藝術，是人類共通的精神語言，不分國籍、性別、年齡，每個人都可以透過自身觀點解讀藝術家創作的軌跡，日本藝術家大西康明（Yasuaki Onishi）的作品尤其如此，他經常使用日常中看似不起眼的物品，如：透明薄膜、膠水、線等材料來完成大型藝術裝置，以此表達「虛無」的概念，其知名創作包含《Reverse of Volume RG》、《Distance Between Presence and Absence》、《時間の溝》等等，亦曾參與過「2020臺灣光影藝術節」和「2019桃園地景藝術節」，極簡風格讓觀者得以靜心沉浸在藝術品的空間之中，感知其中的平靜與禪意。

大西康明因擅於利用日常用品創作大型藝術裝置聞名

來自日本大阪的藝術家大西康明（Yasuaki Onishi）因其擅於在可視化裝置中使用不起眼的透明材料妝點而聞名，並曾於日本、美國及歐洲等地舉辦個人作品展，在空間藝術雕塑領域潛心鑽研了15年。大西康明的作品裡，擁有濃厚的「空靈」意象，沒有五彩斑斕的顏料和繁複華麗的裝飾，僅以塑膠薄膜、膠水、樹枝和線等物料來描繪雛形，偶爾輔以日常生活的物件，如：書本、花瓶、車子等，完成一件件極簡卻充滿無限想像空間的藝術創作。

大膽拋開雕塑既有創作思維

事實上，大學主修雕塑的大西康明也曾嘗試多種方法呈現作品，像是金屬雕塑、拍攝研磨金屬所產生的火花現象等等，經過一次次的摸索，大西康明在創作中找到跳脫雕塑既有的可能性，發掘那些每天頻繁出現在生活中的物件，也可以拿來當作雕塑的本體，拿掉石、木、陶瓷、金屬等「硬體」，保留雛形，使雕塑創作擁有更高的自由度，且更能夠充分表現出「虛無」的意象，大西康明也希望藉此帶領觀者用不同的角度看世界，反思人與物、人與空間、人與社會、甚至與世界的關係。

解析大西康明的「虛無」理念

然而，大西康明作品中的「虛無」究竟是什麼？這與老子在《道德經》的「空虛」概念不謀而合，舉例來說：土製成的器皿，因為有了器皿「中空」的部份，才有了器皿裝東西的作用，房屋因有了內部空下來的地方，才賦予人們居住的功能；相同的，大西康明的創作給了觀者空間，卻不把話說死，讓觀眾在「無」的部分發揮想像的作用，他曾在訪問中提到，透過自己在世界各地的展覽，發現每個觀眾對虛無的想像都非常不同，這也是為什麼大西康明的作品總能讓人恣意的沉浸其中。

大西康明知名作品亮點《RG》、《時間の溝》

大西康明的作品通常會依照展場空間量身訂做，根據場域大小、背景顏色、整體氛圍來做設計，因此，這些作品就像與天花板、牆面、地面融為一體般，自然而毫無違和感。其中一件2012年曾在美國休斯頓「萊斯畫廊」展出的知名創作《Reverse of Volume RG》  ，外觀是一座看似漂浮在空中的巨大山丘，運用半透明塑膠薄膜製造出猶如波浪般高低起伏的線條，黑色熱熔膠則一絲一絲的與天花板垂直緊密相連，徜徉在其中彷彿走進洞穴一般，讓人寧靜的感受空間帶來的迴響。

《時間の溝》是大西康明2020年在岐阜縣清流藝術節（In The Cube 2020）展演的作品，只見一條又一條的膠水線從屋頂連接到地面，覆蓋著多件日常用品，例如：花瓶、碗盤、酒杯、書本等，乍看之下就像物件上堆滿了厚重的灰塵，將抽象的「時間」概念具象化，也引發觀者回想自己珍藏的東西以及關於那些物件的故事，凍結時間，沉浸在一段只屬於自己的片刻。

作品曾悄悄在台灣亮相過

值得一提的是，大西康明的作品其實也曾悄悄的在台灣亮相過，「2020臺灣國際光影藝術節」時，主辦單位便邀請國內外知名藝術創作者帶來以「光之書寫」為題的創作，大西康明不改其特色，大膽的使用塑膠片、紙張、風扇、螢光塗料和螢光燈，打造高達360公分不規則線條，而站在裡面每個人的感官都不同，像是被一團團毛線纏繞一般、像是天空下起綠色的雨，就看你怎麼發揮想像力解讀大西康明的作品。

