看似簡單卻富有意義，這句話無疑是用來形容以色列設計師Noma Bar風格的最佳代名詞。大面積色塊搭配俐落插畫線條，Noma Bar總能將想傳達的話語經由極簡元素表現，而近期他與可口可樂合作的台灣城市瓶系列，同樣維持他一貫設計風格，以台灣城市在地特色為出發點，提煉出10個城市代表字與圖案，並用簡約筆觸勾勒出城市居民不同樣貌，量身打造出10款城市瓶與4款台灣瓶，傳遞台灣城市美好！

不過要想成功轉化複雜意象成簡單設計，正所謂魔鬼藏在細節裡，窺視「簡單設計」背後，其實有超乎你我想像的複雜事物運作，為此，La Vie也特別訪問Noma Bar，請他談談此次創作台灣城市瓶的設計發想過程，以及他想如何藉由作品與當下世界產生連結與溝通。

窺探極簡美學風格

負空間（negative space）一直是Noma Bar作品中重要表現手法，細究其原因，則不外乎與其成長背景有所關聯，但何以如此著迷這樣的創作方式？他回答：「我認為人們對於每個經過過、造訪過或居住過的地方都會有所印象，並被它們影響著，我出生於以色列東北部的一個小鎮，成長的社區是由德國建築師所設計的，而這位建築師又被包浩斯Bauhaus風格影響甚深。」，他接著說，「所以，從很早開始，我的腦海裡便存有簡潔、俐落且稜角分明的形狀。」

 

 

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Noma Bar（@noma_bar）分享的貼文 於 PDT 2019 年 9月 月 6 日 下午 5:43 張貼

從小的生活環境為他立下設計根基，而之後落腳倫敦的他，則正式奠定其標誌創作風格，「移居倫敦後接觸到更多不同的風格與美學概念。舉例來說，我曾經住在倫敦的肯頓區(Camden Town)，那個小鎮充滿著哥德式與龐克文化，這些經驗也成為我後來許多黑白創作的靈感。」

但要用極簡表現方式來描述具有多面向的議題實屬不易，在創作上又是如何構思不同層次故事畫面？他解釋：「我有非常強烈的設計概念，希望每一個設計細節都具有自己的個人設計風格，具體而言我沒有被其他事物影響，但過程中每一次的設計都會奠基於過往的經驗並持續進步。」

 

 

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Noma Bar（@noma_bar）分享的貼文 於 PDT 2020 年 6月 月 3 日 上午 5:09 張貼

將台灣特色城市元素注入可口可樂瓶身

「我一直認為設計具有某種程度的教育意義，不論是對我還是對大眾，可以透過每一次的作品去訴說故事。」這次他與台灣可口可樂合作設計亦是如此，他將大量資料收斂後，濃縮台灣34個在地元素躍上瓶身，獨特之外，更令人得以在第一眼即發覺城市特色。

談及創作始末，他表示自己會從資料中擷取幾個不同城市特色，再加上不同景觀，進行人物上面的發想。「這次跟台灣可口可樂合作，他們給我非常大的創作空間，讓我自由發揮，每個人物的設計，從雛形到成果，有可能花我好幾周的時間，雖然過程很辛苦，但最終的作品看起來既和諧又充滿美感。」

臺中國家歌劇院、野柳女王頭、台北捷運、太魯閣國家公園，到小籠包、擔仔麵等台灣美食，通通成他筆下創作素材，問及他最想造訪哪個城市，他說：「花蓮我讀了許多資料，這裡的風景與地貌非常迷人，我非常希望有朝一日能親眼看到。我甚至想得更遠，我覺得有一天或許我可以住在台北，我感覺到台北是個非常酷而且生氣勃勃的城市。」

除了台灣外，Noma Bar也同樣為其他國家城市創作一系列「可口可樂」城市瓶，問他哪個最難忘，他則回答是「義大利」，他認為每個義大利建築、食物或文化都充滿標誌性，且在全球廣為人知，從中凝煉、簡化出設計創意並不難。巴基斯坦的音樂主題則帶給他全新視野，接觸到許多原本不熟悉的人物特色與傳統。

Noma Bar為義大利可口可樂繪製的瓶身設計 (圖片來源：Noma Bar Facebook)

