行走城市街頭，抬頭望見大多是平凡無奇的建築大樓牆面，然而經由街頭藝術家巧手與創意，將繪畫和雕塑藝術手法融合，透過繪製立體和抽象的圖形來改變建築2D靜態結構的3D街頭壁畫，從不同角度觀看，都能感受到超越現實、極具感官衝擊力的視覺想像！

近期在瑞典赫爾辛堡街頭出現一幅以房屋建築牆面為畫布的巨大3D壁畫，畫中有四個茶杯相疊，表面看起來並無碎裂，但在視線中所存在的立體感，卻讓這些茶杯有下一秒即要溢出傾倒的情境想像，吸引眾人目光。

這幅3D壁畫創作出自荷蘭街頭藝術家Leon Keer，他以擅長的3D街頭藝術替世界各地的街道牆面畫上別具意涵的藝術圖像，原本平坦的建築物表面，經由Leon Keer的創作詮釋，皆呈現躍然紙上的生動模樣。

談及這幅「破碎茶杯（Shattering）」創作理念，Leon Keer將每個人習以為常的日常生活比喻在空中搖搖欲墜的景況，「生活可能隨時翻轉，可能失去親愛的家人、或是你的家。所以我也在這些茶杯上畫了各種象徵世界末日的場景。」很多時候我們認為主導自己的命運，卻無法全然掌控、預知意外的發生。而這些的禍起源頭，絕大部分來自我們對全球議題的輕忽。

在Leon Keer彩繪的四個顏色各異的茶杯杯身中，分別代表了全球未來可能遭遇的環境災難：看著冰川融化的景象，人類卻以觀光樣態拖著行李箱選擇逃離、大地生物無助臥躺在乾枯毫無生氣的棲息地、遠洋貨輪因漏油嚴重逐漸沉沒於海中、當人類在沙灘享受日光浴的同時，看似美麗的海岸，隨處卻充斥廢棄油桶。為了貼近當地居民的生活，Leon Keer將茶杯的質地呈現仿照瑞典知名陶瓷品牌Rörstrand，用來增進當地居民對於作品理念的理解。

此次Leon Keer也與AR擴增實境設計師Joost Spek合作，開發專屬的Leon Keer App，打開App對著壁畫掃描，四個茶杯就像像被施了魔法，即刻在手機螢幕上動起來，下一秒呈現砸碎飛噴出去的超現實動態。首次開發AR技術，這對Leon Keer來說也是一個新的挑戰，因為這表示他的壁畫作品必須要與AR呈現出的3D動畫完美匹配。

Leon Keer藉由街頭3D壁畫傳遞他所關注的議題，其中當然也包含對周遭環境和現有資源的珍視。今年7月Leon Keer因塗鴉計畫受邀赴法國莫爾萊，他為當地留下一幅「禮物包裝（Safe House）」作品，運用簡單的膠帶和亮面包裝紙當作創作圖像，像是用壁畫把整棟建築物打包一樣，提醒著眾人，懷抱感激的心意，將提供遮蔽和庇護的建築房舍視作得來不易的上天禮物。

Leon Keer希望透過創作表達，多留意並認識自己身處的社會階級，因為貧富的差距懸殊，並不是每個人都能夠在有生之年，擁有遮風避雨的自置場所。藉由藝術表現來陳述全球將來面對的環境災難， 當我們對世界的認知產生了同理，就有可能化解因所得不均造成的衝突分歧。街頭藝術不僅著重於繪畫技巧本身，事實上也是思想層面的延伸。下回走在路上，看到充滿驚奇感的3D壁畫，別忘了除了將視覺焦點放在新感官體驗同時，畫中所隱含的奧祕，或許才是藝術家想和眾人傳達的重要訊息。

Leon Keer

IG | Youtube

Text / Daisy Yang

All Images by Leon Keer

Via / My Modern Met、Street Art News

史上規模最大的David Hockney登陸巴黎路易威登藝術基金會（Fondation Louis Vuitton），匯聚近70年藝術生涯、超過400件作品，從加州時期以泳池為題的一系列作品，到近年以iPhone與iPad創作的數位繪畫，展現David Hockney對於創作與創新的執著不懈。

史上最大規模的David Hockney特展

這場展覽由David Hockney親自參與策劃展覽敘事與空間配置，並與他的伴侶兼工作夥伴Jean-Pierre Gonçalves de Lima共同構思。展覽除了聚焦其過去25年的創作，也同時回顧David Hockney早期的代表性作品，帶領觀眾走進他多元且持續進化的藝術世界。他表示：「《David Hockney 25》是我有史以來規模最大的展覽，連我現在正在創作的畫作也會展出，我想這一定會非常精彩。」

持續帶來創新與驚喜的藝術旅程

自1960年代初嶄露頭角以來，David Hockney一直是英國當代藝術的重要代表。活躍藝壇至今超過六十年，他的創作生涯豐富且多產，無論媒材或技法皆持續創新，從未停下腳步。

David Hockney著迷於各種風格的藝術語言，並從自身的觀察、記憶與想像中汲取靈感。《David Hockney 25》首先以1950至1970年代的重要創作揭開序幕，像是1960年代David Hockney移居美國洛杉磯，以當地明媚的陽光、泳池與自由氛圍創作出的《更大的水花》與《藝術家的肖像（泳池與兩個人像）》等作品，以及《我父親的肖像》、雙人肖像系列如《克拉克夫婦與貓》等。

