D_D GOODS（ @ddgoodsstation）是由一對台灣插畫家／設計師姊妹共同創立，她們創立這個帳號的目的是「Travel everywhere & make good goods.」將旅行的點滴透過插畫、電繪的創作來呈現，創造出屬於自己的獨特視角，同時也讓人深深愛上她們時而溫暖、時而調皮的風格。看著她們自己手印的明信片，彷彿就能著明信片一起去旅行，十分療癒、舒服。

來場大地色系的歐洲散步之旅

2019年姊妹倆去了歐洲旅行，有趣的是，在出發前她們就先將部分想去的景點加入自己的幻想和期待繪製成明信片，並在出國前印好，這樣到了當地就能將明信片與實際地點合照，比較現實與想像中的景點是否一致，也是她們準備行程中增加對旅程期待的一種方式，十分特別的點子！

這張是在法國巴黎的宮殿鐘樓，老時鐘仍完整地運作至新時代，原本是金銅色的時鐘外框，以溫暖的橘紅色取代，藍黑色的底部及人物則用柔和的藍紫色代替，陰天的巴黎瞬間就變成了浪漫且充滿童趣的畫面，能把藍橘對比色畫的如此不違和、刺眼，我想這就是兩姊妹的魔力吧！只要她們所到之處都會刷上一層幸福的色彩。

 

 

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D_D GOODS（@ddgoodsstation）分享的貼文 於 PDT 2019 年 10月 月 3 日 下午 1:13 張貼

這張則是她們在荷蘭的愛因荷芬騎單車的場景，短髮帶著漁夫帽的是姊姊 Dyin，而綁著辮子頂著貝雷帽的是妹妹 Dofa，文案有趣的寫著：「傻瓜走路，聰蛋騎車。」讓人覺得十分有趣可愛。雖然是電繪插畫，但仍保有手繪的筆觸，用若隱若現的線條畫出騎車的速度感，用點點的密集程度來表現車燈的迷濛擴散感，雖說是明信片，卻有如繪本般的精緻。

 

 

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D_D GOODS（@ddgoodsstation）分享的貼文 於 PDT 2019 年 10月 月 25 日 上午 10:18 張貼

歐洲系列的明信片插畫作品叫做 「EEE」：E for eyes, E for ears, E for Europe. 將歐洲的所見所聞以插畫的方式記錄下來，並佐以想像力，市集也能變成美食銀河，每一張明信片都是一場探險，值得一而再地回味。 

踩點冬日的東京，彷彿進入夢幻的二次元世界

在2017年姊妹倆前往東京旅遊，用繪畫作品「TOKYO WINTER POP」來記錄沿途風景。而取名為的靈感是來自於80年代日本的「city pop」文化，city pop 多半是描繪夏天浪漫、歡樂慵懶的場景，然而她們是在12月的寒冬去旅行，所以這次的「TOKYO WINTER POP」則是結合聖誕節的元素去創造一個綺麗繽紛的city pop style冬季風景。

 

 

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D_D GOODS（@ddgoodsstation）分享的貼文 於 PST 2017 年 12月 月 13 日 下午 7:54 張貼

第一站抵達東京國際機場，插畫風格採用數位插畫的方式，呈現滿滿的漫畫二元風格；運用粉紫、靛藍色充斥整個畫面，充滿夢幻、絢麗的氛圍，右上角還有聖誕老人駕著麋鹿在天空馳騁，十分逗趣。

若說上一張東京踩點的明信片就像一張張Lo-fi music歌單的封面，讓人感到放鬆、慵懶；那麼下面這張彷彿帶領大家進入奇想的世界，有點神秘又魔幻。螢光粉紅的建築物搭配橘紅色的夕陽，不過度張揚其色彩，讓每一個顏色都適度地發揮其擴染力、搭配的恰恰好。下著白雪的東京，在她們筆下充滿溫暖的熱帶聖誕氣息，奇幻的組合卻讓人無法將視線移開。

 

 

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D_D GOODS（@ddgoodsstation）分享的貼文 於 PST 2017 年 12月 月 13 日 下午 8:09 張貼

東京與歐洲旅行的繪畫風格截然不同，兩者都非常吸引人！也只有同時身為插畫家和設計師的兩姊妹才能同時駕馭者兩個天壤之別的風格吧。如果說歐洲系列是充滿典雅溫馨的電繪作品，那東京系列就是富有都市奇幻色彩的平面插圖設計，不同的詮釋角度，完全影響了我們對於當地的印象、甚至是改變了旅行的動機！