作品廣見於各領域，Noma Bar創作題材也常與社會議題做結合，像是近期就有與新冠病毒疫情相關的創作，不免讓人好奇這位設計鬼才日常是從何獲得靈感？「這有點難回答，因為每個案子的設計需求不盡相同，且會引領我以不同方式執行創意。」對他而言，插畫設計給了他用不同視角以及多元觀點探索世界，「我們所居住的世界非常迷人且多采多姿，其中有各式各樣的城市景觀與不同的景點，如果未來有機會，我覺得西班牙、英國和美國的各種特色，都可以激發我創作出很棒的作品。」

 

 

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Noma Bar（@noma_bar）分享的貼文 於 PDT 2020 年 6月 月 2 日 上午 5:36 張貼

揭開台灣城市瓶設計細節

瓶身插畫分別以男、女身體為主架構，在髮型、造型上也別有巧思，能否談談是如何將城市景緻與人形兩者完美融合？

在本次台灣城市瓶設計中，從前期介紹到他們提供的所有設計素材，都讓這個案子變得與眾不同。某種程度而言，我把本次合作案的每一個人物設計都視為一種時尚作品，為各個人物「量身訂製」外套、洋裝，帽子和配件等，你可以發現，這次的每一個人物幾乎看不到五官，這並不是一個巧合，目的是盡可能減少人物的個人特質，進而強調融入其中的元素與設計概念。

Noma Bar為可口可樂台灣城市瓶所量身繪製的插畫，左為台東、右為台南。

台灣是一個很特別的地方，擁有獨特的建築、美食與文化，我透過本次作品，將這些美好事物都結合在一起，並呈現於作品中。

哪個台灣城市最引起您的興趣，在為這些城市創作時有無特別困難之處？

最喜歡的設計大概是台北了，我非常喜愛「女王頭」融入髮型的方式，還有捷運映照在人物墨鏡的樣子，而時尚的軍裝外套，扣子其實是小籠包和筷子，包包背帶扣環則融入台北北門的設計，多層次的「可口可樂」弧形飄帶元素則構成了上衣的圖案，整個人物由各種細緻的元素構成，沒有多餘的裝飾或線條。

本次設計另一個挑戰在於，每幅作品都要融入「可口可樂」的標誌性元素，例如「可口可樂」曲線瓶、弧形飄帶等，這些元素也提升了想像力的新高度，大家可以在作品中自由探索、發現，並充滿喜悅。

全新四款台灣人瓶身

除了先前登場的10款台灣城市瓶外，全新4款台灣人瓶身包裝，Noma Bar則再度細緻刻劃台灣獨有的人情味與美景。以年輕女性為主體的瓶身設計，耳戴彰化著名小吃肉圓做成的耳機，俐落的馬尾是新北市名景女王頭，而南投日月潭湖畔、雲林西螺大橋和桃園國際機場，則巧妙地融入衣著花紋之中，整體展現出台灣女性活潑且與潮流接軌的特色。西裝筆挺的成熟男性詮釋出台灣人精明穩重的形象，有趣髮型為台南知名小吃虱目魚、領帶則是金門風獅爺，而宜蘭龜山島作為西裝的口袋巾，畫龍點睛之處還有化為手錶錶帶的台北北門。

頭戴優雅寬沿帽的女性款，設計中可看到帽沿處的台中國家歌劇院，上衣則包含嘉義阿里山神木、馬祖芹壁村與苗栗油桐花，脖子上的項鍊是澎湖雙心石滬與配戴為耳環的高雄貨輪，仔細一看會發現台東的衝浪波瀾成為其飄逸的秀髮，呈現台灣女性成熟且獨具魅力一面。具有活力的年輕男性有著花蓮太魯閣形成的潮流髮型，衣著包含了屏東鵝鑾鼻燈塔、新竹城隍廟以及基隆港，表現出台灣人樂觀、誠懇且具好奇心的形象。

文字採訪、整理：Ian Liu

圖片提供：可口可樂

當運動遇上動態影像，皆以「動」為特質的兩者理當契合自如？操刀2020東京奧運競賽圖標動態設計的日本動態設計師井口皓太，道出用動態影像呈現運動主題的挑戰——正因為運動已是動態，怎麼用動態再創新意實為考驗。

2020東京奧運，井口皓太以競賽圖標的動態設計和閉幕式的球體無人機燈光秀演出漂亮的一役。在那之後，他陸續經手了諸多運動品牌、賽事的商業設計。串連起運動和動態設計兩者的關鍵字為何？井口皓太的回答是：「兩者都在追求極致。」