除此之外，大西康明也曾參加「2019桃園地景藝術節」，不同以往大多運用半透明材質，這次以倒掛的樹狀結構與地面沙土來呈現作品張力，凝聚森林中樹木錯綜複雜的自然力，再利用倒掛展現反地心引力的現象，製造奇觀的視覺效果，再次翻轉觀者定義作品、定義這個世界的角度。

雖然近期因疫情關係，大西康明目前主要都在大阪地區進行創作與展演，不過根據國外報導，他正計劃運用先進技術和材料進行創作，開發更多突破性的手法，就讓我們拭目以待吧！

圖片來源｜designboom、Instagram @yasuakionishi

沐浴玻璃穹頂透進的日光當中，被壯麗的歷史壁畫環繞，眼觀水景、耳聽陶瓷撞擊的清脆聲響，自顧自墜入白日夢——這樣的夢幻體驗，現正於「巴黎證券交易所（Bourse de Commerce）」發生。法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot在這座私人美術館帶來大型裝置作品《clinamen》，將長期試驗的創作媒材「聲音」交織水景，邀觀者慢下腳步細細聆聽並感受場域，投入一場冥想。

壯麗穹頂下的藝術實驗場

自18世紀以來，巴黎證券交易所建築曾作為穀物貿易、期貨交易的據點，現則是「皮諾私人美術館（Pinault Collection）」的所在地。2017年，建築迎來由貿易場所轉生為藝文場館的大規模改造，日本建築大師安藤忠雄將其標誌性的清水模，與建築本身的富麗巴洛克式風格結合，揉古典和現代美學於一地。而館內的穹頂大廳，自開幕以來即是藝術家的實驗場，過去韓國藝術家金守子（Kim Soo-ja）曾在地面鋪上巨型鏡面，邀訪客漫步鏡上，以嶄新視角觀看建築。

水鏡映照天空，瓷碗碰撞成流動樂章

這次在皮諾私人美術館總監Emma Lavigne親自策劃下，法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot帶來沈浸式裝置《clinamen》，這件作品延續他慣常的創作語彙，遊走在聲響、雕塑及表演的交界。在大廳正中央，藝術家設置了一座直徑達18公尺的巨大水池，藉這面「水鏡」映照穹頂外的巴黎藍天。水面上散落大大小小的瓷碗，它們隨水波緩緩漂移，當偶遇相撞時，便會發生清脆聲響，此起彼落的碰撞聲譜出流動樂章。

聲音自有生命

對Céleste Boursier-Mougenot來說，聲音是一種「有生命的材料」。音樂創作者將聲響「編排」成音樂，可他卻長期試驗將聲響「脫離人為控制」，讓其跳脫傳統音樂的框架，轉化為一套能自我調節、具有生命的有機系統，不需人為干預，自隨時間不斷變化。而巴黎證券交易所版本的《clinamen》，可說是這場藝術實驗的集大成之作。

至今規模最大的《clinamen》

過去《clinamen》曾於墨爾本維多利亞國立美術館（National Gallery of Victoria）、龐畢度中心梅斯分館（Centre Pompidou-Metz）展出，來到巴黎後，作品以空前的巨大規模呈現，其水池面積達到過去最大尺度的兩倍。龐大尺度並非盲目的追求，而是藝術家對巴黎證券交易所建築的回應。Céleste Boursier-Mougenot表示，每一座展場都像一個「模具」，他將自身裝置技術與美學灌注其中，孵化出每個場域專屬的限地版本。

慢下腳步，感受「不確定」的詩意

《clinamen》一名源自伊比鳩魯學派（Epicureanism）的哲學思想，其主張原子會產生隨機、不可預測的偏移運動。Céleste Boursier-Mougenot認為《clinamen》的運作邏輯巧妙對應此學說，它不僅關注水、瓷碗及聲響本身的「運動」，也探索著事件發生、物件排列（即水波推動瓷碗導致碰撞出聲）的千萬種可能。在無數可能中，觀眾無法預測將遇見哪一種，也難以預想瓷碗碰撞的音色，這種「不確定」成就的詩意正是體驗的核心。

也正因《clinamen》難以預測，觀眾僅能駐足、等待那份僅存於當下的體驗。在資訊爆炸、節奏極快的世界，Céleste Boursier-Mougenot邀人們慢下來，在靜止與流動、沈默與聲響、秩序與混沌，及水色和天光交織之間，暫時成為作品的一部分，悉心傾聽、墜入一回冥想或一場白日夢，暫離喧鬧世界。

