這位最具影響力且備受愛戴的藝術家，同時也是1960年代普普藝術運動的領軍人物之一。2018年，他的一幅泳池系列畫作在拍賣會上以將近7,000萬英鎊的價格成交，創下了當時在世藝術家的最高拍賣紀錄。

池畔迷情的藝術創作

明媚的加州陽光，波光粼粼的泳池，在遠方翠綠的青山襯托下，一位俊秀的青年站在池畔⋯⋯這是英國藝術大師大衛霍克尼David Hockney的知名作品《藝術家肖像畫：游泳池畔的兩個人》（Portrait of an artist：pool with two figures，1972），以描繪肖像、泳池與同志情慾出名的他，雖已超過八十歲，卻未曾停下創作的腳步。

事實上，Hockney早期的作品並非如中後期般色彩鮮豔，而是充滿叛逆與抽象主義的視覺風格，對自己同志身分的宣揚，以及爭取世界認同的渴望，而在同志尚未合法的時空背景下，更應證Hockney作為藝術家的熱情與不凡傲骨。

David Hockney的故鄉位於英國東北約克郡，在那裡，與怡人的加州不同，陽光是生活的奢侈品。在1964年Hockney親自踏上美國國土前，對加州的印象完全來自傳播媒體，尤其是他所蒐集的《身體影像畫報》，也因此，美國成為性與自由的代名詞，並成為驅動他出走的動力。

初登上加州的Hockney，這片乘載他無數憧憬與情感投射的夢想之地，很快就深深滲透他的骨髓，從其作畫風格的變化便可發現──明亮的陽光也一併照進他的畫作中。受此影響，Hockney對同性愛侶的情感，也絲毫不遮掩地搬上檯面，成就至今仍廣受歡迎的一系列泳池畫作：《Peter getting out of Nicks pool, 1966》、《A Bigger Splash,1967》等。

而繼《藝術家肖像畫：游泳池畔的兩個人》在2018年於紐約佳士得拍賣以9030萬美元（約新台幣27.4億）天價成交，一度成為史上最貴的在世藝術家。Hockney另一代表作《水花》（Splash ）則成為2020倫敦蘇富比當代藝術晚拍上，以2311萬英鎊（近9億台幣）高價成交，成為其作品第三高拍賣價的作品 。

其風格鮮明的創作，多年來也深深影響各界，像是金獎電影《樂來越愛你》（La La Land）裡眾人歡唱標舞的泳池橋段，其靈感便是汲取自盛名的泳池系列創作，陽光、藍天和派對，這些洛杉磯追夢之人每天所會遇見的場景，在導演達米恩查澤雷（Damien Chazelle）與美術指導大衛沃思科（David Wasco）調理下，將象徵享樂主義的泳池派對，活靈活現地藉由大銀幕重現，至於為什麼情有獨鍾泳池？「泳池派對是洛杉磯的代名詞。」大衛沃思科說道。

除了廣為人知的泳池畫作品外，肖像畫一直是Hockney主要的創作主題，對象從自己、雙親到友人，透過其溫潤鮮豔的色調呈現，或隨興雜揉的筆觸，都精準地具現了畫中人物的情感與個性，效果甚至更勝攝影一籌。

談到攝影，不可不提Hockney於1980年代開始的攝影拼貼創作，運用嶄新媒材再次詮釋作畫的不同面向。他堅稱，攝影於反映現實永遠不及繪畫，人們以為按下快門的瞬間便捕捉了真實，然而卻忽略時間的流動與情緒的作用，因此，透過後續的藝術再造，將照片昇華成畫作，才更貼近人們所感受的現實。

David Hockney對新媒材的嘗試並未止於攝影，近年來他更跨足電繪領域，用iPad持續創作，挑戰實體畫布無法呈現的手法與效果。即使邁入高齡，他對藝術的熱情只會持續增加，並且持續至倒下的一刻為止。

原文刊載於2018-08-23