以動態設計呈現身體張力

長年與NIKE合作的他，對於運動品牌的設計、概念策劃並不陌生。但在擔綱了東京奧運競賽圖標的動態設計後，再次認識到「運動」和「動態設計」兩者之間高度的契合。此外，在做奧運競賽圖標動態設計時，他翻閱大量相關參考資料，對於運動選手們在挑戰肉體極限下所展現的優美姿態留下深刻印象。也因此在近年多數的作品中，他更特別意識著如何在其中表現身體力度。

他替日本籃球協會（JBA）所設計的系列視覺作品「JBA Beyond for FIBA 2023」便是十分貼切的案例。配合著打擊樂，日本籃球國手的定格剪影在一個個節拍下加疊成逐格動畫，加上同時出現在畫面上「強大的自信」、「壓力越大越過癮/對手越強越好」等令人熱血沸騰的標語，在短短15秒的廣告內，呈現簡潔卻充滿力道的視覺效果。

井口皓太說明，在著手動態廣告之前，先進行了平面海報的拍攝。看著收到的海報草案時，他決定延續海報中捕捉動態瞬間的意圖，便以底片顯影的概念再現了選手移動的每個瞬間，營造出剎那的臨場感。而與之對比的是上方充滿躍動感的文字，時而呈現汗水的揮灑，時而詮釋高速移動下的空氣流動。文字、影像與音樂合而為一，精準傳達了運動場上的緊張與激昂情。

不被囚禁於螢幕，整個空間都是動態設計體驗

然而井口皓太也強調，從事運動廣告設計時，聚焦於競技固然重要，但也必須考量到與周邊圖像素材間的平衡。「為了不要破壞設計的視覺呈現，解讀 圖像本身既有的『時間』與『空間』維度也十分重要。」

如經手2023年底在銀座甫開幕的NIKE概念店「NIKE GINZA」整體設計時，井口皓太首先碰到的難題便是如何轉化「銀座」的古典形象。他說明，由於作為主視覺的「銀座」兩字是非常傳統的日文漢字字體，品牌方最初擔心是否難以在文字設計上賦予運動的動態要素。

面對此一挑戰，井口皓太提案將「座」一字中的「人」抽出，任其在畫面上高速奔跑、自由變形，藉此在畫面中帶入空間維度與動態力度。在這檔設計案中，他不只負責主視覺設計概念，更參與店內、車站電子螢幕的陳設規劃。他強調，作為動態設計師，重要的是必須意識到影像動畫的播放方式和地點。並不只是在影像螢幕 的框架內思考，而必須將路過的行人、停下腳步觀看的觀眾加入作品整體的一環著手構思。

在日本首間喬丹品牌旗艦店「World of Flight Tokyo Shibuya」中，正完整體現了他對於空間營造的巧思。店面入口通往商場長達25公尺的長廊內，搭設了整面的電子螢幕。慢動作運球、上籃的選手剪影帶有些許「霧裡看花」之感，但在大面積色塊的渲染與聲光效果加乘之下，一步步推漲了人們進入店面前的期待感。

井口皓太說明，美國波特蘭的品牌方希望在設計中加入日本的元素，於是他以和式紙門為核心概念，用半透明的濾鏡進行拍攝，並以燈光營造出朦朧的光影之美。

運動設計是向選手致敬的過程

運動和動態設計兩者乍看之下十分契合，但井口皓太認為正好相反。「動態設計的有趣之處在於『讓靜止的東西動起來』，也可以說是『讓看起來不會動的東西動起來』，進而從中創造驚奇與發現。但因為運動是動態的行為，人們反而會先入為主地想要捕捉其靜止的瞬間。」但他也強調，該如何突破此一固有觀念，替觀眾帶來新的體驗，正是設計師的職責所在。

問及是否有其他曾留下深刻印象的運動設計，井口皓太介紹了已故設計師野田凪2001年的「NIKE Swim Campaign」系列作品。「雖然是靜止的圖像，但透過水面折射放大了模特兒的身體呈現，這樣的詮釋方式直到現在都還深深烙印在我腦海裡。」此外，NIKE在2010年為世界盃足球賽製作的影像廣告「Write the Future」也是他會定期觀看的作品之一。他說這部影片「不論是劇情轉折、笑點、快慢適中的剪輯與音樂選用，都堪稱十分完美。」

