台北市立美術館（以下稱北美館）宣布2020年度檔期，展覽計畫包含不同世代的海內外藝術家個展、歷史命題策展，並以下半年度的2020台北雙年展作為年度重頭戲，要帶給觀眾好展不間斷的一年！

回顧2019年，北美館眾多展覽廣獲多方肯定，為成果豐碩的一年寫下最佳註解。其中如2018台北雙年展《後自然：美術館作為一個生態系統》獲La Vie 2019台灣創意力100評選為「10大創意展會」之一，「池田亮司個展」更創下高話題討論度。

專題藝術家個展，展現各世代藝術實踐

2020年初，北美館延續2019冬季檔期的各大展覽，以《董陽孜：行墨》《阿比查邦．韋拉斯塔古：狂中之靜》、《小說：雙城計畫》、《2019台北美術獎》、兒童藝術教育計畫「會動的藝術」迎接新的一年。2020年三月起，將透過現當代藝壇不同世代藝術實踐，梳理歷史情境與當代社會的再現，展出《未完成：黃華成》、《布列松在中國1948-49｜1958》、《江賢二：回顧展》、《弗拉基米爾．可可利亞：內在移民》、《歐文．沃姆個展》等重要藝術家個展。值得一提的是，這一系列具獨特議題的個展涵蓋媒材與形式多元的創作展呈，其中不乏資深且對藝術家研究深厚的客座策展人操刀擘劃，賦予個展深刻且具脈絡性的觀視角度。

2020台北雙年展 ｜2020.10.24－2021.02.28 【1樓、2樓、地下樓展區】

2020年10月，由思想家布魯諾．拉圖（Bruno Latour）和馬汀．圭納（Martin Guinard）共同策展的第12屆台北雙年展將正式登場。本屆雙年展自前期籌備階段即廣受國際藝壇密切關注。兩位策展人以《你我住在不同的星球上：外交新碰撞》（中文暫譯，英文展名：“You and I don’t live on the same planet”— New Diplomatic Encounters）為本屆雙年展命題，聚焦生態議題，企圖將討論過程中的歧見和衝突轉化為具建設性的協商對話，透過雙年展將美術館打造成不同觀點交會的外交場域。

兩位策展人在2019年9月訪台進行研究參訪，期間密集拜訪台灣藝術家以及與地理、生態、海洋等不同領域學者，展開對話，並實地踏查台灣的生態議題現場。策展人表示，因為當代社會所面對的人口、產業、環境資源、地質生態等眾多議題在這座島嶼上密集交會，於此醞釀而生的社會環境，成為藝術家、社會運動者、工程師、科學家和公民展開思辨的最適情境。本屆雙年展計畫將由客座策展人啟動本土策展人協作計畫，並規劃於2020年3月發布首波參展名單，進一步呈現本屆策展的規劃思維。

王湘靈個展｜2020.03.07－05.24 【地下樓E、F展區】

夢與神話是個體經驗與集體意識的「症候」(symptom)，具有類似的意義結構，皆以它非現實或超現實的語言指涉我們內心另一層次的存在。互為表裡，也互相指涉。對創作者來說夢境、神話、一些絮語呢喃，是生命作為一個連續體中得以淺嚐的斷裂。這些裂隙，在意識的堆砌裡被科技與文化的進程不斷抽換與複寫。那些斷裂不再只是夢或者神話，也是「現實」。2015台北美術獎首獎得主藝術家王湘靈，本以兒時的一段經驗展開，透過科技、文化符碼將時間、事件重構與破壞，讓個人經驗、意識上的斷裂成為與「夢」成對的「現實」。

江賢二：回顧展｜2020.03.28－06.14 【1樓1B、2樓2A、2B展區】

「江賢二：回顧展」邀請藝評學者王嘉驥擔任客座策展人，梳理藝術家江賢二從1960年代開始至今，持續創作超過50年之久的平面抽象繪畫。江賢二旅居歐美近30年，90年代末期以《百年廟》系列在台受到關注。1999年開始返台生活及創作，2008年遷居台東金樽。如同不斷遷移居住地點的生活方式，江賢二習於開創不同的系列作品，繪畫風格也從早期「封窗之作」運用單一深色塊構圖，轉變為以繽紛色彩刻劃對人文關懷、生命運行的觀照與思考。「江賢二：回顧展」根據藝術家長達55年的創作歷程，從最早期到最近期，從多彩多姿與多樣的系列作品當中，精選其部分代表作展出；這也將是藝術家江賢二在將屆80高齡前夕的最重要且作品面向最為豐富而完整的一次展出。

