藝術界的哲學家！大西康明以日用品創作「空靈」

藝術，是人類共通的精神語言，不分國籍、性別、年齡，每個人都可以透過自身觀點解讀藝術家創作的軌跡，日本藝術家大西康明（Yasuaki Onishi）的作品尤其如此，他經常使用日常中看似不起眼的物品，如：透明薄膜、膠水、線等材料來完成大型藝術裝置，以此表達「虛無」的概念，其知名創作包含《Reverse of Volume RG》、《Distance Between Presence and Absence》、《時間の溝》等等，亦曾參與過「2020臺灣光影藝術節」和「2019桃園地景藝術節」，極簡風格讓觀者得以靜心沉浸在藝術品的空間之中，感知其中的平靜與禪意。

大西康明因擅於利用日常用品創作大型藝術裝置聞名

來自日本大阪的藝術家大西康明（Yasuaki Onishi）因其擅於在可視化裝置中使用不起眼的透明材料妝點而聞名，並曾於日本、美國及歐洲等地舉辦個人作品展，在空間藝術雕塑領域潛心鑽研了15年。大西康明的作品裡，擁有濃厚的「空靈」意象，沒有五彩斑斕的顏料和繁複華麗的裝飾，僅以塑膠薄膜、膠水、樹枝和線等物料來描繪雛形，偶爾輔以日常生活的物件，如：書本、花瓶、車子等，完成一件件極簡卻充滿無限想像空間的藝術創作。

大膽拋開雕塑既有創作思維

事實上，大學主修雕塑的大西康明也曾嘗試多種方法呈現作品，像是金屬雕塑、拍攝研磨金屬所產生的火花現象等等，經過一次次的摸索，大西康明在創作中找到跳脫雕塑既有的可能性，發掘那些每天頻繁出現在生活中的物件，也可以拿來當作雕塑的本體，拿掉石、木、陶瓷、金屬等「硬體」，保留雛形，使雕塑創作擁有更高的自由度，且更能夠充分表現出「虛無」的意象，大西康明也希望藉此帶領觀者用不同的角度看世界，反思人與物、人與空間、人與社會、甚至與世界的關係。

解析大西康明的「虛無」理念

然而，大西康明作品中的「虛無」究竟是什麼？這與老子在《道德經》的「空虛」概念不謀而合，舉例來說：土製成的器皿，因為有了器皿「中空」的部份，才有了器皿裝東西的作用，房屋因有了內部空下來的地方，才賦予人們居住的功能；相同的，大西康明的創作給了觀者空間，卻不把話說死，讓觀眾在「無」的部分發揮想像的作用，他曾在訪問中提到，透過自己在世界各地的展覽，發現每個觀眾對虛無的想像都非常不同，這也是為什麼大西康明的作品總能讓人恣意的沉浸其中。

大西康明知名作品亮點《RG》、《時間の溝》

大西康明的作品通常會依照展場空間量身訂做，根據場域大小、背景顏色、整體氛圍來做設計，因此，這些作品就像與天花板、牆面、地面融為一體般，自然而毫無違和感。其中一件2012年曾在美國休斯頓「萊斯畫廊」展出的知名創作《Reverse of Volume RG》  ，外觀是一座看似漂浮在空中的巨大山丘，運用半透明塑膠薄膜製造出猶如波浪般高低起伏的線條，黑色熱熔膠則一絲一絲的與天花板垂直緊密相連，徜徉在其中彷彿走進洞穴一般，讓人寧靜的感受空間帶來的迴響。

《時間の溝》是大西康明2020年在岐阜縣清流藝術節（In The Cube 2020）展演的作品，只見一條又一條的膠水線從屋頂連接到地面，覆蓋著多件日常用品，例如：花瓶、碗盤、酒杯、書本等，乍看之下就像物件上堆滿了厚重的灰塵，將抽象的「時間」概念具象化，也引發觀者回想自己珍藏的東西以及關於那些物件的故事，凍結時間，沉浸在一段只屬於自己的片刻。