其實井口皓太到高中為止都是一名棒球少年，他說，作為一名捕手，捕捉眼前所有動態現象的觀察能力、由靜轉動的力學知識等，都對日後的設計工作產生許多幫助。在組織設計團隊CEKAI時、從事設計總監工作時，也不時會回想起過往在球隊的團隊合作生活。

「為了追求完美表現，運動選手們將身體機能發揮到極致，這點其實與設計工作相同。為了追求美學的巔峰，設計師得去計較每一釐米、調整每一個畫格的差異，反覆碰壁之下才終於找出最佳解答。因此，我想『運動是為了什麼而存在？又是為了什麼而需要追求極致？』這個提問，也可以從設計師們身上得到解答。」他說，自己有幸從事運動相關設計，也是在時時提醒著自己必須勤奮不懈地面對自身工作，才能毫無愧疚地透過創意為選手致上敬意。

井口皓太（Kota Iguchi）

動態設計師、創意總監。1984年生，以紐約、東京兩地為據點從事設計活動。擔任總監的大型戶外裸視3D廣告「NIKE Air Max Day 2022」獲得高度討論與關注，亦以東京奧運競賽圖標的動態設計師而為人所知。聚焦於動態設計領域，作品獲得國內外多數獎項肯定。

^{文｜廖怡鈞
圖片提供｜井口皓太}

更多精彩內容請見 La Vie 2024/7月號《運動的設計進行式》

Apple為最新力作iPad Pro推出的廣告影片〈Crush!〉，在歐美世界引發巨大爭議，許多知名演員、導演、作家等藝文界人士轉發庫克（Tim Cook）推文大力批評，不少Apple的科技同業也給出負面評價；最後，Apple發出道歉聲明：「很抱歉，我們的廣告並沒有達到預期的目標。」究竟這短短一分多鐘的影片為何引戰，甚至被認為是科技吞噬創意的縮影？

史上最強也最薄的iPad誕生

讓我們把時間倒轉回5月7日。當天Apple在倫敦近年最火紅的地標——巴特西發電站（Battersea Power Station），舉辦了創立以來第一場英國發表會，會上最大焦點非iPad Pro莫屬，它除了有超薄的5.1mm機身，更搭載全新M4晶片讓創作者能與AI高效協作。新品引人讚嘆的同時，Apple同天發布的新廣告〈Crush!｜iPad Pro〉卻引爆網路社群上的噓聲。

巨大液壓機粉碎創作工具

長約一分鐘的〈Crush!〉，襯著愜意樂曲，上演一台巨大液壓機將樂器、油漆罐、老式遊戲機檯、雕塑、模特人檯、數位相機……通通壓碎的情景，等到機器再次升起時，一臺iPad Pro現身，旁白說道：「史上最強大的iPad，同時也是最薄的。」（The most powerful iPad ever is also the thinnest.）

如果看過Apple以往的廣告，會明白詼諧、幽默是其中鮮明的個性，但〈Crush!〉的寫意在許多人眼裡卻是種殘忍，彷彿宣告著人類的創意、以及成就這些創意的生產工具（如油漆、樂器等），都將被機器與科技摧毀後取代。

觀眾怎麼說？

看過這則廣告的英國知名演員休葛蘭（Hugh Grant）說：「人類經驗（human experience）的毀滅，感謝矽谷。」；曾執導Amy Winehouse傳記電影《Amy》（2015）的知名紀錄片導演Asif Kapadia，則表示自己喜歡iPad，但不懂為何有人認為這影片是個好點子，「它誠實地暗喻了科技公司對藝術家、音樂家、作家、製片人們做的事：擠壓、利用他們，卻不給合理的報酬，奪走一切然後說這一切都是由自己創造的。」

把視線望向Apple在矽谷的「盟軍」，也就是Asif Kapadia口中的科技界人士，幾位有影響力的公司高層也跳出來批評，像是Airbnb、Reddit、Dropbox等知名公司幕後資助者Y Combinator創辦人Paul Graham就寫下：「賈伯斯（Steve Jobs）絕對不會發布這支廣告。」暗諷品牌現任掌舵者。