歐文．沃姆個展｜2020.04.01－06.14 【1樓1A展區】

奧地利藝術家歐文．沃姆（Erwin Wurm）從1980年代後期以來創發一系列「一分鐘雕塑」。其中他將自己或模型與日常物品放在一種意想不到的關係中，誘使觀眾對於雕塑定義產生質疑。藝術家試圖用「捷徑」來創造一種清晰、快速、時而幽默並具表演性質的「雕塑」。他邀請觀眾參與一分鐘雕塑的製作，並運用卡通連環風格的手繪草圖，指示觀眾如何進行，而觀眾必須放棄自身的習慣並遵循指示，將觀者身體置於與日常物品的荒謬關係之中。

未完成：黃華成｜2020.04.01－07.12 【3樓3B展區】

黃華成1935年出生於中國南京，逝世於1996年。1954年就讀於師大藝術系，在學期間即展現獨樹一格的藝術觀念。黃華成的創作橫跨數個領域，繪畫、美術設計、編劇、戲劇演出等皆有涉略，並創立僅有一人的「大台北畫派」，其所展現的概念創作進一步成為台灣前衛藝術運動的先鋒。本展預計重現黃華成生前重要的展覽計畫—「黑白展」、「現代詩展」、「黃郭蘇展」、「大台北畫派秋展」等展中的經典作品，並展出其繪畫創作、近百本書封設計及手稿、影片及舞台裝置等，以呈現其繪畫、設計、劇場等多方發展的獨特藝術成就，展示台灣藝術史上跨界創作先驅者的藝術歷程。

布列松在中國 1948-49 | 58｜2020.04.11－07.19 【3樓3A展區】

由布列松基金會委託法國攝影史學者暨策展人米榭勒．費佐（Michel Frizot）與台灣攝影史學者蘇盈龍共同策劃，展出現代著名攝影家亦是新聞攝影創始者亨利．卡蒂埃－布列松（Henri Cartier-Bresson，1908-2004），分別在1948至1949年、以及1958年，兩次接受當時全球發行量最大的國際刊物《生活》（Life）雜誌委託，進入中國採訪的紀實攝影。這批進入中國拍攝之照片是布列松系列照片中，唯一擁有完整事件紀錄的紀實攝影，此次展覽亦為首度完整展出。透過現代攝影大師之眼，凝視並捕捉上個世紀中國之轉變與遞嬗，亞洲近代歷史的發展線索於攝影畫面中隱然可見，展覽具有綴補台灣文化脈絡的重要意義。

弗拉基米爾．可可利亞：內在移民｜2020.06.20－09.20 【地下樓D、E、F展區】

藝術家弗拉基米爾．可可利亞（Vladimír Kokolia）為捷克知名當代藝術家之一。畢業於布拉格藝術學院，並於1992年起執教於該校。1990年獲得首屆捷克年輕視覺藝術家大獎（Jindrich Chalupecky Award）；1992年受邀參加德國卡塞爾文件展（dOCUMENTA 9）。創作媒材包括油畫、壓克力、版畫、雕塑、鉛筆素描、水彩，多媒材混合等。可可利亞身分多元，兼具藝術家、學者、詩人與哲學家，80年代曾擔任捷克著名地下搖滾樂團「E」的主唱，並為多首創作填詞。現居於捷克郊區小鎮從事創作。藝術家藉由暗箱技法創作畫作、殘影（afterimage）或裸視立體顯示（autostereoscopic）影像裝置及作品，試圖貼近觀眾的內在世界，並藉以連結自身的經驗，使人們感受存在於圖像中的和諧。