透過兩姐妹的繪畫，讓我們又重新看待旅行，若能用多元的角度去觀察、享受，就能像她們的畫作一般：換個風格，就能換種心情！看完歐洲與東京的明信片踩點行程，是不是心很癢想訂機票了阿？推薦喜歡旅行或熱愛插畫的你，到  ddgoodsstation 仔細逛逛，讓心情跟著明信片飄洋過海吧！

作者：Mandy Pan 

本文由 FLiPER 授權轉載，未經同意請勿任意引用。

沐浴玻璃穹頂透進的日光當中，被壯麗的歷史壁畫環繞，眼觀水景、耳聽陶瓷撞擊的清脆聲響，自顧自墜入白日夢——這樣的夢幻體驗，現正於「巴黎證券交易所（Bourse de Commerce）」發生。法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot在這座私人美術館帶來大型裝置作品《clinamen》，將長期試驗的創作媒材「聲音」交織水景，邀觀者慢下腳步細細聆聽並感受場域，投入一場冥想。

壯麗穹頂下的藝術實驗場

自18世紀以來，巴黎證券交易所建築曾作為穀物貿易、期貨交易的據點，現則是「皮諾私人美術館（Pinault Collection）」的所在地。2017年，建築迎來由貿易場所轉生為藝文場館的大規模改造，日本建築大師安藤忠雄將其標誌性的清水模，與建築本身的富麗巴洛克式風格結合，揉古典和現代美學於一地。而館內的穹頂大廳，自開幕以來即是藝術家的實驗場，過去韓國藝術家金守子（Kim Soo-ja）曾在地面鋪上巨型鏡面，邀訪客漫步鏡上，以嶄新視角觀看建築。

水鏡映照天空，瓷碗碰撞成流動樂章

這次在皮諾私人美術館總監Emma Lavigne親自策劃下，法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot帶來沈浸式裝置《clinamen》，這件作品延續他慣常的創作語彙，遊走在聲響、雕塑及表演的交界。在大廳正中央，藝術家設置了一座直徑達18公尺的巨大水池，藉這面「水鏡」映照穹頂外的巴黎藍天。水面上散落大大小小的瓷碗，它們隨水波緩緩漂移，當偶遇相撞時，便會發生清脆聲響，此起彼落的碰撞聲譜出流動樂章。

聲音自有生命

對Céleste Boursier-Mougenot來說，聲音是一種「有生命的材料」。音樂創作者將聲響「編排」成音樂，可他卻長期試驗將聲響「脫離人為控制」，讓其跳脫傳統音樂的框架，轉化為一套能自我調節、具有生命的有機系統，不需人為干預，自隨時間不斷變化。而巴黎證券交易所版本的《clinamen》，可說是這場藝術實驗的集大成之作。

至今規模最大的《clinamen》

過去《clinamen》曾於墨爾本維多利亞國立美術館（National Gallery of Victoria）、龐畢度中心梅斯分館（Centre Pompidou-Metz）展出，來到巴黎後，作品以空前的巨大規模呈現，其水池面積達到過去最大尺度的兩倍。龐大尺度並非盲目的追求，而是藝術家對巴黎證券交易所建築的回應。Céleste Boursier-Mougenot表示，每一座展場都像一個「模具」，他將自身裝置技術與美學灌注其中，孵化出每個場域專屬的限地版本。

慢下腳步，感受「不確定」的詩意

《clinamen》一名源自伊比鳩魯學派（Epicureanism）的哲學思想，其主張原子會產生隨機、不可預測的偏移運動。Céleste Boursier-Mougenot認為《clinamen》的運作邏輯巧妙對應此學說，它不僅關注水、瓷碗及聲響本身的「運動」，也探索著事件發生、物件排列（即水波推動瓷碗導致碰撞出聲）的千萬種可能。在無數可能中，觀眾無法預測將遇見哪一種，也難以預想瓷碗碰撞的音色，這種「不確定」成就的詩意正是體驗的核心。

也正因《clinamen》難以預測，觀眾僅能駐足、等待那份僅存於當下的體驗。在資訊爆炸、節奏極快的世界，Céleste Boursier-Mougenot邀人們慢下來，在靜止與流動、沈默與聲響、秩序與混沌，及水色和天光交織之間，暫時成為作品的一部分，悉心傾聽、墜入一回冥想或一場白日夢，暫離喧鬧世界。

