D_D GOODS（ @ddgoodsstation）是由一對台灣插畫家／設計師姊妹共同創立，她們創立這個帳號的目的是「Travel everywhere & make good goods.」將旅行的點滴透過插畫、電繪的創作來呈現，創造出屬於自己的獨特視角，同時也讓人深深愛上她們時而溫暖、時而調皮的風格。看著她們自己手印的明信片，彷彿就能著明信片一起去旅行，十分療癒、舒服。

來場大地色系的歐洲散步之旅

2019年姊妹倆去了歐洲旅行，有趣的是，在出發前她們就先將部分想去的景點加入自己的幻想和期待繪製成明信片，並在出國前印好，這樣到了當地就能將明信片與實際地點合照，比較現實與想像中的景點是否一致，也是她們準備行程中增加對旅程期待的一種方式，十分特別的點子！

這張是在法國巴黎的宮殿鐘樓，老時鐘仍完整地運作至新時代，原本是金銅色的時鐘外框，以溫暖的橘紅色取代，藍黑色的底部及人物則用柔和的藍紫色代替，陰天的巴黎瞬間就變成了浪漫且充滿童趣的畫面，能把藍橘對比色畫的如此不違和、刺眼，我想這就是兩姊妹的魔力吧！只要她們所到之處都會刷上一層幸福的色彩。

 

 

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D_D GOODS（@ddgoodsstation）分享的貼文 於 PDT 2019 年 10月 月 3 日 下午 1:13 張貼

這張則是她們在荷蘭的愛因荷芬騎單車的場景，短髮帶著漁夫帽的是姊姊 Dyin，而綁著辮子頂著貝雷帽的是妹妹 Dofa，文案有趣的寫著：「傻瓜走路，聰蛋騎車。」讓人覺得十分有趣可愛。雖然是電繪插畫，但仍保有手繪的筆觸，用若隱若現的線條畫出騎車的速度感，用點點的密集程度來表現車燈的迷濛擴散感，雖說是明信片，卻有如繪本般的精緻。

 

 

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D_D GOODS（@ddgoodsstation）分享的貼文 於 PDT 2019 年 10月 月 25 日 上午 10:18 張貼

歐洲系列的明信片插畫作品叫做 「EEE」：E for eyes, E for ears, E for Europe. 將歐洲的所見所聞以插畫的方式記錄下來，並佐以想像力，市集也能變成美食銀河，每一張明信片都是一場探險，值得一而再地回味。 

踩點冬日的東京，彷彿進入夢幻的二次元世界

在2017年姊妹倆前往東京旅遊，用繪畫作品「TOKYO WINTER POP」來記錄沿途風景。而取名為的靈感是來自於80年代日本的「city pop」文化，city pop 多半是描繪夏天浪漫、歡樂慵懶的場景，然而她們是在12月的寒冬去旅行，所以這次的「TOKYO WINTER POP」則是結合聖誕節的元素去創造一個綺麗繽紛的city pop style冬季風景。

 

 

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D_D GOODS（@ddgoodsstation）分享的貼文 於 PST 2017 年 12月 月 13 日 下午 7:54 張貼

第一站抵達東京國際機場，插畫風格採用數位插畫的方式，呈現滿滿的漫畫二元風格；運用粉紫、靛藍色充斥整個畫面，充滿夢幻、絢麗的氛圍，右上角還有聖誕老人駕著麋鹿在天空馳騁，十分逗趣。

若說上一張東京踩點的明信片就像一張張Lo-fi music歌單的封面，讓人感到放鬆、慵懶；那麼下面這張彷彿帶領大家進入奇想的世界，有點神秘又魔幻。螢光粉紅的建築物搭配橘紅色的夕陽，不過度張揚其色彩，讓每一個顏色都適度地發揮其擴染力、搭配的恰恰好。下著白雪的東京，在她們筆下充滿溫暖的熱帶聖誕氣息，奇幻的組合卻讓人無法將視線移開。

 

 

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D_D GOODS（@ddgoodsstation）分享的貼文 於 PST 2017 年 12月 月 13 日 下午 8:09 張貼

東京與歐洲旅行的繪畫風格截然不同，兩者都非常吸引人！也只有同時身為插畫家和設計師的兩姊妹才能同時駕馭者兩個天壤之別的風格吧。如果說歐洲系列是充滿典雅溫馨的電繪作品，那東京系列就是富有都市奇幻色彩的平面插圖設計，不同的詮釋角度，完全影響了我們對於當地的印象、甚至是改變了旅行的動機！

