住進建築後，是人的生活方式影響了建築，還是建築的形式控制了人？當建築趨向均質化與口號式的設計，能不能回歸更純粹的結構，激發人們的好奇？我們邀來台灣新銳建築團隊境衍設計、究境建築，透過建築的形體，嘗試回應對現代社會與環境的追問。台灣建築界在2010年後更活潑了。2012年開辦的ADA新銳建築獎，讓45歲以下的建築師嶄露頭角；搭上跨界、斜槓的趨勢，2014年起北美館舉辦「X-site地景裝置計畫」，就讓建築與藝術交融，展現更具實驗性的表現方式。現今35∼45歲的台灣新銳建築師，褪去傳統與本土的框架，在結構、材料、手法上更大膽多元。

境衍設計｜處理內與外的觀看方式

成立於2012年的境衍設計，共同創辦人林柏陽、黃聖軒、何岳璟，先後分別在逢甲大學建築系、交通大學建築所認識。林柏陽說，相對於自己一路從高職、大學、研究所都是建築本科，黃聖軒大學念數學、何岳璟則有工程底子，因應台灣建築師得從最前端設計，管到最末端施工、機電、消防等細節的職責，整合不同專業的能力，對建築團隊來說就相當重要。

他們的第一件作品「山邑家」，就入圍ADA新銳建築獎，之後又以「進之宅」再獲ADA入圍和TRAA台灣住宅建築獎首獎。林柏陽認為，建築作為人為的產物，其實最好不存在於世界，但回到現實，建築不可能不存在，「它必然要存在的話，你怎麼處理這件事？」他們想到的方法，就是透過「從內往外」和「從外往內」的兩種觀看方式，去營造一種場景氛圍，那個氛圍固然包含建築本身的形體，更融合內部人的生活作息、外部陽光風雨等自然元素。

林柏陽以2018年的台中花博遊客中心為例，目標是讓民眾忘記遊客中心的存在，進而把視線放在周圍的森林和綠地。他們設計了一個巨大圓環，材料使用中空PC板，「在某一些光線下它是白色，夕陽時又會有橘橘的黃光。」因此建築本身沒有所謂顏色，造就周圍自然的綠色成為最鮮明的視覺。同理也印證在「山邑家」和「進之宅」上，前者融合小琉球常見的風口和樓梯，串聯出半戶外空間，模糊動線、停駐場域的界線；後者將一棵大樹置於室內正中央，試圖把人為紛擾降到最低。

也因為如此，他們在做設計時很需要畫面，預想人們在還未落成的建築裡使用或生活的樣貌，最後透過建築讓這件事情發生。近期完工的新竹三民附幼，因為發現孩子都喜歡在角落玩耍，布置自己的小天地，他們便透過圓弧建狀與曲面牆壁，創造不同角落的氛圍，「空間結構不是垂直正交，並非一般常見的90度直角就知道要轉彎，孩子在裡面就需要探索方向性。」

黃聖軒說，他們的作品不一定能讓大眾一眼就看出共同特色，但如果實際進入建築，會感受到一致的氛圍和氣質。「建築比較有趣的是，到底是裡面的人影響了建築的發展？還是建築控制了人所有的行動？」林柏陽說，他們至今仍在思考這兩者之間的關係和平衡，並非要找到一種最適合的方式，而是希望能在每個作品將這層關係討論進去。

究境建築｜回歸幾何引起觀者思考

今年獲得ADA新銳建築獎特別獎的究境建築，由沈弘軒、吳承軒和魏子鈞於2013年成立，結識於成功大學建築系的3人，吳承軒和魏子鈞師承劉國滄、沈弘軒跟著王明蘅學習，而王明蘅也是劉國滄的老師，形成連貫的師徒脈絡。他們先後在英國倫敦大學巴特雷建築學院（Bartlett, UCL）及荷蘭Berlage Institute攻讀研究所。吳承軒說，歐洲留學經驗帶來啟蒙主義後的文化深度，讓他們更關注作品的思考和精神性。

「每個案子有獨特性，也有我們想表達的一致性。」沈弘軒說，現今建築界有很多口號式或堆疊式的設計，他們希望回歸更理性、理論式的討論，因此想從最基本的幾何狀態開始。意圖說來抽象，他提起他們很欣賞的日本建築師筱原一男，代表作「白之家」用白色天花板遮蔽上方木頭構造，只見一根柱子聳立室內，「你開始思考，這根柱子是結構嗎？它到底有沒有作用？」超乎平常經驗的空間，就能誘發人們對建築的思辨和對話。