秘密南方：典藏作品中的冷戰視角及全球南方｜2020.07.11－09.27 【2樓2A、2B展區】

本展由日裔台灣策展人高森信男客座策展，以北美館典藏品作為出發點，挖掘藏於其中有關台灣二戰前後至冷戰時期與全球南方間之交流過程中所產生的藝術作品，藉以討論台灣與東南亞，乃至非洲、拉丁美洲等「全球南方」國家之間的互動關係和連結，以呈現過台灣於冷戰時期所扮演之重要角色，此外亦透由當代藝術家對於該時期的研究及回顧，重新定位台灣戰後的國際交流史。依時序本展分為四大主題，分別為：大撤退、南方的秘密、哀敦砥悌、就地南方。

2019 藝術家系列個展：陳建榮、傅雅雯、鄭先喻、廖祈羽｜2020.08.15－11.22 【3樓3A、3B展區】

陳建榮個展「Finders Keepers（暫名）」延續藝術家近年來創作，藉由理性與感性層疊交纏的樣貌展現人處於都會文明空間下的狀態，並運用視覺動能與意義流動，呈現時空和感受的游移性。傅雅雯個展「變形中」跨領域結合各種技術，探討身體力量對物體運動產生的影響，將隱形張力轉化為視聽影像，以此呼應現處的生活形態。廖祈羽個展則以擅長錄像敘事手法交疊真實與虛構，並透過關於生與死、愛與相伴的故事，觸及在世與來生的總總辯證。鄭先喻個展「injector after_null」延續2017年個展「injector before_null」當中的作品《sandbox》理念，運用手機訊號的攔截與傳送方式，導引觀眾探究人類視界對於事物存在的定義。

via 北美館

2025京都ACK藝術博覽會於11月14～16日登場，La Vie編輯直擊現場，從主展場國立京都國際會館，到寺廟等京都市內衛星展區，帶看本屆展出亮點與有趣的策展方式，以及藝術如何透過不同形式融入城市。

11月的日本藝術場景熱鬧的。東京藝術週（ART WEEK TOKYO）率先於11月5～9日登場，以非定點的展出形式，串聯並打開東京全城的藝術場域。緊接著京都藝術博覽會（Art Collaboration Kyoto，ACK）於11月14～16日展開，核心緊扣「合作」，兩大代表性展區：「Gallery Collaborations」規定日本藝廊須與海外藝廊組隊策展同一展位、「Kyoto Meetings」將展會呈現方式與京都文化結合，加乘藝廊與藝廊之間、京都與國際之間的交流，成為藝博會中的獨特存在。

2025年邁入第5屆的ACK，共有來自19個國家與地區的72間畫廊，其中25家為首次參展，可謂至今規模最大且國際多元性最高的一屆。講者陣容也相當豪華，包括今年在臺北市立美術館舉辦巡迴展《你的好奇旅程》的藝術家Olafur Eliasson、TeamLab創辦人猪子寿之、2025大阪世博女性館和Panasonic館建築師永山祐子等人皆親臨現場。值得注意的是，ACK自2022年獲得「保稅展覽」資格，讓國際參展單位得以免除需於銷售前課徵的10%消費稅，而今年也依舊維持此形式。

強調合作的ACK，今年首度攜手曼谷文化機構「Bangkok Kunsthalle」，推出獎助金計畫「Bangkok Collaborate Kyoto Fellowship」，最終由墨西哥藝廊「kurimanzutto」的王水（WangShui）、日本藝廊「Anomaly」的玉山拓郎獲選。兩位除了能獲得金援支持，還將前往曼谷駐村並舉辦展覽。評審團表示，評選標準是希望能尋找與Bangkok Kunsthalle和ACK理念相符的藝術家——具備實驗性、療癒，以及對文化系統的重新想像。而王水的作品結合了影像、演算程序和電影語彙，將科技與精神性以近乎儀式感的方式融合並呈現；玉山拓郎則能將經常被忽視的空間，轉化為令人意想不到的多重感官世界。

在2025年的此刻，ACK以「2050—凝視未來」（2050—Gaze Toward the Future）作為企劃主題，一方面回顧了這個世紀前1/4的歷程，也從此開始思索下一個1/4的世界樣貌。以下盤整今年展出亮點，看藝術與京都激盪出了哪些火花？