透過兩姐妹的繪畫，讓我們又重新看待旅行，若能用多元的角度去觀察、享受，就能像她們的畫作一般：換個風格，就能換種心情！看完歐洲與東京的明信片踩點行程，是不是心很癢想訂機票了阿？推薦喜歡旅行或熱愛插畫的你，到  ddgoodsstation 仔細逛逛，讓心情跟著明信片飄洋過海吧！

作者：Mandy Pan 

本文由 FLiPER 授權轉載，未經同意請勿任意引用。

聞名世界的英國雕塑家Antony Gormley，擅長利用金屬重現人體結構，傳達「人體是情感的容器」思想——遠看如分解、也似完整的金屬人形，挑戰著人眼、媒材與空間之間的互動關係。

即日起至2025年11月30日，Antony Gormley於韓國Museum SAN帶來大規模個展「Drawing on Space」，展出涵蓋雕塑、沈浸式裝置、素描、版畫等共48件作品，並首次公開與日本建築大師安藤忠雄合作的永久性建築裝置《Ground》，這是首次有藝術機構為收藏Antony Gormley作品而專設空間，極具紀念價值。

山林裡與自然共生的美術館

2013年落成的Museum SAN，隱身於韓國原州一片森林當中，其名取自Space（空間）、Art（藝術）、Nature（自然）的英文字首，讀音呼應韓文中的「山」字，隱喻博物館位處廣袤山林當中，及其致力融合藝術、建築與自然的策展概念。

博物館建築由造紙業起家的韓松集團邀安藤忠雄設計，耗時8年才完成。自高空俯瞰，園區由長方形、三角形、圓形等不同幾何輪廓的量體組成，體現安藤忠雄藉建築連接天、地、人的設計哲學，與其標誌性的清水模搭配，寧謐而富哲思。

> 安藤忠雄清水模新作「光之空間」！韓國Musuem SAN藏身山林中的全新光影冥想空間

Museum SAN設有紙藝廊、版畫工房、收藏韓國近現代繪畫與雕塑品的青鳥藝廊，及專藏美國藝術家James Turrell作品的同名場館等，場館間由花之庭園、水之庭園與石之庭園細膩串連，另設有兩座安藤忠雄打造的冥想空間，再次扣合SAN藉建築與藝術讓觀者與自然融於一體的理念。這次安藤忠雄為Antony Gormley設計的《Ground》，也延續著這份精神。

建築與雕塑對話的冥想空間

《Ground》位於美術館花園下方，是一座直徑達25公尺的地底穹頂。圓頂頂部設有單一天窗，引自然光入內，呼應著古羅馬萬神殿的建築精神，同時體現安藤忠雄的極簡風格，及Antony Gormley長期以來對「空間感知」的探索。

來到這裡，觀眾會先透過一面全景玻璃牆，欣賞到藝術家建構人體的《Blockworks》系列鑄鐵雕像，它們或坐、或站、或蹲，靜靜佇立於洞窟般的空間中；從圓頂天窗流瀉而下的光線，為觀察雕塑材質、線條動態的體驗更添趣味。再向內走，則更能感知混凝土材質與穹頂織就、帶點神性的氛圍，窗外自然景致也漸漸合流，構築一方沈思秘境。有趣的是，場館外側設有一尊鑄鐵雕像，透過圓頂開口與外部景觀對望，藉其「視線」將穹頂空間與遠方山景串連，別具詩意。

「Drawing on Space」聚焦藝術家對身體感知的長年探索

除了與安藤忠雄合作的建築裝置外，「Drawing on Space」也展出Antony Gormley大量精彩作品。開場聚焦《Liminal Field》系列，其以金屬線條建構通透、輕盈的人形，暗示著身體作為「邊界」的概念，這些雕塑雖與人等高，卻因空心結構流露出一種如泡沫般脆弱的特質，亦隱喻無常。

接著視野從立體轉向平面，第二展廳展出素描及版畫，梳理Antony Gormley對光與暗、實體與虛空、身體與建築等主題的探討。最後以沈浸式裝置《Orbit Field II》收尾，其由相連的鋁製圓環構築而成，輕盈懸浮於空間之中，邀觀者穿梭其中，親身與展品互動，亦體現藝術家一貫的信念：「雕塑的核心不在於物件本身，而在於體感經驗。」