資料來源｜Bourse de Commerce

臺北表演藝術中心串連藍盒子、大劇院的「超級大劇場」首度開放！首場演出迎來波蘭導演盧卡斯・塔沃柯夫斯基（Łukasz Twarkowski）作品《共和國》（Respublika），結合劇場、派對、社群實驗與空間遊牧，透過一場長達6小時的狂歡派對，質疑週休二日、朝九晚五等當代社會視為理所當然的生活模式，並邀觀眾打破場體制設限，沈浸體驗銳舞（Rave）文化，從中思索參與、工作、自由的可能。

真正的自由，存在狂歡的當下

《共和國》是一場橫跨建築、電子音樂、共食活動與自由行動的沉浸式社群實驗。作品場域內設有移動房屋、大廚房、桑拿房、太空艙樣貌的空間及大小舞台，邀觀眾穿梭其中自由參與、探索，不再只是觀眾席上的旁觀者。塔沃柯夫斯基表示：「我感到真正的自由，是在狂歡的當下。」這句話不僅是本作的精神核心，也傳達他對劇場形式與社群力量的重構與實驗。

復刻18世紀末短暫存在的「烏托邦」

「我想做一個實驗：如果一群人忘記工作一整年的話，會發生什麼事？」塔沃柯夫斯基這道提問，開啟了《共和國》的創作概念。作品部份創作靈感來自歷史上真實存在的「保拉瓦共和國（The Pavlov Republic）」，其誕生於18世紀末，由波蘭神父與800名農民共同創建，他們曾短暫實現自治社群的理想，擁有自己的軍隊、貨幣、學校與劇院。

儘管保拉瓦共和國未能久留，但仍為塔沃柯夫斯基與他的創作團隊提供了對理想社會、工作制度與共處模式的豐富想像。在當代社會面臨民主崩解、資本制度失衡與氣候危機的背景下，《共和國》藉此這段歷史重新思考工作與生活的界線，質疑週休二日、朝九晚五是否仍為人類最佳的生存模式。

從森林到劇場，從社會實驗到藝術實踐

2019年，塔沃柯夫斯基與演員、作曲家、DJ、服裝設計師等來自各領域的15位藝術家，一同走入立陶宛森林，在房車與移動住宅共居、一同創作，模糊了生活、工作、排練的邊界，同時設計一套社會實驗的脈絡引導成員，如每日舉辦電子音樂派對，讓「銳舞」成為新的信仰，且在實驗的終點開啟最初的提問——工作與收入對當代社會的意義是什麼？當許多人害怕沒有生產力的同時，這個在森林裡成長的「共和國」成了一種宣告：「我應得的，我需要它，剩下的都不重要。」

將森林裡的社會實驗復刻為宏大的沉浸式展演，《共和國》由3個部份組成：一開始觀眾可以在空間中遊覽、觀看，迷失在街道之中；一小時過去，表演揭幕，整場演出將不斷拆除牆壁並播放現場的影像，觀眾像是置身電影片場，能同時看到螢幕和現場正發生的事，織就多層次敘事；當牆壁逐漸被拆除，第三部份便剩下純粹的狂歡，演員和DJ將以舞蹈、音樂邀觀眾一起投入派對。

不只是配樂，Techno是反抗與療癒的象徵

電子舞曲Techno在《共和國》的演出中不僅是配樂，更是召喚與療癒的媒介。Techno誕生於1980年代的美國底特律，是這座工業城市邊緣青年反抗現實的聲音。柏林圍牆倒塌後，地下Techno派對如雨後春筍般湧現在東柏林的廢墟中，象徵自由的重新誕生。

塔沃柯夫斯基深受這段歷史啟發，對他來說，電子音樂有「昇華人性」的作用，「如果我需要建立某種暫時自治區，那就必須是銳舞。」他希望觀眾跟著同樣的節奏跳舞，成為群體，分享喜悅。因此他在《共和國》中注入了Techno的節奏與冰冷詩意，讓整場演出像是一場帶有社會意識的儀式，也是一次個人心靈的逃逸旅程。

歡迎登陸僅存在6小時的微型國度

《共和國》沒有明確的舞台和敘事框架，塔沃柯夫斯基認為整場演出更像是營造某種「共享經驗」，藉由視覺、聲音與身體交織，建立一個去疆界、反制度的藝術空間。「對我來說，劇場算得上是最官能的藝術形式之一，包含它所使用的身體、汗水、震耳欲聾的音樂，一切合而為一。」在資訊爆炸、節奏極快的時代，《共和國》提供一個讓人暫離現實、重新與人群與自我建立連結的可能。這不只是一場演出，而是一個暫存的微型國度，一個以藝術為基底、以狂歡為語言的自由實驗場。

北藝中心超級大劇場首演《共和國》

演出時間｜2025.06.04－06.07

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