作品曾悄悄在台灣亮相過

值得一提的是，大西康明的作品其實也曾悄悄的在台灣亮相過，「2020臺灣國際光影藝術節」時，主辦單位便邀請國內外知名藝術創作者帶來以「光之書寫」為題的創作，大西康明不改其特色，大膽的使用塑膠片、紙張、風扇、螢光塗料和螢光燈，打造高達360公分不規則線條，而站在裡面每個人的感官都不同，像是被一團團毛線纏繞一般、像是天空下起綠色的雨，就看你怎麼發揮想像力解讀大西康明的作品。

除此之外，大西康明也曾參加「2019桃園地景藝術節」，不同以往大多運用半透明材質，這次以倒掛的樹狀結構與地面沙土來呈現作品張力，凝聚森林中樹木錯綜複雜的自然力，再利用倒掛展現反地心引力的現象，製造奇觀的視覺效果，再次翻轉觀者定義作品、定義這個世界的角度。

雖然近期因疫情關係，大西康明目前主要都在大阪地區進行創作與展演，不過根據國外報導，他正計劃運用先進技術和材料進行創作，開發更多突破性的手法，就讓我們拭目以待吧！

圖片來源｜designboom、Instagram @yasuakionishi

擅長以回收材料發展創意設計的META Design，在科教館打造一座「2055未來小屋」，設想資源匱乏、氣候極端化、高端科技並存的2055年生活景況。場景交織META善用廢棄資源重構的物件，及與之形成對比的絢爛霓虹、數位螢幕，加入AI和機器人普及的未來想像，透過具「衝突美感」的賽博龐克（Cyberpunk）情景，具象化了未來人類仰賴先進科技，對既有資源進行極致利用的生存現狀。

預演極端時代的生存邏輯

META與科教館想像的2055年，生活不全然只有先進科技，而是呈現賽博龐克概念中「高端科技與低端生活」並存的極端景象。秉持「以既有資源滿足未來需求」的理念， META不僅透過「2055未來小屋」想像未來，更利用當下的廢棄資源，透過資源再生與升級再造，預演未來的生存邏輯。

3公噸廢棄資源構築未來世界

構築「2055未來小屋」的過程中，META總共運用了3公噸的廢棄資源，其中包含台電退役電箱、來自工地的營建廢棄物，以及從資源回收廠取回的民生廢棄物等等。帶有歲月痕跡的木料與金屬設備，與冷冽的霓虹、滿佈程式碼的數位監控螢幕，形成鮮明對比，隱喻著2055未來世界的生活景況——人類仰賴先進科技，將手邊資源做最極致的運用。

3大主題探討AI資源應用、未來建築的可能

META也以團隊目前的工作型態為基礎，加入未來AI科技、機器人普及化的想像，為小屋規劃3大核心主題內容，以下分別看向各區：

「城市採礦」聚焦AI智慧調度與資源監控，靈感來自META收集廢棄材料的日常，延伸想像未來人類與機器人協作，透過AI中控系統進行即時指揮、掌握資源脈動，實現高效化材料回收及運籌的工作狀況。

「材料倉庫」透過數據化倉儲的場景，探討如何透過AI影像辨識，搭配大數據分析，為材質建立「數位履歷」，讓團隊得以從琳瑯滿目的回收材料中，精準找到所需素材。

「未來建設」顧名思義想像了未來建築的可能，包含生命週期的擴延，及量體本身如何再利用。META把都市中的閒置建築結構，視為立體化、堆疊化的土地，實踐「在房子裡蓋房子」的概念，在既有大樓骨架中打破空間隔閡，讓過剩的住宅與商辦轉化為學校、工廠或綜合機能聚落，這不僅能延長建築的生命週期，更大幅降低了營建過程中的隱含碳。

讓昨日的廢棄物，成為明日城市的基石

META始終相信：「創作的終點不在於物件的完成，而是在於社會意識的覺醒。」透過這座設於科教館的「2055未來小屋」，團隊試圖將抽象的「永續發展目標（SDGs）」轉化為可觸碰、可感知的場景，並期望小屋能成為一個教育起點，鼓勵新一代的創作者與公民，在日常生活中實踐「資源採礦」，從資源的消費者進一步蛻變為城市生態的構築者。