無論是展覽本身或將永久存於美術館的《Ground》，都再度體現了Museum SAN將藝術、建築與自然揉合的概念。Antony Gormley也表示：「這次展覽的核心在於將實體與想像的空間結合，展品的存在是為了『活化空間』，而不是佔據空間，同時探索著身體與建築這兩種感知媒介間的關係。」

高橋一生和小朋友玩在一起的畫面會不會太美好！東京國立新美術館即日起呈獻為期11天的「學展」，其中將夾帶兩件從今年首登場的藝術計畫《想像他者的四天》中生成的多人共創畫作，本屆頒獎典禮更將放映導演二宮健於4天工作坊期間所記錄孩子們揮灑創意的珍貴影像。從培養共感力與想像力的角度出發，此項目所回應並試圖溫柔改變的社會現況發人深省。

第75屆學展（Gakuten）推出實驗性影像製作企劃《想像他者的四天（他者を想像する四日間）》，邀來演員高橋一生，協同7名從本屆參展者中選出的國中小學生完成兩幅大型畫布作品，並隨學展其他作品於2025年8月7日至17日在東京國立新美術館公開展出。而由電影導演二宮健同步拍下創作全過程的特別影像，則將於8月9日舉行的得獎者表彰典禮上限定放映，供得獎者及相關人員觀賞，循作品本身和紀錄片兩種途徑見證其中軌跡。

學展是什麼？

藝術教育人士西田信一（Nishida Shinichi）在1950年創立的「學展」，是日本第一個全國性學生油畫比賽；70餘年來由日本學生油畫會興辦，無參賽資格限制，亦接受來自海外的國際作品，現正於全球範圍內致力發掘年輕世代的藝術才能。評選項目涵蓋繪畫、插圖、工藝、攝影、數位創作等多元領域，且從幼稚園到大學的不同年齡層創作者都能報名。比賽核心自歷史案例中承襲而來，堅信「優秀的藝術不受年齡、國籍或名聲所限制」的精神，至今持續將才華橫溢的作品推向世界舞台；近年不僅廣邀各界知名人士擔任評審，大獎作品亦得機會於巴黎展出。

▼ 每屆學展於東京國立新美術館進行公開展出

實驗企劃《想像他者的四天》首登場

高橋一生主導、二宮健側拍，「即興」培養共感力與想像力

作為今年學展首次實施的藝術計畫，《想像他者的四天》旨在培養孩子「想像他者的能力」（意近中文「共感能力」所指涉，可能包括從他人視角看待事物，抑或經由共創形式對他人的表達有所共鳴等）。此理念發想自當代社會中人們「想像他者」能力普遍稀缺的現況，讓參與者透過肢體表達、即興演出、交流對話和揮灑作畫等環節，反覆加深「設想眼前的人、甚至於某個不存在對象」這樣的共感經驗。

在為期四天的工作坊中，高橋一生並非以導演或演出指導的角色參與，而是單純扮演從旁陪伴、覺察和承接孩子內心轉折變化的「伴行者」角色，構建出一個自由且深刻的創作空間，最終引導他們繪出兩幅「想像的藝術」作品。而將此場景具象化的正為導演二宮健，他詳實記錄7位小朋友4日體驗的側拍影片，將打開交織現實和創意的敏銳視角，靜靜喚起觀眾的想像力。

台灣觀眾對高橋一生肯定都不陌生，其別具感染力的演技與親切形象，為此類藝術教育項目盡心力自在想像之中。而擔任共同企劃兼導演的二宮健，早被認為是風格辨識度極高的日本新生代創作者。10多歲開始影像創作，就讀於大阪藝術大學期間即獲得京都國際學生影視節（KISFVF）大獎肯定，現年僅33歲已憑《裸睡美人》、《吉娃娃羅曼死》、《午夜少女戰爭》等多部代表作為觀眾所認識，亦曾在2017年作品中與高橋一生合作。此次他充分發揮個人尤擅長的實驗性手法，大膽而細緻地捕捉了孩子們朝氣蓬勃、充滿生命力的表情和創作歷程。

《想像他者的四天》紀錄片雖不開放一般觀眾觀賞，不過未來10天人正好在東京的讀者們，走過路過國立新美術館倒可逛進展廳，一覽高橋一生和小藝術家們帶來的兩大件畫作及第75屆學展的完整展出。

第75屆學展特別影像企劃《想像他者的四天》

【作品展覽】

• 時間：2025年8月7日至17日
• 地點：國立新美術館2D學展展示室

【影像放映】

• 時間：2025年8月9日
• 地點：國立新美術館講堂（僅限得獎者及相關人員入場）

資料來源：學展