① 京都式的展場氛圍

藝博會的氛圍很大一部分由展場定調，有別於一般方正的白色間隔，ACK邀請建築師周防貴之操刀會場設計，運用原木牆拼接成一格格木製展間，各展位不規矩的位置設置，走逛其中，宛如置身於京都的迷宮巷弄間。許多展位也將作品擺放方式結合木格展間，看各藝廊怎麼和木格展間互動，也成為逛展的樂趣之一。

主展場國立京都國際會館的建築亦相當值得一看，這座於1966年開館的建築，由師從日本建築巨擘丹下健三的大谷幸夫設計，室內設計則由劍持勇操刀，可謂日本近代建築的重要作品。11月的ACK展期也正值楓葉季，在1樓展場觀展之餘，也相當推薦到2樓眺望國立京都國際會館周遭景緻，可見紅色楓葉與綠意、建築交織。

② Gallery Collaborations藝廊如何合作？

本屆「Gallery Collaborations」展區，共有29間日本畫廊與30間國際畫廊共同合作展出。其中，代理非洲藝術家的東京藝廊「space Un」，聯手奈及利雅首都阿布加藝廊「Retro Africa」，展出多位非洲藝術家作品，探討物質與身分、動態與靜止之間的關係。日本老字號畫廊「思文閣」，與在聖保羅、布魯塞爾、紐約、巴黎皆有據點的「Mendes Wood DM」合作，呈現拉丁美洲藝術家與日本戰後抽象與前衛書法的創作交流。

東京的「Taka Ishii Gallery」則攜手維也納的「Galerie Martin Janda」，呈現墨西哥藝術家Mario García Torres與斯洛伐克藝術家Roman Ondak的雙人展。其中擅長重構日常物件的Roman Ondak，其大型樓梯裝置〈Leap〉在展間相當吸睛。

東京藝廊「Mitochu Koeki Co.」和倫敦藝廊「Annely Juda Fine Art」的合作相當有趣，前者帶來4位日本女性陶藝家稲崎栄利子、波多野亜耶、服部真紀子、Aizawa Rie的作品，後者則帶來繪畫大師David Hockney於2021年以iPad創作的《20 Flowers》系列作品，呈現一場媒材迥異的展出。而David Hockney的3件作品，也各自以1,500～3,000萬日圓的高價出售。

③ Kyoto Meetings亮點藝廊聚焦

今年共有13間日本及國際藝廊參與「Kyoto Meetings」。墨西哥藝廊「kurimanzutto」帶來王水個展，展出多件以水墨與油彩在鋁板上作畫的作品，方正的畫框中，可見道道強勁而抽象的筆觸。且在預展日結束時，展位已有75%的作品售出，每件作品的成交價落在30,000～55,000美元間。

來自釜山的「Johyun Gallery」也相當值得一看，展出了李培（Lee Bae）、金澤相（Kim Taek Sang）、李光鎬（Lee Kwang-Ho）與墨西哥藝術家Bosco Sodi的作品。展間同時呈現了4位藝術家迥異的媒材特性：炭墨的焦痕、水的沉積色調、超寫實的形象、土質顏料的觸感，引人探索物質與感知的全新維度。

京都本地的「KANEGAE」則用藝術回應環境與社會問題：當鹿肉進入市場後，鹿皮與鹿骨因難以處理而被丟棄。因此KANEGAE開啟了藝術計畫，由藝術家將鹿角與鹿骨轉化為雕塑與陶藝，並從鹿皮提煉出用於繪畫的黏合劑。但他們注意到，光憑藝術無法提供實質解方，因此今年ACK，KANEGAE聯手時尚品牌「T.T」，用鹿皮製作外套與鞋子，試圖開啟新的商業可能。另外也推薦造訪KANEGAE位在大徳寺總門的藝廊，細品工藝的多重面貌。

④ 公共藝術不可錯過

會場除了各藝廊的展位，更有策展人Martin Germann、木村こころ（Kimura Kokoro）策劃的「公共計畫」（Public Program），以「共生：藝術與我們共同生活的世界」（Symbiosis: Art and Common Grounds）為題，邀請10位日本與海外藝術家，在會場內外各處展出作品。會場外可見德國－越南藝術家Phung-Tien Phan的裝置〈ersatzteile〉，將寶特瓶、燈具、收音機等日常可見的工業物件錯置組合，煙霧也不時冒出，隱喻對社會身分的真實性的質疑。