他們的第一個案子「黎明國小幼兒園」，就大膽將外觀設計成三角形，「傳統校舍容易做成L型，那是最好整理空間的教室平面，但三角形在這個環境下，可以使外部空間的個性變得很鮮明。」沈弘軒說，在設計階段嘗試過各種形狀，最後決定三角形，是為了與環境對話而產生的獨特性結果。三角形可以看成L的變形，在室內規畫仍落在L型的範疇，所以不影響使用上的便利性。而在二樓的半戶外空間，上方有圓形玻璃，光線照下後會有圓形光圈，與地上的三角形結構相映成趣，讓光線成為建築與自然對話的媒介。

這次ADA的獲獎作品「立仁國小體育休閒站」，外觀有一根紅色T字斜柱，它固然有力學支撐的功能，但也隱藏了另兩層意象。第一是場域的連結性，用紅色與操場跑道、籃球場地板的顏色形成一體；另一則是對過去場所的暗示，體育休閒站原本是禮堂，T字斜柱極為顯眼又和一般學校的印象違和，「你一定會開始思考，這個建築是什麼東西？如果你是學校的校友，會立刻回想起來，欸這邊原來是禮堂啊。」沈弘軒說，這棟建築需要結合室內外經驗才能完整感受，一開始就希望室內外有各自的特性，如室內臨校外的水平窗帶，與街景、行人的關係是親近而輕鬆的；另一側有一大排落地窗，唯獨T字斜柱那邊是牆壁，在室內的人會困惑為何窗戶到這裡就停止了，於是繞出才會看到室外的紅色斜柱，並且與球場的場所連結起來，因此室內與室外是分離又連結的經驗。

「我們認為建築物應能夠引起好奇心，幼童對空間的想像力非常豐富且沒有定見，所以校園建築會是一個我們持續努力的方向。」魏子鈞說，台灣在921大地震後的20年間，部分學校建築已形成某種包袱或框架，例如活潑意象、造型大樓梯、斜坡、溜滑梯等，他們希望能重新討論學校的空間，以及建築能夠帶給小孩什麼樣的渲染力。

在台灣長出自身的建築個性

談起台灣新銳建築師的發展，林柏陽說，初期接到最多的是室內設計案，因為市場需求多，建築案則要透過公共工程競圖，而大量的競圖機會，也是台灣年輕建築師的發展優勢。他觀察，日本已經沒有太多公共工程可以讓年輕建築師比圖，一來開發完成，二來若真有需求多半會直接找上大師。沈弘軒則提到，公共建築評分表有一塊是「業績」，年輕建築師因為是白紙，他們會挑選自己適合的級距和類型，例如台灣幼兒園約3∼5班，對新手來講規模適中，就是一個好的切入點。

「15或20年前，幾乎沒有所謂新銳建築師，建築師都是大師。」黃聖軒說，TRAA、ADA或X-site等約近10年出現的建築獎項，為年輕建築師開了一扇窗，更願意朝實驗性或跨領域的方式挑戰。「有些獎項不一定是評建築有多成熟，而是讓比較創新的想法在建築業界達到交流。我們也不是要去證明自己到哪個level才去參賽，而是用自己在做的事情，去跟這個環境產生一些對話跟交流。」

根基於土地的建築，本質就是對社會價值與環境的回應，沈弘軒說，日本營造體系嚴謹精密，建築師因此擁有高度創作自由；但越南的武仲義、中國的王澍，也在自然材料與時代的縫隙中找到利基，創造出驚人作品。他認為台灣正處中間地帶，沒有日本的營造水平，也沒有便宜的人力，「面對不同的環境，建築師得長出不一樣的個性，並用空間的方式呈現出來。」台灣主體性也好，新銳建築師的趨勢也好，這些都不是最主要的問題，而是先確立自身邏輯，再放眼到現下環境，建築作品自會說話。

境衍設計

由林柏陽、黃聖軒、何岳璟於2012年共同創立，領域橫跨空間運用整合顧問及建築、室內規畫設計等。2014年，以事務所首件作品「山邑家」入圍ADA新銳建築獎。2018年，以「進之宅」獲得TRAA第6屆台灣住宅建築獎首獎、入圍ADA新銳建築獎。其他作品有台中2018世界花博展覽會遊客中心、新竹市三民國小幼兒園校舍、交通大學創業育成中心等。