問題出在哪？時代背景、廣告策略或Apple的身份？

在影音爆炸、甚至是氾濫的年代，社群河道上不乏科技取代人腦的惡趣味內容，為什麼〈Crush!〉觸怒那麼多人？身在人類有史以來最接近科技奇點的社會，在人工智慧（AI）有可能取代人力與人腦的文明轉捩點，〈Crush!〉在部分觀眾眼裡形成一股惡意——畫面中那台液壓機粉碎的不只工具，更是人類的創意與靈魂，而這些都將被科技機器取代；更何況發布這則廣告的是Apple，當今全世界科技界的龍頭之一。

不過，Apple為〈Crush!〉設定的廣告策略，真的含有惡的成分嗎？每則故事在每個人眼裡會看出不同寓意，而《Business Insider》資深科技與文化線記者Katie Notopoulos在一片罵聲之中，提出了有意思的觀點。她肯定觀眾對大公司廣告提出批判的閱聽意識，卻也直言：「這則廣告的目的很明顯是要炫耀新的iPad非常薄，還可以把一大堆應用程式打包在裡頭。」

看到這裡，我們不妨換個角度看〈Crush!〉——那些被液壓機粉碎的物件與工具（視覺上）確實被摧毀，但「毀滅」後卻也獲得了「新生」，並融入iPad之中，就如Katie Notopoulos所寫：「iPad不是要取代鋼琴，它是一台擁有GarageBand（音樂創作軟體）的平板電腦；也沒要取代繪畫，而是擁有平面設計App的工具。」

換句話說，iPad讓樂器、畫筆等創作工具換了個形式，被裝入一個更輕便的載體；而〈Crush!〉想表達iPad提供了有別於傳統的創作選擇，並透過科技的力量將數種工具的功能打包於超薄機身，目的是讓創作更有效率，而非消滅既有的工具。

只可惜，「這支廣告概念本身太無聊、也太淺顯。」Katie Notopoulos認為Apple這次傳達故事的手法太過「簡單暴力」，導致本意模糊，才是觸動藝文界人士神經的根本原因。另外也有網友表示，這支廣告直接得罪（offend）了iPad一大批核心用戶——這番話並不無道理，畢竟許多設計師、插畫家、藝術家、音樂人等，都以iPad作為第二（電腦以外）、甚至是主要的創作工具。

Apple這麼說

那Apple想透過〈Crush!〉傳達的訊息究竟是什麼？說來有點諷刺，我們可以從官方道歉聲明中知道：「創造力是Apple的DNA，我們設計的產品能為全世界的創作者賦能，對我們來說非常重要。我們的目標始終是讓使用者能透過各種方式表達自己，並透過iPad將想法化為現實。很抱歉，廣告並沒有達到預期的目標。」

爭議背後躁動的焦慮——我們真的會被機器取代嗎？

〈Crush!〉反射出科技與藝術、音樂、設計等創意領域的矛盾關係，甚至是機器與人類的對立，背後躁動的是人類擔心被機器替代的焦慮。近年許多爭議都是因此而起，在ChatGPT能快速整理資料、寫短文；midjourney能算出極其精緻的圖像；以及各種AI工具盛行的時代，引發各界工作模式的轉變，比如設計與藝術競賽順應時勢將AI作品納入評選，同時評估判斷人類、AI創作的標準；各領域工作者重新思考創作的意義，並試圖找尋與科技協作的方法。

未來AI會發展到何種境界，可以預見但難以斷言，〈Crush!〉爭議給了我們反思與科技之間依存關係的機會，也意外揭露了許多人仍用力擁抱人類思維的詩意、手工創作的價值，這是AI難以取代的（至少目前如此）。

最後，來看導演Reza Sixo Safai在X上分享的〈Crush!〉改編版本，他將腳本的情節順序調換，讓液壓機壓碎iPad Pro後，化為樂器、雕塑、遊戲機、顏料等創作工具；還特別把背景音樂換成Sonny & Cher在1965年發表的歌曲〈I Got You Babe〉，其中意涵不妨配著歌詞細細品味。

不抱著偏見與預設立場第一次看〈Crush!〉、看過評論家的觀點後回看，再看Reza Sixo Safai的改編版本，想必會有不同的感觸與想法。面對科技融入工作與生活，每個人有各自的操作守則，期待我們都能找到屬於自己的準則。

資料來源｜Business Insider、Variety、CNN