場內亦可見日本藝術家木村友紀翻玩日常物件，作品〈Des Treize〉讓透明球形機器人緩緩穿梭展間，基於數據運算的運動軌跡，會隨著機器人和環境的物理條件差異而慢慢偏離預設，呼應木村友紀長期關注的「物質與非物質存在」之間的關係。

日本藝術家遠藤利克的大型裝置〈Void–Blackening〉，將木、鐵、水泥、焦油炙燒成一顆偌大球形，延續藝術家一貫擅長轉化空間感受的紀念性雕塑脈絡，讓國立京都國際會館一角添上靜謐與神祕氣息。

⑤ 在寺廟遇見藝術

有趣的是，ACK也將展覽延伸到京都市內的寺廟、文化機構等，看藝術家們如何讓作品與空間、歷史互動，也成為到京都看展的獨特樂趣。兩足院由在紐約、洛杉磯擁有據點的藝廊「David Kordansky」，帶來日本藝術家日下翅央（Shio Kusaka）、美國藝術家Jonas Wood夫妻檔的雙人展。日下翅央的陶藝呈現了寺廟內部空間一角的景色，David Kordansky的繪畫則融入寺廟窗景，其筆觸亦呼應了日下翅央的陶藝紋理。

由「Kiang Malingue」代理的美國藝術家Carrie Yamaoka，則於曼殊院展開首次日本個展《Inside Out / Outside In》。在曼殊院這個室內禁止攝影隱密古蹟，Carrie Yamaoka的作品也靜靜隱身寺廟各處，讓旅人如解謎般探索，不斷轉換遠／近、外／內的視線欣賞作品。部分作品甚至直接暴露於自然環境中，隨著天氣、光線、時間的變化，作品將與空間、觀眾交織出不同變化，讓每一次的造訪，都是此刻僅有的體驗。

廣誠院則有倫敦藝廊「Sadie Coles HQ」舉辦的義大利藝術家Isabella Ducrot個展《Incongruous》，這也是這位1931年出生的藝術家，自1990年以來於日本的首次展覽。此次展出了《Bella Terra》與《Incongruous》2大以紙材創作的系列：前者意指「美麗之地」，透過樹木、水面、月亮3個基本元素，以自然的不斷嬗遞，隱喻生命的韻律；後者則展出於2樓，以花瓶、茶壺、桌子等家庭元素為核心。當日光從窗戶穿透紙面，作品也與窗外楓葉景致一同映入眼簾，亦巧妙回應了藝術家對自然與生命規律的叩問。

Art Collaboration Kyoto
時間：2025.11.14～16
地點：國立京都國際會館（ICC Kyoto）
＊2026年確定將於11.7～9舉辦！

_{文、攝影｜張以潔
圖片提供｜各單位}

台中勤美術館邀請台灣跨域藝術團隊 何理 WHYIXD 策展，以《Input > Unknown》為題，打造一場以「感知場域」為核心的沉浸式多感官體驗，以光影為主題，融合科技、感知與想像力，邀請觀眾穿越光影矩陣，重新看見隱藏的資訊如何於城市與日常之間流動、生成與綻放。

由日本建築大師隈研吾設計的「勤美術館 CMP INSPIRATION」於去年12月正式開幕，首展邀請日本設計師nendo團隊帶來《OUTLINES IN BETWEEN》，奠定展館「靈感能量」的創意基調；第3棒由首次登台的歐洲藝術團隊Numen/For Use，展出《Net & String Taichung》，延續對城市空間與感知的探索。今年冬季，第3棒展覽由台灣跨域藝術團隊何理 WHYIXD接手策展，回應勤美草悟長年累積的靈感脈絡，以及勤美術館「打開想像」的核心理念。