究境建築

由沈弘軒、吳承軒和魏子鈞於2013年共同創立，3人先後從英國倫敦大學及荷蘭 Berlage Institute 留學工作返台。事務所整合建築、設計、都市研究，提供當代建築與都市議題相關之專業服務，期望透過單一想法的系統性研究與思考，追尋建築的本質。2020年，以「立仁國小體育休閒站」獲ADA新銳建築獎特別獎。其他作品有黎明國小幼兒園、東園國小幼兒園等。

文｜張以潔 

圖片提供｜境衍設計、究境建築

本文選自La Vie雜誌2020/12月號《惜物的工藝》

完整內容與更多建築新知皆在La Vie雜誌2020/12月號《惜物的工藝》

普立茲克建築獎主辦單位宣布，來自智利聖地牙哥的Smiljan Radić Clarke（斯米爾揚・拉迪奇・克拉克），成為2026年度普立茲克建築獎得主。

Smiljan Radić Clarke出生於聖地牙哥的一個移民家庭，祖父母來自克羅埃西亞的布拉奇島（Brač），外祖父母則來自英國。這樣的背景使他在成長過程中對「歸屬感」有更深刻的體悟，也促使他了解到，生活原本就是拼貼組裝而成，而非單純承襲。他曾表示：「有時候，你必須創造自己的根脈，這樣才能獲得真正的自由。」

Radić曾就讀於智利天主教大學建築系，卻在1989年畢業前的期末考中未能一次通過。這次挫折對他影響深遠，促使他前往威尼斯建築大學研習歷史，並展開旅行。他認為，那段時光是求學過程中最重要的一課。他超脫了建築學的既定框架，將哲學、藝術，以及神話與文學典故的隱喻，融入了自己的設計語彙與形式之中。他說，「思想存在於事物之中。我一直在試圖建構一種環境，啟發他人產生新的思考。」

大學時期，Radić結識雕塑家Marcela Correa（瑪塞拉・科雷亞），她後來是他的客戶，最終成為他的妻子。1995年，他於智利聖地牙哥創立了同名建築事務所Smiljan Radić Clarke，並刻意維持小規模、緊密合作的特點。兩人攜手設計了事務所第一件住宅作品「Casa Chica（小房子）」（Vilches, Chile, 1997），並親手在安地斯山脈建造這座僅24平方公尺的建築。儘管兩人僅偶爾合作，但他們在日常生活中持續進行著跨越時光的思想對話。

隨著時間推移，他的創作興趣延伸至各種不同尺度與類型：從市政與文化機構，到商業建築、私人住宅與臨時性建築。他也與Marcela Correa合作，為第12屆威尼斯國際建築雙年展打造觀眾入口裝置《The Boy Hidden in a Fish（藏在魚腹裡的男孩）》（Venice, Italy, 2010）。這件以花崗岩與雪松木製成的裝置作品，將人物形象置於群體之中，體現了對身體感知與情感表達的關注。

2014年，他受邀設計第14屆蛇形藝廊展亭（London, United Kingdom, 2014）。這是一個置於巨石之上的半透明玻璃纖維殼狀結構，形成了一個既非完全封閉，也非全然透明的臨時庇護所。

2017年，Radić於聖地牙哥家中的工作室創立了「Fundación de Arquitectura Frágil（脆弱建築基金會）」，支持挑戰學科邊界的實驗性建築。透過展覽、工作坊與合作研究計畫，該基金會體現了他將建築視為一種集體且持續演進的實踐之理念。

Radić說道：「建築既可以擁有宏大、厚重且永恆的形式，在陽光下屹立數百年，靜候我們前來造訪；也可以是較小、脆弱的構造，如蜉蝣般朝生暮死，甚至依照傳統觀點而言並沒有明確的歸宿。在如此懸殊的時間跨度之間，我們努力創造各種能夠承載情感的居住體驗，鼓勵人們駐足於此，重新審視這個經常冷漠地與他們擦身而過的世界。」

2026年度評審團在評語中寫道：「Smiljan Radić Clarke的作品處在打破慣例、材料探索與文化記憶的交會點上。他更傾向相信建築的脆弱性，而非毫無根據地主張建築的確定性。他的一些建築看起來像臨時的、缺乏穩定性，甚至刻意保留一種未完成的狀態，幾乎處於消失的臨界點上。然而它們卻提供了一處井井有條、樂觀且寧靜的庇護所，並將脆弱性視為生活體驗的本質。」