1980至1990年代，David Hockney轉而描繪自然景觀，並持續挖掘風景畫的可能性。本展將呈現該時期代表作如《更大的大峽谷》等。

展覽的重點部分，則聚焦David Hockney近25年回到英國，於約克郡、諾曼第與倫敦的創作。在這段時期，他以色彩明亮、視角大膽的自然主題畫作為主，像是描繪春日山楂叢盛開的《五月的白花灌木》，以及巨幅冬景《沃特附近較大的樹》等，都展現了他對季節與光線變化的敏銳觀察。

這些畫作後來也成為David Hockney數位創作的基礎。新冠疫情期間，他以iPhone與iPad捕捉春日與重生意象的景色，透過科技筆觸描繪生活的希望，持續為人們帶來充滿驚喜的作品如《220 for 2020》系列。同時，他也持續以iPad和壓克力媒材為親友繪製肖像，並以傳統畫框裝裱數位畫作，產生時空交錯的視覺效果。

來到展覽的尾聲，則將揭曉David Hockney自2023年7月搬至倫敦後的最新作品，其創作過程深受孟克與布萊克等人啟發，畫中結合天文、歷史、地理等元素。除此之外，David Hockney更將在此帶來他最新的自畫像，為這場規模空前的回顧之旅收尾。

David Hockney 25

展覽日期｜2025.4.9 - 2025.8.31
展覽地點｜Fondation Louis Vuitton

台北藝廊TAO ART與巴黎瑪戈畫廊（Galerie Marguo）攜手合作，推出法裔美籍藝術家安娜・卡卡（Ana Karkar）在台灣的首度個展《Pipe Dream》。女體和女性意識，幾乎從未缺席卡卡的繪畫作品中，她們總以彷彿在「變形」中的姿態面世，情緒張力飽滿，洋溢持續蛻變、解放與創造的生命力，帶觀者墜入鴉片幻覺般的夢境，穿越現實與幻想的邊界。

狂想般的視覺語言，包裹對「自我」的見解

東西方神話、實驗電影、克林姆等維也納分離派畫家……滋養著卡卡的創作養分，引領她發展出近似「狂想」的視覺語言。她用極具流動性的筆觸描繪女體、勾勒女性意識，像是種反叛，挑戰人們對情色與親密的既定想像；也是份宣言——自我沒有固定的形式、沒有清晰的邊界，而是如花般層層綻放，在關係中不斷展開、變形與再生。

在卡卡的藝術宇宙裡，身體是承載慾望、私密記憶與心靈轉化的容器，神聖又脆弱，蘊含著人類存在的神秘想像。她透過畫作揭開一場深層的心靈召喚，引領觀者在幻象與現實之間，重新凝視身體與存在的關係，想像蛻變的可能。

《Pipe Dream》探索女性形態與意識的流動

此次個展《Pipe Dream》展出的最新作品，持續探索女性形態與意識的流動性。如〈Emergence〉畫中濃綠與青藍色調，喚起水與生命誕生的意象，與火的元素形成對比，象徵重生與轉化的力量。畫中的赤裸女體形象，神秘而無法被定義；她內心彷彿燃燒著渴望，只為蛻變成那最真實、最自由的自己。

另一邊，〈Scales〉畫中女人的臉龐被飄逸頭髮所環繞，形態如火焰、煙霧或盤旋的蛇，白與紫的色彩對比空靈而神秘，營造近乎神話般的場景。

藝術風格受維也納分離派、實驗電影啟發

卡卡的創作深受維也納分離派的影響，也受到地下電影與實驗電影的啟發。她筆下的裸體畫作中，糾纏扭曲的身體構成一場如死亡之舞般的景象，強烈筆觸令人聯想到埃貢·席勒（Egon Schiele）；激情而自由的氛圍、裝飾性與感官性兼具的視覺語彙，則呼應了克林姆（Gustav Klimt）的《吻》。畫中的敘事風格靈感來自多位導演，從寺山修司、布萊恩·狄帕瑪（Brian De Palma）到達利歐·阿基多（Dario Argento），以及眾多當代攝影師與她私人收藏的情慾圖像。

不論是技術上的探索還是角色的奔放張狂，都讓卡卡的繪畫像是一種「解放性的表達行動」，延續了舊金山迷幻藝術對維也納分離派的再詮釋。這樣鮮明的個人風格，根植於卡卡的生活背景，她出生並成長於舊金山，從舊金山藝術學院、巴黎索邦大學、巴黎國立高等美術學院畢業後，曾進入Louis Vuitton總部工作，於影像製作和數位媒體部門任職7年，現定居於巴黎。舊金山與巴黎的人文風貌、科班出身及工作經歷，皆深深影響她的創作。

在畫中創造「心裡空間」

瑪戈畫廊共同創辦人Vanessa Guo認為，「卡卡畫的不是單純的身體，而是一種不斷變化的狀態——她的每一幅畫都像是一場關於慾望、轉變，還有被看見時那種既興奮又不安的夢。她用一種流動的女性視角，創造了一個心理空間，在那裡，身體不再是固定的，而是不斷變化、彼此交織，充滿了慾望、神話和記憶的張力。」

Ana Karkar台灣首展《Pipe Dream》

展期｜2025.05.07－07.12

開放時間｜週二至週六 11:00－19:00

地點｜TAO ART（台北市內湖區洲子街79-1號8樓）