以身體與感官作為「輸入」

展覽靈感源自電腦程式語法的命令提示符「Input >」，象徵等待輸入的未知狀態。在這場展覽中，觀眾不再只是觀看者，而是以身體與感官作為「輸入」，親身參與一場關於「未知（Unknown）」的感知運算。展覽由何理 WHYIXD策展與創作，並攜手德國聲音藝術實驗室KLING KLANG KLONG、台灣視覺設計團隊HOUTH，以及藝術家莊志維，共同構築一場融合光、聲、風與數據的多感官體驗，探索數位時代的「真實感」與感官邊界。

觀者化身參與世界生成的「玩家」

在《Input > Unknown》的展覽現場，觀者是參與世界生成的「玩家」。何理 WHYIXD表示，此次展覽透過觀者的參與性互動，讓科技藝術不再只是被觀看，而是成為每個人都能親身介入的感知場域。真實不只是一種結果，而是一種持續被生成的過程。當你改變觀察的角度、重新檢視習以為常的界線，世界也會回應你以另一種樣貌。展覽共分為4個展區：啟動、運算、渲染及沙盒模式，也象徵未知世界生成的4階段。

以偏光鏡啟動未知的光影世界

展覽自1樓入口〈Hello World〉啟動，觀者能拿起本展入場通行證——現場特製「偏光鏡」，親手解碼隱藏於牆面光影之間的訊息。隨著鏡片旋轉，光的偏振方向改變，潛藏的線條與色層逐一顯現，人們彷彿化身為指令輸入者，透過手勢與視角開啟個人化的光影界面。〈Hello World〉走廊以電腦語言與互動機制設計，透過每日投票「Accept／Deny」參與展覽程式，感受思考轉化為光的瞬間。

在7公尺高「像素矩陣」行走

順著階梯走入地下一層，壯闊的〈像素力場Dynamic Field〉以流動光影迎面而來。由偏光鏡面、旋轉機構與燈光交織而成的巨大裝置，構築出可步入的7公尺高「像素矩陣」，隨著觀眾的移動與視角改變，潛藏色層與反射光譜層層顯現。靜止的結構在觀看中流動，鏡面折射出觀者與環境的互動，使「身體」成為影像生成的一部分。讓光成為媒介、感知成為動力，模糊了虛擬與真實的界線，開啟一場關於影像與自我之間的沉浸對話。

在光與聲中聆聽數據的呼吸

從視覺宇宙轉入暗黑場域，〈海境：回溯 Tender Soul of Ocean: recall〉由何理 WHYIXD攜手德國聲音實驗室KLING KLANG KLONG共創，以勤美術館戶外的氣候資料與人流數據為素材，轉譯成流動的光影與聲音。觀眾步入作品，如同進入被風與海洋訊號編織的波光之境。光線隨氣候與人群移動而閃爍，聲音在空氣中震盪，如潮汐般呼吸。觀者不再只是旁觀者，而是環境節奏的共構者。〈海境：回溯Tender Soul of Ocean: recall〉以溫柔卻深刻的方式提醒我們：氣候、聲音與人並非分離的存在，而是一場持續共鳴的動態生命場。

以眾人之手生成詩性色譜

展覽最終章〈白色彩虹Spectrum of White〉由藝術家莊志維創作，運用偏光鏡獨特的折射特性，邀請觀眾以手指觸碰、留下痕跡，親身參與作品的生成過程。隨著每位參與者的指印與動作不斷堆疊，原本純白的偏光片逐漸映現出繽紛光譜，從透明到彩色、從個體到群體，最終形成一道由人共同構築的「彩虹」。作品象徵著當代人際網絡的連結——每一個獨立行為都能匯聚成共感的意識場。這件裝置成為展覽的尾聲，也是一場凝聚的儀式：當觀眾離開，光線仍在轉動，留下的是眾人共創的光譜印記，映照著人與人之間持續流動的生命力與連結感。

勤美術館 《Input > Unknown》
展期時間｜2025.11.22（六）－2026.03.01（日），週一休館
第一階段展期 2025.11.22(六) − 2026.01.04(日) 13:00−21:00
第二階段展期 2026.01.06(二) − 2026.03.01(日) 10:00−18:00
地點｜勤美術館 CMP INSPIRATION（台中市西區館前路79號）  
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_{資料提供｜勤美術館、文字整理｜Adela Cheng}