評審團主席、2016年普立茲克建築獎得主Alejandro Aravena表示：「在每一件作品中，他都能以極具獨創性的方式給出答案，使原本模糊的事物變得顯而易見。他回到建築最根本、無法再簡化的基礎，同時探索尚未觸達的極限。他在世界邊緣的嚴峻環境中成長，透過僅有數名合作者的建築師事務所，即可帶領我們深入探究建築環境與人類處境的最深邃之處。」

帶看Smiljan Radić Clarke 5件作品

Santiago,Chile｜Guatero（水袋） ，2023

「Guatero」是為第22屆智利建築雙年展創作的發光充氣裝置。它並非以實體建築形式呈現，而是營造出一個暫時性的氣態環境空間。柔軟而輪廓清晰的外形，會隨著氣壓變化而微微起伏，巧妙地將材料本身的脆弱轉化為深刻的空間體驗。

半透明的表皮能漫射光線並放大聲音的傳播，在龐大的量體之中仍營造出親密的內部氛圍。光影、聲音與人的動線，時刻重塑著內部的空間狀態。「Guatero」既富有趣味，又帶著質樸自然的氣質，如同一個臨時卻充滿生活氣息的巨大容器，令人著迷。

Concepción,Chile｜Teatro Regional del Biobío（比奧比奧劇院），2018

比奧比奧劇院坐落於河畔，以嚴謹的量體與外殼構築出精妙的建築語言。其外牆採用精心設計的半透明聚碳酸酯板，透過鋼構框架層層鋪設，不僅能調節光線，也提升了聲學表現。

建築立面既不完全遮蔽，也不完全顯露——白天，它過濾自然光以減少室內眩光；夜晚則透出柔和的光暈。整體建築由一系列比例精妙的模組構成，包括表演廳與排練室等空間。Radić藉此證明，公共建築無須依賴紀念碑式的設計也能展現存在感，不必過度雕琢亦能結構嚴謹，更無需張揚便能散發光采。

Santiago,Chile｜NAVE, Performing Arts Center（NAVE表演藝術中心），2015

NAVE計畫將一棟受損的20世紀初住宅，重新構想為當代表演藝術的場域。Radić並未抹去既有結構，而是保留原本的民宅外殼，並在內部置入新的功能量體，形塑出層次豐富的室內空間。在這裡，排練室、工作坊與開放式表演空間，與老屋所承載的場域記憶並存。

這次的介入既非單純修復與替換，而是一種對空間尺度與使用方式的精準重構。原本厚重的牆體與封閉的房間被打破，取而代之的是能承載身體活動、聲音與集會的流動空間。建築頂部覆以馬戲帳篷的屋頂露台，帶來出乎意料的輕盈感與即興慶典般的氛圍。此處也定期舉辦社區活動，與下方沉穩而親密的空間形成鮮明對比。

London,United Kingdom｜Serpentine Gallery Pavilion（蛇形藝廊展亭），2014

蛇形藝廊展亭呈現出一種彷彿懸浮的姿態。半透明的玻璃纖維外殼宛如漂浮在肯辛頓花園的草地之上，不可思議地安放在由在地巨石構成的環形基座上。展亭既帶著古老的氣息，又像是臨時搭建而成；既被石塊的重量錨定，又因穿透表皮的日光變化而充滿生命力。雖然是一座臨時裝置，展亭卻提出了一種對建築最原使的解讀，使重量、表皮與地面之間形成精妙的平衡。

Millahue, Chile｜Vik Millahue Winery（米拉胡維克酒莊），2013 

建築順著起伏的地形橫向延伸，而非拔地而起，與山谷的尺度自然融合。室內空間中，釀造、儲藏與品飲的功能依序展開。混凝土擋土牆與加厚的結構底板穩固地基，而柔和的光線與穩定的溫度，則為發酵與儲藏提供理想環境。

公共空間自被陰影覆蓋的室內逐漸向外延伸，最終抵達可俯瞰耕作田野的架高露台。Radić透過精巧的結構與建築朝向的設計，悄然介入自然，從而為廣袤的荒野帶來一種穩定感。

_{資料提供｜普立茲克建築獎、文字整理｜Adela Cheng}

2013年展開，2025年完工，臺中綠美圖的誕生跨越了12年。這座由日本代表性建築事務所SANAA設計的文化場館，不僅是他們在台灣的首件作品，也成為其至今規模最大的文化設施計畫。妹島和世與西澤立衛與La Vie一同回望這段漫長的設計旅程。