META「2055未來小屋」

展場｜台北科教館6樓《回到未來》常設展內

地址｜台北市士林區士商路189號

2021年，塵封近半世紀的黃土水雕塑作品《甘露水》，終於重見天日，在北師美術館「光──臺灣文化的啟蒙與自覺」展覽中與大眾相見，其後更巡迴至高美館、南美館、國美館等各地展出，讓更多觀眾能親眼見證「台灣維納斯」風華，窺探她優雅身姿後的時代故事。

北師美術館「光」展落幕5年後，紀錄長片《甘露水》即將於2026年5月15日上映，邀觀眾以影像為窗口，追溯《甘露水》百年間從創作、流離失所到再現的完整軌跡。紀錄片影像書、電影原聲帶也將同步推出，透過影像、文字、音樂的多重轉譯，擴延這件「國寶」的當代意義，也讓一段曾中斷的藝術歷史，得以被再次看見和理解。

「台灣維納斯」的驕傲與多舛身世

百年前，雕塑家黃土水隻身遠行，在大理石雕刻技術仍極為稀少的時代，以自學與堅定信念完成等身作品《甘露水》。這件被譽為「台灣維納斯」的美作，是台灣第一座裸體雕像，刻畫一名面容充滿自信的女子，她將雙手輕放於身後蚌殼之上，頭微微仰起、姿態挺直，神情舒緩而堅強。

《甘露水》不僅帶有黃土水對當時社會的期盼與想像——大步向前、向上進展、自信無畏，更在尚未建立「藝術」概念的台灣社會中，開闢出一條全新的道路，許多年輕創作者因而受到感召，踏上各自的藝術之路。

然而，《甘露水》曾在歷史動盪中一度消失，長達近半世紀未曾出現在公共視野，直到2021年北師美術館籌辦「光」展覽時，在總策畫林曼麗與策展研究團隊的努力之下，才得以重現於世人眼前。

《甘露水》紀錄長片5/15上映

在《甘露水》重新面向大眾後，北師美術館進一步提問：《甘露水》如何在當代被重新理解？由此出發，導演黃邦銓、林君昵延續「光」展的《甘露水》紀錄短片，將其拓展為長片，歷時5年於台灣、日本兩地拍攝，透過第一手訪談和歷史調查，追溯《甘露水》百年間從創作、遺失到再現的完整軌跡，全片更以膠卷影像回應雕塑大理石的質地，及其承載的時代情感。

《甘露水》紀錄片不僅入圍金馬62「最佳紀錄片」、「最佳原創電影音樂」2項大獎，更入選2026紐約現代美術館紀錄片雙週影展（MoMA Doc Fortnight），領這段台灣藝術故事走向國際。

紀錄片影像書、原聲帶同步登場

在紀錄片於5/15正式上映前，北師美術館啟動「一起踏上藝術的道路吧！《甘露水》的當代迴響」募資預購計畫，搶先開賣《甘露水》紀錄片電影交換券，並可同時預購影像書、原聲帶等周邊。

《甘露水》紀錄片影像書為黃邦銓、林君昵2位導演集結5年田野調查、歷史文獻與影像紀錄，所發展出的研究與視覺文本。

電影概念原聲帶黑膠專輯，則由聲音藝術家王榆鈞以聲音回應雕刻的節奏與精神。整體視覺由設計師何佳興統籌，以材質與形式回應黃土水所處時代的文化交會。

一場從美術館出發的文化行動

這項計畫不只是一次電影上映或出版發行，而是一場從美術館出發的文化行動。從雕塑的一斧一鑿，到影像的生成、書寫的整理與聲音的延伸，《甘露水》在不同媒介之間持續被轉譯，使這件作品不再只是歷史中的存在，而能在當代持續創造新的意義，回應著百年前黃土水的藝術精神。