資料來源｜Bourse de Commerce

臺北表演藝術中心串連藍盒子、大劇院的「超級大劇場」首度開放！首場演出迎來波蘭導演盧卡斯・塔沃柯夫斯基（Łukasz Twarkowski）作品《共和國》（Respublika），結合劇場、派對、社群實驗與空間遊牧，透過一場長達6小時的狂歡派對，質疑週休二日、朝九晚五等當代社會視為理所當然的生活模式，並邀觀眾打破場體制設限，沈浸體驗銳舞（Rave）文化，從中思索參與、工作、自由的可能。

真正的自由，存在狂歡的當下

《共和國》是一場橫跨建築、電子音樂、共食活動與自由行動的沉浸式社群實驗。作品場域內設有移動房屋、大廚房、桑拿房、太空艙樣貌的空間及大小舞台，邀觀眾穿梭其中自由參與、探索，不再只是觀眾席上的旁觀者。塔沃柯夫斯基表示：「我感到真正的自由，是在狂歡的當下。」這句話不僅是本作的精神核心，也傳達他對劇場形式與社群力量的重構與實驗。

復刻18世紀末短暫存在的「烏托邦」

「我想做一個實驗：如果一群人忘記工作一整年的話，會發生什麼事？」塔沃柯夫斯基這道提問，開啟了《共和國》的創作概念。作品部份創作靈感來自歷史上真實存在的「保拉瓦共和國（The Pavlov Republic）」，其誕生於18世紀末，由波蘭神父與800名農民共同創建，他們曾短暫實現自治社群的理想，擁有自己的軍隊、貨幣、學校與劇院。

儘管保拉瓦共和國未能久留，但仍為塔沃柯夫斯基與他的創作團隊提供了對理想社會、工作制度與共處模式的豐富想像。在當代社會面臨民主崩解、資本制度失衡與氣候危機的背景下，《共和國》藉此這段歷史重新思考工作與生活的界線，質疑週休二日、朝九晚五是否仍為人類最佳的生存模式。

從森林到劇場，從社會實驗到藝術實踐

2019年，塔沃柯夫斯基與演員、作曲家、DJ、服裝設計師等來自各領域的15位藝術家，一同走入立陶宛森林，在房車與移動住宅共居、一同創作，模糊了生活、工作、排練的邊界，同時設計一套社會實驗的脈絡引導成員，如每日舉辦電子音樂派對，讓「銳舞」成為新的信仰，且在實驗的終點開啟最初的提問——工作與收入對當代社會的意義是什麼？當許多人害怕沒有生產力的同時，這個在森林裡成長的「共和國」成了一種宣告：「我應得的，我需要它，剩下的都不重要。」

將森林裡的社會實驗復刻為宏大的沉浸式展演，《共和國》由3個部份組成：一開始觀眾可以在空間中遊覽、觀看，迷失在街道之中；一小時過去，表演揭幕，整場演出將不斷拆除牆壁並播放現場的影像，觀眾像是置身電影片場，能同時看到螢幕和現場正發生的事，織就多層次敘事；當牆壁逐漸被拆除，第三部份便剩下純粹的狂歡，演員和DJ將以舞蹈、音樂邀觀眾一起投入派對。

不只是配樂，Techno是反抗與療癒的象徵

電子舞曲Techno在《共和國》的演出中不僅是配樂，更是召喚與療癒的媒介。Techno誕生於1980年代的美國底特律，是這座工業城市邊緣青年反抗現實的聲音。柏林圍牆倒塌後，地下Techno派對如雨後春筍般湧現在東柏林的廢墟中，象徵自由的重新誕生。

塔沃柯夫斯基深受這段歷史啟發，對他來說，電子音樂有「昇華人性」的作用，「如果我需要建立某種暫時自治區，那就必須是銳舞。」他希望觀眾跟著同樣的節奏跳舞，成為群體，分享喜悅。因此他在《共和國》中注入了Techno的節奏與冰冷詩意，讓整場演出像是一場帶有社會意識的儀式，也是一次個人心靈的逃逸旅程。

歡迎登陸僅存在6小時的微型國度

《共和國》沒有明確的舞台和敘事框架，塔沃柯夫斯基認為整場演出更像是營造某種「共享經驗」，藉由視覺、聲音與身體交織，建立一個去疆界、反制度的藝術空間。「對我來說，劇場算得上是最官能的藝術形式之一，包含它所使用的身體、汗水、震耳欲聾的音樂，一切合而為一。」在資訊爆炸、節奏極快的時代，《共和國》提供一個讓人暫離現實、重新與人群與自我建立連結的可能。這不只是一場演出，而是一個暫存的微型國度，一個以藝術為基底、以狂歡為語言的自由實驗場。

北藝中心超級大劇場首演《共和國》

演出時間｜2025.06.04－06.07

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