➣本文選自La Vie 2026／1月號《一場朝聖的旅行》，更多精彩內容請點此

輕盈、透明，甚至近乎消隱——長年以來，人們對SANAA的建築想像，是那往往帶著一種安靜而不張揚的存在感。臺中綠美圖由8個彼此連接、尺度各異、面向不同方向的方形量體組成，方盒中引入弧線元素與參差錯落的動線，初入彷彿在森林中彎繞迷蹤，充滿探索樂趣。

「建築與環境」——創造一種與環境自然共存的建築，是他們20多年來的核心思考。在2025年11月同名講座上，談到對台灣的印象，妹島和世回憶：「我第一次來台灣，應該是好幾十年前。當時幾乎每棟建築的屋頂上，都有鐵皮屋加蓋。雖然如今已少了許多，但今天搭車時，仍能看見不少人將這些半戶外空間納入日常使用。那時我在伊東豊雄事務所工作，我們經常討論『人們會選擇在什麼樣的地方生活』，這種生活場景給了我很大刺激，讓我感受到一種獨特的生活能量。」西澤立衛則觀察到，無論是植被的綠意、陽光或是人，都展現南國強烈的生命力，適合使用半戶外空間的時間更是比日本長得多。

妹島和世分享：「一開始，我們從『如何讓建築盡可能融入環境』的想法出發，努力去思考與實踐。但在此之後，我們也開始思考：在融入環境的同時，能不能再加上屬於我們這時代的一些新元素，讓它能夠連接到未來，形成一種延續？」

融入環境之中的綠美圖

所謂的「環境」，一方面是指周遭既有的自然與城市條件。在計畫之初，他們便決定令場館向公園敞開。台灣的日照比日本更為強烈，綠美圖共同設計者劉培森建築師赴日開會時，也曾向他們強調：台中非常炎熱，遮蔭空間非常重要。隔熱機能勢必要被重視；同時，他們發現周圍植被相當優美，希望能令建築與綠意共構成一道風景。最終，綠美圖被輕羅上大面銀色的鋁擴張網。他們解釋：「擴張網在台灣的綠建築中非常實用，一方面能保持視覺的通透感，同時也具備遮陽的效果。透過擴張網，建築量體原本較為剛硬的邊緣被模糊，在環境中顯得更加柔軟、輕盈。」鋁材柔和地反射光線，半透明地將各個量體包覆起來，人們從室內向外看，只見多重疊影，外部的綠意隱隱透現，形成多層次的視覺景深，設計理念與隔熱機能需求在此取得平衡。

在臨時建築的作品中，往往能看見建築家最具實驗性的一面。SANAA於2009年設計的「蛇形藝廊戶外展亭」（Serpentine Gallery Pavilion）幾乎沒有外牆；瀨戶內海犬島「家Project」中的F邸（2010）不像傳統藝術白盒子遮蔽換展過程，彷彿這就是島上日常；到了近期2025大阪世界博覽會主題展館「Better Co-Being」，沒有了實質外牆與穹頂，建築內外邊界更加曖昧。談及這點，兩人說明：「一般來說建築會有牆與屋頂，但世博會中，我們嘗試打造一個更能與天空、綠意融為一體的空間。」這讓人在藝術、建築與外界環境共在的場域中，體驗到一切彼此交織的關係。他們強調：「建築如何與周圍環境建立關係非常重要。」西澤立衛也補充，在亞洲多數地區，相較於將人們置於封閉房間中，開窗、良好通風並讓陽光照進的開放空間往往更舒適。「與真正的自然相連並達到調和，是形塑舒適空間的基本條件之一。」

讓建築成為行走的一部分

在既有的環境之外，人們在此停留、聚合，過程中也逐漸浮現出一種「人為的自然」。兩人表示，綠美圖的量體相當巨大，又座落於公園之中，如何不干擾原有動線與日常活動是一大課題。「我們希望建築能與周遭環境維持良好的關係，因此在最初的構想中，就決定將整個量體抬高，民眾仍可輕易地從內穿越到公園，或是從城市街區端走向公園時，不會感到被地形或建築阻斷。」對他們而言，建築不只是被放進地景之中，更要融為人的行走與地景的一部分。

這樣的思考，也反覆出現在他們過往的作品之中：貼地延伸的美國Grace Farms文化中心「River Building」（2015），地面如綿延波浪般的瑞士勞力士學習中心（2010），還有日本香川縣立體育館（2025）低沿瀨戶內海岸線的地景輪廓展開。又如澳洲雪梨新南威爾斯美術館擴建案「Sydney Modern Project」（2022），在保留既有樹木、基地受限下，沿著坡原有建物銜接層層新量體，人們仍能在建築與公園之間穿行。

他們的重要作品金澤21世紀美術館（2004）位於城區中心，圓盤狀的建築以美術館為核心，各個彼此獨立的展示室在高度與形狀上 各不相同。建築外圈設置多個入口，讓來自四面八方的民眾都能從「正面」進入，並配置小型圖書館、兒童創作空間與劇場等設施，形成對城市敞開的公共區域。通透的玻璃立面與周邊綠地，使這裡成為市民日常停留、活動的城市客廳。延續這樣的思考，綠美圖也未設置單一主要入口，而是向四方敞開，成為可被穿越的建築。

西澤立衛指出，當建築出現、空間被賦予形態，人們便有了機會在其中相遇、連結。綠美圖最特別的需求之一，是將美術館與圖書館整合於同一棟建築之中，SANAA嘗試令兩個單位各自獨立，又能彼此滲透、串接。「我們喜歡重新組合建築原本的功能，這樣往往能激發出新的空間想像。」他們設計多個介於兩館之間的融合空間，例如共用大入口、位於屋頂的文化之森，以及地下2樓、緊鄰典藏庫房的教育空間play space。這些空間雖然分屬不同單位管理，卻在動線與配置上保留彈性，使用者能依照自己的節奏探索、穿行。妹島和世進一步指出，空間往往是在人的移動之中被感知與理解的；選擇路徑不同，空間經驗也會隨之改變。

「我們希望人們來到綠美圖的經驗不是預先被設定好的，而是在行走與停留之間，不斷被空間本身所激發。」

當美術館＋圖書館成為城市公園

在《Building Culture》訪談集中，妹島和世談到金澤21世紀美術館時曾表達：「博物館建築應該像一座城市。」「建築與環境」講座中，她也回憶起剛啟用時，有人開玩笑地說，「好像突然有一艘UFO降落在城市慶祝一樣。」當時他們也曾思考，建築是否需要更具體地與城市黏合在一起？不過，10年後，城中的藝廊經營者提出了一個有趣的觀點：可以將自己的藝廊想像成「從這座美術館飛出去的一間展覽室。」妹島和世笑說，反而是市民主動發現並提出了新的連結方式——整座城市也能被視為一座美術館。他們補充，「在金澤時，我們所提出的概念，是一座與城市連續、幾乎可被視為城市本身一部分的美術館。臺中綠美圖同樣被期待成為一個能夠與日常生活緊密相連的城市場所，由於基地位於城市公園之中，我們進一步創造出與公園融為一體，並向上、向外立體延展的空間。」於是，綠美圖不再只是「建在公園裡的建築」，他們開始想像「讓建築本身成為公園」。

演講末尾，一位觀眾提到SANAA一貫被形容為「輕盈」的建築語彙，妹島和世則回應：「與其說是『輕盈』，不如說我一直在思考的是：當一個作品完成之後，未來會被不同的人使用，而我希望它能容許每個人，用自己的方式去延續使用。只要想到這點，我感覺既開心又踏實。」我們也進一步詢問他們對未來的期待，他們維持一貫的開放態度：「在每個計畫中，都會出現新的基地條件與使用機能，對我們而言，都是全新的挑戰。」

SANAA

由日本建築師妹島和世與西澤立衛於1995年共同 創立，事務所名稱取自兩人姓氏首字母。SANAA 以輕盈、透明、弱化建築量體存在感的空間語彙 聞名。2010年，妹島和世與西澤立衛共同獲頒普 立茲克建築獎。代表作品包括金澤21世紀美術館 (2004)、紐約新美術館(2007)、羅浮宮朗斯 分館(2012)、瑞士勞力士學習中心(2010)、 澳洲雪梨新南威爾斯美術館擴建(2022)與甫開 幕的臺中綠美圖(2025)等。

_{文｜吳哲夫　攝影｜蔡耀徵、Iwan Baan、Lily Chen、YHLAA李易暹　圖片提供｜臺中綠美圖、SANAA}

更多精彩內容，請見2026／1月號雜誌《一場朝聖的旅行》！